Música

forma de arte que usa sonidos y silencios

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es, según la
definición tradicional del término, el arte de crear y organizar sonidos y silencios respetando los
principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de
complejos procesos psicoanímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen
en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte
unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es
la música, ya que destacados compositores en el marco de diversas experiencias artísticas
fronterizas han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites
de la definición de este arte.

Atenea (Minerva) y las Nueve Musas

inspiradoras. De la palabra «musa»
proviene «música».

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La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples finalidades,
entre otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de expresar sentimientos,
emociones, circunstancias, pensamientos o ideas, y cada vez más, cumplir una importante función
terapéutica a través de la musicoterapia.

La música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del ser humano. Está
relacionada con el pensamiento lógico matemático, la adquisición del lenguaje, el desarrollo
psicomotriz, las relaciones interpersonales, el aprendizaje de lenguas no nativas y a potenciar la
inteligencia emocional, entre otros. Por este motivo, la música debe estar presente en cualquier
plan educativo moderno y ser reconocida como una disciplina imprescindible dentro de la
enseñanza obligatoria.

La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro
puede cumplir variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.).
En muchas culturas, la música es una parte importante del modo de vida de la gente, ya que
desempeña un papel fundamental en rituales religiosos, en las ceremonias de rito de paso (por
ejemplo, la graduación y el matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el baile) y en
las actividades culturales que van desde el canto aficionado en el karaoke hasta tocar en una banda
amateur de funk o cantar en un coro comunitario. La gente puede hacer música por afición, como,
por ejemplo, un adolescente que toca el violonchelo en una orquesta juvenil, o trabajar como
músico o cantante profesional. La industria musical incluye a las personas que crean nuevas
canciones y piezas musicales (como los cantautores y los compositores), a las personas que
interpretan música (que incluyen a los músicos de orquesta, de bandas de jazz y de bandas de rock,
a los cantantes y a los directores de orquesta), a las personas que graban música (productores
musicales e ingenieros de sonido), a las personas que organizan giras de conciertos y a las
personas que venden grabaciones y partituras a los clientes. Incluso una vez que se ha interpretado
una canción o pieza, la crítica musical, el periodismo musical y la musicología pueden valorar y
evaluar la pieza y su interpretación.

Etimología

En la mitología griega, las nueve

musas fueron la inspiración de
muchos esfuerzos creativos,
incluidas las artes.

La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike; «(arte) de las musas»)[1] En la mitología
griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraban la literatura, la ciencia y las artes y eran la
fuente del conocimiento plasmado en la poesía, los cantos y los mitos de la cultura griega.

Según el Diccionario etimológico en línea:

El término «música» deriva de «musike, de mediados del siglo XIII, del francés
antiguo musique (siglo XII) y directamente del latín musica "el arte de la música",
 que también incluye la poesía (también la fuente del español música, italiano
musica, alto alemán antiguo mosica, alemán Musik, holandés muziek, danés
musik)». Se deriva del «...griego mousike (techne) "(arte) de las musas", del
femenino de mousikos «perteneciente a las musas», de Mousa «Musa».

La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término «música» se

refiere a cualquier arte en el que las musas presidían, pero especialmente la música y la poesía
lírica.[2]

Definición

La música académica occidental ha

desarrollado un método de escritura
basado en dos ejes: el horizontal
representa el transcurso del tiempo, y
el vertical la altura del sonido; la
duración de cada sonido está dada
por la forma de las figuras musicales.

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales
se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen
múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se
entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una
formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo
que consensualmente se puede denominar «música»— se pueden percibir ciertos patrones del
«flujo sonoro» en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los
humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales). La definición que se
atribuye a Edgard Varese de música como sonido organizado,[3] y también la de la Enciclopedia
Británica que en su 15a edición describe que «aunque no haya sonidos que no puedan ser descritos
como inherentemente no-musicales, en cada cultura los músicos han tendido a restringir la gama
de sonidos que estaban dispuestos a admitir». John Blacking añadió este detalle importante a la
definición de Varèse: «la música es sonido organizado humanamente». [4]
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales:
que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la
función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada
diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función «estética», se trata de un punto
bastante discutible; así, por ejemplo, un «jingle» publicitario no deja de ser música por cumplir una
función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función
«estética» presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma
autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del
filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después

recogidas en su Dictionnaire de la Musique,[5] la definió como el «arte de combinar los sonidos de
una manera agradable al oído».[6]

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas expresadas en un
proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio
propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música es el
arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a explicar lo que es
el arte, y presupone que hay combinaciones «bien hechas» y otras que no lo son, lo que es por lo
menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de
manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo
de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo
alemán Johann Wolfgang von Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo
metafóricamente a la arquitectura como «música congelada». La mayoría de los estudiosos
coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una
organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o
agradable.

