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El arte por el arte

REFLEXIONES SOBRE ARTE CONTEMPORÁNEO · POR ZURIÑE LAFÓN

H. Matisse y el Fauvismo
Es el primer movimiento dentro del siglo XX de vanguardia frente a una serie de corrientes que
surgen a fines del XIX -principios del XX- cuyo lema es la austeridad, el color; el fauvismo se
presenta como un verdadero fogonazo de color. Un fogonzado de carácter revolucionario. Es
que el fauvismo nace en el año 1905 como una verdadera explosión.
¿Qué ocurre en ese año? Que un grupo de pintores que habían pasado el verano juntos, trabajando,
pintando en la localidad francesa de Coyure, decide presentar el resultado de ese trabajo en la
exposición, en el salon de otoño que se celebraba anualmente de manera continuada desde 1903. Era
un salón abierto a las nuevas propuestas y ellos presentan allí su obra. El vicepresidente del salón
(Grand Palais de Paris) decide reunir todos esos cuadros en una misma sala porque la manera
de trabajar le pareció que tenían unos rasgos comunes, y por coherencia los juntó. Uso de un
color estridente, chirriante. ¿Qué impresión causó en el público y la crítica esa sala? Pues el
prestigioso crítico Luis Bousel denominó a la sala: la jaula de las fieras. Un verdadero escándalo.

La escultura que presidía la sala se consideraba de segunda fila. El crítico dijo: Donatello frente a las
fieras. Por eso se les conoce como los fauvs, fieras. Lo que se valoraba en ese momento era la
pintura de la academia, y ellos ponían en peligro todos los principios del arte oficial establecidos por
la escuela de bellas artes y que seguían los pintores más prestigiados de ese momento.
Dura muy poco porque en 1908 los pintores comienzan a disgregarse y para 1910 el grupo esta ya
superado. Aclaración: frente a o anterior, que un pintor pertenencia a un movimiento; pero ahora los
fauvistas no dejan de pintar y Matisse morirá en el 53 siendo un fauvista.

 Henry Matisse. Es el único pintor que teorizó sobre el grupo. No tiene manifiesto.
 André Derain
 Maurice Vlaminck
 Raoul Dufy
 Albert Marquet
 Charles Camoin
 Henri Manguin
 Émile Oton Fiesz

Los fauvistas no forman un grupo cohesionado, pero esto va a ocurrir muchas veces en los
movimientos del arte del siglo XX. Cada artista tiene su propia personalidad. En el fauvismo cada
uno trabaja por separado, solo se juntan para algunos proyectos como exposiciones. Pero se le ha
definido como grupo y como grupo los vamos a tratar, pero sus contactos fueron muy puntales. La
mayor parte de ellos pertenecía a una clase social media, tan solo Matisse tenia estudios
universitarios y no son intelectuales, no les intereso el ámbito de la teoría sino que se dedicaron
sobre todo a pintar y expresar a través de los pinceles, sentimientos, estados de animo, su forma de
entender el arte, la vida… No están interesados en el arte anterior. Algunos como Vlaminck se jactan
de no haber pisado nunca un museo (no Matisse).

Huyo de su olor, monotonía y seriedad. Detesto la palabra clásico en el sentido

que la gente la utiliza. Si es cierto que todos tienen una conciencia
revolucionaria: romper. Y para ello van a emplear recursos, soluciones
novedosas, distintas. Se oponen a las normas institucionalizadas. Decia
Vlaminck: uso colores puros directamente del tubo.
Frente a esa diversidad hay un denominador común y es que les une la necesidad de expresar.
Su pintura es expresiva. El fauvismo se inserta dentro de las tendencias expresivas: expresión de
sentimientos a través de la pintura. Y en este sentido se convierte en heredero de la obra de Van
Gogh. Van Gogh que transmitía, expresaba a través de pincel sus propios estados de animo y los
traspasaba al ámbito de representación de la naturaleza. El estado agitado y desequilibrado de La
noche estrellada.
Estilo
También va a conectar con la obra de Gauguin, la síntesis de las formas, el uso de colores planos, las
fauvistas trabajan en esa línea. La pintura de Signac con su colorido intenso, y la pintura de la ultima
etapa de Cezanna, menos constructiva.
Les une más lo que rechazan que unas influencias concretas, porque como muchos otros pintores de
otras corrientes, se puede decir que en sus planteamientos también hay una cierta incongruencia.

