Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

TEMA 3: BARROCO

3.1. LA MÚSICA EN EL BARROCO: CARACTERÍSTICAS, PERIODIZACIÓN

Y ESCUELAS. EVOLUCIÓN DEL LENGUAJE EXPRESIVO. EL
NACIMIENTO DE LA ÓPERA

1. CARACTERÍSTICAS, PERIODIZACIÓN Y ESCUELAS

El término barroco proviene del portugués y significa irregular, anormal.

A partir del siglo XVIII se empezó a utilizarse con un sentido peyorativo para
referirse al arte que buscaba asombrar y sorprender a través de técnicas forzadas y
antinaturales. Pero en el siglo XIX perdió ese componente negativo y se utilizó para
designar a la cultura característica del siglo XVII que sustituyó al Renacimiento.
Las principales características que definen a la música barroca son:
1. La melodía tiene gran amplitud y busca el virtuosismo y la expresividad.
2. El ritmo es mecánico. Con su pulso regular y constante la música barroca
desprende una gran energía rítmica.
3. A nivel de textura continúa la polifonía contrapuntística como en el
Renacimiento y surge otra nueva: la melodía acompañada.
4. En armonía nace la tonalidad y tiene gran importancia el bajo continuo1.
Aparecen muchas disonancias como recurso expresivo.
5. En el plano tímbrico, nace la orquesta moderna y se fijan las familias
instrumentales.
6. Surgen muchas nuevas formas pensadas expresamente para las posibilidades de
los nuevos instrumentos y la orquesta: conciertos, tocatas, suites, sonatas…
También nacen nuevas formas vocales que serán fundamentales en la historia de
la música como la ópera.
7. El contraste es la característica más llamativa, que define el estilo barroco. El
contraste afecta a todos los parámetros musicales:
a. Tempo: rápido/lento
b. Dinámicas: forte/piano
c. Carácter: enérgico/tranquilo – luminoso/oscuro…
d. Planos sonoros: solista/tutti
e. Timbre: oboe/violín, maderas/metales…
El nombre que recibe este estilo basado en el contraste de elementos musicales
es estilo concertado2.
Podemos dividir el Barroco por etapas o por escuelas. A nivel de etapas se han
realizado muchas divisiones cronológicas de la historia de la música barroca, aunque lo
habitual es aplicar la del musicólogo Bukofzer. Divide el Barroco en tres periodos:
- Barroco inicial: 1580-1630. Simbolizado por el rechazo del contrapunto, la
búsqueda de los emociones en la música, gusto por la disonancia y uso de
armonía experimental. Predominio de la música vocal sobre la instrumental.

1
Bajo continuo: técnica en la que la voz inferior actúa como fundamento armónico. Se llamó así porque
estaba continuamente presente, aunque hubiera silencios en otras voces. A partir de esta línea melódica el
instrumentista debía improvisar la armonía. Los instrumentos que habitualmente realizaban el continuo
eran clave, órgano o laúd,
2
Estilo concertado: técnica compositiva en la que contrastan los diversos elementos musicales: voces e
instrumentos o grupos de unos instrumentos contra otros. Destaca su utilización en el concierto.