Parámetros del sonido

Véase también: Nota musical

 Distribución de las notas musicales en el
teclado de un piano. Cada nota representa una
frecuencia de sonido distinta.

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el
movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que
generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es
una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad

de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto
se pueden definir los sonidos como graves y agudos. Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo
(o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación
de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus
máximos y mínimos en el mismo instante. [7]

La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración
del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los
segundos que esta contenga.

La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad

viene representada en una onda por la amplitud.

El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que
estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que
escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos
(tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental).
El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la
intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en
una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se
representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas
senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje
 de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono,
y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

Elementos de la música

Un ejemplo de las escalas de la

antigua Grecia es la octava hipofrigia
de género enarmónico (en mi). Ya
existía el concepto fundamental de
octava. La nota varía según la
armonía (αρμονία), transcritas como
modos griegos. La polifonía y
variedad de instrumentos aerófonos,
cordófonos y membranófonos, han
sido documentadas en infinidad de
grabados y dibujos.

La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual. Ambos no se hallan
yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan, en la música, para formar una
imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea intelectual, el material acústico experimenta
una preparación pre-musical, mediante un proceso de selección y ordenamiento. [8]

La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un ordenamiento que la

predestina para ser el vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un entendimiento general
previo, dentro del material acústico para la organización de la música, encontramos diversas
clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en ambientes académicos es la que divide la
música en melodía, armonía y ritmo.[9] La manera en la que se definen y aplican estos principios,
varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que

suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con
identidad y sentido propio. Los silencios también forman parte de la estructura de la melodía,
poniendo pausas al «discurso melódico». El resultado es como una frase bien construida
semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica
podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se
denomina contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde o
tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con
 sonidos vecinos.

El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias,
pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música,
esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se
refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del
mismo o, dicho de otra manera, su duración.

La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre dos (o más)
notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de la historia, destacan
principalmente el legato, el staccato, el portato, el tenuto, el acento, el marcato y el calderón.

Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy llamamos cerebro-cuerpo-mente)
convierte el material acústico en arte, y así la música adquiere historia, vinculándose con el tiempo
y haciéndose atemporal.

La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo xx, produjo a veces dificultades de

información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y es por eso que otros
elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el fenómeno de la música, como son
la forma, la instrumentación, la textura, etc. A partir de todos estos elementos, se originan nuevos
principios de ordenamiento y posibilidades de composición. [8]
Historia

Prehistoria

La flauta de hueso encontrada en

Divje Babe (Eslovenia), con más de
40 000 años de antigüedad.

La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los sitios
arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en huesos en los que se han
perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en un extremo como el shakuhachi japonés.
Se piensa que la flauta de Divje Babe, tallada en el fémur de un oso de las cavernas, tiene al menos
40 000 años. Se han recuperado instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de
instrumentos de cuerda, como el ravanahatha, de los yacimientos arqueológicos de la civilización
del valle del Indo.[10] La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo; las
referencias a la música clásica india (marga) se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la
tradición hindú.[11] La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos
se encontró en China y data de entre el 7000 y el 6600 a. C.[12] El «Himno hurrita a Nikkal», que se
encuentra en tablillas de arcilla que se remontan aproximadamente al 1400 a. C., es la obra musical
escrita más antigua que se conserva.[13] [14]

Antiguo Egipto
Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la música, y Osiris, a
su vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La evidencia material y
representativa más antigua de los instrumentos musicales egipcios data del período predinástico,
pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaron
arpas, flautas y clarinetes dobles.[15] Durante el Imperio Medio se agregaron instrumentos de
percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los platillos[16] frecuentemente acompañaban a la
música y danza, como lo hacen todavía hoy en Egipto. La música folclórica egipcia, incluidos los
rituales tradicionales sufíes dhikr, es el género musical contemporáneo más cercano a la música
del antiguo Egipto y han conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.[17] [18]

Culturas asiáticas

Mujeres indias vestidas con atuendos

regionales tocando una variedad de
instrumentos musicales populares en
diferentes partes de la India.