1. Se oponen al impresionismo. Mera apariencia, carente de estructura y que le hacia falta una
solidez, una estructura. Pero a pesar de eso adoptan los temas, sobre todo, cercanos
contemporáneos, cercanos en el tiempo
2. Van a criticar al puntillismo. Intentaron un arte científico en el que las normas matemáticas se
adoptaran en la composición y en la aplicación del color. Era un arte carente de espontaneidad
en ese sentido. Pero en cambio van a admirar el uso intenso del color que aplica signac. Y ellos
mismos utilizaran la técnica puntillista.
3. Rechazan de plano todas las categorías de la pintura clásica. Ellos quieren recursos
diferentes a la perspectiva, modelado, volumen, claroscuro… Por tanto, pintura bidimensional.

Por el contrario, se sitúan cerca de corrientes repintura primitiva:

1. Gaugin: vuelta a lo primitivo, representaciones simplificadas, ingenuas.

2. Pintura de silueta que recuerda a la pintura románica, gótica… formas planas, carente de
profundidad…

Pintura instintiva, personal en la que llevan a cabo una síntesis de las influencias antiguas y de las
anteriores. Síntesis del impresionismo, del neo impresionismo, del post, del simbolismo y del
expresionismo.
Estética
Notas de un pintor, Matisse escribe una obra en 1908, no es fundacional porque el grupo se esta
disgregando precisamente. Es un texto hecho casi a posteriori. Realmente no pretende definir el
movimiento, sino explicar cual era el principio de su propia pintura, a su manera particular de
trabajar. El resto de los escritos que existen sobre el fauvismo son textos variados: cartas,
entrevistas… pero un conjunto disperso, no hay una base sólida teórica que respalde al grupo de
pintores, entre otras cosas porque no les interesaba reflexionar sobre la pintura, sino trabajar y
expresar.

1. Síntesis entre dos polos opuestos: la línea y el color. Esta hablando de recursos esencialmente
pictóricos. La línea constituye el componente intelectual, racional de la pintura. Y el color, por
el contrario, corresponde a esa concepción óptica, sensorial… son dos niveles diferentes con los
que el pintor va a trabajar.

1. La línea (concepción intelectual y racional). Matisse fue unos de los grandes dibujantes del
siglo XX. Para el era fundamental reducir los elementos a lo esencial, la acumulación de
elementos y detalles no hacia mas real un objeto, al contrario, le restaba esencialidad, por tanto
había que reducir esos objetos al mínimo, a los esenciales. Pero es que además en una
composición también reduce el numero de objetos. No barroquizar la composición, sino a
reducirlo a lo esencial. Esto recuerda a la pintura de Gauguin

 reduce los objetos a los esencial

 reduce el numero de objetos representados
 simplificación como consecuencia de un proceso de análisis

Incluso líneas sin terminar, que terminan en la imaginación del espectador. Pero cuidado: síntesis
fruto de un trabajo muy duro. El análisis le hace tomar varios puntos de vista y con la línea
contribuye a dotar de materia de volumentria a sus figuras. Trabando sobre todo con lineas curvas.

1. El color (concepción pensional y óptica). El color cumple varias funciones. Es un color

chirriante.

 intenso, estridente y arbitrario. Violento. Arbitrario significa que no se corresponde con la

realidad. Salido directamente del tubo no es un color trabajado. Un color muy potente en cuanto
a su capacidad de expresión. La fundamental función es la siguiente:
 vehiculo de expresión. El carácter expresivo de la pintura fauvista se centra sobre todo en el uso
del color. Por eso herederos de Van Gogh. Matisse: servir a la expresión de l modo mas
perfecto posible. Los descubro de manera instintiva, no se apoya en ninguna teoría científica.
Observación y sentimiento. Me limito a elegir un color adecuado a mi sensación que quiero
transmitir. Es un color subjetivo.
 resuelve problemas estructurales. Aquí es donde viene uno de los pilares, de las claves de la
pintura fauvismo como movimiento de ruptura: el color va a servir para estructurar el cuadro, el
espacio dentro del cuadro, para resolver los problemas estructurales. ¿Qué significa? Los
fauvistas va a ser unos de los primeros artistas que van a aprovecharse y van a aplicar a su obra
una serie de estudios que se había llevad a cabo con el color, y ellos asimilan que cada color
ocupa un lugar diferente en el espacio. Esto significa: que diferencia hay, además de la luz, de
una sensación espacial. Este principio de los colores lo aplican a cada uno de los colores. Y ellos
los utilizan para estructurar el espacio, proporcionar cercanía, lejanía, profundidad… dentro del
cuadro. Esta forma de estructurar el cuadro esta en el polo opuesto de las perspectivas líneas y
aéreas que se utilizaban para fingir esta tercera dimensión. Ellos dicen que no se tiene que fingir.