Pág. 1
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

- Barroco medio: 1630-1680. Vuelta al contrapunto y establecimiento de la

tonalidad. Igual importancia de música vocal e instrumental.
- Barroco final: 1680-1730. Estilo concertado, apogeo del contrapunto, tonalidad
establecida y difundida, nacimiento de grandes formas. Mayor importancia de la
música instrumental. Se podría extender hasta 1750, fecha de la muerte de Bach.
A diferencia de las anteriores etapas históricas, en el Barroco apreciamos
diferentes escuelas nacionales con sus rasgos propios:
- Italia: país iniciador del estilo Barroco, de hecho el Barroco inicial es sólo
aplicable por completo en Italia. Allí surge la ópera en el Barroco inicial y tanto
en el Barroco medio como en el Barroco final Italia va a ser el principal
referente operístico. También va a ser muy importante en Italia la música
instrumental, con grandes luthiers de instrumentos de cuerda frotada, que
mejoran sus características y organizan la orquesta en base a esta familia
instrumental.
- Francia: El Barroco tardó en cuajar en Francia y su desarrollo fue corto
evolucionando rápidamente hacia el estilo rococó. Por ello, en Francia sólo
podemos hablar de Barroco Medio. La introducción de este estilo se produjo tras
la subida al trono de Luis XIII y tuvo su máximo apogeo con Luis XIV, el Rey
Sol.
- Inglaterra: Al igual que en Francia, el Barroco tardó en llegar a la música
inglesa. Llegó en el Barroco medio con el reinado de Carlos I y tuvo un gran
desarrollo en el Barroco final alrededor de un compositor alemán afincado en
Inglaterra: Haendel.
- Alemania: la nueva música luterana tardó en organizarse, por lo que no
destacamos la música de este país hasta el Barroco final. En este periodo surgen
estilos vocales propios (cantata, pasión) y aparecen compositores fundamentales
para la historia de la música como J. S. Bach que culmina tanto formas vocales
como instrumentales.

2. LA EVOLUCIÓN DEL LENGUAJE EXPRESIVO. EL NACIMIENTO DE

LA ÓPERA

En el siglo XVI surgió en Italia una forma, el madrigal, que se basaba en la

representación expresiva del texto. Con sus madrigalismos cualquier norma podía
romperse para ayudar a una mejor expresión de las emociones. Esta forma continuó
evolucionando, introduciendo las nuevas características barrocas. Monteverdi es el
compositor que muestra este cambio de estilo en sus madrigales, los primeros de estilo
aún renacentista y los últimos ya barrocos. Pero había algo que impedía que el oyente se
emocionase plenamente con el texto: la polifonía.
En torno al año 1600 sucedió un hecho importantísimo para la historia de la
música: la creación de la melodía acompañada. Desde principios de la Edad Media la
música había evolucionado hacia la polifonía, llegando a su apogeo con el
Renacimiento. Pero en el Barroco resultó inadecuada para expresar el contenido de los
textos. Por ello se prefirió el canto solista con acompañamiento, mucho más expresivo y
capaz de emocionar al público.
Esta nueva forma fue una creación de la llamada Camerata Florentina o
Camerata Bardi, un grupo de eruditos liderados por el conde Bardi que se reunían en
Florencia y hablaban de literatura, ciencia y arte. Algunos de los integrantes de la
Camerata eran: Peri, Caccini, Rinuccini y Galilei. Estos eruditos querían resucitar
elementos de la Antigüedad Clásica como la tragedia griega y discutían sobre cómo se

Pág. 2
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

interpretaría. Algunos pensaban que sólo se cantaban los coros; otros opinaban que la
tragedia era totalmente cantada. Esta segunda opinión era la que sostenía la Camerata
Florentina y comenzaron a realizar pruebas. Lo que lograron no fue recuperar la
tragedia griega, sino crear la ópera3.
La primera ópera conservada es Eurídice de Peri (1600). En torno a esas fechas
también se estrenó Euridice de Caccini.
Entre estos compositores crearon la distinción de las dos partes fundamentales
de la ópera: aria y recitativo. Caccini desarrolló el aria, que sería un estilo de canción
ornamentada y virtuosística sobre un texto sin acción dramática. Peri, por su parte, crea
el recitativo, un tipo de canción recitada, a caballo entre el habla y el canto, que
permitía el avance rápido de la acción.
Estas primeras obras no gustaron entre el público y quizás el género no hubiese
tenido la importancia que hoy tienen si no hubiese aparecido la figura de Monteverdi,
el compositor que consagra el género operístico. Al igual que en sus madrigales, utiliza
todas las novedades estilísticas de la época. Sus óperas, además de ser más largas,
resultan mucho más ricas y completas. Incluyen canciones, danzas, dúos, madrigales e
interludios instrumentales (utiliza una orquesta más amplia). También aprovechó mejor
las posibilidades dramáticas del aria, diferenciándola aún más del recitativo.
Sus óperas conservadas son: Orfeo (1607), similar a las de la Camerata
Florentina, Ariadna (1608), de la que sólo se conserva su famoso Lamento, El retorno
de Ulises (1641) y La coronación de Popea (1642).
En el auge de la ópera también destaca la apertura del primer teatro público de
ópera (S. Casiano) en 1637. Esto supone un importante cambio en el aspecto
sociológico de la ópera, pues dejó de ser un espectáculo reservado únicamente a la
aristocracia, cualquier persona podía asistir pagando la entrada. En esta ciudad fue
donde Monteverdi estrenó sus últimas óperas.
En el Barroco medio la ópera se extiende por el resto de Europa.

