Marcos da Cunha Lopes Virmond

Construindo a ópera Condor:

o pensamento composicional
de Antônio Carlos Gomes

Primeiro Volume

CAMPINAS
2007
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 Marcos da Cunha .Lopes Virmond

Construindo a ópera Condor:

o pensamento composicional
de Antônio Cartos Gomes

Primeiró Volume

I
Tese apresentada ao Instituto de Artes da
L Universidade Estadual de Campinas como
Este exemplar é a redação final da requisito parcial para .a obtenção do título de
Tese defendido pelo Sr. Marcos da Cunha Doutor em Música.
Lopes Virmond e aprovada pela Comissão
Julgadora em 18/05/2007.

~.Lr-- Orientadora: Profa. Dra. Lenita Waldige

Prafa.Ora. Lenita Waldige Mendes Nogueira
- Orientadora -
Mendes Nogueira

CAMPINAS
2007

111
 FICHA CATALOGRÁFICA ELABORADA PELA
BIBLIOTECA DO INSTITUTO DE ARTES DA UNICAMP

Virmond, Marcos da Cunha Lopes.

V819r Construindo a ópera Condor: o pensamento composicional de
Antônio Carlos Gomes. / Marcos da Cunha Lopes Virmond. –
Campinas, SP: [s.n.], 2007.

Orientador: Lenita Waldige Mendes Nogueira.

Tese(doutorado) - Universidade Estadual de Campinas,
Instituto de Artes.

1. Gomes, Carlos, 1836-1896. 2. Condor. 3. Ópera.

4. Partitura. 5. Musicologia. I. Nogueira, Lenita Waldige
Mendes. II. Universidade Estadual de Campinas.Instituto
de Artes. III. Título.

(lf/ia)

Título em inglês: “Constructing the opera Condor: the compositional process of

Antonio Carlos Gomes”
Palavras-chave em inglês (Keywords): Gomes, Carlos, 1836-1896 - Condor -
OperaFull Score - Musicology
Titulação: Doutor em Música
Banca examinadora:
Prof. Dr. Marcos Fernando Pupo Nogueira
Profª Drª Maria Alice Volpe
Prof. Dr. Sérgio Saboya Arruda
Prof. Dr. Edmundo Pacheco Hora
Profª Drª Lenita Waldige Mendes Nogueira
Prof. Dr. Paulo M. Kuhl
Prof. Dr. Antônio Carlos Borges Cunha
Data da defesa: 18 de Maio de 2007
Programa de Pós-Graduação: Música

iv
 Instituto de Artes
Comissão de Pós-Graduação

Defesa de Tese de Doutorado em Música, apresentada pelo

Doutorando Marcos da Cunha Lopes Vínnond - RA 30216, como parte dos requisitos para a
obtenção do título de DOUTOR EM MÚSICA, perante a Banca Examinadora:

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Profa. Dra. Lenita Waldige Mendes Nogueira - DM/IA - UNlCAMP
Pres-aente / Orientadora
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Prof. Dr. Marcos Fernandes Puppo Nogueira - IA/UNESP

Membro Titular

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Profa. Dra. MariaAJice Volpe - IA/UNIVERSIDApE DE BRASILIA
Membro Titular

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Prof. Dr. Sérgio Saboya ArrudJ - FCM - UNICAMP
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 À Regina, Lucas e Luiza

À Sra. Luza Ramos da Cunha Lopes, pintora, pianista e avó,

nascida dois anos após a estréia de Condor, mas ainda
presente.

vii
 Agradecimentos

À Profa. Dra. Lenita Waldige Mendes Nogueira, apoio constante e seguro nos caminhos de
elaboração deste trabalho.

Ao Prof. Gaspare Nello Vetro, pelas informações preciosas oferecidas e contínuo interesse
em qualquer assunto relacionado à Antônio Carlos Gomes.

Ao Prof. Ms. Luiz Carlos de Melo, companhia estimulante e porto seguro nos momentos de
dificuldade.

À Da. Juraci Beretta R. da Silva, do Museu Carlos Gomes do Centro de Ciências, Letras e
Artes de Campinas.

À Profa. Heloisa Nemoto Vergara, pelo primeiro exemplar de Condor.

À Profa. Dra. Rosa Maria Tolón Marin, que veio trazer novo patamar de qualidade à vida
artística de Bauru.

Ao Prof. Nestor Miguel Wennholz, erudição, critério e estimulo.

Ao Mº Túlio Belardi, estimulador das lides operísticas.

ix
Ao Prof. Ms. Cláudio Corradi (USC), à Profa. Ms. Priscila Gambari Freire (UEM), à Profa.
Ms. Mary Ângela Biason (Ouro Preto) e ao Prof. Ms. Rodrigo Falson (Campinas) pela
simpatia e coleguismo correto nesses anos de trabalho.

Ao Sr. Tupinanba I. B. do Amaral e Da. Ainda Thomé do Amaral, pelas constantes

gentilezas e por me ter dado a Regina..

Ao Gen. Herculano Augusto Virmond, pela construção de uma vida com exemplos de
valores e ética.

Ao meu querido irmão, Dr. Tarso da Cunha Lopes Virmond, companheiro constante de
toda uma vida.

xi
Impõe-se nesta fase da historia da música brasileira, situar a figura
de Carlos Gomes e sua obra de um modo realístico; impõe-se uma
areação contra os aspectos extramusicais que fundaram o mito;
impõe-se uma avaliação estritamente estético-musical da produção
do nosso Tonico.

Bruno Kiefer (1923-1987)

xiii
Resumo

Condor, estreada em 1891 no Teatro alla Scala de Milão, foi a última ópera escrita
por Antônio Carlos Gomes. O estudo dos documentos textuais indica que o processo
composicional envolveu a elaboração de um rascunho para canto e piano, a
orquestração, uma extensa revisão final e a inclusão de um balé um ano após a
estréia. A análise do rascunho, documento inicial da criação, revela alternativas
composicionais que foram descartadas pelo autor se comparadas com o resultado
definitivo tomado da edição para canto e piano de 1891. Usando-se esses
documentos textuais, acrescidos do manuscrito autógrafo e da cópia profissional, foi
possível reconstituir várias dessas alternativas ao longo do primeiro ato, analisa-las
e discutir as possíveis razões para a conduta do compositor. Analisou-se também os
aspectos de exotismo e orientalismo inerentes ao libreto abordados musicalmente
por Gomes. Como resultado, verifica-se que Gomes construiu Condor ao longo de
quatro fases: elaboração do rascunho, orquestração, uma revisão e introdução do
Balé. As modificações promovidas indicam necessidade de condensação do discurso
musical, reorganização do discurso harmônico e otimização do discurso dramático
em paralelo ao discurso musical. A abordagem musical do orientalismo em Condor
é refinada e sutil, quase imperceptível, mas com suficiente densidade para criar uma
cor local efetiva. Revela-se, assim um compositor cioso da qualidade de seu produto
final e com expressiva competência técnica enquanto operista, atento ao ambiente
cultural de sua época, criativo, inovador e com importante contribuição para a
evolução do melodrama italiano em seu período de transição até o surgimento da
giovane scuola.

Palavras – chave: Condor, Antônio Carlos Gomes, Ópera, Musicologia histórica,

Musicologia.

xv
Abstract

Condor, premiered in 1891 at Teatro alla Scala in Milan, was the last opera by
Antonio Carlos Gomes. The study of the textual documents reveal that the
compositional process included the elaboration of a piano vocal sketch, the
orchestration, an extensive revision and a later inclusion of a ballet one year after
the premiere. Analysis of the sketch, the initial document for the creation, reveal
compositional alternatives that were discharged by Gomes when compared to the
printed piano vocal score issued in 1891. With these textual documents and the
autograph manuscript and the hard copies, it was possible to reconstruct many of
these alternatives along the firs act, to analyze them and to propose possible reasons
for such compositional options. It was also analyzed the exotic and oriental aspects
due to the libretto and its musical treatment by Gomes. As a result, it is seen that
Gomes has elaborated Condor in four phases: a piano vocal sketch, the
orchestration, a revisions and addition of a ballet. The modifications introduced are
related to the need of condensation of the musical discourse, reorganization of the
harmonic discourse and optimization of the dramatic discourse in parallel to the
musical discourse. The musical approach to orientalism in Condor is subtle and
careful, without obvieties, but with enough density to create an effective ambience.
It is found in Gomes a composer concerned with the quality of his final product and
with expressive technical skills as an opera composer, attentive to the cultural
surroundings of his time, creative, innovative and grating a relevant contribution to
the evolution of the Italian melodrama in the transition period until the onset of the
giovane scuola.

Key-words: Condor, Antonio Carlos Gomes, Opera, Historical musicology,

Musicology.

xvii
 SUMÁRIO

Primeiro volume

1. Introdução 3

2. Antônio Carlos Gomes 11

3. A Ópera Italiana no período 1870-1891 27

3.1 Prelúdio 27
3.2 Milão - risorgimento e pós-risorgimento 28
3.3 A crise do melodrama 29
3.4 A scapigliatura 33
3.5 A nova ópera 38
3.6 Comentários finais 111

4. A Encomenda oportuna 117

4.1 A história de Condor 117
4.2 O enredo de Condor 137

5. Alguns aspectos do processo composicional de Condor 153

5.1 O Processo de Elaboração Composicional de Condor 153
5.1.1 Introdução 153
5.1.2 Documentos textuais 154
5.1.3 O Processo composicional do Condor 167
5.1.4 Comentários finais 208

5.2 Restauração e análise de alternativas composicionais em Condor 213

5.2.1 Introdução 213

xix
 5.2.2 Registro e análise das principais modificações ao
longo do primeiro ato. 214
5.2.3 Comentários finais 269

5.3 Exotismo e orientalismo 273

5.3.1 Introdução 273
5.3.2 Exotismo e orientalismo 273
5.3.3 Exotismo em Il Guarany e Lo Schiavo 278
5.3.4 Orientalismo em Condor 282
5.3.5 Comentários finais 305

6. Conclusões 313

Referências 325

Segundo volume
Anexos:
Anexo 1 – Características metodológicas adotadas no texto 5
Anexo 2 – Carta genealógica de Antônio Carlos Gomes 7
Anexo 3 – Reconstrução musicológica do Dueto no terceiro ato 11
Anexo 4 – Transcrição musicológica da ópera Condor 17

xxi
1
1. INTRODUÇÃO

Antônio Carlos Gomes (1836-1896) requer uma releitura de sua vida através de sua
obra. Considerado a maior expressão musical americana no século XIX, o compositor
brasileiro tem sido indevidamente tratado tanto do ponto de vista biográfico quanto da
análise acadêmica de sua importante e robusta produção.
Personalidade de características muito particulares, sua biografia carece da isenção
necessária a esse tipo de trabalho. Em parte, tal dificuldade se deve aos parcos documentos
textuais que poderiam levar a uma revisão independente de sua trajetória enquanto homem
e músico. De fato, os primeiros escorsos biográficos já são produzidos frente ao jovem
brasileiro vencedor na metrópole, como é o caso do opúsculo escrito por Luiz Guimarães
Junior, em 1870, com um perfil biográfico do compositor. Isto atende às necessidades da
Ilustração Brasileira, como bem indica Martins (1977). Inicia-se, então, a trajetória do mito
que apenas mais recentemente com Góes (1996) começa a ser desconstruído. Assim, a
idoneidade das informações parece estar comprometida pela necessidade da afirmação do
mito. Já no século XX, avolumam-se as publicações nesse perfil, salientando-se Silio
Boccanera Jr., que publica um conjunto de textos laudatórios em 1913, mais adiante,
Salvatore Ruperti (1955), com seu livro cujo título é suficientemente esclarecedor: Carlos
Gomes – rápido escorço de sua vida atormentada e da sua arte triunfadora. Nessa linha,
cita-se o livro escrito pela filha do maestro, Ítala Vaz de Carvalho (1946). Entretanto, deve-
se salientar que, independente da vertente mitificadora, alguns desses livros contém
documentos e informações valiosas. Esse é o caso da obra de Boccanera Jr. com a
reprodução de várias e importantes cartas de Carlos Gomes, muito antes do trabalho
expressivo que Gaspare Nello Vetro nos oferece em 1982. A biografia escrita pela filha
também não pode ser desprezada, apesar da necessidade ou vontade em preservar a imagem
do pai da melhor forma possível. Apesar de ter vivido mais com a mãe, Adelina Peri, Ítala
participou intimamente dos últimos anos da vida do maestro em Milão, pois foi com ele

3
residir após a morte da mãe, em 1887. Assim, o livro torna-se leitura necessária para
qualquer estudo sobre Carlos Gomes.

O epistolário de um indivíduo é o conjunto documental mais fidedigno para a

construção de uma biografia póstuma. O caso de Gomes não seria exceção. Entretanto,
apenas a correspondência ativa foi preservada e, mesmo assim, não em sua totalidade.
Nesse sentido, os três volumes produzidos por Gaspare Nello Vetro são fulcrais em estudos
sobre o compositor. Há alguma correspondência esparça a qual se pode ter acesso em
algumas outras publicações e mesmo, atualmente, em antiquários ainda se encontram cartas
de Carlos Gomes como peças à venda (Figura 1).
No que tange a correspondência passiva, também importante na reconstrução
biográfica, essa é praticamente inexistente. Talvez fosse um marca própria de Gomes em
não preservar as cartas recebidas, ou seus atribulados anos finais em Milão tenham sido a
causa desse desaparecimento. Uma última possibilidade é seguir os passos das quatro malas
e três caixotes contendo os pertences que Gomes levara para o Pará, volumes que teriam
sido devolvidos aos filhos em Milão (COELHO, 1995).
Ainda que o conjunto da correspondência ativa seja altamente relevante para se
conhecer o pensamento de Carlos Gomes, fora do marco biográfico oficial, sua
correspondência passiva seria reveladora para o entendimento de partes obscuras da vida do
maestro, tais como as relações com a Casa Ricordi no que tange ao período entre Fosca
(1873) e Maria Tudor (1879).

4
 Figura 1 – Carta à venda em livraria dos Estados Unidos1.

A abordagem acadêmica de Gomes ainda é escassa. Entre 1870 e 2007 pouco se

produziu em relação à análise de sua obra. Os artigos publicados nas primeiras décadas do
século XX são, em sua maioria, descritivos. Mesmo a comentada tentativa de Mario de
Andrade (1934) em analisar Fosca carece de metodologia investigativa para melhor
explorar as interessantes hipóteses levantadas por esse autor. Assim, a melhor análise de
parte da obra do compositor se resume a algumas teses (NOGUEIRA, 1990; PUPO
NOGUEIRA, 1998; BROMBERG, 1999; PUPO NOGUEIRA, 2001), poucos artigos
publicados no Brasil e no exterior (CONATI, 1982; MUSSOMELI, 1992; PENALVA,
1996; VOLPE, 2002, 2004), entre outros, e algumas reflexões em livros (TERENZIO,
1976; NICOLAISEN, 1980; BUDDEN, 2002; NICOLODI, 2003).
Assim, o presente trabalho procura inserir-se nesse contexto – a necessidade de uma
análise técnica da obra de Gomes, sem vieses emotivos ou apaixonados. Como ponto de
convergência desse objetivo se encontra o interesse em produzir uma transcrição

1
“Prezado Sr. Grimelli. Recebi seu libreto e sua carta. Logo que o ler e meditar sobre seu trabalho,
lhe darei resposta decisiva”.

5
musicológica da ópera Condor. Este interesse surgiu ao longo do trabalho de restauração da
partitura, quando identificaram-se diferentes aspectos que revelam o compositor Carlos
Gomes em seu cotidiano de criação e permitiram formular algumas hipóteses de seu
processo composicional. Dessa forma, a transcrição musicológica, sem perder seu real valor
em oferecer uma edição correta e atualizada dessa última ópera do maestro, transformou-se
em elemento coadjuvante, permitindo trazer à luz novas possibilidades para o entendimento
dos processos criativos de Gomes enquanto operista e, adicionalmente, comprovar
tecnicamente seu papel como impulsionador do melodrama italiano na segunda metade do
século XIX.
Para o segundo capítulo acreditou-se ser necessário apresentar uma breve reflexão
biográfica do compositor. Mais que uma mera repetição da cronologia de fatos da vida de
Gomes, procurou-se analisar criticamente os principais eventos de sua existência, fixando-
se particularmente nas três etapas que se considerou como fundamentais para a evolução da
carreira do compositor. Adicionalmente, alguns aspectos inéditos à sua biografia são
apresentados e discutidos.
Na seqüência, o terceiro capítulo inicia a parte analítica deste estudo com uma
contextualização necessária do compositor dentro do quadro da ópera italiana no chamado
período de transição (1870-1890), exatamente aquele em que Gomes se apresenta e se firma
no cenário milanês. Adicionalmente, analisam-se várias óperas do compositor para
demonstrar sua contribuição estilística para a construção desse período que resultará na
Giovane Scuola de Mascagni e Puccini. Apresentam-se propostas de definições para
algumas estruturas típicas utilizadas nas seções finais de unidades dramáticas das óperas e
que se constituem em contribuição inovadora e específica desse período.
Estabelecido este marco histórico e estilístico, no quarto capítulo, essencialmente
usando metodologia descritiva, recuperam-se e discutem-se os aspectos historiográficos
referentes à criação de Condor, assim como a estrutura geral da obra, os planos tonais, a
análise de seu enredo e algumas reflexões musicais relativas ao texto de Mario Canti.

No quinto capítulo, dividido em três partes, começa a focar a obra central desse
trabalho, a transcrição musicológica. Na primeira parte, procura-se revelar o processo

6
composicional utilizado por Gomes para a ópera Condor. Aqui, não se trata do processo
arquitetônico e estrutural enquanto prática composicional, mas a seqüência de eventos
utilizados para a concepção e realização da partitura, utilizando metodologia própria da
musicologia histórica através da análise documental das fontes primárias dessa obra. Nessa
parte, foram úteis os processos metodológicos descritos por Kerman (1987) e Grier (1996).
Ainda dentro da vertente analítica, a segunda parte trata das alternativas
composicionais ao longo da ópera, na qual apresentam-se algumas possibilidades para
entender o pensamento musical gomesiano, pelo menos no que tange à criação de Condor.
A análise comparada de diferentes fontes primárias permite identificar as modificações do
curso composicional dessa ópera e discutir as razões para a adoção de uma opção em
detrimento de uma ou mais possibilidades propostas pelo compositor. Aqui, recorre-se,
ademais dos já citados musicólogos, à análise musical convencional, utilizando-se como
texto básico o volume de John D. White sobre análise musical (1994).
A terceira parte do quinto capítulo introduz as questões do exoticismo em música,
elemento importante da ópera italiana desde o século XVIII e aspecto muito caro a Carlos
Gomes e demais operistas da vertente da grand-opéra. De fato, poucos compositores
contemporâneos a Gomes deixaram de incurcionar por este gênero tão ao gosto da
sociedade de sua época. Nesse sub-capítulo, discutem-se as definições do exoticismo e
procura-se identificar e debater sua presença nas óperas de Gomes, particularmente, o
orientalismo em Condor. As proposituras de Locke (1991) e as referências que faz a
Edward Said e seu texto sobre orientalismo são fundamentais nessa análise, assim como as
teorias da semiótica de Peirce (MARTINEZ, 1996; 2004).
Por fim, no anexo, apresenta-se uma breve relação dos códigos e normas utilizadas
na confecção do trabalho, uma carta genealogia de Manoel José Gomes, com vistas a
facilitar o entendimento de sua expressiva descendência, aí incluído o ator central deste
estudo, uma restauração musicológica de um dueto não orquestrado por Gomes e,
finalmente, a fonte inicial da gênese desse trabalho, isto é, a transcrição musicológica da
partitura orquestral de Condor. Além de ter servido como estimuladora da investigação
apresentada nos capítulos anteriores, essa parte do trabalho permite a apresentação de uma
versão atualizada, corrigida e fiel ao manuscrito autógrafo. Nesse sentido, procura-se

7
atender à uma das principais necessidades para a recuperação do nome de Antônio Carlos
Gomes como um dos mais expressivos e inspirados compositores do período de transição
da ópera italiana do século XIX, ou seja, a oferta de partituras atualizadas e com qualidade
gráfica adequada para que musicólogos possam proceder as análises dessas obras e que
regentes e diretores artísticos disponham de material moderno para a encenação das óperas
de Gomes. Somente esta exposição maciça do compositor permitirá a desmistificação de
Gomes e remetê-lo à sua grandeza na devida e justa medida de seu talento e competência
técnica.