1. la luz es la consecuencia del choque de intensidades de color. No trabajan con el modelado,

solo choque de colores.

Persiguen un equilibrio mediante a combinación de elementos puramente pictóricos: línea, luz y

color.
Henry Matisse
[1869 – 1954]
Es el cabeza. Es el artista con una formación mas sólida, unos intereses mas amplios ye l que mas
aportaciones hace dentro del grupo. Como Bonnard, también empieza los estudios de derecho. Pero
a los 21 años, después de leer un estudio sobre el arte, decide cambiar de orientación y dedicarse de
lleno al ámbito de la pintura. Para ello realiza una formación profesional: Escuela de bellas arts, para
lo que tuvo que demostrar unas dotes y habilidades mas que evidentes con el dibujo y el pincel, la
selección era muy rigurosa. Allí tuvo una gran suerte: allí los alumnos eran asignados a diferentes
profesores, y a el lo destinaron al taller de Gustave Moreau (La aparición) Simbolista y académico.
Pero era partidario de que sus alumnos desarrollaran sus propias habilidades, sin criterios rígidos a la
hora de trabajar y sobre todo, las potenciaba. En este taller Matisse compartió aula con otros
estudiantes que luego se integrarían en el grupo fauvista.
Esta formación la compagina con constantes visitas al museo del Louvre. Es un gran estudioso de los
maestros del pasado. Queria familiarizarse con la técnica de esos grandes maestros. Y también
frecuentaba las galerías de arte, donde podría ver ejemplos de artistas más contemporáneos.
La mesa servida 1897. Estilo cercano al impresionismo. Tema muy próximo al modo de trabajar de
Pizarro. Tema nuevamente intrascendente. Mesa tratada con perspetiva en altura. Gran bodegón.
Tema ligado a la burguesia media y con pincelada muy suelta. Bodegon lleno de elementos, hay un
estudio atmosferico. Uso de un color vivo, alegre. Se percibe el interes por uso del color puro

Frutas y cafeteras 1899. Contraste intenso de colores. Gusto del momento por lo atmosférico.
Cierto aire de conexión con la obra de Cezanne.

A partir de aquí, expresión de su propia personalidad. Tiene mucho que ver n viaje que hace a
Londres, y conoce a Turner (paisajista romántico) que trabaja con manchas de color y colores
complementarios; gusto por las atmósferas que Matisse no recupera del mismo modo pero si esa
explosión intensa de los colores. Pero también viaja a Corcega, al mediterráneo: luz intensa y
vibrante, que resalta los colores, que define geométricamente los volúmenes… a partir de aquí:
pintura decorativa, color vibrante, pintura que pese a que hemos dicho que se trata de una tendencia
expresiva, va a definir una diferencia importante con el expresionismo alemán: diferencia ligada
sobre todo a los temas que trabaja Matisse. Son temas amables, temas de atmósferas luminosas,
decorativos, frente a los desgarrados, violentos, que trabaja el expresionismo alemán: la carga de
expresión en uno y otro grupo es muy distinto
Temas: bodegones, interiores de habitaciones, desnudos y retratos. Pero como ocurre con la pintura
nabies, esos temas son una simple escusa. Para el lo importante es la expresión y el uso de las
herramientas propias de la pintura. Interesa más el cómo que el qué.
Lujo, calma y voluptuosidad I (1904 – 5). Punto grueso, cerca de Signac. Color intenso de Signac
(Serat era mas sobrio en el color). Obra que constituye un homenaje a los cuadros de las balistas de
Cezanne. Es el mismo tema representado de otra manera. Visión más idealizada, de ensoñación,
simbolista, y a pesar de que todavía trabaja con una perspectiva más o menos tradicional en la
creación de esa tridimensionalidad, ya veos rasgos que le definen: simplificación de las formas
definidas con simples trazos y esa utilización intensa del color. Un color que marca constantes
transiciones dentro del cuadro y que se convierte en vehiculo expresivo.