Audición: Monteverdi, Orfeo (Vi ricorda i boschi ombrosi), 1607. Aunque

años antes, Peri y Caccini habían compuesto una Euridice que es ya una ópera, el Orfeo
de Monteverdi se considera la primera ópera de la historia de la música occidental. En
ella confluyen toda una serie de elementos que marcan el asentamiento del nuevo estilo
Barroco, como pueden ser, el estilo recitado, la técnica del bajo continuo, la presencia
de ritornellos orquestales, la presencia de coros y, sobre todo, una gran modernidad en
la utilización de las voces (arias y canciones) y en los acompañamientos instrumentales
diferenciados para las escenas que transcurren a la luz (mundo) y las que transcurren en
las oscuridades del Hades. Su argumento, nuevamente muy en la tónica de los
principios defendidos por la Camerana Florentina, es la historia de Orpheo, o lo que es
lo mismo, la narración de los poderes extraordinarios de la música. La ópera se abre con
una fanfarria militar a modo de obertura, que es el himno del Duque de Mántua a quien
está dedicada la composición. Y el primer ritornello. Vi ricorda, aria de Orfeo, es
claramente un aria estrófica, donde las intervenciones del solista (tenor) están separadas
por los paréntesis instrumentales.

3
Ópera: género profano de teatro musical con varias partes o actos, donde la acción es cantada y
acompañada por una orquesta. Tiene dos formas principales: el aria, canción ornamentada y virtuosística
sobre un texto de poca acción dramática, y el recitativo, pieza a medio camino entre el habla y el canto,
para partes de mayor acción dramática. La ópera comienza con la obertura, parte exclusivamente
instrumental que da comienzo a la obra.

Pág. 3
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

3.2. BALÉ DE COUR. COMEDIA BALLET

El ballet surgió en el Renacimiento, concretamente en Italia. Allí, bodas, visitas

de monarcas u otros importantes eventos requerían de la ejecución de un ballet. Este
interés se trasladó a Francia debido a que la reina Catalina de Médicis se convirtió en
reina de Francia al casarse con Enrique II de Francia. Allí los ballets se denominaron
ballet o balé de cour (ballet de corte).

1. BALÉ DE COUR

El balé de cour era un espectáculo que incluía poesía, música vocal e

instrumental, coreografía y escenografía. Su estructura era similar a la de una obra
dramática con planteamiento, nudo y desenlace. Constaba de tres partes:
- Obertura: exposición recitada del tema del ballet.
- Entrées: equivalentes a los actos de una obra, donde se mezclaba canto, habla y
danza.
- Gran Ballet: o ballet general, la apoteosis final del espectáculo.
El espectáculo era bailado por los miembros de la familia real, los cortesanos y
algunos bailarines profesionales. El decorado y puesta en escena eran fastuosos. El
vestuario, muy rico, incluía máscaras. Los personajes eran casi todos masculinos.

2. COMEDIA BALLET

Durante la primera mitad del siglo XVII (reinado de Luis XIII) el balé de cour
fue perdiendo importancia, pero a partir de mediados de siglo con el reinado de Luis
XIV, el Rey Sol, volvió a florecer. El propio rey participó como bailarín y fundó la
Escuela Real de Danza. En esa escuela se codificó la técnica de la danza y se creó un
nuevo género: la comedia ballet.
La comedia ballet es una comedia en la que se mezcla música y baile, creado en
conjunto por el escritor Molière y el compositor Lully. El argumento se basa en temas
cotidianos y presenta personajes comunes, buscando entretener al público. Una de las
mejores obras de este género es El Burgués Gentilhombre (1670) con texto de Molière y
música de Lully, basado en un tema del gusto de la época: los turcos y su modo de vida.
La comedia aparece al ridiculizar al protagonista de la obra.