8
9
 2. Antônio Carlos Gomes

Em 1836, a Província de São Paulo era governada por seu presidente, Rafael
Tobias de Aguiar. A economia continuava a depender da mão de obra escrava e restringia-
se à agricultura. Muito diferente da posição que hoje ocupa no cenário nacional, a São
Paulo daquele período era uma província pouco desenvolvida e sem maior relevância para
o império. O progresso estava na Bahia, com os resquícios da primeira capital e nas Minas
Gerais com o que sobrou dos ouros e diamantes. Nada se comparava, entretanto, com o Rio
de Janeiro, capital do Reino. Essa aura de centro de convergência dos acontecimentos e da
cultura perdurou por muitas décadas. De fato, somente mais de um século depois, com a
mudança da capital para Brasília, em 1960 e a crescente hegemonia econômica de São
Paulo, é que a antiga capital foi perdendo sua posição central do pensamento cultural do
país, ainda que sem perder sua majestade.
São Paulo, nos primeiras décadas do século XIX , passava pela transição na
composição da força de trabalho com incremento cultura cafeeira e as primeiras levas
migratórias da Europa vêm participar da invasão do oeste paulista. Se não bastassem as
bases européias para a formação do homem brasileiro desde a chegada dos portugueses,
esses grupos vieram trazer uma segunda influência marcante sobre homens das gerações a
que eles se expunham. Um desses foi Antônio Carlos Gomes.
Manoel José Gomes morava na vila de São Carlos2, distrito de Jundiahy. Em
junho de 1836 nasce seu segundo filho com a terceira esposa, Fabiana Cardoso. Ao certo,
do nascimento, não se sabe a data3, mas Antônio Carlos Gomes, o recém nascido, viria a ser
o mais importante compositor das Américas no século XIX ainda que, naquele momento,
isto possa ter parecido pouco evidente. Em verdade, uma rara combinação de ambiente e
qualidades inatas serão responsáveis por este fato.

2
A atual cidade de Campinas iniciou-se como Freguesia de Nossa Senhora de Conceição de Campinas em
1774. Logo em 1797 foi elevada a condição de Vila de São Carlos e somente em 1842 passou a ter a
denominação de cidade de Campinas.
3
Considera-se 11 de julho de 1836 como a data de nascimento de Antônio Carlos Gomes, entretanto, esta
data é incerta, tendo-se apenas o registro de seu batismo, em 19 de julho de 1836 (NOGUEIRA, 1991).

11
 O pai de Carlos Gomes era músico competente e bem estabelecido.
Aparentemente, estudou com André da Silva Gomes (DUPRAT, 1985) e sua trajetória
como organista e mestre de música na vila de São Carlos foram marcantes. Seu
reconhecimento pode ser atestado pelo registro da intensa atividade musical oficial da vila,
da qual era responsável (NOGUEIRA, 1997). Atuava como mestre de capela, responsável
pela música na Matriz da vila, além de atender freqüentes encomendas de música por parte
da Câmara local.
Aparentemente, esta intensa atividade e em área de tanta visibilidade, garantia-
lhe uma confortável condição econômica e, dentro dos limites culturais da época, status
social. Um fato revelador, nesse sentido, foram os vários apelos da população da vila de
São Carlos apresentados às autoridades superiores para impedir a saída de Manoel José
Gomes quando de sua convocação para atuar como rabequista da Casa de Ópera na capital
da Província (DUPRAT, 1985).
O fato relevante dessa condição de vida de Manoel José Gomes é que seus
filhos, Antônio e José Pedro, cresceram em um ambiente musical sólido. Além de
receberem precocemente instrução musical, a visão do pai e sua condição permitiram
enviar os filhos às aulas de latim e francês. Além dos estudos da Escola Régia4, os meninos
ainda aprendiam algum ofício – alfaiataria para Carlos e marcenaria para José Pedro.
Percebe-se neste conjunto uma visão empreendedora e inquieta do pai de Carlos Gomes,
tentando entregar aos filhos um conjunto amplo de conhecimentos e possibilidades,
certamente pouco comuns à média do homem da época. De fato, o próprio Manoel, além
das atividades complexas na música, atuava concomitantemente como vendeiro e
comerciante de instrumentos.
Como se vê, trata-se de um ambiente estimulante para uma mente inquieta e
propícia. Tanto Carlos como José Pedro respondem a esses estímulos, a essa condição de
inquietude organizada e estruturada. Transformaram-se em homens empreendedores. Têm
horizontes mais amplos. O primeiro almeja, nada menos nada mais, do que ser compositor

4
Escola Régia era o sistema público, e gratuito, de ensino do Império. Aprendia-se a ler, escrever e realizar as
quatro operações.

12
de óperas na capital da lírica mundial – Milão. O outro, mais contido, pretende-se um
músico competente em âmbito local. Ambos atingem suas metas.
Em busca de novos ambientes, a primeira fuga de Antônio Carlos se dá em
1859, para a capital da Província de São Paulo. Expõe-se a uma scapigliatura5 caipira ao
freqüentar brevemente a estudantada da Faculdade de Direito, não como estudante na
Faculdade, mas adotado por eles por seu brilhantismo como músico. Esta lhe reconhece os
méritos e lhe estimula a prosseguir. Suas composições primeiras são apreciadas e
consumidas comercialmente (Figura 2). Difícil dizer o que isto significava do ponto de
vista econômico, mas, para ele, certamente era um sinal claro que se encontrava no
caminho certo.

Figura 2 – Dois anúncios publicados em 1857 no Correio Paulistano das obras de Carlos
Gomes.

5
Movimento artístico-literário, surgido na Itália em torno de 1860 e 1870, propondo modificações radicais
nos códigos artísticos. O termo significa “descabelados”, o que caracterizava alguns de seus adeptos. Arrigo
Boito e Franco Faccio na música, Iginio Tarchetti e Emilio Praga nas letras e Tranqüilo Cremona nas artes
plásticas foram os nomes mais representativos dessa tendência. O movimento ficou praticamente restrito ao
norte da Itália, tendo seu epicentro em Milão e alguma representação em Turin.

13
 Entretanto, na visão do jovem Gomes, a corte é o centro do mundo e o Rio de
Janeiro o fascina. Auxiliado financeiramente e com cartas de apresentações aos grandes do
reino, providenciadas pelos novos amigos de São Paulo, parte no mesmo ano de 1859 para
a próxima fase na construção de seu sucesso – estudar no Conservatório Imperial.

Além dos estudos no conservatório, Carlos Gomes encontra o segundo

momento crucial de sua formação – expor-se ao ambiente inusitada da Ópera Nacional.
Experiência inédita, trata-se de um empreendimento único em que um empresário espanhol,
D. José Amat, propõe a criação de uma Academia para a execução de repertório italiano e
francês com versão para o português, além de incluir anualmente a apresentação de uma
ópera, em vernáculo, de compositor brasileiro. A ópera de estréia de Carlos Gomes, “A
Noite do Castelo” se deu nessa condição. Os termos da criação dessa Academia é revelador
e merece citação mais integral a partir de Cernicchiaro (1926, p.202).

A Academia de Ópera Nacional que se vai crear é, sem

a menor duvida, como pensão e dizem os signatários do
programma, uma instituição agradável, útil e até necessária.
A representação de cantatas e idyllios e de operas
italianas, francezas e hespanholas, traduzidas na lingua nacional,
preencherà o noviciado da Academia, que, além disso, uma vez por
anno, pelo menos, darà uma partitura nova de compositor nacional;
mas indubitavelmente é o fim preciso desta bella instituição, para a
qual não bastará por certo uma partitura nova por anno. A música
não é absolutamente a mesma no estylo e no gosto em cada nação,
segundo as inspirações da natureza do paiz, os costumes, a índole e
as tendências do povo. O Brasil tem a sua musica: as imitações do
canto italiano vão pouco a pouco destruindo a sua originalidade: o
theatro lírico nacional deve regenera-lo aproveitando com os
conselhos da arte essa originalidade e dando ao Brasil a sua musica
própria, cultivada e digna do grão de civilização a que já tem
chegado o nosso povo”.

Mais que uma preocupação empresarial, nota-se já um cuidado com a

preservação de uma identidade musical que, provavelmente, ainda não se afirmara. Uma
identidade musical nacional que viria a se constituir somente com os pré-nacionalistas do

14
fim do século XIX, principalmente com Alberto Nepomuceno e Brazilio Itiberê e se
confirmaria tardiamente com Heitor Villa-Lobos e Camargo Guarnieri, entre outros, já no
século XX bem iniciado.
Independente desta preocupação, talvez não imediata a Carlos Gomes, o
ambiente é que conta. Novamente, o cenário é estimulante ao jovem, assim como fora o
ambiente paterno. De fato, Carlos estuda no Conservatório Imperial e, logo em seguida
pode exercer na prática suas ambições, não só ao ser contratado como ensaiador e regente
da Ópera Nacional, mas, como referido, apresentar sua primeira experiência como
compositor de ópera com “A Noite de Castelo”.
Desde o início do século XIX, o ambiente lírico no Rio de Janeiro era
intenso, estimulado pela chegada da família imperial e a construção do primeiro teatro
importante da cidade, o Real Teatro de São João. De 1814 em diante, as temporadas se
sucedem com representação de óperas de Rossini, Paer e, sem dúvidas, do compositor
importado com a corte, Marcos Portugal. Destruído por um incêndio em 1824, o Real
Teatro é substituído pelo Teatro S. Pedro de Alcântara, mas, com algumas interrupções, a
ópera continua a estar presente na corte, assim como os concertos e a música sacra nas
igrejas (ANDRADE, 1967). Desta forma, o ambiente que Carlos Gomes encontra na corte
não é incipiente. Há uma experiência estabelecida na prática e no ensino musical, assim
como no processo empresarial da música como meio de vida para diferentes tipos de
músicos. É neste ambiente completo que Carlos Gomes experimenta seus talentos musicais
e de relacionamento pessoal. Esta vivência prática será importante para a próxima etapa –
Milão. Ele lá chega não como um inexperiente músico em busca de todo um conhecimento
novo. Na verdade, mais que a formação estruturada no Conservatório Imperial, é a prática
do convívio diário na Ópera Nacional, com músicos, cantores, público e empresários e seus
inúmeros problemas, que garante ao chagado em Milão uma capacidade de sobrevivência e,
também, certa dificuldade em aturar um recomeço de formação musical.
Assim, neste cenário estabelecido no Rio de Janeiro, onde também existe um
público que reconhece qualidades e defeitos, críticos menos ou mais competentes que se
manifestam e uma imprensa que funciona como uma caixa de ressonância e dá visibilidade

15
social à vida musical da corte, é que, como compositor e como regente, Carlos Gomes
vivencia toda essa experiência e expõe-se e reage a todos esses estímulos.
Em 1863, com 27 anos e ao final desta sua segunda fase, Carlos Gomes
constitui-se praticamente em um produto bem acabado dentro dos limites relativamente
amplos do que a corte poderia oferecer. É este jovem com certo lastro de experiência
artística e conhecimento musical que vai para Milão. Ele encontra um ambiente do ponto de
vista climático muito diferente do ensolarado Brasil e, culturalmente, mais distinto ainda.
Entretanto, a necessidade de renegar aquela situação de produto acabado para submeter-se a
um novo começo é o que mais parece incomodar o jovem maestro. A rotina das aulas de
Lauro Rossi é monótona e cansativa. Mas Gomes tem uma capacidade caipira de
resignação e muda espera de seu momento. Finalmente, em 1866 obtém sua carta de
alforria dos estudos e recebe o almejado diploma de maestro-compositor. É o ano também
do primeiro triunfo, a revista musical Se as minga, um inequívoco sucesso na Milão da
época. Segue-se outra, Nella Luna, de não menos boa recepção.
Este foi o começo de uma carreira de certa forma irregular pela poucas obras
produzidas em comparação às várias tentativas de iniciar diversos trabalhos. Entretanto,
Gomes começa a ocupar seu espaço no cenário milanês. Em 1870 recebe o título de
Cavaleiro da Coroa da Itália e no ano seguinte casa-se com uma italiana com distinguidos
dotes musicais, Adelina Peri. Progressivamente, sua presença nesse cenário se afirma. De
maneira mais formal, isto pode ser visto nos anúncios do Guida di Milano, onde é listado
entre os maestros de composição, harmonia e contraponto, ao lado de Arrigo Boito, Franco
Faccio e Amintore Galli. Curioso notar que, para o ano de 1877, ele ainda não usa o título
de cavalieri no anúncio (Figura 3), o que vai ocorrer apenas em 1878 (Figura 4) (Guida di
Milano, 1877).

De qualquer forma, o que se verifica é uma trajetória ascendente em termos de

aperfeiçoamento de sua capacidade composicional, sem que se detecte diferenças abissais
entre o iniciante Il Guarany (1870) e o primor de Condor(1891). Neste sentido, chama a
atenção a importante diferença de qualidade entre Joana de Flandres (1863) e Il Guarany.
A quem se deve creditar este avanço em tão curto espaço de tempo? À Lauro Rossi,

16
Mazzucatto? Ou estava isso tudo organizado na mente do jovem campineiro? Verifica-se,
então, que em sua trajetória, o que ocorre é um aperfeiçoamento de estilo, não apenas de
técnica. Assim, Il Guarany é composição pujante, completa e ambiciosa dentro do contexto
do começo dos anos 70. Se a estética era a da grand-opéra, Il Guarany atende de forma
competente à essa fórmula, sem eximir-se de possuir a marca própria do compositor.

Figura 3 – Listagem dos professores de música no Guida di Milano para o ano

de 1877.

17
 Figura 4 – Listagem dos professores de música para o ano de 1879.

Se Fosca (1873) é um salto à frente, como de fato verifica-se por suas

inovações corajosas, o Salvator Rosa (1874) não é uma volta ao passado, como querem
alguns autores. É uma retomada do modelo da grand-opéra semelhante ao Il Guarany
(1870), porém revitalizado, inédito e de um equilíbrio formal invejável. Essa ópera é que
revela Gomes como um compositor que domina como poucos as técnicas do melodrama
italiano, mas conseguindo dar-lhe roupagem distinta e pessoal. Na continuidade de sua

18
ascensão como compositor, Maria Tudor (1879) se reveste de uma introspecção
composicional única, retomando o puro “teatro em música” do qual Verdi é o grande
artífice. De fato, a caracterização musical da labilidade emocional da rainha ao longo dos
quatro atos da ópera não encontra similar à altura a não ser nas melhores obras de Verdi e
pode servir como uma clara resposta aos autores que não reconhecem em Gomes a
capacidade de humanizar musicalmente seus personagens (TERENZIO, 1976; CONATI,
1982). Lo Schiavo (1889) revela um Gomes ainda mais amadurecido, dominando sua pena
composicional com segurança e com a verve melódica em máxima revelação. É a ópera por
excelência das árias e duetos formalmente equilibrados e com beleza melódica ímpar. Por
fim, Condor revela o Gomes inquieto, inovador e atento às mudanças estéticas a sua volta.
Talvez, por característica de obra de encomenda, não tenha tido tempo maior para melhor
experimentar. Entretanto, esta marca da inovação está em todas as páginas dessa sua última
ópera em termos formais. O Colombo (1892) que segue é uma forma híbrida de ópera e
cantata e, pela primeira vez, pode-se dizer que o compositor estacionou em sua incessante
evolução desde “A Noite do Castelo”. Mesmo assim, o resultado de Colombo é admirável e
o domínio da frase melódica, particularmente na primeira parte da obra, é invejável.
Um dos principais problemas da análise de Antônio Carlos Gomes como
compositor representante do rol de personalidades brasileiras se prende ao mito de que o
compositor seria um gênio. Tal epíteto se reserva à poucos. Considerando-se o conteúdo
semântico de gênio – o mais alto grau de potência intelectual que o espírito humano pode
atingir – Carlos Gomes não é elegível para tal. Na sua alternativa – um grande talento inato
– o compositor se enquadra melhor.
Considera-se que Gomes não foi um intelectual (SQUEFF e WISNIK, 1982;
GÓES, 1996). Quanto ao seu período no Brasil nada indica que o fosse. Como visto, atuou
como músico na acepção profissional da palavra e os documentos disponíveis não atestam
ter Carlos Gomes participado da inteligentzia nacional da época. Seus contemporâneos
ilustres – Joaquim José de Macedo, José de Alencar, Victor Meirelles – parecem não ter
mantido nenhuma relação com o compositor. Note-se que este último, renomado pintor
catarinense, recebeu conjuntamente com Carlos Gomes a comenda da Ordem da Rosa
(ROSA, 1982).