¿La técnica de puntos? Parte del verano de 1904 conoció a Signac y practica el color estridente y
gruesos puntos. Todavía en esta obra se ven rasgos que vincula con pintura tradicional: perspectiva
lineal, la escala de planos… Todavi aun cierto toque, un aire, un conjunto de elementos formales
todavía ligados a la pintura tradicional.
Retrato de la raya verde 1905. El pintor auna diferentes referentes.
1) Lo que quiere presentar es un modelo icnográfico habitual: un retrato femenino siguiendo los
modelos aristocráticos del momento. El formato es común y característico al publico que
contemplaba la obra. ¿La diferenta? En esos atrevimientos del color. Aquí Matisse aplica los
principios estéticos que van a definir lo que es el fauvismo.
2) Línea sintética, reducida a su minima expresión, que va a definir los rasgos esenciales del
momento que se pinta. Aquí la línea no ofrece una información detallada del personaje, solo delimita
los rasgos esenciales.
3) El color es estridente y violento. Aplicado en manchas irregulares que marcan transiciones. Un
color que además de servir para expresar, ayuda a estructurar la forma. Hay una sensación de relieve
¿cómo se consigue? Desde luego, no a través del modelado. A base de colores amarillos, verdes,
rosas, naranjas… y solo el rostro. Es el color el que va articulando. Los colores fríos y claros alejan,
por el contrario, los calidos y oscuros aproximan. Y a partir de ahí, construye el retrato con
volumetría. El color lo aplican directamente del tubo y es un color plano, aunque después quizá se
mezclen en la superficie. Ese carácter insólito del retrato se hace mas fuerte cuando saben que a la
hora deposar fue vestida totalmente de negra. Es un color totalmente arbitrario. Porque de lo que se
trata es de expresar, no de imitar.
¿Por qué la raya verde? Porque el relieve esta conseguido con ese golpe de color que recorre el
rostro desde la frente hasta el mentón

 Ya se ve tendencia hacia el color plano, sobre todo en los fondos, a través de los cuales esta
estructurando el espacio. El rojo nos da sensación de mas cercanía que el verde.
 Rostro inexpresivo, porque el tema no es importante, da igual el personaje que sea, la función
expresiva la cumplen los recursos pictóricos.
 Se convierte en icono, casi considerado en su momento como un manifiesto de la pintura
fauvista.

Ventana de Collioure 1905. Una obra de un tema muy similar a cuadros de Bonnard, de la pintura
nabis donde nos muestras interiores, con ventanas abiertas al exterior que se abren a ese paisaje
externo. En este caso el tema central es la ventana de Callioure, pero no es más que una excusa para
ver el trabajo del pintor. Color arbitrario, pintura simplificada… Y contraste entre la manera de
trabajar la estancia, a base de grandes manchas de color y una pincelada gastada de pequeñas
manchas al exterior (como los nabis). Le da un carácter mas cambiante, mas atmosférico. Pinturas en
cualquier caso decorativas. La pintura busca expresarse, pero los sentimientos de los fauvistas son
alegres.

En 1906 se desplaza a Argelia por espacio de 2 semanas, y en este país norteafricano regresa con
objetos de uso cotidiano como tapices, telas, cerámicas… que a partir de este momento forman parte
habitual de muchos de sus cuadros. Integran la iconografía de este pintor. Estos objetos modifican la
idea que Matisse tenia del arte oriental y en su obra, aparte de esa influencia del arte oriental,
comienzan a introducirse influencias bizantinas y musulmanas. Lo oriental tiene peso bastante
importante en su pintura, y debido a ella, Matisse va a ser uno de los pintores que mas importancia
de a los tapices, telas… que en sus cuadros se sumaran a ese carácter decorativo que tanto valora.
EN 1907 se desplaza hasta Italia, donde visita varias ciudades: Florencia, Siena, Padua… Y en ese
viaje tiene ocasión de conocer los frescos que Ioto pintó con su carácter geométrico, con un color
más apagado, y a ello se suma también la amistad que Matisse va a entablar con otra gran figura del
arte del siglo XX que es Pablo Picasso. Todo hace que momentáneamente la pintura de Matisse tome
algunos cambios, pero solo momentáneamente.
El poste – interior rojo 1908 – 1909. De nuevo vuelve al color. El tema es típico del momento: una
estancia. Una pintura de interior. Es una reinterpretación de una obra suya La mesa servida. El
lenguaje es plenamente fauvista. Los protagonistas son el color que lo invade absolutamente todo,
creando una superficie casi sin solución de continuidad. No distinguimos el final de algo y el
comienzo de los siguiente. Y el elemento decorativo, esas formas sinuosas, esos entre lazos,
Influencia del modernismo, los pintores son como esponjas, abiertos a influencias que puedan venir
de cualquier sitio.