3. LA ÓPERA EN FRANCIA: LULLY

De la combinación del balé de cour con la ópera italiana surgió la Tragedia

Lírica, la ópera nacional francesa. Las características principales de la Tragedia Lírica
son: cinco actos, argumento serio, generalmente mitológico, prólogo de alabanza al rey,
obertura francesa (Lento-Rápido), coros, danzas. El compositor que crea y consagra este
género es Lully.
Lully (1632-1687), italiano de nacimiento pero emigrado pronto
a Francia, fue el creador de la ópera francesa. Comenzó componiendo
ballets de cour, luego compuso comedias-ballet y en sus últimos años se
dedicó intensamente a la ópera.
Sus principales obras son: Alceste, Roland y Armide.
Musicalmente son conservadoras, aunque destaca la importancia sin
precedentes que otorga a los coros.

Pág. 4
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

Audición: Lully, “Marcha para la Ceremonia de los turcos”, El

Burgués Gentilhombre. Florentino de nacimiento, Jean-Baptiste Lully se traslada a
Francia a los 11 años y con el apoyo del cardenal Mazarino realiza una carrera
imparable consiguiendo poder absoluto en la vida musical francesa de la época. La
marcha para la Ceremonia de los Turcos pertenece a la comedia-ballet “El Burgués
Gentilhombre”, escrita en colaboración con Moliére, es un encargo de Luis XIV. El
estilo tanto del texto como de la música resulta alegre y satírico, con irónicas referencias
al “estilo turco”, que comenzaba a estar de moda como elemento satírico en el teatro. La
música no tiene la función de la música incidental, si no que se alterna de un modo
funcional con el texto a modo de pequeños interludios, con el fin de ser bailada y/o
cantada.
Una obertura instrumental “a la francesa” (Lento/Rápido) presenta en la escena a
Monsieur Jourdain, un burgués enriquecido que intentando introducirse en la nobleza,
se hace rodear de poetas, músicos, bailarines y maestros para que le aconsejen, pero, de
hecho, se burlan de él y de sus maneras de nuevo rico. En la Ceremonia de los Turcos,
ideada para impresionar a M. Jourdain, se le “consagra” como “noble-turco, elevándolo
al rango de Mamamouchi”, entre bromas y burlas. Esta escena es el eje de El burgués
Gentilhombre: la comedia-ballet será escrita partiendo de ella.
La ceremonia se abre con esta Marcha turca. El tono de Sol menor y el ritmo
similar a la mayoría de las oberturas de las óperas de Lully contribuyen a la puesta en
escena deseada: Monsieur Jordain cree vivir uno de los momentos más importantes de
su existencia, mientras que en realidad se están burlando de él. Suele desarrollarse el
ballet entre la danza y el mimo, contraste muy adecuado para provocar la hilaridad.

3.3. LA MÚSICA Y LA RELIGIÓN: CANTATA, ORATORIO Y PASIÓN

1. CONTEXTO HISTÓRICO

El siglo XVII fue un siglo de crisis política, social y económica, similar al siglo
XIV. Hubo numerosas guerras como la Guerra de los 30 años (1618-1648) que fueron
debilitando a las principales monarquías: Francia, Inglaterra y España. Además plagas
como la peste negra provocaron un gran descenso demográfico con la consiguiente
caída económica.
Guerras y pobreza provocaron gran tensión en la población, que comenzó a
revelarse ante los gobernantes y a refugiarse en la Iglesia. Aumentó el pesimismo, la
desconfianza con el entorno, con la naturaleza, con los impulsos naturales del hombre.
Remitió el humanismo renacentista y comenzó una etapa de religiosidad exacerbada y
misticismo. Surgieron nuevas órdenes religiosas que exigían más sacrificio para ganar
la Vida Eterna. No bastaba con no pecar; era necesario realizar también buenas obras.
Tanto la Iglesia Católica como las nuevas Iglesias surgidas en el siglo XVI se
rodean de artistas y músicos que van a embellecer liturgia y templos. A nivel musical
destaca la Iglesia Protestante quien, una vez superados sus duros inicios, va a centrar
sus esfuerzos en organizar su liturgia con un especial interés en la música.