19
 Relativamente comum aos intelectuais da época, não consta que Carlos Gomes
falasse o francês. Suas relatadas dificuldades com o italiano ao chegar a Milão atestam que,
também, não dominava esta língua.
Em suas relações com o Imperador D. Pedro II, o monarca cumpria com rigor
seu papel de mecenas auxiliando o compositor na medida do possível. Deve-se salientar
que o prêmio de viagem de estudos ao exterior decorreu de uma disposição estatutária do
Conservatório de Música (GÓES, 1996) e não por iniciativa pessoal de D. Pedro. Da
mesma forma a comenda da Ordem da Rosa foi-lhe atribuída por sugestão protocolar.
Entretanto, apesar da estima e admiração que lhe dedicava o Imperador, Gomes não fazia
parte do círculo intelectual e culto da corte.
Em seu período italiano, não participou dos salões milaneses, onde se
destacava o da condessa Clarina Maffei. Suas relações mais próximas à intelectualidade
local restringiram-se, breve e circunstancialmente, a Arrigo Boito e, mais extensivamente à
Antonio Ghislanzoni, que, por motivos da proximidade necessária ao trabalho de libretista,
lhe devotava uma elegante e comovente amizade. Com Giulio Ricordi, influente empresário
e erudito, mantinha mera relação empresarial. As cartas entre o compositor e a famosa casa
editora denota, por parte desta, um interesse exclusivamente comercial e um certo tom de
condescendência com o atribulado compositor, uma vez que não poderiam eles dispensar
uma potencial fonte de lucro certo – como realmente se confirmou com o Salvator Rosa, e
até hoje a Casa Ricordi ainda consegue auferir algum lucro às custa do compositor. De fato,
é curioso notar que no epistolário de seus contemporâneos mais ilustres, como Arrigo
Boito, Giuseppe Verdi e Felippo Marchetti, praticamente não se encontre a menor menção
a Gomes, afinal uma presença marcante, como operista, no mesmo ambiente em que esses
nomes circulavam. Neste sentido, existe apenas a conhecida, e respeitosa, citação de Verdi
ao ouvir Il Guarany e, por parte de Marchetti, uma menção indireta à Gomes ao reclamar
que, para o Cairo, o editor Lucca certamente preferiria colocar em cena o Il Guarany em
detrimento de sua ópera Ruy Blas (LUGLI, 2004). Já no intenso epistolário entre Boito e
Verdi, absolutos contemporâneos de Gomes, não há a menor menção ao compositor. Por
outra, esse fato não deve ser visto de forma estrita, pois nessa correspondência há
raríssimas citações a quaisquer outros compositores. Verdi, pela influência que exerceu e o

20
longo período de vida que teve, de fato, sempre foi muito renitente em fazer comentários
sobre seus colegas
Pela correspondência ativa de Gomes se revela um interesse profundo pela
literatura musical, particularmente o que estava sendo feito em termos de ópera à sua volta
– com freqüência solicita aos seus editores o envio de partituras de seus colegas para
análise. Participava dos acontecimentos musicais em Milão, tendo assistido ao Lohengrin
de Richard Wagner em sua estréia no Teatro alla Scala em 20 de março de 1873.

Como compositor de óperas apresentava os três elementos essenciais: um pleno

domínio da técnica composicional, uma inventividade melódica invulgar e um agudo senso
de desenvolvimento dramático. Mas seu sucesso em Milão não foi meramente o de um
excelente compositor – Gomes entendeu seu ambiente de trabalho e soube perceber, e
concretizar em suas óperas, exatamente o que este ambiente pontualmente desejava. Se
fosse apenas pelo exotismo do tema do Il Guarany e a curiosidade sobre um compositor
importado da longínqua América Latina, ou por sua figura curiosa (WEAVER, 1980), seu
sucesso seria efêmero. Sabe-se que não o foi. A aceitação de Gomes na Itália reside na sua
competência em oferecer o produto certo no momento adequado. Entretanto, não se pode
deduzir ou traduzir disto um epíteto de genialidade.
Analisando-se os entornos operísticos contemporâneos à Carlos Gomes, o que
será visto em detalhes no capítulo terceiro, vê-se que a única discrepância maior entre o que
propunha o compositor em sua estética e o que se apresentava na época, em termos mais
globais, reside em Richard Wagner. Certamente os detratores de Gomes se deleitariam ao
constatar que, enquanto Wagner propunha uma radical modificação no tratamento da ópera
com Tristão e Isolda (1865), Gomes ainda iria colocar seus índios em cena em 1870 – o que
se diria se compararmos com o Salvator Rosa de 1874! No entanto, não podemos esquecer
que no mesmo ano de Tristão, L’Africaine de Meyerbeer era postumamente oferecida à um
público francês que ainda rechaçava Wagner. Bizet apresentaria Carmen apenas um ano
após o Salvator Rosa – o que foi muito adequado para uma mais que oportuna oxigenação
da ópera francesa - mas que não está muito longe da estética gomesiana. Algum impacto
pode causar o fato de Der Ring des Nibelungen ter estreado em 1876, mas a geografia e as

21
comunicações da época permitem afirmar que não se pode comparar, ou detratar, a estética
de Carlos Gomes com uma comparação destas. Certamente Wagner foi um gênio – Carlos
Gomes nunca se propôs a sê-lo.

Em conclusão, a estética de Gomes tem que ser analisada em consonância com

seu tempo, no seu locus cultural e dentro do gênero de que se ocupou prioritariamente.
Dentro de suas limitações, fez o que desejava e o fez com muita competência,
perfeitamente coerente com o ambiente cultural que o cercava, atendendo uma demanda
estética que o meio impunha. Talvez seja mister do artista, enquanto ser histórico, revoltar-
se contra esta impositura – aí estavam os scapigliati. Mas à Gomes não interessava tal papel
e provavelmente sua índole nem o permitisse. No entanto, sem ser um transformador
radical, foi, sim, um inovador. Em extensão menor, mas nem por isto menos importante,
auxiliou decisivamente no processo de desenvolvimento da ópera italiana da segunda
metade do século XIX.
A progressiva inovação que Gomes propunha em cada novo trabalho era
acompanhada por uma correspondente decrepitude em sua vida pessoal. Têm-se discutido à
exaustão (GÓES, 1996) características psicológicas do compositor, mas faltam informações
mais precisas para uma conclusão com mais consistência sobre este aspecto. Todavia, este
declínio pessoal provavelmente está ligado à doença que lhe acometeu relativamente
jovem, aos problemas conjugais que terminaram pela separação e às dificuldades
financeiras que enfrentou. Porém, pode-se especular que o grande motivo da derrota de
Gomes foi sua ousada libertação do jugo dos editores. Contra toda a tendência da época,
Gomes resolve ser seu próprio editor e dispensa a fundamental vinculação aos editores. De
fato, suas três últimas óperas foram mantidas fora do establishment. Este foi um arrojo que,
provavelmente, nem o austero e astuto Verdi assumiria, como, de fato, não o fez. No
cenário do meio da lírica italiana, essa atitude poderia ser um suicídio declarado, pois o
sistema de produção de óperas dependia fundamentalmente dos grandes editores, aos quais
se submetiam inclusive os empresários. Razão adicional para esta difícil situação de
encontrar-se fora da proteção do editores, é a entrada massiva na Giovane Scuola, com suas
óperas mais fáceis de serem montadas e com bilheterias certas e fartas pelas novidades do

22
verismo. Então, as condições adversas eram muitas e, para completar, a República
proclamada em 1889 agrega-se ao cenário negativo à que se submete um Gomes adoentado
porém, e isto é altamente revelador e merece ser cuidadosamente estudado,
compulsivamente preocupado com a manutenção e sustento dos filhos (VETRO, 1982,
1998; REGO, 2004).
Resta-lhe voltar ao Brasil e o Pará lhe estende a mão. Entretanto, não há mais
tempo. Poucos meses após instalar-se em Belém, morre entre amigos às 22h20 do dia 16 de
setembro de 1896.

23
25
 3. A ÓPERA ITALIANA NO PERÍODO 1870-1891

3.1 Prelúdio

Giuseppe Fortunino Francesco Carlo Verdi, por excelência, era o herói nacional
da ópera italiana. Antes disto, era um camponês astuto e confiante em seus instintos. O
compositor festejado sabia de sua arte e de seus negócios. Os embates com os Ricordi eram
verdadeiros, mas medidos. Conhecia sua competência e não se deixava dominar por Giullio
e sua firma de tendência hegemônica no ramo da edição e produção operística. Por outro
lado, o tratamento que o público de Milão lhe dera em Um Giorno di Regno, junto com a
concomitante miséria emocional da perda da família, deixou-lhe uma aversão pela cidade.
De fato, se levarmos em conta a importância do compositor para o gênero em seu próprio
país, verifica-se que a ligação de Verdi com a cidade da ópera foi escassa. Considerando-se
a longa vida que teve e a importância central do Scala e dos editores, Verdi raramente
circulava por Milão e lá pouco permaneceu, a não ser em seus últimos dias. É interessante
notar que, dada a relevância desse nome para a arte lírica de seu país, e a notória expressão
do Teatro alla Scala, Verdi parecia fugir da cidade e apresentava uma resistência clara em
estrear suas obras em Milão. Tomando-se suas estréias, desde Oberto em 1839 até Fastalff
em 1893, vemos que suas quatro primeiras obras foram estreadas em Milão e somente em
1869 ele retorna ao alla Scala com a revisão de La Forza del Destino. Continua com Aïda
em 1873, primeiro no Cairo, e termina com o referido Fastalff em 1893. Com isto, verifica-
se que 22 estréias de suas óperas novas ou revisões ocorreram fora de Milão, na Itália, ou
mesmo no exterior (Londres, Paris e São Petersburgo) (NATORF, 2005). Mais que isto,
Verdi residia em sua fazenda perto de Busseto e deslocava-se com certa regularidade entre
sua propriedade rural, Gênova e Paris, afora poucas viagens por obrigações contratuais.
Desta forma, se Verdi dominava o panorama da ópera italiana no período
estudado, Milão não dominava seu maior herói. Neste cenário pitoresco é que se dá o
embate entre um grupo importante de compositores no qual se insere Antônio Carlos
Gomes, o estrangeiro exótico vindo do longínquo país além do Atlântico. É nesse período,

27
talvez oportuno para a chegada de Gomes, que o tradicional melodrama romântico italiano
entra em crise. Há necessidade do novo, mas com a cautela para que a grand-opéra
francesa ou a massa sinfônica wagneriana não tomem conta de um produto genuinamente
italiano. É um período de transição, onde os atores reconhecem a vacância de postos, sejam
eles compositores, editores, críticos, público, e cada qual procura vislumbrar a perspectiva
do futuro, com a convicção e urgência específica de cada atividade. Assim, aos
compositores surge a oportunidade de verem-se reconhecidos e expor efetivamente suas
criações, aos editores a urgência de novos títulos para manter o fluxo lucrativo da cena
lírica, aos críticos a necessidade de identificar novos marcos para a necessidade de uma
cultura unificada para o jovem reino e ao público, o deleite de atividade ubíqua na
península – o melodrama lírico. Cabe, então, discutir o que acontece nesse período e a
inserção de Carlos Gomes como ator privilegiado nesses embates, ainda que fortuito.

3.2 Milão - risorgimento e pós-risorgimento

Milão na segunda metade do século XIX era uma metrópole. Ocupava a mesma
importância na recém unificada Itália que ocupa nos dias de hoje. A capital da cultura e da
economia pujante, em contraste com o sul pouco desenvolvido. A característica de sua
comunidade é a do realismo e do empreendimento. Desde sua fundação até a unidade
italiana, Milão passara por diferentes comandos, incluindo o domínio pela Espanha, a
França napoleônica e o Império austríaco até tão recente como 1859. Somente em 1861
Milão, como as demais regiões da Itália, a exceção de Roma, constituem o Reino da Itália.
Finalmente o país tem uma unidade, a qual será completada com a anexação de Roma em
1871 e, muito mais tarde, Trento e Trieste em 1918. Evidentemente, a constituição do
Reino da Itália facilita a Milão consolidar-se como o grande centro empresarial e
econômico do jovem reino. Se a condição anterior já lhe favorecia, a unificação permite
mais ainda a hegemonia desenvolvimentista de Milão em contraste com o sul agrícola e
pobre. Certamente, a continuação dessas diferenças, como não resposta ao esforço da
unificação, terão reflexos sobre o próprio melodrama lírico, como se verá adiante. Reflexos

28
tiveram também na construção política do novo reino, vendo o surgimento da organização
proletária, suas revoltas e, finalmente, sua representação na Câmara dos Deputados.
Entretanto, a Milão dos Sforza e Visconti permanece inespugnável aos novos ventos e
continua a firmar e, na verdade, os utiliza para consolidar sua supremacia. A visão
pragmática e empreendedora é parte atuante nesta formação da cidade como centro
econômico, tecnológico, industrial e artístico. Aliás, Giovanni Ricordi, fundador da Casa
Ricordi, foi um exemplo deste tipo de empreendedor. Após trabalhar como copista,
interessou-se em obter, e consegue, os direitos sobre todo o material de orquestra e
partituras das óperas apresentadas no Teatro alla Scala, onde trabalhava também como
ponto. Aprendeu as técnicas da calcografia em Leipzig e abre seu negócio em Milão,
prosperando para o que hoje conhecemos como uma das mais importantes e influentes
casas editoras no gênero operístico do mundo. Resta saber o que pensaria Giovanni Ricordi
ao tomar ciência de que no século XXI seu pujante negócio, um dos marcos da cultura
italiana, pertence a um grupo empresarial alemão.

3.3 A crise do melodrama

Considerando o silêncio de Gioacchino Rossini após a estréia de Guglielmo Tell

em 1829, o precoce desaparecimento de Vincenzo Bellini em 1835 e a morte de Gaetano
Donizetti em 1848, o melodrama lírico ficou nas mãos de G. Verdi por um longo tempo.
Certamente, neste período até o começo dos anos 70, vários outros compositores
gravitaram, com maior ou menor presença, em torno dos teatros líricos peninsulares, mas
sem atingir a eficiência estética do mestre de Busetto. Mas, nem por isto, os negócios da
lírica deixaram de progredir. Como se sabe, o melodrama lírico foi um elemento
fundamental como foco aglutinador em torno do processo de unificação da Itália e criação
de uma identidade para seu povo. Se não assumidamente por ele, as óperas das primeiras
fases de Verdi tiveram inequivocamente esta função, particularmente pelo tratamento da
massa coral como algo identificável, diferente da posição decorativa e subordinada do coro
na ópera barroca italiana. De fato, precisamente em suas primeiras óperas, Verdi consegue

29
atribuir um pathos de nação aos seus coros. Insistentemente, o coro em Nabucco (18342) é
de Hebreus ou de Assírios e no I Lombardi (1843), são cruzados lombardos ou mouros
(CAPRA, 2003). Na fala da massa coral está representada uma entidade, ouve-se o brado
de uma comunidade, não de um indivíduo. Se os hebreus reclamam sua liberdade, os
assírios cantam loas ao poderio de seu país. O mesmo se repete em Macbeth (1847) quando
na cena 1 do quarto ato se insere um coro de lamento pela ocupação da pátria (Patria
oppressa!) e a ópera termina com os oportunos versos La patria, il Re salvo; a lui onor e
gloria.6 Verdi utiliza recursos musicais dos lamenti do barroco italiano para melhor colorir
a tristeza desse povo. O uso das segundas menores na frase que abre a seção principal do
coro é típica daquela construção madrigalesca e o desenvolvimento da frase coral se faz
insistentemente por movimento conjunto em segundas menores, enquanto a orquestra
reforça frequentemente o ambiente de pranto e tristeza com a re-introdução do motivo em
segundas menores da frase de abertura, como pode ser visto na Figura 5. De fato, Mazzini
não poderia desejar algo melhor do que um texto desses sob música admirável de Verdi e
difundida pela mídia mais cara ao povo – a ópera.

Figura 5 – G. Verdi, Macbeth. Patria oppressa! Coro de introdução ao quarto ato.

Entretanto, nos últimos anos da década de sessenta, este modelo parece ter
chegado a um esgotamento e mudanças se impunham. A arte Italiana, como um todo,
parece não suportar mais o isolamento a que foi submetida pela barreira física dos Alpes.
Uma nova geração reclama novos ares. O insucesso das revoltas de 1848, por toda a Europa
6
A pátria o Rei salvou; a ele, honra e glória!

30
e a morosidade das modificações sociais, tão caras à causa do risorgimento7, auxiliam em
compor um quadro de insatisfação. Uma vez no poder, os antigos revolucionários, como
costuma ocorrer, não conseguem em curto espaço de tempo, que só no discurso político se
realiza, as modificações profundas que levem a um rápido desenvolvimento econômico e
social da Itália. Aliás, a unificação obtida em 1861 significava o término de uma fase em
que ela era o motivo maior de organização social. Com sua obtenção, surge um novo
patamar de preocupações que não o da busca maior por uma identidade. Por um lado, a
classe política dominante, para a Itália pós-unificação, preocupa-se primordialmente em
demonstrá-la como nação legítima e alinhada à ordem européia. Deseja que se iguale
econômica e politicamente aos demais países. A preocupação maior é a correção da dívida
externa e a construção de forças militares e poderio bélico, isto é, um arcabouço que mais
se identifica, para o cenário externo, como demonstrativo de nação. Estas, certamente, não
são as preocupações centrais daqueles jovens que lutaram pela unificação. As gerações
mais jovens, inquietas, se revoltam contra toda a ordem estabelecida e gritam pelo novo.
O melodrama lírico, uma das mais bem guardadas relíquias da unidade italiana,
não se exclui dessa necessidade de renovação. Mais que isto, o tradicional isolamento
cultural a que a península se impunha, está prestes a desmoronar, pois não faltam vozes
internas que desejem ardentemente romper a cúpula que protegia a música italiana da
influência externa. Neste contexto, o melodrama lírico como elemento aglutinador político
perde sua força, ainda que não seu papel de atividade do cotidiano na cultura peninsular.
Verifica-se, inclusive, que os temas das óperas de Verdi, a esta altura, já haviam mudado
sensivelmente para outro terreno – a dramaturgia clássica romântica de Victor Hugo e
Johann C. F. von Schiller é o que mais lhe apraz. O próprio processo de criação do
compositor parece modificar-se, reduzindo a freqüência com que brinda seu público com
novas óperas. Razões para esta desaceleração poderiam incluir certa diminuição do ímpeto
criador, as dificuldades com a saúde que lhe atormentavam essa época da vida ou, o que é
muito mais provável, um amadurecimento crítico que o obriga à reflexão mais demorada

7
Movimento político e revolucionário entre 1815 e 1870 que resultou na unificação dos diferentes estados da
península da Itália em um novo país. Foi um dos mais importantes períodos da história italiana e teve como
foco central a revolta contra a opressão estrangeira por parte dos austríacos. Entre as figuras principais desse
movimento salientam-se de Giuseppe Mazzini e Giuseppe Garibaldi

31
para a produção de obras com melhor qualidade – a análise das óperas desse período
permite optar por esta última explicação. O fato é que, independente das razões, esse
efervescente cenário social encontra um Verdi menos produtivo em termos quantitativos.
Efetivamente, desde o Oberto (1839) as estréias eram quase anuais, mas após La Traviata
(1853), isto deixa de acontecer (Figura 6).

Figura 6 – Gráfico da distribuição da freqüência de estréia das óperas de G. Verdi por ano,
entre 1839 e 1893.

É este momento histórico que se desenvolve no período arbitrariamente

compreendido entre os anos de 1870 e 1891. No contexto da história da ópera italiana, é
neste período que serão apresentadas e se consolidarão profundas modificações no
melodrama lírico no que se refere a sua estrutura musical e na constituição de seus libretos.
Essas modificações serão fundamentais para o surgimento da giovane scuola, com reflexos
em toda a produção operística até o final do século XIX e nos primeiros decênios do século
XX. Trata-se, sem dúvidas, do período pós-romântico da ópera italiana, como preconiza

32
Coelho (2002), mas os fatos dessas duas décadas de agitação cultural, 1870-1891, a melhor
qualificam pela denominação de período de transição (CESARI, 2006).