La música clásica india (marga) es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo.[19]
La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran danzas[20] e instrumentos musicales
antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de
cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo-Daro mediante excavaciones realizadas por Mortimer
Wheeler.[21] El Rigveda tiene elementos de la música india actual, con una notación musical para
denotar la métrica y el modo de cantar.[22] La música clásica india es monofónica y se basa en una
sola línea melódica o raga, organizada rítmicamente a través de talas. Silappatikaram de Ilango
Adigal proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio
modal de la tónica de una escala existente.[23] La música hindi actual fue influenciada por la música
tradicional persa y por los mogoles afganos. La música carnática, popular en los estados del sur, es
en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes.
También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.

La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene una historia que
se remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como
afinación y tono musical, instrumentos y estilos musicales o géneros musicales. La música china
es pentatónica-diatónica, con una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la
música de influencia europea.

Referencias en la Biblia

David componiendo salmos, Salterio

de París, c. 960 (Constantinopla).

El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias literarias en la Biblia y

fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música Herbert Lockyer escribió que «la música,
tanto vocal como instrumental, fue bien cultivada entre los hebreos, los cristianos del Nuevo
Testamento y la iglesia cristiana a través de los siglos». Agrega que «una mirada al Antiguo
Testamento revela cómo el pueblo antiguo de Dios se dedicó al estudio y la práctica de la música,
que ocupa un lugar único en los libros históricos y proféticos, así como en el Salterio».[24]

Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la antropología de la cultura

semítica y judeocristiana temprana han descubierto vínculos comunes en la actividad teatral y
musical entre las culturas clásicas de los hebreos y las de los griegos y romanos posteriores. El
área común de actuación se encuentra en un «fenómeno social llamado letanía», una forma de
oración que consiste en una serie de invocaciones o súplicas. Journal of Religion and Theatre señala
que entre las primeras formas de letanía, «la letanía hebrea estuvo acompañada de una rica
tradición musical»:[25]

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and
pipe", the Pentateuch is nearly silent about the practice and instruction of music in the
early life of Israel. In I Samuel 10, there are more depictions of "large choirs and
orchestras". These large ensembles could only be run with extensive rehearsals. This
had led some scholars to theorize that the prophet Samuel led a
public music school to a wide range of students.[25]
 El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el «padre de todos los que manejan el arpa y la
flauta», el Pentateuco casi guarda silencio sobre la práctica y la instrucción de la
música en la vida temprana de Israel. En I Samuel 10, hay más representaciones de
«grandes coros y orquestas». Estos grandes conjuntos sólo podían ejecutarse con
ensayos extensos. Esto había llevado a algunos estudiosos a teorizar que el profeta Samuel
dirigió una escuela pública de música para una amplia gama de estudiantes.

Antigua Grecia

Epitafio de Sícilo

0:50

La inscripción cantada, según la pronunciación del griego koiné.

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La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua Grecia. Los músicos y
cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro griego.[26] Se realizaban interpretaciones
de coros mixtos para el entretenimiento, la celebración y ceremonias espirituales.[27] Los
instrumentos incluían el aulós de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira,
principalmente del tipo especial llamado kithara. La música era una parte importante de la
educación y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical
griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la música griega incluía los modos
musicales griegos, que finalmente se convirtieron en la base de la música clásica y religiosa
occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio Bizantino
cambiaron la música griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo que se conserva de una
composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo.[28] La
obra escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría musical es Harmonika Stoicheia
de Aristóxeno.[29]
Antigua Roma

Trío de músicos tocando aulós,

cymbala y tympanum (mosaico de
Pompeya).