2. CANTATA

La cantata nació en Italia a inicios del Barroco como forma de género profano.
En Alemania fue evolucionando por influencia del coral protestante a una obra para

Pág. 5
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

canto solista (como la cantata italiana) con textos religiosos. Pero hacia 1700, el
sacerdote y teólogo Neumeister va a revolucionar esta forma al escribir textos para las
cantatas de todos los domingos y festivos del año y concebir la cantata alemana como
una sucesión de arias y recitativos, como una pequeña ópera.
J. S. Bach (1685-1750) es el compositor que consagró el género
con sus cerca de 300 cantatas (cinco ciclos completos) de las que se
conservan alrededor de 200. En su puesto como maestro de capilla de
Leipzig se dedicó intensamente a la composición de cantatas. Son de
diversos tipos pero la que ganó en importancia fue la cantata coral,
llamada así por utilizar elementos del coral protestante.

3. ORATORIO

El oratorio es un género dramático similar a la ópera, ya que tiene arias,

recitativos y obertura. Pero se diferencia de la ópera por su argumento religioso, la
presencia de un narrador que conduce la acción, el uso del coro con fines narrativos y el
hecho de no estar destinado a la representación, quedando la acción sugerida.
El oratorio surgió en Italia en el Barroco medio y rápidamente se hizo popular
como sustituto de la ópera en periodos como Cuaresma, en la que esta era considerada
indecorosa.
Se distinguen dos tipos de oratorio:
- El oratorio latino: escrito en latín y con argumentos procedentes de la Biblia. Su
principal compositor fue Carissimi, considerado el creador del género.
- El oratorio volgare: escrito en italiano y con argumentos poéticos o
extralitúrgicos.
El oratorio llega a su culmen en el Barroco final con la obra de Haendel (1685-
1759). Este compositor, alemán de nacimiento, encontró en Inglaterra
su lugar preferido para estrenar sus oratorios. Hacia 1730 el público
inglés estaba cansado de la ópera italiana, por lo que Haendel dejó de
estrenar óperas y se dedicó a componer oratorios. Estos oratorios
partieron del modelo italiano pero con una serie de cambios orientados
al gusto del público: utilizó libretos en inglés, temas heroicos del
Antiguo Testamento (Inglaterra vivía momentos de expansión
imperialista) y recogió la tradición coral inglesa, dando importancia fundamental a los
coros con mayor número de intervenciones y mayor expresividad.
Sus oratorios más importantes son: El Mesías, Israel en Egipto y Jephtha. De
estos tres sin duda El Mesías (1741) es su obra más famosa. Es un oratorio épico
dividido en tres actos, donde se habla de la vida de Jesús.

4. PASIÓN

La pasión es una forma similar al oratorio con gran desarrollo en el área

protestante. Difiere del oratorio en que está basada únicamente en la historia de la
Pasión de Cristo y que incorpora corales protestantes. El narrador es el Evangelista del
que esté sacada esa historia, los personajes son los que aparecen en la Pasión (Cristo,
Pilatos, San Pedro…) y el coro es el pueblo de Jerusalén. Como compositores destacan
Telemann y, sobre todo, Bach.
J. S. Bach (1685-1750) alcanza la cima del género con la composición de la
Pasión según San Juan (1723) y la Pasión según San Mateo (1729), ambas compuestas
en su etapa de Leipzig, siendo la segunda más extensa y monumental. En las dos obras

Pág. 6
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

se muestran elementos procedentes de la ópera (arias, recitativos…), junto con

elementos luteranos como el coral. El tratamiento musical de las Pasiones es similar al
realizado por Bach en sus cantatas.