3.4 A scapigliatura

Milão era a cidade onde tudo acontecia - a agitação febril dos cafés em torno da
Piazza del Duomo, as discussões acaloradas dos jovens sobre os novos rumos da ciência,
das artes e da tecnologia, a crescente consciência do proletariado e seus reflexos na política
do novo reino. Este caldo de cultura não poderia resultar em nada menos que um novo e
intenso movimento artístico-literário que veio a chamar-se Scapigliatura. O termo
scapigliati, significa “descabelados”. De acordo com Coelho (2002), o nome deriva do
título de um livro de Carlo Righetti, publicado em 1862 – La Scapigliatura e il 6 Febbraio
– que narra o famoso levante de 1853 contra os invasores austríacos. Os jovens, grandes
protagonistas dessa efeméride do risorgimento italiano, usavam longos e desalinhados
cabelos para demonstrar sua revolta. O termo tem um paralelo direto com o movimento
francês Bohémien. Este, mais antigo, está ligado ao sentido de vida cigana, uma vez que se
acreditava que esses nômades eram egressos da região da Boêmia. Seu modo de vida,
irregular e despreocupado para os ditames europeus da época, criava um misto de repulsa e
atração. Esses jovens franceses, artistas, recusavam os valores da arte pelo comércio e pela
produtividade, o que, como decorrência, lhes garantia poucos recursos de sobrevivência,
colocando-os numa vida de precários recursos econômicos. A resposta a isto era uma vida
também desregrada, ou melhor, contrária aos códigos dos valores burgueses, a qual aderiam
de forma estóica e nobre. Esta condição foi muito bem descrita no romance Scene d’une vie
de Bohème (1851) de Henry Murger, que foi a fonte para a criação do libreto da futura La
Bohème ( 1896) de G. Puccini.
Os scapigliati envolviam literatos, músicos, artistas plásticos e intelectuais de
diferentes qualidades, mas que se concentravam em contestar o status quo. Tudo poderia e
deveria ser diferente. O velho não tinha mais valor. A iconoclastia era a ordem. Nem Verdi
nem Manzonni escaparam da fúria devastadora desses jovens. Ficou célebre o poema

33
recitado por Boito em festa que saudava a estréia da ópera I Profughi Fiamminghi (1863)
do scapligiato Faccio, a Ode à Arte Italiana (WEAVER, 1980, p. 158):

Aqui está a força da arte Italiana. Por um momento permitamo-la

escapar das amarras do velho e do tolo, para emergir nova e
saudável. (...) Talvez já tenha nascido o homem que irá, no altar,
reerguer a arte, casta e pura: naquele altar conspurcado como uma
parede de bordel.

Verdi sentiu-se pessoalmente atingido com esta estrofe, causando uma longa
separação entre os dois. A reaproximação só ocorreu muitos anos depois por interferência –
e interesse comercial – de Giulio Ricordi.
Mas assim eram os scapigliati, por excelência destruidores do presente e do
passado em busca de renovação. De fato, foi o primeiro movimento com ambições de
vanguarda na recente história cultural da Itália unificada. Teve duração relativamente
efêmera, de 1860 a 1875, mas deixou marcas importantes na vida artística da Itália.
Queriam a liberdade de expressão, a quebra das regras acadêmicas antepondo a criatividade
à razão, buscando a originalidade em contraste aos ditames rigorosos do estilo (CESARI,
2006). Buscavam quebrar as limitações do provincianismo a que estava sujeita a arte
italiana, buscando inspiração, principalmente, na literatura francesa e alemã. Era um
repúdio ao sentimentalismo do romantismo, contrapondo-o com o verdadeiro e o concreto.
Assim, os modelos do naturalismo francês caem bem nas propostas dos scapigliati, tanto
pelo conteúdo do real, do cru, do horrendo, como pelo aporte de sangue novo proveniente
de outras culturas. Outro elemento importante dessa tendência é a transliteralidade das
artes. Não haveria mais a arte isolada, mas a relação recíproca e complementar entre elas.
Talvez, como se verá adiante, essa seja uma das razões para que a ópera tenha sido um
gênero de expressão artística dos que mais se salientaram como produto dessa vertente de
pensamento artístico.
A scapigliatura foi um acontecimento que, geograficamente, ficou restrito
particularmente a Milão, com alguma extensão para Turin. Os representantes mais

34
expressivos são Franco Faccio e Arrigo Boito, na música, Giuseppe Rovani, Irginio
Tarchetti, Carlo Dossi e Emilio Praga nas letras e Tranquilo Cremona nas artes plásticas.
A manutenção, do que poderia se chamar, de um controle de qualidade do
melodrama peninsular se deveu, em grande parte, ao já mencionado hermetismo da cultura
musical italiana à influência exterior e ao aprimoramento do próprio gênero lírico quando,
em um longo período de tempo, conta-se com expoentes tais como Rossini, Bellini e
Donizetti, para não mencionar outros menos importantes mas não menos competentes
operistas. Este aprimoramento chegou a tal grau de sofisticação que induziu uma certa
atrofia de outras manifestações musicais. De fato, durante quase toda a metade do século
XIX o predomínio era do melodrama lírico, seguido em pequeníssima proporção pela
música sacra. A música sinfônica praticamente inexistia na península. Entretanto, esta
hegemonia não poderia perdurar para sempre e uma das teses dos scapigliati era,
exatamente, a necessidade de um arejamento dos códigos musicais italianos pela introdução
das experiências externas. Nesse sentido, iniciou-se a formação de sociedades de concerto,
sociedades de quartetos e sociedades corais, as quais procuravam não apenas novos
repertórios mas, principalmente, repertórios que não fossem derivados da melodrama lírico.
Objetivamente, era uma resposta à hegemonia do melodrama. Curioso notar que a mais
importante dessas sociedades, a Società del Quartetto, foi cuidadosa e estrategicamente
gestada por Tito Ricordi8, como se sabe, o proprietário da mais importante casa editora de
óperas. Em verdade, comenta que a sociedade de Milão se inspirou na primeira sociedade
deste tipo fundada na Itália, que teve origem em Florença, em 1861. Evidentemente, este
tipo de atividade musical diferia da lírica por consumir outro tipo de repertório – a música
orquestral. Considerando-se que esta atividade era um potencial mercado em expansão,
surge o interesse da Casa Ricordi em ter uma Societá em Milão. De fato, essa sociedade,
atuante até os dias presentes, foi constituída em primeiro de setembro de 1863 por iniciativa
de Tito Ricordi, Faccio e Boito, entre outros. Entretanto, depois de organizada, entregaram-
na a nomes conhecidos e ilustres da sociedade artística milanesa, como o Conde Carlo

8
Tito Ricordi era filho de Giovanni Ricordi e pai de Giullio Ricordi. No período da fundação das Sociedades
de Quarteto, Tito era o responsável pelos destinos da firma e Giullio, ainda jovem, apenas começa a tomar
contato com os negócios da família.

35
Taverna, o maestro Lauro Rossi e Alberto Mazzucato do Conservatório Real e, certamente,
um nome que garantiria certa ascendência operacional desse grupo na sociedade, Giullio
Ricordi, filho de Tito, que na época tinha apenas 23 anos e que, futuramente, iria assumir
de forma muito ativa a firma do pai. Para se ter uma idéia do hermetismo no norte italiano
em termos de música, a Nona Sinfonia de Beethoven teve sua primeira execução completa
pela Sociedade do Quarteto apenas em 1878, sob a direção de Faccio. Isto quer dizer que
essa obra importante da musicografia mundial, mesmo em termos de século XIX, só foi
executada no avançado e culto ambiente milanês cinqüenta e quatro anos após sua estréia
em Viena! (BEACCO, 2006). Dentro desse vento renovador, outras sociedades se
formaram. Assim, em 1874 viu-se a fundação da Società del Quartetto Corale e a da
Società di Canto Corale em Milão. Eram contrapartidas para a música coral , às sociedades
de música orquestral e música de câmara. Essas iniciativas, como para o caso das atividades
da música sinfônica, pretendiam, também, minar a hegemonia do melodrama lírico que
dominava a cena. Estes agrupamentos corais buscavam novos repertórios, executando, além
da música sacra, um repertório profano pouco usual até então (CAPRA, 2003). Retomando
a questão das sociedades orquestrais, essas promoviam concertos com certa estruturação
didática visando a absorção dessas novas tendências musicais. Ilustrativo dessa tendência é
o programa apresentado por Cesari (2004) em seu artigo sobre esta época, em torno de um
concerto levado a efeito em 15 de abril de 1888 em Milão. Na primeira parte executou-se a
quinta sinfonia de Beethoven e na segunda parte, obras curtas de autores contemporâneos
não operistas italianos, além do francês George Bizet, que comparece, também, com uma
peça não operística. Um segundo concerto, referido por esse mesmo autor, realizado em
maio de mesmo ano, oferece uma mistura complexa que inclui trechos de obras de Mozart,
Bach, Mendelsshon, Beethoven, Rossini, Sain-Säens e Gluck, além de outros autores
menos conhecidos.
Dentro deste panorama de inovação, entretanto, não se pode deixar de discutir
um outro aspecto, que é o do papel social da música nesse período. De fato, no bojo do
resorgimento a burguesia assume papel relevante como estrato social determinante da nova
composição política e social na Itália unificada. Junto, vem o seu desejo de expressão
artística, o que é perfeitamente realizável com o ubíquo e polifônico piano. Este desejo de

36
expressão é domiciliar, porém extensivo e ocorre, de formas ligeiramente diferentes, em
toda a Europa. Mesmo outros países, particularmente nas Américas – e o Brasil aí se inclui
perfeitamente -, não se frustram à esta novidade da metrópole, pois, mesmo independentes,
ainda sentem uma irresistível atração pelo centro colonizador. Entretanto, este apelo
pianístico ocorre de forma diferente na Itália, no que se refere ao desenvolvimento da
técnica composicional e interpretativa. Na península, a literatura para o instrumento se
limita a obras de caráter de divertimento, com condições técnicas que não limitassem sua
execução dentro do contexto até agora exposto, isto é, o do âmbito domiciliar, não
profissional. Entretanto, esta condição não impediu que a Casa Ricordi, verdadeiro
cenáculo do melodrama lírico, publicasse obras para piano de Beethoven e Mendelsshon
(MAINARDI, 2004). Verdade se diga que, em proporção, eram poucas essas publicações
considerando-se o catálogo devotado à lírica. Este, em verdade, oferecia todas as
combinações para as quais houvesse demanda. As óperas dos principais compositores do
momento e sucedâneos (fantasias, transcrições, paráfrase, etc.) eram ofertadas para
combinações tão diferentes como piano solo, piano e canto, piano facilitado, piano a quatro
mãos, flauta solo, flauta e piano, dueto de flautas, violino solo, violino e piano, dueto de
violinos, violoncelo e piano e clarineta e piano. Outra fatia importante desse mercado eram
as bandas militares e civis, que existiam em profusão na Itália. Em 1888 a Casa Ricordi cria
uma seção especializada em música para banda e, para promover melhor essa área em
expansão, instituem um concurso de música para bandas.
Com isto, verifica-se que o ambiente cultural milanês era diversificado e
pluripotente, o que permite compreender a capacidade de posicionar-se de uma geração
jovem que vê uma estagnação estética determinada, como se viu, não por incompetência
criativa de uma sociedade, mas pelas características extra musicais de interesses
hegemônicos de determinados segmentos dessa comunidade. O fato é que, se os scapigliati
faziam mais barulho do que produziam obras marcantes em um processo de transformação
– e, na música, este é o caso emblemático do Mefistófeles de Boito e o I profughui
Fiamminghi de Faccio – a agitação produzida nas diferentes vertentes da manifestação
artística foi marcante. E como a ópera é uma síntese melhor ou menos privilegiada da
poesia enquanto literatura, das artes plásticas enquanto cenografia e da música enquanto

37
catalisador e plasma materializador dessas manifestações, é nela, curiosamente, que se
concretizam de forma evidente as características modificadoras desejadas por esse grupo de
revolucionários burgueses. O que eles não percebem é que este processo já estava
ocorrendo, involuntariamente. E se suas manifestações lograram resultados mais concretos
e imediatos foi mais por uma questão meramente de momento e oportunidade do que pela
iconoclastia pujante desses jovens que, sabe-se, tinham seus limites determinados pelos
horários nas festas, do vinho e dos amores desenfreados.

3.5 A nova ópera

Verdi já estava demolindo o melodrama italiano antes mesmo que os seus

detratores descabelados impusessem sua filosofia. Rigolleto, do longínquo 1851,
premonitoriamente, já antecipava certas medidas dos scapigliati. É nesta ópera que o
sistema de números fechados entra em colapso e a ária tripartite parece procurar novos
envoltórios. O discurso musical começa a ganhar continuidade – continuidade que Boito,
por mais que se esforce em sua erudição literária e musical, não vai conseguir no
Mefistófeles e muito menos no Nerone, sua eternamente postergada obra que será
representada, postumamente, apenas em 1924. Verdi, então, começa a desmontar a
estrutura do melodrama, discretamente. Ocorre, entretanto, o seu afastamento, ou melhor,
uma certa reclusão dos palcos com novidades, a qual ele retorna apenas em 1871 com a
Aida. Neste vácuo, praticamente compreendido pelo período em estudo, é que se firmam,
pelas mãos de outros compositores, as principais modificações na estrutura do libreto e da
música do melodrama italiano demandadas pelos scapligliati. Importa notar, entretanto, que
essas modificações não são necessariamente obra direta da ação dos scapigliati.
Definitivamente, o que se poderia definir como ópera scapigliata não se firmou nem trouxe
contribuições relevantes ao melodrama italiano. Como se verá adiante, é a produção de
outros compositores, que nada tem de Scapilgiati, que promoverá esta reforma. Sobre o
caso da ópera I Profughi Fiamminghi de Franco Faccio e emblemática dessa condição é a
carta enviada a Faccio pelo venerado Verdi. Muito apropriadamente ao contexto, ele, na

38
verdade, a envia apenas por gentileza a um pedido da Condessa Maffei, mas sua escrita é
premonitória, fria e não deixa de abordar sutilmente seu profundo descontentamento com
os arroubos verbais do jovem Boito (WEAVER, 1980, p. 160):

Se o público, o juiz soberano, sorriu para sua primeira obra e a

aceitação, como você disse, foi boa, então continue com espírito
de confiança a carreira que você tomou, e acrescente aos grandes
nomes de Pergolesi e Marcelo mais um nome, o seu. Desejo o
mesmo para seu amigo Boito, ao qual peço a gentileza de
cumprimentar em meu nome.

A sutileza e fina ironia ficam por conta da menção dos nomes de Pergolesi e
Marcelo, já citados por Boito em sua desastrada Ode à Arte Italiana que tanto irritara Verdi.
De fato, todos esses autores mencionados não eram aderentes incondicionais
aos ditames da scapigliatura e, mesmo, nem participaram ativamente das ações do grupo.
Esse é particularmente o caso de Antônio Carlos Gomes e Amilcare Ponchielli, os quais,
mesmo sendo os responsáveis maiores pela produção operística desse período em estudo,
restringiram-se a reagir, em seu metiér composicional, a uma condição de uma estética em
transição do que serem os lídimos executores de uma política estética pré-determinada
pelos scapigliati. Desta forma, afirmações da adesão, pelo menos desses compositores, aos
ideais revolucionários dessa vanguarda milanesa devem ser vistas com cautela.
De qualquer forma, toda essa turbulência, e como visto, não apenas a dos
scapigliati, resultou em modificações palpáveis no melodrama italiano. Nesse sentido, a
introdução de características da grand-opéra francesa, talvez, traduza a contribuição mais
pronunciada. Suas principais características são apontadas por Cesari (2006) e devem ser
discutidas com certa profundidade e de forma ampliada, com o intuído de explorar a
apropriação desses códigos por diferentes compositores, particularmente os antes
mencionados, incluindo-se Antônio Carlos Gomes.

39
 De acordo com Cesari (2006), a influência da grand-opéra francesa e a forma
como ela foi traduzida para o melodrama italiano, talvez, tenha sido a característica mais
marcante entre as contribuições desse momento de transição e modificações. Entre essas,
salienta-se o gosto pela grandiosidade cênica, um tratamento diferenciado da orquestra,
modificação na abordagem da vocalidade e o abandono da solita forma9. Evidentemente,
nesse período, a grand-opéra não era nada de novo. Verdi, com sua habitual ausência de
Milão e seu famoso teatro, atendia os desejos da própria martriz da grand-opèra, o teatro da
a Academie Nacional de Musique e, futuramente, o Palais Garnier em Paris, com Les
Vespres Sciciliannes em 1855 e Don Carlo em 1867. Por sua vez, a Casa Lucca, fundada
em 1825 por Francesco Lucca, se encarregaria de introduzir na Itália os principais operistas
ultramontanos, como Giacomo Meyerbeer, Fromental Halevy, Charles Gounod, François
Auber, Friedrich von Flotow e Jacques Offenbach. Ao adquirir no exterior os direitos de
obras de compositores desconhecidos na Itália, como estratégia auxiliar para confrontar os
negócios da Casa Ricordi, a Casa Lucca abriu novos horizontes ao público italiano,
contribuindo para a desprovincialização de sua cultura musical (PASQUINELLI, 1982). As
estréias das principais obras desses compositores, em Paris e em Milão podem ser vistas na
Figura 7 e permitem auxiliar no entendimento do papel que essa proposta estética
apresentou no período em estudo (Figuras 8, 9, 10 e 11).

9
A solita forma será assunto importante nas discussões que seguem e um detalhamento sobre seu conceito se
faz necessário. O termo parece ter sido inicialmente usado por Abramo Bavesi (POWERS, 1987), médico,
critico e musicólogo italiano atuante na primeira metade do século XIX. Em seu libro Studio sulle opere de
Giuseppe Verdi, publicado em Florença em 1859, aparecem este termo e seu detalhamento. A solita forma,
então, se refere à forma habitual da construção formal, em termos musicais e textuais, da unidade dramática
do melodrama italiano do ottocento. A solita forma, então, pode ser entendia como o cânone formal do
número operístico. Os termos referidos por Bavesi começam a ser utilizados pelos compositores e
musicólogos e, progressivamente se institucionalizam no vocabulário operístico. Defini-se, assim, toda a
estrutura formal da ópera, o conteúdo de seus números e o tipo de intervenção que lhe é característica. Por
exemplo, o coro d’introduzione, a scena ed aria, a scena ed duetto, entre outros. Cada um deles apresenta, por
sua vez, uma seqüência específica de eventos dramáticos contextualizados, por sua vez, por uma estrutura
musical específica e reproduzível entre os compositores.

40
 Data da estréia
Autor Título
Paris Itália

Halévy La Juïve 1835 1865 (Milão)

Les Hugenotes 1836 1841 (Florença)

Meyerbeer Le Prophete 1849 1852 (Florença)

Stella del Nord 1854 1856 (Milão)

Flotow Marta 1847 1859 (Milão)

Gounod Faust 1859 1862(Milão)

Figura 7 – Quadro demonstrativo das datas de estréia, em Paris e na Itália, de algumas das
principais óperas identificadas com o modelo da grand-opéra.

41
Figura 8 – Frontispício da primeira edição da versão italiana de L’Ebrea, publicada por F.
Lucca.

42
Figura 9 – Frontispício da primeira edição da versão italiana de La Stella del Nord,
publicada por F. Lucca.

43
Figura 10 – Frontispício da partitura para piano solo de L’Africana de G. Meyerbeer,
publicada por F. Lucca. Trata-se da versão em italiano.