La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana desde los tiempos más remotos. Las
canciones (carmen) eran una parte integral de casi todos los eventos sociales.[30] El Carmen
saeculare de Horacio, por ejemplo, fue encargado por Augusto e interpretada por un coro mixto de
niños en los Juegos Seculares del 17 a. C.[31] La música era habitual en los funerales y la tibia (el
aulós griego), un instrumento de viento-madera, se tocaba en los sacrificios para protegerse de las
malas influencias.[32] Bajo la influencia de la teoría griega antigua, se pensaba que la música
reflejaba el orden del cosmos y se asociaba particularmente con las matemáticas y el conocimiento.
[33]

La música etrusca tuvo una influencia temprana en la cultura de los romanos. Durante el período
imperial, los romanos llevaron su música a las provincias, mientras que las tradiciones de Asia
Menor, África del Norte y la Galia se convirtieron en parte de la cultura romana.[34]

La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la forma de artes

escénicas llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana de ballet narrativo que
combinaba danza expresiva, música instrumental y un libreto cantado.[35]
Edad Media

El introito de Gaudeamus omnes,

escrito en notación neumática en el
Graduale Aboense de los siglos xıv y
xv, rinde homenaje a Enrique, patrón
de Finlandia.

Gaudeamus omnes

3:00

La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del canto monofónico (línea melódica
única) en los servicios de la Iglesia católica. La notación musical se usó desde la antigüedad en la
cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la Iglesia
católica para que las melodías de los cánticos pudieran escribirse, para facilitar el uso de las
mismas melodías para la música religiosa en todo el mundo católico.[a] [36] El único repertorio
medieval europeo que se ha encontrado en forma escrita desde antes del 800 es el canto llano
litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se llamaba canto gregoriano.

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de canto secular. Ejemplos
de compositores de este período son Léonin, Perotín, Guillaume de Machaut y Walther von der
Vogelweide.
Renacimiento

Amicus meus

2:47

De Tomás Luis de Victoria.

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La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares, como el amor
cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que hacía partituras impresas mucho menos
costosas y más fáciles de producir en masa.[b] La mayor disponibilidad de partituras ayudó a
difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia. Los músicos y cantantes
a menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en
tamaño y la Iglesia siguió siendo un mecenas importante de la música. A mediados del siglo xv, los
compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban
simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se
incluyen Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de
Victoria, Thomas Morley y Orlando di Lasso. A medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a
las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores.
Muchos compositores importantes provenían de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se
les llama compositores franco-flamencos y ocuparon cargos importantes en toda Europa,
especialmente en Italia. Otros países con una gran actividad musical fueron Alemania, Inglaterra y
España.
Barroco

Johann Sebastian Bach fue un

destacado compositor de la era
barroca de la música.

Tocata y fuga en re menor, BWV 565

8:34

La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció
en toda Europa y durante este tiempo la música se expandió en su rango y complejidad. La música
barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal dramática solista
acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la música polifónica contrapuntística, en la
que se utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo
importante.[c] Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que
incluían cuerdas, metales y viento-madera, así como para coros e instrumentos de teclado, como
órgano, clavecín y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales
importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún
más, incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto.[37] El estilo barroco tardío era
polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la
época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Georg Philipp
Telemann y Antonio Vivaldi.
Clasicismo

1. Luigi Cherubini
2. Carl Philipp Emanuel Bach
3. Joseph Haydn
4. Johann Christoph Friedrich Bach
5. Ludwig van Beethoven
6. Franz Xaver Richter
7. Wolfgang Amadeus Mozart
8. Luigi Boccherini
9. Carl Friedrich Abel
10. Christoph Willibald Gluck
11. Maria Anna Mozart
12. Johann Christian Bach

La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se consideraba los
elementos clave del arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Antigua Roma: los ideales de equilibrio,
proporción y expresión disciplinada.[d] La música del período clásico tiene una textura más ligera,
clara y considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal fue
la homofonía,[38] donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes
subordinados son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi
vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el precursor del piano
moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de la época barroca como principal instrumento de
teclado, aunque este último siguió utilizándose en la música sacra, como las misas.
Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor desarrollo de
formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el concierto y la sinfonía.
Otros tipos principales fueron el trío, el cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata
fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también
escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las formas
instrumentales principales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los
conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos tocaban música de cámara y
la orquesta se volvió más estandarizada. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca,
que consistía en clavecín, órgano o laúd junto con varios instrumentos bajos seleccionados a
discreción del líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo, tiorba o serpentón), los grupos de
cámara clásicos usaron instrumentos estandarizados especificados (por ejemplo, un cuarteto de
cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un violonchelo). La interpretación de
acordes improvisados de la época barroca del tecladista de continuo o el laudista se eliminó
gradualmente entre 1750 y 1800.

Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el desarrollo de
conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de
conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían sobrevivir sin ser empleados
permanentes de reyes o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica llevó a un
crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió
la construcción de grandes espacios para espectáculos públicos. La música sinfónica, incluidas las
sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros vocales/instrumentales mixtos, como
la ópera y el oratorio, se hicieron más populares.

Los compositores más destacados del clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph
Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van
Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se consideran compositores de la
última parte de la era clásica, ya que comenzó a moverse hacia el Romanticismo.
Romanticismo

El piano fue la pieza central de la

actividad social de los urbanitas de
clase media en el siglo xıx (Moritz
von Schwind, 1868). El hombre al
piano es el compositor Franz
Schubert.

La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo xıx tenía muchos elementos en común con los
estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El Romanticismo fue un movimiento
artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo,
así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió
más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones expresivas más
apasionantes y dramáticas. Compositores románticos como Richard Wagner y Johannes Brahms
intentaron aumentar la expresión emocional y el poder en su música para describir verdades más
profundas o sentimientos humanos. Con poemas sinfónicos, los compositores intentaron contar
historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores
promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música
folclórica. Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la
tradición.

Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de

explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia
(personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fue un
tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, se
siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma sonata
utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En
muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes.
Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo tema.
Los compositores continuaron desarrollando música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y
temas.[26]
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert
introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos,
desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más
significativa.[e] Compositores románticos posteriores como Piotr Ilich Chaikovski, Antonín Dvořák y
Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear una tensión
dramática. Generaron obras musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el
período romántico tardío, los compositores exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de
la tonalidad, como los acordes extendidos y los acordes alterados, que crearon nuevos colores de
sonido. A finales del siglo xıx se produjo una expansión espectacular en el tamaño de la orquesta y
la Revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los
conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada.
También vio una nueva diversidad en la música para teatro, incluida la opereta, la comedia musical
y otras formas de teatro musical.[26]

El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito musical sino
también en el técnico ya que gracias a los avances logrados debido a la Revolución industrial su
mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la misma forma que el capitalismo influyó en el
modo de organización jerárquico de las cadenas de producción, el piano se utilizó como
herramienta para conseguir la expresión musical y como ayuda a la composición. [39] En dicho
período hubo importantes compositores como Félix Mendelssohn, Frédéric Chopin, Franz Liszt,
Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz que realizaron
obras para piano. Del romanticismo tardío destacan compositores como Aleksandr Skriabin,
Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.[40]
Siglo XX y XXI

Enrico Caruso con un gramófono.

En el siglo xıx, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al
público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionados de clase
media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música
del siglo xx, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad
de discos de gramófono en el mercado masivo significó que las grabaciones sonoras de canciones
y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su tocadiscos) se convirtieron en la
principal vía para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un gran aumento en la escucha
de música a medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y
distribuir música, porque mientras que en el siglo xıx, el enfoque en las partituras restringió el
acceso de la nueva música a las personas de clase media y alta que podían leer música y poseían
pianos e instrumentos, en el siglo xx, cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar
óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de
bajos ingresos, que no podían pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónico, escuchar
esta música. También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes
del país, además de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos
lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales.

El enfoque de la música artística en el siglo xx se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos,

estilos y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las
artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y
ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales como el jazz y la música
folclórica como fuente de ideas para la música clásica. Ígor Stravinski, Arnold Schönberg y John
Cage fueron compositores influyentes en la música artística del siglo xx. La invención de la
grabación de sonido y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo subgénero de la música
clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática[41] y música concreta. La
grabación de sonido también fue de gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales
populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran
ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la
música rock, porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un
sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas
de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: Louis Armstrong, Charlie Parker, Ella
Fitzgerald y Aretha Franklin.

El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo xx y durante la
segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical
estadounidense que se originó a principios de siglo en las comunidades afroamericanas del sur de
Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El
pedigrí de África Occidental del estilo es evidente en el uso de notas de blues, improvisación,
polirritmos, síncopa y la nota swing.[42]

La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir del
rock and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country.[43] El sonido del rock a
menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido
por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo
blues se utilizan como instrumentos solistas. La sección rítmica tradicional de la música popular es
la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas también tienen instrumentos de
teclado como órgano, piano o, desde la década de 1970, sintetizadores analógicos. En la década de
1980, los músicos pop comenzaron a usar sintetizadores digitales, como el Yamaha DX7, cajas de
ritmos electrónicas como el Roland TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland TB-
303) o teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más
amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y software (por
ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de 2020, los sintetizadores de
software y las aplicaciones de música de computadora permiten crear y grabar variados tipos de
música, como música electrónica de baile en su propia casa, agregando instrumentos muestreados
y digitales y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de géneros
como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean música manipulando
música grabada en tocadiscos o reproductores de CD, usando un mezclador de DJ.