En primer termino tenemos a la mujer y un bodegón que evidentemente es muy distinto, ya no es

atmosférico de la pintura impresionista, sino que es un bodegón intelectualizado. Aquí vemos otra
influencia: Cezanne por la geometrización de los elementos y la multiplicación de los puntos de
vista. Vistos de frente: botellas… Introduce la silla en escorzo para dar cierta profundidad.
¿Es un cuadro o una ventana? No lo sabemos, pero sí que examina un tema muy frecuente en la
pintura, ese espacio abierto al exterior, con ese paisaje absolutamente sintético que contribuye a dar
profundidad. Y si se trata de un cuadro, evidentemente ha reinterpretado ese elemento con esa
misma función. Es un tema vigente desde el renacimiento.
Vemos el uso del dibujo: simplificado. Pero vemos que esta hecho en color negro
La Danza 1909 19010. Inspirada en la cerámica arcaica, y en las danzas campesinas. Se dice que
estuvo en Cataluña y vio bailar una sardana, lo que fue s influencia. Nos da una composición
cerrada, aunque dinamica, articulada siempre con ese dibujo sintetico y con tres colores: verde y azul
y el color bermellón para las figuras humanas (color rojo ladrillo).
Matisse: mi primer elemento de construcción es el ritmo, el segundo: una gran superficie de azul
sostenido, en alusión al cielo mediterráneo; y el verde, para los pinos. Estas figuras están trabajados
como meras siluetas, pero consigue dotarlas de cierta volumetría. Pintura con su carácter decorativo.
La música 1909 – 1910. Con los mismos elementos, nos compone por el contrario una composición
estática y abierta. Con esos personajes recostados, sentados sobre el césped. Esas formas rígidas
estáticas que veíamos en la pintura medieval y en la pintura egipcia, la vemos aquí también. Algo
buscado y querido por el pintor.

En 1910 realiza un nuevo viaje que le trae hasta España de nuevo. Mientras que los inviernos de
1911 y 1912 los pasa en Marruecos. De ese momento, nos deja también dos obras dedicadas a la
ciudad de Sevilla, en las que vemos toda esa sinfonía de colores, de elementos decorativos en telas,
paños, tapicerias… que configuran este bodegón y cuadro de interior: Sevilla, naturaleza muerta
1911
En 1916 se desplaza a vivir a Niza. Matisse se aleja de Paris, porque quiere investigar en su pintura,
avanzar, pero lo quiere hacer lejos del bullicio y lejos del foco principal de producción artística para
trabajar con tranquilidad. En este momento, en su traslado, abandona los grandes lienzos, y se pasa a
un formato de cuadro más factible para llevar a cabo esas investigaciones. Va a trabajar con colores
planos, incidiendo en esa simplificación de las formas y dando lugar a una pintura más intimista.
Relega el carácter exuberante del color, de las formas y de los elementos decorativos para dar paso a
una pintura más intimista y espiritual. Por eso recupera el espacio y el volumen, aunque siempre
apoyándose en el uso del color y de la línea. Una de sus mayores influencias: pintura holandesa del
siglo XVII.
La etapa en Niza es la más larga y por el contrario, la menos conocida. Se han difundido más las
obras de pleno fauvista. Pero ya hemos dicho que los autores trascienden la cronología propia de los
movimientos.
Muchos cuadros de interior, habitaciones con o sin figuras, trabajadas principalmente con colores
planos. La intensidad del color se va a relativizar. Se hace más suave, mas armonioso. Donde intenta
representar algo de ese mundo personal suyo, por eso son imágenes de contenido algo más espiritual.
Recuperación del espacio, pero a través de medios que no son ortodoxos. Perspectivas forzadas.
Lady en azul 1937. A raíz de un viaje que realiza fuera de Europa, su carácter sintético todavía se
acentúa más al final del periodo. SU pintura se vuelve mucho mas silueteada. Esa referencia del
volumen en algunas pinturas desaparece Aquí retoma el carácter decorativo del carácter pictórico.
La ultima etapa marcada por una enfermedad que no le permite pintar. A partir de ahí sus manos
quedan agarrotadas, y aunque todavía realiza algún cuadro pictórico (Interior con cortina egipcia), de
aquí a 1953 trabajos realizados con papeles pintados con un color único con quatz recortados y
encolados.
Jazz 1947. Siluetas con las que se establece un constaste de color. Un personaje en ambiente
nocturno.

Desnudo azul 1952. Absoluta silueta. Composición totalmente dinámica: movimiento en acto.

El caracol 1953. Alcanza el ámbito de la abstracción. Juega con las figuras geométricas para
representar la forma en espiral del animal.
En 1953 fallece, después de dejar un legado llena de obras que ejercen influencia capital ene lcuadro
del siglo XX.

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