44
Figura 11 – Frontispício da partitura de Marta publicada por F. Lucca.

45
 A grandiosidade e o coup de théâtre

O que interessa tomar da grand- opéra é seu apelo ao espetaculoso e ao coup de

théâtre. As grandes cenas com massa coral são essenciais. A representação de eventos
climáticos da natureza, as batalhas, os julgamentos, os ritos têm apelo direto. Exemplos
disso percorrem várias óperas notáveis desse período: o início do primeiro ato de La
Gioconda, com o amplo cenário do pátio interno do Palazzo Ducale e o alegre coro de
introdução; praticamente todas as cenas do terceiro ato de Il Guarany, na aldeia dos
Aimorés; a scena della tribuna no segundo ato de Salvator Rosa e a cena final do segundo
ato de Aida. Esta é emblemática da absorção dos princípios da grand-opéra devido a sua
implantação inócua em termos de desenvolvimento dramático geral. De fato, Aida é um
exemplo de libreto cuja essência da trama poderia se desenvolver de forma menos
grandiloquente, mas que a genialidade de compositor e libretista permitiram transubstanciá-
lo em um desenvolvimento de grand-opéra efetivo. Como desenvolvimento dramático, a
referida cena é competentemente construída, permitindo ao compositor expressar-se em sua
melhor forma, produzindo música de elevada qualidade e que enobrece o repertório lírico.
Entretanto, a simples informação, através de um recitativo, poderia introduzir os elementos
dramáticos referentes à esta cena. Da mesma forma, a cena do julgamento de Ramsés, no
quarto ato, ainda que mais reclusa, assume a mesma condição de cumprir com os requisitos
da grandiosidade cênica advinda dos ventos parisinos. Neste caso, mais pela elaboração
dramática do processo de cena ritual, sempre consideradas efetivas por Verdi (NOSKE,
1973), do que pela presença de massas corais.

O coup de théâtre é aquele momento privilegiado, geralmente, curto, de clímax

dramático resolutivo, onde o texto e o desenvolvimento cênico têm características
marcantes, conclusivas, brilhantes, inesperadas, inspiradas, levando a um arrebatamento da
audiência pelo inusitado. Sua definição, na dramaturgia, envolve um acontecimento
inesperado, causador de uma mudança brusca no curso da ação dramática.

46
 Seguindo o pensamento de Ariosto (NAUGRETTE, 1999), a tragédia se
compõe de seis partes – a fábula, a psicologia, os personagens, o texto, a encenação e o
canto. Entre elas, a fábula é a parte mais importante, uma vez que a tragédia não imita o
homem pontualmente, mas sim imita suas ações. E a força motriz mais relevante da fábula
é a ação dramática através de suas partes constituintes: os imprevistos (péripéties) e o
reconhecimento – isto é, em resumo, o coup de théâtre. No primeiro caso, nos imprevistos,
temos a retomada da ação em sentido contrário e, na segunda, a passagem da ignorância do
fato ao seu conhecimento e que leva à uma tomada de posição, tanto para o bem como para
o mal. O coup de théâtre mais bem engendrado é aquele cujo reconhecimento advém de um
imprevisto.
O apelo, então, não é recente e a ópera vai aperfeiçoar esta tradição em razão da
maior velocidade necessária ao seu discurso dramático do que o do drama. A cena final de
La Juïve de Halévy é vivamente exemplar do requinte em coup de théâtre. Após a sentença,
Raquel é atirada dentro de um caldeirão com água fervente enquanto Eleazar revela a um
espantado Brogni que a filha que ele procurava é aquela a quem ele condenou à morte tão
cruel. O próprio Donizetti, que assistia a ópera em Paris, considerou que “era muito
realística – a cena final excessivamente horrificante, e mais horrível ainda por ser muito
ilusória” (WEINSTOCK, 1964, p. 108).

Outro grande apreciador desse modelo foi Meyerbeer. Entre outros efeitos, se
pode citar a cena do naufrágio do navio ao final de L’Africaine. Esse modelo é usado em La
Gioconda (1876), no momento final do terceiro ato quando Alvise apresenta o corpo
exânime de sua mulher e revela ter sido ele seu algoz em virtude da traição aos votos do
casamento, para duplo espanto de seus convidados e, pretensamente, da platéia. Da mesma
forma, Antonio Scalvini, este um dos principais scapigliati em Milão, e Carlos
D’Ormeville optam por transformar D. Antonio em um quase homem-bomba ao explodir o
castelo ao final de Il Guarany. Na cena final de Maria Tudor, a agitação da rainha à
suspeita levantada por Giovanna de uma possível traição e a surpresa da revelação de quem

47
realmente foi ao patíbulo10, é cena que preenche também os requisitos de coup de théâtre.
Mais adiante, vemos em Andrea Chénier (1896) outro exemplo clássico na exuberante cena
final do terceiro ato, quando Gérard se apresenta e retira a acusação contra Chénier, mas ela
é reapresentada por Fouquier, o promotor, o que termina permitindo a condenação do poeta
à guilhotina. Illica e Giacosa11 preparam várias situações dessas em Tosca, sendo o
assassinato de Scarpia e o falso fuzilamento de Cavaradossi dois momentos representativos.

A orquestração

Na parte estritamente musical, o processo de orquestração apresenta uma nítida

evolução. Se comparada com as fórmulas típicas adotadas pelo grupo do primeiro
romantismo, Rossini, Bellini e Donizetti, a composição da orquestra e a tinta orquestral são
mais complexas e elaboradas. A transparência e leveza da escrita Belliniana,
particularmente a dele, é substituída por conjuntos mais espessos e coloridos. Em Bellini, a
voz é primordial e, em um contexto genérico para suas árias, ela é acompanhada pelas
cordas em arpejos que desdobram a tríade, ficando a fundamental com os violoncelos e
contrabaixos. Sequer o principal tema é reforçado pelos primeiros violinos. Esse tema, na
orquestra, usualmente é exposto logo no início da ária, normalmente confiado às madeiras
(flauta ou oboé) (Figura 12). As trompas intervêm, geralmente, no reforço das cadências
conclusivas. Uma outra combinação freqüente é a primazia das cordas no acompanhamento
da melodia pela linha vocal e o suporte harmônico em momentos específicos, distribuídos
entre trompas e clarinetes, alternando, se o registro indicado é mais grave, com trompas e
fagote.

10
Maria combina com D. Gil de trocar o condenado à morte, Fabiano Fabiani, seu amante, por Gilberto. Sob o
capuz ninguém iria notar a diferença. Na verdade, Dom Gil prefere atender ao pedido de seu rei, Felipe II da
Espanha, do que atender aos apelos da Rainha da Inglaterra. Ele não ordena a troca de prisioneiros e, ao final,
quem vai ao patíbulo é Fabiani, para desespero de Maria.
11
Giuseppe. Giacosa e Luigi. Ilica foram dois dos mais importantes libretistas atuantes na segunda metade do
século XIX em Milão. As principais obras de Puccini tiveram libretos fornecidos por esses poetas.

48
49
Figura 12 – G. Donizetti, L’Elisir d’Amore. Verifica-se a introdução orquestral da frase
principal. Na exposição pela voz, a orquestra apóia harmonicamente o tema.

Ainda que com suas peculiaridades, o primeiro Verdi também segue esse
modelo, mas promove modificações ao longo de seu período intermediário. Macbeth é um
ponto de mudança importante em que a cor tímbrica assume requisito dramático intensional

50
na tentativa de ilustrar o fantasmagórico e sobrenatural do texto de Shakespeare (RINGER
& GOSSETT, 1971). Mais que isto, Verdi promove uma verdadeira revolução na própria
orquestra para ópera italiana – em termos qualitativos e quantitativos (HARWOOD, 1986).
Essa movimentação toda permite aos compositores do período de transição abordar a
orquestração de forma diversa, como é o caso de Ponchielli e Gomes.
O tratamento do timbre assume caráter diferenciado. Em Gomes, então, será
particularmente importante para tentar a “cor local” para sua ópera pretensamente nacional
– Il Guarany. Este é o caso dos instrumentos adicionais para o acompanhamento do balé no
terceiro ato e, no final do segundo ato, o uso de uma banda interna para executar a música
que as instruções da partitura referem como “suono interno d’instrumenti selvaggi”. Nos
compassos que seguem, há o uso de um trombone com ligeira distorção do timbre para
representar um som mais selvagem ainda, o que produz intenso medo nos estrangeiros. Já
no Condor, no último ato, a combinação dos fagotes em uníssono com os violoncelos e o
quase glissando do desenho melódico permite um achado timbrístico interessante para
sublinhar algo também de selvagem e urgente quando Odalea mostra, ao longe,
Samarcanda em chamas (Figura 13). Então, a frase melodica já não é o elemento de
linguagem e sim o timbre que assume algum tipo de simbolismo.
O uso dos violinos na região aguda e em trêmulo é outra fórmula comum e
perigosa, pois identificava imediatamente o compositor com a estética wagneriana após a
estréia do Lohengrin em Bologna, ocorrida em 1870. Esquecem os críticos o uso dessa
mesma fórmula por Verdi na, então, longínqua La Traviata de 1853. Entretanto, o modelo
da melodia sobre um fundo de violinos em trêmulo no registro agudo, principalmente em
cenas de consumação de perda, dor, despedida, é constante e eficiente. Verdi não foge
disto, para citar alguns poucos exemplos, nos compassos finais de La Forza del Destino e
Aida. Carlos Gomes repete o modelo ao final de Fosca (Ecco... al legno ascendono) (Figura
14) e Salvator Rosa (Figura 15).

51
Figura 13 – A. Carlos Gomes. Condor. Terceiro Ato. Observar o uso dos
fagotes em uníssono com os violoncelos.

52
Figura 14 – A. Carlos Gomes. Fosca. O modelo usado por Gomes ao final de ópera.
Violinos em trêmulo no registro agudo.

53
Figura 15 – Antônio Carlos Gomes – Salvator Rosa. Cena final. Veja-se o uso dos violinos
divididos em três partes, com tríades na região aguda e em tremolo.

O uso proeminente dos violinos conduzindo frases melódicas de intensa

dramaticidade, as violinates, é outro modelo comum ao período. Este artifício de
orquestração consiste na frase apresentada pelos primeiros violinos ser reproduzia nos
segundos violinos uma oitava abaixo, assim como pelas violas na mesma tessitura e, muitas
vezes, também pelos cellos. Esse expediente poderia ser comparado, como na registração
de uma peça para órgão, à agregação de vários jogos com diferentes alturas, por exemplo,
jogos de 8’, 4’ e 2’ acoplados em um mesmo teclado onde a melodia principal irá ser
executada. Eventualmente, a frase era distribuída por todas as cordas, à exceção dos
contrabaixos. As madeiras poderiam ser chamadas a dobrar a mesma melodia, também.

54
Alfredo Catalani e Pietro Mascagni apresentam exemplos típicos deste artifício de
orquestração que resultava em efeito pleno dependendo da qualidade da frase (Figura 16).

Figura 16 – La Wally (1892) de Catalani. Emprego das cordas para a exposição da melodia
principal. As madeiras também sustentam a mesma frase e nesse exemplo se
encontram condensadas em um único pentagrama.

Um outro exemplo claro dessa orquestração encontra-se no Prelúdio da

Cavalleria Rusticana (1890) de Pietro Mascagni. Aqui, o efeito é mais impressionante.

55
Mascagni inicialmente apresenta a frase em dinâmica pianissimo com a flauta e a trompa na
tônica (ré menor). Em seguida, com uma súbita mudança de dinâmica para o forte, reexpõe
a melodia, agora na tonalidade da dominante, através das cordas nessa condição de
desdobramento entre as vozes das cordas. Os contrastes tonal e dinâmico causam um efeito
marcante, mas é primordial nesse efeito a mudança de timbre obtido pelo uso da violinate
com divisão entre primeiros, segundos violinos e violas em oitavas (Figura 17).

Figura 17 – O contraste tonal, de dinâmica e timbrístico causa efeito surpreendente nesse

trecho do Prelúdio da Cavalleria Rusticana de P. Mascagni. O
acompanhamento da harpa foi omitido para que a proximidade dos compassos
permitisse a compreensão do exposto.

56
 A vocalidade

O tratamento da vocalidade se altera sensivelmente devido, em parte, a esta nova

abordagem da orquestração. Tornando-se mais espessa, mais densa a orquestração, a
vocalidade tende a competir com a orquestra. Em muitas obras desse período, de fato,
percebe-se o estabelecimento de uma relação de forças entre orquestra e cantores, com certa
preponderância da orquestra sobre eles. Certamente, esta dualidade não se restringe a uma
modificação do tratamento da linha vocal. Percebe-se, antes de tudo, uma preocupação
crescente em incorporar a orquestra no discurso dramático. Ela passa a comentar com maior
precisão e intenção, aquilo que está se passando no palco. O uso das reminiscências é uma
forma de garantir esta ligação entre o drama e a orquestra.
Seria conveniente aprofundar brevemente essa discussão, antes de continuar
com a questão da vocalidade. A reminiscência, ou motivo recorrente, se dá pela
caracterização que um determinado tema melódico, fragmento rítmico, tonalidade ou
textura tímbrica apresenta com um determinado evento ou condição dramática no contexto
do libreto.
Como a própria palavra diz, trata-se de uma reminiscência, isto é, ela passa a
atuar como tema recorrente após o prévio estabelecimento da relação melodia, rítmica ou
tímbrica, com o evento associado. Assim, o seu reaparecimento já não requer nem a
participação da voz ou da personagem a que está ligada, ou melhor dito, condicionada. O
tema do amor de Alfredo por Violeta, que recorre no último ato da La Traviata, é suficiente
para evocar essa condição, mesmo que não houvesse interferência do personagem para
garantir essa associação. Da mesma forma, a tonalidade de dó menor com que Carl Maria
von Weber caracteriza o lado das trevas em Der Freischütz (1821) retorna sempre nos
momentos envolvendo Samiel. O motivo recorrente tímbrico pode ser exemplificado com o
trecho mencionado anteriormente (Figura 13) de Condor. Apesar de, na forma como está
nesse exemplo, ele apenas aparecer nesse segmento da ópera, a sua repetição insistente por
onze vezes seguidas é suficiente para que se faça, logo no início de sua introdução, a

57
ligação entre esta textura e o caráter de urgência e alarme. Seria como se um sinistro e
bárbaro instrumento, produzindo aquele glissando, estivesse sendo usado para instigar o
povo a, definitivamente, se rebelar contra Odalea e procurar vingança pela traição de suas
leis. Assim, da mesma forma que a repetição de estruturas garante coesão e unidade à um
período musical, a repetição de sessões também contribui para garantir a unidade e
estrutura para formas musicais mais extensas (WILSON, 1989).
As reminiscências, ou temas recorrentes, diferente do leitmotif wagneriano, não
pretendem necessariamente a repetição com transformação. Trata-se da re-apresentação
literal à guisa de rememoração. Na relação do signo com seu objeto, encontramos, então, a
relação icônica, indicial e simbólica (ícone, índice e símbolo). Como visto, o ícone é um
signo que faz referência. O índice requer uma relação de existência ou causalidade
(fogo/fumaça; chuva/nuvens negras). Já o símbolo trata de uma representação
convencionada, tal qual uma determinada obra musical ser o hino de um país, e daí, um de
seus símbolos, ou o uso dos motivos recorrentes, que é o caso da presente discussão.
Assim, pela concepção peirciana da semiótica, poder-se-ia dizer que esses motivos
recorrentes, que são musicais, apreendem uma qualificação advinda do contexto dramático,
do libreto. Está aí, então, estabelecida a relação entre o discurso musical e o discurso
dramático.
Essa associação entre discurso dramático e orquestra, por meio da reminiscência, se
apresenta de forma também mais elaborada entre os compositores desse período de
transição. Esta preocupação será incessante, quase como uma necessidade para a obtenção
da coesão estilística de suas obras, para os compositores da giovane scuola. Daí, a
importância de nomes como Gomes e Ponchielli nessa experimentação que será
aproveitada futuramente por quase todos os compositores do verismo (KENKEL, 1984).
Kimbell (1991) cita um caso representativo dessa preocupação no final do segundo ato de
La Gioconda (Figura 18). No dueto de extremo confronto entre Gioconda e Enzo, esta
mostra-lhe a barca em que foge Laura, sua rival pelo amor do marinheiro. Enquanto Enzo
responde, incrédulo, a mais esta tentativa de Gioconda em afastá-lo de Laura, a mesma
melodia com que Gioconda apresentou sua denúncia acompanha a exposição de Enzo,

58
criando um confronto adicional, psicológico, mas totalmente fundado em uma ação musical
(Figura 18 e 19)

Figura 18 – A. Ponchielli. La Gioconda. No desenvolvimento do dueto,

Gioconda revela a fuga de Laura na tentativa de demonstrar que a
rival verdadeiramente não o ama.

Figura 19 – A. Ponchielli. La Gioconda. Na entrada de Enzo a frase de

Gioconda é reapresentada pela orquestra.

59
 Por uma questão de mérito, deve-se ressaltar que este tipo de estratagema
musical não é original em Ponchielli – La Gioconda estréia em 1876. Georges Bizet utiliza
esse tipo de associação de forma menos sutil em sua Carmen de 1874. Em verdade, o
amigo e vizinho de Ponchielli em Maggianico, Antônio Carlos Gomes, já utilizara este
mesmo expediente em sua revolucionária Fosca de 1873. De fato, para esse período de
transição, Fosca deve ser analisada com muita atenção, pois que prenuncia muitas das
mudanças que irão marcar esse período. Lastimavelmente, outros compositores, sob essa
mesma influência, é que serão escolhidos para exemplificar os elementos estilísticos desse
período. Este é o caso de Ponchielli, Marchetti e Catalani, compositores que sempre
tiveram um tratamento mais privilegiado, com certa razão, pela musicologia italiana,
particularmente a que estuda o fenômeno da ópera italiana do século XIX. Entretanto, não
se pode negar a capacidade de Gomes em perceber o ambiente de transformação em que se
encontrava e procurar um estilo próprio, o que resultou em uma obra, talvez irregular, mas
sempre evolutiva.
Voltando à questão do tema recorrente e seu uso como comentário orquestral
em apoio à psicologia do drama, é importante salientar sua relevância na paleta de Gomes.
Particularmente na Fosca, seria possível, inclusive, que o tema recorrente fosse utilizado de
forma mais elaborada e se aproximasse muito do conceito de leitmotif, segundo o uso
Wagneriano do termo. Aparentemente, em Fosca, ópera de experimentação e inovação, o
uso do tema recorrente poderia apresentar desenvolvimento e, portanto, assumir novos
significados ao longo do discurso dramático. Uma pista neste estudo seria o fato de que,
como sugere Pupo Nogueira (2003) os temas recorrentes em Fosca, de certa forma, se
apresentam interligados do ponto de vista motívico. Este seria um estudo oportuno para
desvendar, de forma analítica, as qualidades dessa ópera fulcral em Gomes.
Sem querer entrar nesse aspecto investigativo, interessante mas fora do
contexto do presente estudo, deve-se, entretanto, apresentar mais alguns exemplos da fina
fatura musical de Gomes pelo uso dos temas recorrentes como forma de unidade dramática.
Neste contexto, pode-se citar o caso, logo no primeiro ato, quando Gajolo refuta a
impensável idéia sugerida por Fosca de aceitar o resgate e não entregar Paulo, o refém. Isto

60
é contra a ética dos corsários. Enquanto explica isto à irmã, a orquestra retoma o Tema dos
Corsários, que, de acordo com a análise de Mario de Andrade (1936), apresenta a altivez
desses homens e que é apresentado logo nos primeiros compassos da abertura da ópera,
pelo menos em suas duas últimas versões (Figura 20).