Cultura y música

Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la versión actual de este artículo o
sección.

Violinista en la catedral de Dublín.

Todas las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. La mayoría de las especies
animales también son capaces de producir sonidos de una forma organizada para comunicar una
gran variedad de mensajes. Lo que define a la música de los hombres no es tanto el ser una
combinación «correcta» (o «armoniosa» o «bella») de sonidos en el tiempo como el ser una práctica
de los seres humanos dentro de un grupo social determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas

tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos
utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de
tratar el ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las
diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que
la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando
en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un contexto social
determinado, podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la
música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra
sociedad.
 La Música, representación alegórica
de la música, diseñada por Józef
Gosławski en un edificio en Varsovia.

La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas
durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son «universales», es
decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos. Dice
Schopenhauer, «(la música) repercute en el hombre de manera tan potente y magnífica, que puede
ser comparada a una lengua universal, cuya claridad y elocuencia supera a todos los idiomas de la
tierra».[44]

Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal», puesto que varios de sus elementos,
como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las frecuencias de las
diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y que los
humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello.
Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así,
por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es
exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía
es privativa de la cultura occidental[cita requerida] porque representa un estadio más «avanzado» o
«superior» de la «evolución» de la música.

Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es la

compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo, muchas
veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y un tercero quien cobra las regalías.
La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como la idea de
que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se produce es
solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo
más «universal») es que creador e intérprete sean la misma persona.
La notación musical occidental

Fragmento de uno de los himnos

dedicado al dios de la música Apolo,
en Delfos, Grecia. El templo oracular
era una acrópolis y fue construido en
su honor. Este fragmento contiene la
notación musical introducida por los
helenos, situando las notas por sobre
las estrofas (a modo de «cancionero
popular»).

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de notación
musical. Sin embargo, es a partir de la música de la Edad Media (principalmente canto gregoriano)
que se comienza a emplear el sistema de notación musical que evolucionaría al actual. En el
Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque
-como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.

El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del
tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en
relación con un pentagrama (del griego «πεντα», «penta»: cinco; y «γραμμa», «grama»: líneas), que
al comienzo tiene una clave que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una
determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la «clave de sol en segunda línea»
nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo),
como la el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el
sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas
adicionales. Las claves más usadas son las de:

do en tercera línea (clave que toma como referencia al do4 de 261,63 Hz, el do central del piano),

sol en segunda línea (que se refiere al sol que se encuentra una quinta por encima del do central),
y
fa en cuarta línea (referida al fa que está una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea
vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al
comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la
cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de
tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un
círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que
la blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que
comienza en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos
horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda
y el doble que una negra, etc.

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada
partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda
corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo
3
será representado por una negra, etc. Así, una partitura encabezada por un4 estará dividida en
compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un
4
compás de8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de
redonda, de blanca, etc..

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no
prevé la subdivisión por tres, que será indicada con tresillos. Cuando se desea que a una nota o
silencio se le agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando
se desea que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se
las une por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o
menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican
mediante el uso de una «f» (forte, fuerte) o una «p» (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La
velocidad de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de
velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.
Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico

El canto de los ángeles (obra de

William Bouguereau), siglo xıx.

La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un mejor

rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan ambos hemisferios cerebrales. Por
esta actividad, la concentración, memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse,
y este ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que
el cerebro se ve retado a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión,
como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus
funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la Universidad de California han
comprobado que la práctica de instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales
formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en
los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico español de la
neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la única actividad que hacía más
conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este instrumento se emplea cada
dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos ritmos y velocidades, y en adición,
los pies, que también tienen una importante función al utilizarse los pedales.[45]

A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje de otros
idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el ritmo,
tienen mucho que ver con las variaciones del habla en los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene
un acento distinto, y en la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían
acoplar a los diferentes idiomas.[46]