Audición: J. S. Bach, Pasión según S. Mateo, BWV 244 (Coro inicial,

Kommt, ihr Töchter; Coral n. 21, Erkenne mich, mein Húter). La Pasión según san
Mateo representa la culminación y síntesis más perfecta del Barroco musical y una de la
obras cumbres de la historia de la música occidental. Concebida como una forma
intermedia entre la cantata luterana y el oratorio, el género de la Pasión, alcanzó gran
desarrollo en Alemania a lo largo del Barroco, con un fin didáctico, muy propio de la
Reforma y también del arte barroco. Aunque posiblemente Bach llegase a componer 4
pasiones, sólo nos han llegado 2 que son con seguridad suyas (La pasión según San
Juan y la Pasión según san Mateo), siendo esta última mucho más importante por su
monumentalidad. La obra se inicia con un doble coro, acompañado cada uno por su
respectiva orquesta, que como aplicación de la policoralidad más típica del barroco,
dialogan y se invitan mutuamente a acudir a presenciar los sufrimientos que Cristo va a
padecer por su Redención. Tras el diálogo inicial de los dos grupos, un tercer coro de
voces blancas entona un coral de la tradición protestante, a partir del cual el Oratorio
cobra su dimensión absolutamente contextualizada en el tiempo de Pasión. Tras este
coro inicial y hasta el coro final, se suceden una serie de recitados y arias de los
diferentes personajes de la Pasión (Evangelista, Cristo, personajes varios, personajes
colectivos…) A lo largo de la obra aparecen numerosos corales, piezas
fundamentalmente homofónicas (acordes) típicas de la liturgia protestante, que articulan
y parafrasean todos los sucesos narrados, siendo además muy posible que en los
momentos en que se entonaban estos corales, sobradamente conocidos por los fieles, los
asistentes a la celebración litúrgica se pusiesen en pie y se sumasen al canto colectivo.

Audición: Haendel, El Mesías, HWV 56 El Mesías, Alleluia (coro).

Haendel supone, con Bach, la culminación del Barroco musical europeo. Nacido en
Alemania, de espíritu viajero, acabó su vida en el Reino Unido, asimilando su estética a
los gustos del público ingles. En el campo de la música vocal su mayor aportación fue la
de combinar su sólida formación en el manejo del contrapunto con los recursos de la
ópera italiana y el idioma inglés para crear un nuevo tipo de oratorio adaptado a su
nuevo público. Aunque la mayor parte de los oratorios de Haendel son bíblicos y
narrativos (Saúl, Salomón, Judas Macabeo, Athalía…), El Mesías, escrito en 1742, es
un oratorio alegórico, sin personajes concretos, que basándose en los textos del Génesis,
de los Libros de los profetas, Evangelios, Epístolas y Libro del Apocalipsis, narra de
manera indirecta la historia de la redención del hombre; desde las propias
prefiguraciones de Cristo hasta el triunfo de la resurrección sobre la muerte y el pecado.
El oratorio se abre con una simplificada obertura a la francesa (Lento-rápido fugado),
donde el lento final es sustituido por unos simples acordes cadenciales. A la obertura le
suceden arias, dúos y sobre todo coros, que son los auténticos protagonistas de la obra y
los que marcan los verdaderos momentos de inflexión en el argumento. El Alleluia
marca el momento culminante del coro; el de la resurrección y de ahí lo brillante del
tratamiento de las voces, –también combinando homofonía con contrapunto imitativo–
acompañados por una brillante y vibrante orquesta donde destaca la utilización de la
trompeta.