Figura 20 – Antônio Carlos Gomes – Fosca. Enquanto Gajolo refuta a idéia de trair a ética
do grupo, o Tema dos Corsário é exposto pela orquestra de forma a
complementar o discurso dramático.

Dentro deste contexto do retorno do refém, há uma citação literal da futura

cabaleta de Paulo logo na primeira frase antes da ária de Cambro. Ele se refere, exatamente,
ao retorno do rapaz à sua cidade natal, Veneza. Nesse momento, se houve a frase completa
que, posteriormente, será usada como material temático de toda a famosa cabaleta. Trata-se,

61
então, de mais uma citação orquestral como confronto ao discurso dramático (Figura 21 e
22)

Figura 21– Antônio Carlos Gomes – Fosca. A introdução de Cambro é precedida for uma
citação completa da frase que aparecerá apenas nas cabaleta de Paolo citando
sua cidade natal.

Figura 22 – Antônio Carlos Gomes – Fosca. Primeiro ato, scena e duetto. Cabaleta de
Paolo

62
 No início do segundo ato (dialogo e canzone), após o retorno a Veneza, Paulo e
Delia se encontram. Delia, interroga o noivo sobre o amor que Fosca lhe devotava. Mesmo
ausente em cena, o Tema de Fosca Sinistra, segundo Andrade (1936), sublinha a resposta
de Paolo (Figura 23).

Figura 23 - A. Carlos Gomes. Fosca. Segundo Ato. A resposta de Paolo, sempre di lei mi
parli, é sublinhada pelo tema de Fosca Sinistra.

A insistência nesses exemplos de Fosca se faz necessário, pois é nela que

Gomes realmente se apresenta como significativo ator para o desenvolvimento do
melodrama lírico nesse período, contribuição essa geralmente omitida pela musicologia
italiana, a não ser por breves, mas relevantes, citações, como é o caso de Conati (1982, p.
66):

63
 No seu conjunto, Fosca marca a fase de maior avanço alcançado
na arte por Gomes e ao mesmo tempo o verdiano momento da sua
efetiva inserção no vivo da evolução da ópera lírica italiana,
representando para os seus tempos uma das tentativas mais sérias
de mediação entre o melodrama italiano e as experiências
“ultramontanas”.

Retomando especificamente a questão da vocalidade, Fosca, novamente, é

um ponto interessante de partida para uma discussão sobre as modificações do tratamento
da linha vocal. A relação entre discurso dramático e musical se acentua e se aproxima. A
declamação dramática, muitas vezes de caráter enérgico, assume preponderância. Esta
opção de tratamento da frase vocal está em consonância com a busca da continuidade do
discurso musical, busca esta já introduzida por Verdi, como dito anteriormente, ainda no
Rigoletto de 1851. As cenas de ligação entre as secções não têm mais o caráter
contemplativo ou puramente narrativo de fato ocorrido. Os fatos acontecem em tempo real
e, texto e música, descrevem reações psicológicas coerentes com seu conteúdo dramático.
Nela se traduz a necessidade de expressar algo real, uma seqüência de sentimentos
despertados ou resultantes de um fato. Como se verá adiante, esta é uma das características
da decomposição da solita forma, um dos marcos do período de transição, ao qual Gomes
deu contribuição ímpar. Fosca introduziu muitas novidades no melodrama desse período e,
por isto, pode novamente ser usada para exemplificação do que foi exposto sobre a
mudança na vocalidade.
Na cena final do segundo ato, quando Gajolo, para salvar Fosca da fúria da
populaça, explica que ela é uma louca. A reação dela é muito convincente e o tratamento
musical dado por Gomes, a declamação musical que ele usa para este segmento é muito
efetiva e característica dessa nova modalidade de tratamento da frase. Fosca se sente ao
mesmo tempo ultrajada com o artifício usado pelo irmão como reconhece sua loucura por
desejar um amor impossível (Figura 24).

64
Figura 24 – A. Carlos Gomes. Fosca. Segundo Ato. A declamação dramática é fruto de
uma necessidade de expressar o real.

Em La Gioconda encontramos um outro exemplo do tratamento dramático

de eventos em tempo real, expresso por uma declamação dramática muito eficaz e
convincente. No quarto ato, após sua ária, Gioconda discute consigo mesma os fatos até ali
ocorridos, suas conseqüências e as medidas que tomou para resolvê-los ou contorná-los
(ecco il velen di Laura). Depois que ela aproxima os dois amantes, Enzo e Laura, e salva-os
pela fuga, pensa que está tudo resolvido. Subitamente, lembra-se da mãe, cega – mais um
encargo em sua agenda repleta de problemas. É algo que chega a ser trivial, não fosse a
enorme carga emocional que esta lembrança lhe desperta. Tanto no primeiro caso como
neste último, a cena é construída por meio de uma declamação dramática em que o texto
musical se coaduna perfeitamente com o texto dramático. Seria conveniente recordar que,
para os compositores da primeira metade do século, um recitativo a seco ou acompanhado,
resolveria a questão (Figura 25).

65
Figura 25- A. Ponchielli. La Gioconada. Quarto ato, cena V – recitativo. Inicia-se uma
intensa declamação dramática quando Gioconda lembra que ainda não pode
matar-se, pois falta encontrar a mãe, cega.

Ainda dentro de uma nova abordagem da vocalidade, cita-se o uso freqüente

de expansões da frase melódica, em registro médio para o agudo, com conteúdo fortemente
dramático, usualmente com a indicação interpretativa de slancio que pode ser traduzida por
ímpeto, arrojo, ardor – o que efetivamente está contido nesse tipo de expansão da frase. Um
exemplo clássico ocorre, novamente, em Fosca e La Gioconda (Figura 26)

Figura 26 - As duas mulheres, irmanadas pelo amor não correspondido, usam

freqüentemente a melodia expandida, com slancio.

66
 Esta forma de tratar a frase se enquadra, também, dentro do que foi definido
como declamação dramática.
Outra particularidade desse período, no tratamento da vocalidade, é o uso de
saltos bruscos de registro (GÓES, 1996). Novamente a Fosca é um das primeiras óperas em
que esse expediente dramático é utilizado de forma efetiva, o que pode ser visto na frase de
Fosca no exemplo anterior, na qual encontramos, em seqüência, dois amplos intervalos
ascendentes de sétima menor. Ainda em Gomes, encontramos um outro exemplo na Maria
Tudor, no qual há dois saltos, um descendente de mais de uma oitava e outro ascendente de
uma oitava, separados por apenas um compasso (Figura 27).

Figura 27– Antônio Carlos Gomes. Maria Tudor. Quarto Ato – monologo e ária.

Importa notar aqui o uso dramático dessa disposição intervalar. A

instabilidade emocional do evento está sempre presente, subjacente ao fato declamado.
Fosca, no exemplo anterior, suplica a oportunidade de ficar com o homem que ama. Por
coincidência, ou não, Gioconda reclama também da impossibilidade de ser correspondida
em seu amor, mais que isto, fica latente seu ato de extrema doação ao ceder o homem que
ama à sua rival. A frase, dilacerada pela angulação excessiva dos intervalos amplos,
comenta esta situação de instabilidade psicológica, ao ponto em que Fosca pretende
apunhalar a rival e Gioconda está prestes a se suicidar. Nenhuma delas suporta o peso de
suas amargas sinas. Nesses momentos de crise psicológica, então, é que esses compositores
lançam mão desse procedimento de saltos intervalares amplos. Da mesma forma, em Maria
Tudor, a protagonista se encontra sob forte alteração emocional ao declamar a frase do
exemplo citado, pois ela mesma mandou seu amante ao patíbulo e a incerteza de sua

67
vontade a deixa em profunda instabilidade emocional. Assim, Gomes utiliza esses saltos de
forma adequada para traduzir essa instabilidade.
Estas definições se fazem necessárias, pois o uso dos saltos intervalares
amplos, por óbvio, não foram criados por Gomes ou qualquer outro de seus
contemporâneos. A diferença se faz na inserção desses intervalos dentro do conjunto
idealizado da frase e sua associação direta com o texto e a situação psicológica da cena em
que são usados. De fato, vamos encontrar exemplo de amplos saltos intervalares sem essas
características e, portanto, sem esse resultado, em compositores muito anteriores ao grupo
desse período. Esse é o caso de Rossini em Le Siège de Corinthe, uma revisão de Maometto
II, estreada em 1826 em Paris (Figura 28).

Figura 28- G. Rossini. Le Siège de Corinthe. Primeiro ato, cena e terceto. No cantabile de
Jero existem vários saltos intervalares que ultrapassam uma oitava,
descendente.

Na cena e terceto do primeiro ato, o personagem Jero, o sagrado guardião do

sepulcro, exorta os soldados a resistir com honra ao sítio. Durante seu cantabile existem
vários saltos intervalares descendentes que abrangem mais que uma oitava. Entretanto, não

68
há dramaticidade subjacente e o uso dos intervalos pode ser um artifício de pura exibição
vocal. Adicionalmente, para esta zona do registro, a descida de uma décima (mi 3 - do 2) e
de uma décima segunda (ré 3 - sol 1), em andamento relativamente rápido, não permite uma
percepção auditiva adequada, o que elimina, ou, pelo menos, deturpa significativamente
qualquer tentativa de obter algum efeito premeditado.

Um caso mais curioso é o de Halèvy e sua La Juïve, de 1835. Apesar de

anteceder em muito as obras dos compositores da transição, nela encontramos um exemplo
premonitório do uso de salto intervalar amplo com forte conteúdo dramático. Trata-se da
cena final do terceiro ato, quando Rachel denuncia publicamente Leopoldo de ser amante
de uma judia. A cena se passa não menos do que na frente do povo de Constanza e da noiva
de Leopoldo, a Princesa Eudóxia! Convém verificar na Figura 29 o intenso conteúdo
emocional dessa cena e a objetividade e crueza do texto que leva a uma situação de
imprevisto e de reconhecimento, isto é, um exemplo claro de coup de théâtre. O ponto
climático é a revelação e é onde se dá a queda intervalar do agudo ao grave, mas não como
efeito de virtuosismos vocal. O salto está dentro da lógica tonal da frase, antecedendo e
fazendo parte da cadência I6/4 – V - Im, onde a insuportável tensão da cena é descarregada
sobre o povo, que reage diante da revelação do inaudito fato.
Aparentemente, esse expediente, tão meticulosamente elaborado, não era
comum na época e sua clara relação com a prática dos compositores da transição possa ser
explicada pela forte influência da grand-opéra que, como já mencionado, foi um dos
fatores de releitura por parte desse grupo. O que se pretende insinuar é se esses
compositores teriam detectado e analisado a presença desse tipo de tratamento, por
exemplo, em Halèvy, pois deve ser lembrado que essa ópera estreou no alla Scala somente
em 1865. Esta data é interessante, pois significa trinta anos após a estréia em Paris, mas é o
ano em que Gomes já está em Milão estudando no Conservatório.

69
Figura 29 - La Juïve. F. Halèvy. Terceiro ato, cena final. Um precoce uso de salto intevalar
em momento de intenso clímax dramático.

70
 Amilcare Ponchielli trabalha em Cremona, mas já é um operista escolado, ainda
que não completamente bem sucedido (I Promessi Sposi, La Savojarda e Roderico). Mas
ele circula frequentemente por Milão onde, inclusive, em 1868, ganha o concurso para a
cadeira de harmonia, contraponto e fuga do Conservatório de Milão, mas não obtém a vaga,
devido a arranjos feitos para que Franco Faccio ocupasse o posto.
Filippo Marchetti, que se mudara de Roma para Milão em busca de melhor
ambiente profissional, obtém seu primeiro sucesso nos palcos de Trieste com o Romeo e
Giulietta (1865) (Figura 30). Essa mesma ópera é trazida em 1867 para Milão, onde
estreará no Teatro Carcano, na mesma temporada em que o Roméo et Juliette de Gounod é
levado no Teatro alla Scala e, comentou a crítica, com sucesso não inferior a este.
Desta forma, é muito provável que esses três compositores, Amilcare
Ponchielli, Felippo Marchetti e Antônio Carlos Gomes, tenham participado ativamente da
intensa vida musical de Milão, tanto no Teatro alla Scala e outros teatros de Milão e, sendo
do ramo e vivendo em uma fase ainda de formação ou de afirmação de sua vocação,
tenham analisado criticamente, até para proveito próprio, essas obras da grand-opéra que
faziam o sucesso das bilheterias em uma Milão um pouco esvaziada de novos nomes.

71
Figura 30 – Fronstispício da primeira edição de Romeo e Giulietta de F.
Marchetti, publicado pela editora de Francesco Lucca.

72
 A decomposição da Solita forma

A crescente adesão e paralelismo do discurso dramático ao discurso musical

resulta em uma progressiva decomposição das estruturas típicas do melodrama lírico. Essa
estrutura teve seu auge de formalismo com Rossini e dele fizeram escola Bellini e
Donizetti. O primeiro Verdi não se afastou dessas amarras, mas foi por suas mãos o início
de sua decomposição. Restou aos compositores da transição a busca por tornar os limites
das solita forma menos precisos e, sem dúvidas, a Giovanne Scuola termina por destruí-la
por completo. Frente a este grupo de extermínio está, principalmente, Puccini, Mascagni e
Umberto Giordano.
Para os compositores do primeiro Ottocento, a ópera divide-se em atos,
preferentemente dois. Cada ato é estruturado em números que apresentam uma estrutura
tonal coerente (CESARI, 2002) e constituem a unidade dramática do ato. Os números
recebem diferentes títulos, de acordo com sua estrutura formal específica. As sinfonias,
prelúdios ou aberturas não faziam parte dos números. De fato, nas óperas em que estão
presentes, essas peças iniciais nem sempre são referidas por número na pagina do índice
(Figura 31). Outro exemplo de número, muito em voga na época, era a Introduzione e
Coro. Poucas óperas deixavam de iniciar seu primeiro ato por um coro de introdução que
expunha os aspectos essenciais do ambiente dramático onde iria se desenrolar a
trama.Dentro dessas convenções, é importante salientar sua flexibilidade e os compositores
fizeram extenso uso dessa flexibilidade ao longo de suas obras. Verdi, até o Un Ballo in
Maschera de 1859 utiliza uma introdução com coro na maioria de suas óperas. E o Ballo
está muito distante do Oberto de 1839. Entretanto, a função dessas introduções pode ser
diferente de ópera para ópera. Nem todas seguem o padrão da solita forma. O Simon
Boaccanegra (1857 e 1881) já apresenta modificações em seu conteúdo e seu contexto no
drama nas duas versões, ainda que o coro esteja presente na primeira cena de ambas, que se
distanciam muito no tempo e no estilo do compositor. Em La Forza del Destino (1862) é
que tudo se transforma e vemos uma cena de introdução que nada mais é que a
representação de uma rotina do cotidiano em uma casa.

73
Figura 31 – Uma característica era não incluir o prelúdio, abertura ou sinfonia como
Número. Há varias exceções, como se pode ver nessa página com o índice da
ópera Lorenzino de’ Médici (1845) de G. Pacini..

74
O tratamento da cena de abertura sofre uma radical modificação nas mãos de Verdi. Ele
consegue introduzir uma forma de discurso natural, quase banal, mas extremamente
convincente e verdadeiro para uma situação tão estereotípica como um teatro cantado. Este
início de La Forza del Destino é muito emblemático desse novo modo de escrever essas
cenas, as quais Budden se refere como “gracioso estilo de conversação” (BUDDEN, 2002),
e que terá um seguidor privilegiado – Antônio Carlos Gomes – o qual, com características
muito pessoais, se apropriará desse sistema e o desenvolverá de forma muito competente
em várias de suas óperas, particularmente em Salvator Rosa.

Os principais constituintes da estrutura do melodrama e seu esquema formal

podem ser vistos na Figura 32.

SCENA ED ARIA SCENA E DUETTO FINALE

Scena Scena Scena

Cantabile Tempo d’attacco Tempo d’attacco
Tempo di mezzo Cantabile Largo concertato
Cabaletta Tempo di mezzo Tempo di mezzo
Cabaletta Stretta concertata

Figura 32 – Estrutura formal do melodrama lírico italiano na primeira metade do século

XIX.

Aparentemente, quem primeiro menciona essa estrutura e introduz esses termos

para definir os segmentos constituintes é Abramo Basevi, um contemporâneo de Verdi,
médico, músico, compositor e musicólogo. Sua maior contribuição se deu nessa área com
textos inovadores em vários aspectos da música, principalmente com seu texto sobre G.
Verdi (Studio sulle opere de Giuseppe Verdi) publicado em 1859.

75
 De acordo com as convenções do melodrama lírico, cada um desses segmentos
tem a sua função e sua constituição formal. A seção inicial, a scena, é construída em forma
de recitativo e destinada ao desenvolvimento rápido da ação dramática. Seguem as partes
mais importantes, do ponto de vista musical, o cantabile e a caballeta. A primeira peça é
exposta em tempo moderado ou mesmo lento e sua construção vocal é, como diz o nome,
de caráter cantabile. A segunda peça, a cabaletta, apresentava-se em tempo rápido,
vocalidade ágil e é de conteúdo conclusivo. Entre esses dois segmentos musicalmente mais
importantes cola-se um momento intermediário, de ligação dramática e de pouco
desenvolvimento musical, o tempo di mezzo.
Esta estrutura, de fato, está subjacente nas óperas desse período do puro
romantismo italiano (Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi). Um bom apreciador de óperas,
sensível e atento, mas sem conhecimentos musicais, é capaz de perceber essa estrutura e a
sua repetição nas obras subseqüentes de um determinado autor. Pode-se, inclusive, arriscar
a hipótese de que, em parte, o sucesso dessas óperas residisse nessa estrutura relativamente
rígida que a platéia percebia e contava encontrar na próxima obra de seu compositor
preferido. Assim, pode-se intuir que alguns freqüentadores do La Scala ansiavam por ouvir
a melodia do grande dueto ou que efeito teria o finale do primeiro ato da próxima ópera de
Donizetti ou Bellini.
Levando-se em consideração a relativa flexibilidade desses segmentos
constituintes, será oportuno discutir alguns exemplos em obras do período. No que tange ao
modelo da Scena ed aria, um exemplo claro dessa estruturação encontra-se no primeiro ato
do Il Trovatore de G. Verdi, na cena entre Ines e Leonora. A scena é um recitativo com
narração de assuntos da prática do cotidiano (Che più t’arresti? L’ora è tarda; vieni.),
segue um cantabile, uma ária de conteúdo reflexivo (Tacea la notte plácida in ciel bello e
sereno). Antes do segmento final, há uma peça de ligação, o tempo di mezzo (Quano
narrasti...) e a estrutura termina com a cabaletta em andamento rápido demandando
agilidade vocal e contrastante com o cantabile (Di tale amor) (Figura 33).

76
Figura 33 - G. Verdi. Il Trovatore, primeiro ato. Scena, cantabile, tempo di mezzo e
cabaletta.

A estrutura do Finale é mais completa e a sua construção é musicalmente muito

mais complexa. Aparece agora um outro segmento intermediário, o tempo d’attaco. Esse
segmento é de conteúdo dinâmico, de ligação, tem andamento movido, a tempo giusto,
versos líricos, mas eventualmente o texto pode conter versos soltos. A música por ser
desenvolvida em torno de um cantabile e ter proporções adequadas à um segmento de com
função eventual de transição. Dentro dessa maior complexidade de estrutura dos Finale os
segmentos definidos por Basevi podem não estar totalmente contemplados ou se
apresentarem com estruturação diferente às mãos de um ou outro compositor. Quanto mais
próximo de Rossini, mais formal e regular à distribuição dos segmentos. Nas primeiras
óperas de Verdi, como de se esperar, isto também é verdade. Desde Oberto, Conte di San

77
Bonifacio o finale primo apresenta basicamente essa estrutura. Inicia com uma scena (a me
gli amici), seguida de um tempo di attaco com um andamento giusto muito claro na
apresentação de Leonora (Ti conosco in questo instante). O movimento lento, concertato, é
marcado em andante mosso (A quell’aspetto un fremito), continuando com um curto
segmento de ligação, tempo de mezzo (basta uma vitima) que leva a stretta final (All’onta
rispondere m’udrete vegliardo). Entretanto, o final do primeiro ato de I Lombardi alla
Prima Crociata contém um exemplo mais conformado à essa estrutura do que o próprio
Oberto (Figura 34).

78
79
Figura 34- G. Verdi. Oberto, Conte de San Bonifacio. Primeiro ato, Finale primo.

A efervescência do ambiente operístico na corte de D. Pedro II é conhecida.

Carlos Gomes, então aluno do Conservatório Imperial, preparador e regente da ópera
nacional está fortemente exposto à estética do melodrama italiano de Rossini, Bellini,
Donizetti e Verdi. Desta forma, não causa estranheza que sua primeira produção de relevo,
A Noite do Castello, siga fielmente essa estética e que a estrutura da sua obra apresente,
ainda que de forma incipiente, os constituintes básicos da solita forma. No primeiro ato, a
scena e ária – raccontto inicia com uma scena (Dais vivas, meus amigos, ao venturoso
par!) (Figura 35).

80
 Figura 35- A.Carlos Gomes, A Noite do Castello. Primeiro ato. Scena.

Segue-se o cantabile (Figura 36) e andamento moderado (andante) e a

cabaletta final é precedida por um tempo di mezzo (Qual seria o phantasma sinistro?).

Figura 36– A.Carlos Gomes, A Noite do Castello. Primeiro ato. Cantabile.

Por necessidade do desenvolvimento dramático, todos esses segmentos são

compartilhados com o coro, além do solista. Esse é o caso do tempo di mezzo, em que o
coro é o foco dinâmico enquanto inquiri de Raymundo se ele teria conhecido, talvez, a voz
misteriosa, referida no racconto. É essa interrogação que conduz Raymundo a sua

81
cabaletta. Desta forma, o tempo di mezzo proposto por Gomes cumpre sua função
estrutural. A distribuição dos andamentos é característica de cada uma das seções para uma
scena ed aria e a cabaletta, inclusive, apresenta um modelo rítmico largamente usado por
Verdi nessa forma (Figura 37).

Figura 37- A.Carlos Gomes, A Noite do Castello. Primeiro ato. Cabaletta na scena e aria.

O plano tonal dessa cena é, em princípio, muito simples, mas Gomes de 1861
surpreende pelo ritmo harmônico rápido dentro de um plano tonal em ré maior que abrange
toda a cena. Ela inicia nessa tonalidade e uma curta ponte modulatória leva ao cantabile em
lá menor, cujo desenvolvimento fica preponderantemente entre essa tônica e sua
dominante, sem deixar de se aventurar por tonalidades próximas. Esse trecho tem uma
resolução pouco usual. Sua última frase permanece na dominante (mi maior) resolvendo na
tônica maior (lá maior), mas já no tempo di mezzo (Figura 38).

82
Figura 38 – A. Carlos Gomes, A Noite do Castello. Primeiro ato. O final do cantabile se dá
sobre V7 progredindo para a tônica maior (lá maior).

Após outra curta interpolação modulatória, a tonalidade volta à inicial, ré

maior, para a cabaletta final. Um maior detalhamento do plano tonal dessa cena em relação
aos seus segmentos formais e demais características podem ser vistas na Figura 39.

83
 Segmento Centro tonal Desenvolvimento tonal Andamento Fórmula
Sol M – IV
Fá# M – V7 de III m Sem
Si m – III m indicação –
scena Ré M 4/4
Sol M – IV segue um
Ré M – I Allegro
Lá M
Lá m – Ré m
Si M – Mi M – Lá7 –
Re m – Sol 7 – Do M –
Fa#7 – Si M – Mi7 –
La m
(Progressão harmônica
por movimento
descendente de
quintas)
Dó M – I
cantabile Lá m Andante 12/8
Sol M – V
Ré m –
repetição da rogressão
por quintas
descendentes

cadência final em
Si° transformado
enarmonicamente em
Mi7
Lá M – I
Fá#M – Mi m – Ré M
Allegro
Tempo di mezzo Lá M – Lá M – Ré M – Si m 4/4
marziale
- Sib M – Mib M –
Lá7- Ré M – Lá7
Ré M –I
Lá7– V7
Mi7 – V7 de V
La M – V de I
Allegro
Cabaletta Ré M Ré M – I 4/4
marcial
Si m – VIm
Fá# M – V7 de VIm
Lá7 – V7 de I
Ré M – I

Figura 39 -. Principais características formais da Scena e aria – racconto. A Noite do

Castello, primeiro ato.

84
 O final do segundo ato do Il Guarany de Gomes também pode ser usado como
exemplo. De fato, o compositor segue quase que sem modificações a constituição básica
dos Finale. Esta conclusão de ato envolve pelo menos dois climaxes dramáticos: a
revelação do nome de Gonzáles como traidor, que acabou de ser ferido pela flecha de Pery
e a ameaça dos índios Aymorés. O primeiro clímax é tratado pela scena e Largo concertato
e o segundo pela stretta concertata. Os dois conjuntos são intercalados pelos respectivos
tempo d’attaco (un giorno amico ed ospite) e tempo di mezzo (Qui s’appresa? Qual
fragore). O conteúdo inicial das partes musicais pode ser visto no exemplo que segue
(Figura 40). Chama a atenção a enorme diferença de qualidade musical entre A Noite do
Castello (1861) e Il Guarany (1870). Considerando-se que Gomes tinha realizado estudos
completos no Conservatório Imperial, não há que se negar os efeitos benéficos em sua
formação sob Mazzucato e Rossi em Milão. Seria oportuno aprofundar os estudos sobre
essa fase de refinamento de sua formação musical. Até que ponto Gomes discutia ou foi
ilustrado, por seus professores, sobre a estética do melodrama italiano, particularmente
naquele período que antecedia brevemente a transição? Freqüentava Gomes grupos ou
ambientes de efervescência scapigliata? Aparentemente, não. Como consegue ele sair de
obras tão fortemente calcadas em modelos prontos (Verdi) e oferecer uma obra como Il
Gurarany que, fora óbvias referências Verdianas, é fresca, própria, inovadora e marcante
para o período de transição. Cabe imediatamente afirmar, ou melhor, excluir qualquer
hipótese de que essa ópera tenha vencido apenas através do apelo ao exótico – o qual é
apenas debilmente incluído no suporte musical e dramático da obra.

85
86
Figura 40 – A. Carlos Gomes, Il Guarany. Segundo ato.

87
 Os finais de ato, dentro do padrão da Solita forma, sofreram modificações
adicionais nesse período e que, segundo Cesari (2002), são marcantes. A stretta concertata,
tão claramente identificável, desaparece e dá lugar a uma peroração sinfônica, usualmente
com o tema principal do Largo concertato ou um seu desenvolvimento e,
caracteristicamente, com dinâmica fortíssimo. De qualquer forma, este fechamento
sinfônico é curto, condensado e, de fato, funciona efetivamente como uma conclusão
motívica da cena final. Entretanto, ao se analisar as obras desse período, percebe-se que
esta modificação levou a um processo composicional mais complexo e extenso do que
identificado por Cesari (2002). Pode-se expandir esse conceito e verificar-se um outro
evento composicional que, de certa forma, antecede o que Cesari descreve. Trata-se, em
realidade, de um passo intermediário entre o padrão de conclusão de cenas e atos adotado
pelos compositores do primeiro ottocento. Esses, seguindo as convenções da solita forma,
terminavam seus números com uma peroração de afirmação tonal proveniente ainda do
final do classicismo vienense. Diferentemente, esse passo intermediário é constituído por
um abandono dessa convenção e a reapresentação sem amplo desenvolvimento de material
temático próximo com vistas à concluir cenas ou atos. Assim, abandona-se o fechamento
por afirmação tonal redundante e se reintroduz uma frase ou parte de frase característica e
se conclui a seção. Posteriormente, chegamos ao que descreve Cesari (2002), quando esses
compositores expandem esse procedimento intermediário e usam o tema do largo
concertato, ou de um dueto, enfim, um tema relevante ao contexto do final em questão e o
desenvolve (Figura 41). Um fato marcante nesta estrutura de fechamento é o uso de
material temático próximo, garantindo um comentário suplementar ao discurso dramático
sem a participação do discurso vocal. Assim definidos, esses três principais processos de
fechamento de unidades dramáticas, ato ou cena, podem ser identificados como de
afirmação tonal, de peroração final de desenvolvimento temático, que é o processo
intermediário, e peroração final com retomada temática. A peroração de afirmação
tonal a conhecida peroração final típica do classicismo. Em termos do melodrama italiano,
esta peroração ainda pode apresentar uma segunda versão, em que antes da afirmação tonal
há a re-exposição de frase de segmentos próximo a esse final.

88
 Extensão e
repetição da
cadência final,
Propriamente dita principalmente
sobre a tônica,
com ou sem uso
Afirmação tonal de inversões.
Inicia com a
reapresentação de
Reapresentação frase ou parte de
temática frase e segue- se
Peroração final
afirmação tonal
final.
Abandono da simples peroração tonal por
desenvolvimento breve extensão ou desenvolvimento de um
temático tema contextual ao trecho que finaliza ou
elaboração harmônica.
Retomada de frase integral ou segmento de
frase, principalmente do Largo concertato,
retomada temática reapresentada em tutti, dinâmica fortíssima e
andamento grandioso, larghissimo,
maestoso. Efeito dramático de conclusão.

Figura 41 – Identificação e definição dos processos de fechamento de unidades dramáticas.

Os dois últimos conceitos serão tentativamente discutidos e exemplificados a

seguir. Para auxiliar no entendimento da diferenciação ente esses procedimentos, será
conveniente apresentar dois exemplos clássicos de fechamento de unidade dramática por

89
meio de peroração de afirmação tonal. No primeiro verificamos o caso mais usual,
extensivamente utilizado por Rossini, Bellini, Donizetti e Verdi e mesmo compositores
mais próximos ao período de transição. Após a frase final dos solistas, a orquestra reafirma
a tonalidade ao insistir na apresentação da tônica em ritmo esbatido (Figura 42).

Figura 42 – Final de cena do primeiro ato de I Puritani de Bellini.

A Afirmação tonal com reapresentação temática se inclui nesse mesmo tipo,

em que não se faz uma mera afirmação tonal pela repetição cadencial V-I ou esbatimento
da tônica. Trata-se da repetição, breve, de uma frase relevante do contexto musical que
antecede esse fechamento. Isto acontece com freqüência em finais cujo andamento é
animado e a música está relacionada com ambientes de festa, bravura e alegria. Isto se dá,
muitas vezes, por uma questão de proporção de frase ou por necessidade de movimentação
dramática de personagens em cena. Na verdade, trata-se de mera continuidade de uma frase
ou repetição de uma frase interligada a uma afirmação tonal convencional. Um exemplo, o
final do n°5 do segundo ato de Nabucodonosor, pode esclarecer melhor esse último caso.
Nesse final de cena, a frase principal da parte coral da cabaletta de Abigaile, na realidade
uma coda, é retomada em parte pela orquestra para constituir o fechamento da cena. Não há
desenvolvimento temático, mas também não se trata de uma simples seqüência cadencial

90
V-I. A frase principal é reapresentada pela orquestra, permitindo a saída cênica dos
elementos do coro e, característico, apenas nos últimos compassos desse trecho de
finalização é que o compositor incorpora o esquema padrão de afirmação tonal (Figura 43 e
44).

Figura 43 – G. Verdi, Nabucodonosor. Segundo ato. Compassos iniciais da coda coral da

cabaletta de Abigaile.

91
Figura 44 - G. Verdi, Nabucodonosor. Segundo ato. No final da coda, a orquestra retoma
literalmente a frase coral, a qual é arrematada por três compassos de afirmação
tonal.

Carlos Gomes não se furta a esse modelo na sua produção mais juvenil. É o
caso de A Noite do Castello. A semelhança estrutural é quase paralela ao exemplo do
Nabucodonosor. No primeiro ato, a coda coral da cabaletta de Raymundo (Figura 45) é
usada como fecho da cena. Igual ao final de Verdi, Gomes retoma a música orquestral da

92
coda e acrescenta seis compassos de afirmação tonal, com uma ligeira ousadia em divagar
pelo VI grau e um acorde de sexta italiana antes de concluir em I 6 – V - I (Figura 46).

93
Figura 45 – A.Carlos Gomes, A Noite do Castello. Primeiro ato, número 3. Coda coral da
caballeta de Raymundo.

94
Figura 46 – A.Carlos Gomes, A Noite do Castello. Primeiro ato. Para o final do número 3,
Gomes utiliza o mesmo material orquestral que acompanhava a intervenção do
coro, coda. À semelhança do exemplo com o Nabucodonosor, acrescenta
compasso de afirmação tonal.

O próximo tipo de fechamento, a peroração final com desenvolvimento

temático aparece em obras de vários compositores, entre eles, Antônio Carlos Gomes.
Diferente do que foi dito para o último exemplo, a peroração que se define aqui é aquela em
que se usa algum material temático do contexto musical e ele é brevemente desenvolvido,
reaproveitado, modificado para constituir o segmento de conclusão da unidade dramática.
Então, diferente do caso anterior, não se trata mais de tomar uma frase previamente
apresentada e apenas repetí-la como fecho. Trata-se de uma nova concepção de final, cria-
se música nova, ainda que tomando material temático do segmento que se conclui, o que,
diga-se de passagem, não seria estranho ao processo de unidade temática. Certamente, além
de comentar o final de unidade dramática, esse tipo de peroração também pode servir para
atender necessidades de movimentação cênica, mas não impede que sua construção assuma
um significado inteiramente novo dentro da evolução da escrita no melodrama italiano do
século XIX. Mais que isto, esta modificação vai auxiliar, ou ser componente, da melhor
adesão do discurso musical ao discurso dramático.
Dentre os compositores do período de transição, um dos que utiliza e
desenvolve essa nova maneira de finalizar a unidade dramática é Antônio Carlos Gomes. A
análise de alguns exemplos pode tornar mais claro os componentes desse tipo de
fechamento e sua função. Já no Il Guarany aparece este tipo de tratamento dos finais e,

95
mais que isto, de forma transicional se formos comparar com o que acontece em Salvator
Rosa e Maria Tudor.

Um exemplo muito elucidativo deste fato é o final da stretta concertata do

primeiro ato, em que vemos a característica retomada de frase usada na stretta, mas já com
adição de outras frases e, no conjunto formando um final distinto, ainda que não haja um
desenvolvimento totalmente novo como seria característico desse tipo de tratamento.
O primeiro material é a frase do coro com Cecília:

O segundo material é parte do desenvolvimento da stretta:

Estes dois materiais são, inicialmente, apresentados quase na íntegra, mas,

posteriormente, são re-elaborados por omissão de segmentos, omissão e fusão entre partes
da frase e mudança de registro, como se pode ver na redução apresentada no Figura 47.

96
Figura 47 – A. Carlos Gomes, Il Guarany. Primeiro ato. Seção de fechamento da stretta. As
barras de compasso pontilhadas indicam omissão na seqüência dos compassos.

97
 No quarto ato, Gomes volta a usar a mesma técnica e termina a cena da conjura
com uma reapresentação orquestral do segmento Animato da música do coro:

Da mesma forma que no primeiro ato, o compositor reexpõe o tema do coro na

orquestra, mas, desta vez, elabora um breve desenvolvimento com o material dessa frase,
explorando timbres e dinâmicas contrastantes (Figura 48). Entretanto, aqui se revela de
novo o Gomes criativo e preocupado com um acabamento mais elaborado de seu produto.
Esse desenvolvimento é rico de detalhes composicionais, não se limitando a uma simples
reapresentação temática. O antecedente do tema inicial :

é reapresentado em diferentes registros; a célula rítmica do conseqüente do tema é

explorada:

Gomes ainda utiliza inversão e, por fim, aumentação para buscar uma progressiva e
coerente redução da alta intensidade dramática da cena que termina, com vistas a ambientar
a próxima cena do Batismo.

98
Figura 48 – A. Carlos Gomes, Il Guarany. Quarto ato. Seção de fechamento da cena da
conjura. Note-se os vários procedimentos composicionais.

99
 Como se vê, é muito significativa a participação de Carlos Gomes, com esse
tipo de tratamento dos finais, como importante contribuinte na modificação do discurso do
melodrama italiano nessa dita fase de transição. Estudando as óperas de G. Verdi próximas
ao Il Guarany, isto é, Don Carlo, La Forza del Destino e Aida, se observa que o compositor
permanece, na maioria dos casos, com os fechos de afirmação tonal. Curiosamente, é em
ópera bem anterior mas, por outro lado, reconhecidamente renovadora, Rigoletto (1851),
que Verdi utiliza de forma muito efetiva, a técnica da afirmação tonal com reapresentação
temática (Figura 52).

Figura 52– Rigoletto, G. Verdi. Final do dueto entre Gilda e Rigoletto, segundo ato.