Pág. 7
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

3.4. LAS FORMAS INSTRUMENTALES: ORIGEN, CARACTERÍSTICAS Y

EVOLUCIÓN

1. ORIGEN Y CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL

El Barroco final supuso el triunfo de la música instrumental sobre la vocal. A

ello ayudó la sustancial mejoría de los instrumentos.
La evolución de los instrumentos está íntimamente ligada al gusto de la época.
Se trataba de buscar emociones fuertes, de conmover el corazón del público. Por ello se
prefirieron instrumentos de mayor volumen (caso del violín frente a la familia de las
violas), mayor tesitura y con más posibilidad de matices. También va a influir la
evolución técnica de los propios instrumentos, prefiriéndose aquellos más afinados y
sencillos de tocar.
En esta época encontramos algunos instrumentos que vivieron sus últimos
momentos de esplendor como el laúd, la viola da gamba o el clave, otros que se
convierten en fundamentales como el violín, y otros que nacen ahora como el pianoforte
y el clarinete.
El órgano siguió siendo el instrumento religioso por excelencia, por lo que
continúa mejorando técnicamente. Surgieron diferentes tipos según el país de
procedencia, aunque el más desarrollado es el alemán, lo que favoreció el virtuosismo
de compositores como Bach. Junto al órgano, los instrumentos más importantes de la
época serían el violín y el clave.
La revalorización de la música instrumental llegó a su culmen en el Barroco
Final con el nacimiento de la orquesta moderna. Los instrumentos de cuerda eran los
más importantes, dejándose a menudo la interpretación de las partes de viento y
percusión ad libitum. Conforme avanza el periodo se especifican más las partes de
viento. La música orquestal se basa en el contraste para aumentar el dramatismo. Así, se
van a enfrentar dos grupos: instrumentos melódicos (violín, oboe, flautas) e
instrumentos acompañantes (clave, órgano, violonchelo,).

2. PRINCIPALES FORMAS INSTRUMENTALES: CARACTERÍSTICAS Y

EVOLUCIÓN

Las principales formas instrumentales del Barroco son:

▪ La fuga: es una pieza polifónica basada en la imitación de un tema. Alternan
secciones de estricto contrapunto con otros momentos más libres.
Las colecciones de fugas más importantes son de Bach, concretamente los dos
volúmenes de El clave bien temperado, donde aparece un preludio y una fuga de
cada tonalidad posible, y El Arte de la Fuga.
▪ La suite: es un conjunto de danzas que en el Barroco se fija en cuatro
movimientos (allemande-courante-sarabande-giga), donde se realizan
variaciones del mismo material temático.
Bach culmina esta forma con sus Suites francesas y Suites inglesas, cada ciclo
formado por seis suites para clave.
▪ El concierto: es una obra para orquesta y solista/s de tres movimientos (Rápido-
Lento-Rápido) cuyo principal rasgo es el contraste, dando lugar al estilo
concertado. Hay dos tipos:
- Concierto grosso: se contrapone un pequeño grupo de solistas
(concertino) al resto de la orquesta (tutti).
- Concierto solista: aquí se opone un solista al resto de la orquesta.

Pág. 8
Historia da música e da danza: Barroco IES Plurilingüe Fontexería

El compositor que fijó la forma fue Vivaldi. Compuso muchos

conciertos, sobre todo solistas, como sus famosas Cuatro
Estaciones. Las características de sus conciertos son: ritornellos
(“estribillos” instrumentales), ritmo mecánico, bajo continuo,
temas simples y técnica virtuosística.
Los compositores que culminan esta forma son Bach con sus
seis Conciertos de Brandenburgo y Haendel con su Música
Acuática.

Audición: Vivaldi, “El invierno”, de Las Cuatro Estaciones (Concierto

para violín RV171) 1º mov. La aparición, en 1725, de los doce conciertos que
conforman el Opus 8 de la obra de A. Vivaldi, “Il cimento dell’armonia e dell’a
invenzione”, constituye un paso más en la consolidación del concierto solista como una
forma instrumental emergente, en la que solista y orquesta se oponen y enfrentan uno a
otra, a la busca de un acuerdo entre ambos, según los dos significados que suelen darse
al verbo latino “Concertare”. Por otra parte, supone también la reafirmación del violín
como un instrumento plenamente desarrollado, luego de los perfeccionamientos
técnicos a los que se ha visto sometido durante el último siglo y medio por los luthières
de Brescia y Cremona.
Los cuatro primeros conciertos de esta colección son los que conocemos por el
nombre de “Las cuatro estaciones”: a lo evocador del título se une la circunstancia de
que cada concierto aparece precedido por un soneto explicativo, que nos describe
aspectos concretos de cada estación, que la música va a representar; (figuración de fusas
y semicorcheas en staccato, para describir los efectos de temblor que genera el frío en el
primer movimiento; o el acompañamiento en pizzicato de la melodía del violín que
evoca a la lluvia en el 2º tiempo). De este modo podemos afirmar que el carácter
descriptivo de la música de Vivaldi hace de esta pieza un claro ejemplo de música
programática, muchos años antes de que este término fuese acuñado.

Pág. 9