Depois disso, e já nas óperas vizinhas ao Il Guarany, apenas em duas situações

de Don Carlo ele utiliza um dos temas, a melodia do terzetino de Eboli, para finalizar a
unidade dramática, enquanto os personagens saem conversando de cena. Parece que, então,
havia mais um desiderato operacional do que estético para que ele usasse uma re-
apresentação de frase para o fecho da cena. Na Forza del Destino os exemplos são escassos
e na Aida, apenas ao final da grande cena do segundo ato é que ele usa uma reapresentação
de tema, a Marcha Triunfal, para compor o fecho do ato. Deve-se salientar, entretanto, que
já em Aida (1871) o discurso musical de Verdi é tão avançado, contínuo, que a separação
em números praticamente inexiste e a questão dos finais de unidade dramática assume outra

100
dimensão. A unidade maior é, nessa condição, o ato. Os segmentos continentes
praticamente se articulam um com os outros, sem a necessidade de uma conclusão formal.
Mesmo assim, não deixa de ser curioso notar que, quando essa necessidade surge, Verdi
prefere uma fórmula de conclusão mais próxima à afirmação tonal, isto é, mais próxima de
suas próprias fórmulas anteriores, do que as soluções que Gomes apresenta no Il Guarany
e, com maior ousadia, nas óperas que seguem. Prova disto, na Aida, são o mencionado final
do segundo ato e o final do terceiro ato, em que, após Radamés entregar a espada ao grande
sacerdote, a orquestra conclui a cena com música que, sem muito disfarce, não passa de
uma mera peroração para uma afirmação da tonalidade de Ré menor. Somente no mais
distante Otello, de 1887, é que se encontra uma preocupação em tratar os finais com algo
mais que apenas uma afirmação tonal. Mesmo assim, Verdi é econômico, no que está
correto, e agora usa mais o contraste harmônico como evento marcador dos finais do que
qualquer outro fator musical. Esse é o caso do final do terceiro ato do Otello. Uma curta
frase conclui a trágica cena do desequilíbrio de Otelo e isto fica muito caracterizado pelos
encadeamentos com uso de relação cromática de mediante. (Figura 53)

Figura 53 – G. Verdi, Otello. Final do terceiro ato.

Voltando aos exemplos de Carlos Gomes, surge Salvator Rosa, talvez a obra
em que a preocupação de Gomes com os fechamentos de cenas apresenta os resultados
mais promissores. Curiosamente, em Fosca, o grande salto de qualidade após Il Guarany,
não se encontra um exemplo sequer desse tipo de tratamento. Entretanto, no Salvator Rosa

101
a inventiva de Gomes chega a momentos elevados, demonstrando capacidade técnica de
resolução e cuidado com a elaboração de seus finais.
No terceiro ato, após o dueto entre Salvator e Masaniello, Gomes fecha o
dueto com um novo tema (Figura 54), de forma breve e sem se preocupar com afirmação
tonal, pois esta curta terminação, fá menor, não só oferece o tema da nova cena como
sugere a transição tonal para si bemol menor, em que ela começa (Exemplo 55).

Figura 54– A. Carlos Gomes, Salvator Rosa. Terceiro ato, final do dueto, nº 26.

Figura 55 – A. Carlos Gomes, Salvator Rosa. Terceiro ato, início do nº 27, scena.

Logo em seguida, encontra-se outro final, curto, mas muito bem acabado do
ponto de vista harmônico. Como nesses exemplos, não há de novo nenhuma repetição de

102
frase. Há sim uma curta elaboração harmônica com resultado muito efetivo levando-se em
conta o contraste dinâmico proposto pelo compositor, iniciando em pianíssimo e chegando
a fortíssimo. Trata-se do final do n° 27, a cena em que o Duque manda prender Salvator, e
que apresenta diálogos e cenas com coro. A última frase se desenvolve em torno dos
campos encadeados de dó menor, sua relativa maior (mí bemol maior) e, por fim, a
conclusão orquestral é feita sobre um convencional encadeamento I – VIm - IV – I sobre a
tônica maior (dó maior) (Figura 56).

Figura 56- A. Carlos Gomes, Salvator Rosa. Final da cena, nº27.

103
 O outro exemplo, com mais uma diferenciação, ocorre no final do n°30,
correspondendo ao final do terceiro ato. Aqui temos, em termos de extensão, um final
curto, em andamento grandioso, dinâmica fortíssimo e o uso de material inteiramente novo,
na tonalidade de ré bemol maior, com uma conclusão convencional, similar à anteriormente
exemplificada, sobre um encadeamento I – IV6 – I6/4 – IV – I (Figura 57).

Figura 57– A. Carlos Gomes, Salvator Rosa. Final do n° 30 e terceiro ato.

O último caso, a peroração final com retomada temática, ainda que sem este
título, foi muito bem identificado por Cesari (2002)12 e também mencionada por Nicolodi
(2002). O que se propõe agora é uma ampliação deste conceito com uma melhor
caracterização de seus componentes. Neste sentido, alguns exemplos podem auxiliar no seu
entendimento.

12
Nei Finali concertati la scomparsa della Stretta è compensata dalle cosiddette perorazioni, cioè dalla ripresa
orchestrale, a tutta forza, della frase principale del Largo concertato, che assolve alla medesima funzione di
chiudere l'atto in modo musicalmente eclatante.

104
 Novamente, Carlos Gomes e Il Guarany permitem caracterizar este tipo de
fechamento. Exatamente no final do quarto ato se vê o uso de um dos temas principais,
apresentado em dinâmica fortíssima e com pleno significado. Aqui, Gomes renuncia
categoricamente a um final típico de afirmação tonal e usa como fecho a simples mas
poderosa reapresentação do tema da pureza, altivez, bravura e coragem de Pery, isto é, um
modelo exemplar de bon sauvage (Figura 58).

Figura 58 – Il Guarany, Antonio Carlos Gomes. Compassos finais do último ato. Veja-se o
uso do motivo de Pery.

Em La Gioconda, logo após o coup de théâtre da revelação do corpo de Laura,

para comentar e concluir a cena catastrófica, a orquestra retoma, exatamente, o tema do
largo concertato (Figura 59).

Figura 59– A. Ponchielli, La Gioconda. Terceiro ato, finale.

105
 Nessa mesma linha, exemplifica-se o final de I Lituani, estreado no Scala em
1874. Após uma muito bem elaborada cena final, do ponto de vista harmônico, Ponchielli
encerra a ópera com poucos compassos em que retoma de forma grandiosa um tema muito
recorrente desde a sinfonia da ópera, o qual pode ser ligado a figura de Walter/Corrado, o
herói que se imola em nome da afirmação da pátria Lituana (Figuras 60 e 61).

Figura 60 – Na Sinfonia de I Lituani aparece pela primeira vez o tema relacionado com
Walter, o qual será retomado ao longo da ópera.

Figura 61– I Lituani, Amilcare Ponchielli. Compassos finais do último ato em que, após a
conclusão coral, a orquestra retoma o frase relacionada com Walter (assai
largamente com molt’anima).

106
 A estrutura da solita forma está praticamente ausente dos finais de ato das
óperas do verismo. Entretanto, Mascagni e Leoncavallo, mesmo longe de Gomes,
Ponchielli e Marchetti, não se furtam a esta fórmula da retomada do tema principal como
resumo de ato, ou mesmo de finalização da ópera, principalmente naquelas de um ato. Esse
é o caso de Cavalleria Rusticana (1890) (Figura 62) e Pagliacci (1893) (Figura 63).

Figura 62 - P. Mascagni, Cavalleria Rusticana. Final da ópera.

Figura 63 – R. Leoncavallo, Pagliacci. Final da ópera.

O jovem Pucinni, ainda dando seus primeiros passos com Le Villi e Edgard,
parece não ficar alheio a essa possibilidade. No final do primeiro ato de Le Villi (1884)
introduz uma conclusão orquestral de 17 compassos com dinâmica fortissíssimo e textura

107
densa de orquestra (Figura 64). O desenvolvimento é feito sobre elementos temáticos da
Preghiera (Angiol di Dio), não havendo a reprodução literal de uma frase, como visto no
exemplo citado de Leoncavallo.

Figura 64 – G. Puccini, Le Villi. Primeiro ato, Preghiera.

Na Manon Lescaut, sua primeira obra de afirmação no cenário lírico, o

compositor também utiliza o mesmo sistema de final (Figura 65)

Figura 65– G. Puccini, Manon Lescaut. Final do terceiro ato.

Um compositor mais afastado desse grupo, em termos temporais, é Umberto

Giordano. Ele também aproveita este processo de resumo musical para a conclusão de atos.

108
Suas citações não chegam a ser literais como nos casos antes citados, mas o processo, em
essência, é o mesmo, assim como seu efeito. Em Andrea Chénier (1896) essa, agora, quase
convenção, aparece tanto no final do terceiro como do quarto ato. No primeiro caso, a
conclusão é curta, mas com tempo dramático muito adequado, pois há uma ligeira
diminuição de intensidade de eventos musicais nos compassos que antecedem esse final,
correspondendo ao momento em que os juízes discutem o veredito. Quando este é dado, e
Chénier é condenado, o fecho orquestral surge de forma justa. Ele não cita temas anteriores,
usa apenas um fragmento de material da longa cena do julgamento, mas o uso declaratório
da orquestra, com instrumentação plena e andamento larghissimo é utilizado da mesma
forma que nos outros exemplos (Figura 66). Ao final da ópera, o mesmo ocorre, de forma
mais extensa e usando material temático mais identificável com o desenvolvimento do
último dueto entre Andrea e Magdalena. A textura orquestral é a mesma dos demais
exemplos e a indicação de andamento, outra vez, pede grandioso.( Figura 67).

Figura 66 - U. Giordano, Adrea Chénier. Final do terceiro ato.

109
Figura 67 - U. Giordano, Adrea Chénier. Final do quarto ato.

Francesco Ciléa é um compositor ainda mais tardio que Giordano ao período

em discussão, mas fará uso desse procedimento. Isto revela o intenso impacto causado por
esse grupo de compositores (Gomes/Ponchielli/Catalani) iniciais ao período de transição,
cujos resultados ainda podem ser sentidos na virada para o século XX. O exemplo de Ciléa
ocorre ao final de terceiro ato da Adriana Lecouvreur (1902). Após a cena de intensa
dramaticidade em que Adriana recita o monologo de Fedra, o final do ato ascende a um
grau insuportável de tensão com a afronta dissimulada de Adriana para com a Principessa
di Bouillon. Essa carga emocional se consubstancia e se exorta na conclusão orquestral do
ato, com a retomada do tema do cantabile que acompanha a recitação de Adriana, agora
densamente orquestrada e em dinâmica fortíssimo (Figura 68). Apesar da enorme distância,
1874-1902, é interessante comparar a similaridade entre esse final, inclusive a indicação
interpretativa (largamente) daquele usado por Ponchielli em La Gioconda.

110
Figura 68– F. Cilea, Adriana Lecouvreur. Terceiro ato, finale.

A quantidade de exemplos poderia ser maior e permite concluir que esta

fórmula para fechos de atos conquistou a preferência dos compositores do período de
transição e se estendeu pela Giovane Scuola.

3.6 Comentários finais

O período de transição, 1870-1891, foi de tal relevância para o melodrama

lírico italiano que o termo “transição” pode parecer frágil para identificar a efervescência
desse período e, portanto, ser inapropriado. Mas, considerando-se os antecedentes e
conseqüentes desse período, talvez caiba essa expressão.
Verdi andava silencioso. Dedicava-se a revisões. Parecia que o veterano músico
estava cansado. Enganaram-se todos. Suas revisões (La forza del Destino, Simon
Boccanegra) são exemplares e mais tarde viria o Otello e Falstaf. Entretanto, o intervalo
após Aida (1871) foi benéfico. A ausência do grande líder fez com que outros compositores
respirassem mais aliviados frente à possibilidade de encontrar espaço para apresentar seus
produtos.

111
 Havia um grupo mais antigo, cujo temperamento não permitia novas absorções.
Repetiam-se a si mesmos, sem apresentar inovações. Esses não se beneficiaram desse
silêncio e cite-se, como exemplos, Pacini e Cagnoni (BUDDEN, 2002). Havia um grupo
muito jovem, que ainda freqüentava os bancos escolares e somente mostraria sua produção
em período posterior. Estes formariam a giovane scuola (Mascagni, Pucinni, Franchetti,
Leoncavallo). Porém, havia um grupo que se encontrava no exato momento de suas
carreiras em que necessitavam expôr sua produção. Para esses, a ausência de Verdi na cena
lírica foi essencial. Nele se incluem Ponchielli, Gomes e Catalani. A competência e as
qualidades inovadoras desses compositores, somadas à possibilidade de se exporem
permitiu que contribuíssem com a evolução do melodrama e, em essência, eles são os
maiores representantes do período de transição.
Mesmo ausente, a sombra de Verdi era muito forte para que se almejasse uma
libertação completa de suas fórmulas. Em verdade, isto só ocorrerá muito mais tarde com
os primeiros veristas (Mascagni, Leoncavallo) e, mais adiante, com o Puccini mais maduro.
Assim, coube àquele trio, contribuições inequívocas na transformação do melodrama – não
uma transformação revolucionária de uma proposta estética radicalmente oposta ao que se
oferecia até o momento, mas uma transformação constituída de elementos diferenciadores
que transformarão o melodrama lírico em algo mais moderno, no sentido temporal da
palavra, que acompanhava as próprias modificações sociais do período. Assim, as obras
desses compositores tiveram reflexos importantes sobre o próprio Verdi, que teve a
vitalidade para superá-los na qualidade e no tempo, e sobre o grupo da giovanne scuola.
De fato, esse novo molde do melodrama lírico de Gomes, Ponchielli e Catalani foi
fundamental para que pudesse surgir a linguagem da giovanne scuola , em particular a sua
expressão mais relevante, o verismo em ópera. Importante é salientar então que essa
contribuição não foi de Verdi, mas sim desses compositores.
É difícil presumir o que teria ocorrido com esses três grandes representantes do
chamado período de transição caso Verdi não tivesse se recolhido por quase uma década.
Pode-se especular que, uma vez conhecendo a produção deles, o vigor de sua música não
teria fenecido mesmo frente a um Verdi ativo. Deve-se lembrar que, tomando-se a razão
produtiva dele, nesse período de recolhimento o velho camponês poderia ter produzido pelo

112
menos três grandes obras além da Aida e antes do Otello. Por outro lado, os compositores
do período, indiretamente, competiam com Verdi, pois que muitas de suas óperas
continuavam em cartaz. Assim, é licito dizer que o público tinha presente o metro verdiano
para medir a qualidade desse grupo. E, de fato, havia espaço e vontade do público para
absorver e reconhecer o mérito de uma produção de elevadíssima qualidade como um
Salvator Rosa de Gomes, um I Lituani de Ponchielli e uma La Wally de Catalani. Essa
visão, tomada contemporaneamente, parece equivocada, mas não se pode cair na
temeridade de perceber uma realidade específica de um determinado período do século XIX
com uma percepção da crise operística ao logo da segunda metade de século XX. Nesse
período, o repertório das casas de ópera foi cristalizado em torno de um pequeníssimo
número de obras, em grande parte pelos efeitos das mudanças econômicas e sociais
decretadas pelas duas grandes guerras mundiais e pela guerra fria. Essa mentalidade não
poderia conceber a retomada de uma ópera como I Lituani, rebuscada, pesada, intensa e
complexa. Mas isto não retira um centímetro do seu enorme valor artístico e confirmador
de um artífice de fina lavra como Ponchielli. O mesmo raciocínio pode ser feito em torno
de Antônio Carlo Gomes, um compositor sobejamente reconhecido como melhor
qualificado, em todos os sentidos, do que Ponchielli (GÓES, 1996; BUDDEN, 2002). De
fato, a análise do percurso das óperas desse grupo (Gomes, Ponchielli, Catalani), no
período em discussão, revela uma permeabilidade significativa. Certamente, há de se levar
em conta as preferências de público, um público suficientemente influente para determinar
o futuro dos compositores, aos quais quase raramente os críticos ousavam contrapor a
vontade. Assim, se Fosca e Maria Tudor não progrediram, não se pode negar a intensa
penetração geográfica de Il Guarany e Salvator Rosa, para o caso de Gomes. O mesmo vale
para Ponchielli e a maioria de suas obras, particularmente La Gioconda, a qual resiste ainda
hoje no repertório internacional. E, como dito anteriormente, as óperas de Verdi
continuavam a ser presença constante nos teatros da península. Dessa forma, havia como
comparar e, em decorrência, posicionar-se de forma ilustrada sobre o que se lhes oferecia
de novo. E se Il Guarany, Salvator Rosa, I Lituani, La Wally e La Gioconda, venceram, foi
por suas inegáveis qualidades e – em decorrência direta – de seus compositores.

113
 Este, então, era o cenário que Antônio Carlos Gomes encontrou na Itália
durante a maior parte de sua vida como aluno do Conservatório Real e como maestro-
compositor. Essas considerações, principalmente as de caráter histórico, permitem entender
a conjuntura do ambiente em que Gomes teve que se apresentar como figura exótica de um
longínquo país tropical e vencer. Por outro lado, do ponto de vista musicológico, os
exemplos apresentados, acredita-se, permitiram identificar e exemplificar, preliminarmente,
quais as contribuições efetivas desses compositores, particularmente Gomes, à solução da
crise do melodrama lírico italiano que, posteriormente, desembocaria na giovane scuola,
manifestadamente através do verismo.

114
115
4. A ENCOMENDA OPORTUNA

4.1 – A história de Condor

Condor, em termos formais, constitui-se na última ópera escrita por Carlos

Gomes, uma vez que Colombo, que a segue, é uma forma ambígua entre cantata e ópera.
Condor foi escrita sob encomenda, a única nesta condição em sua carreira, pelos
empresários Cesare e Enrico Corti, responsáveis, junto com a Casa Musicale Sonzogno,
pela temporada 1890/91 no Teatro alla Scala em Milão, onde estreou em 21 de fevereiro de
1891. As temporadas do Scala eram prestigiadas e, reflexo disso, divulgadas por toda a
Europa (Figura 69 e 70).

Figura 69 – Referência à temporada no Scala feita no The Musical Times de 1º de fevereiro

1891.

117
Figura 70 – Referência à Gomes, e Condor, na seção notas internacionais do The Musical
Times de 1º de novembro de 1892.

O pai desses, Lorenzo Corti tinha sido desde 1849, e por muitos anos, diretor do
Théatre des Italien em Paris. Os filhos, conhecidos como os irmãos siameses, continuaram
no mesmo caminho e se tornaram grandes empresários italianos na segunda metade do
século XIX. O Teatro alla Scala esteve por muitos anos sob sua empresa assim como as
temporadas de outros importantes teatros da Itália e do exterior. Naquela época, as
temporadas se dividiam em três períodos: o do Carnaval, que ia de 26 de dezembro até a
quaresma; a temporada da primavera, após a páscoa, e a temporada de outono, iniciando em
setembro e se estendendo até o período do advento (PISTONE, 1988).
A encomenda veio em momento muito apropriado na vida do compositor. Sua
última ópera, Lo Schiavo, estreada no Brasil, não podia ser representada na Itália em razão
de questões judiciais. Mesmo com menos freqüência, as óperas de Gomes continuavam a
ser representadas, conforme pode ser visto da Figura 71, mas não se conhece o que isto
significava em termos de rendimentos. O próprio custo da montagem das óperas
tradicionais de repertório representava um investimento muito alto em termos do retorno
financeiro aos empresários. Ademais, os tempos eram outros, o verismo se afirmava como
estética desejada com a estréia da Cavalleria Rusticana em 1890. Entretanto, estes não
podiam também deixar de atender o gosto do público, aliás, um gosto fortemente induzido
pelas casas editoras, particularmente os Ricordi (MAINARDI, 2003).

118
 12

10

0
1870 1872
1874 1876
1878 1880 1882 1884 1886 1888
M.Tudor Condor Fosca 1890 1892 1894
S. Rosa Guarany

Figura 71 – Distribuição das encenações das óperas italianas de Gomes de 1870 até 1893,
tomando-se o número de teatros que as encenavam independente do número de
récitas.

Assim, mesmo com os problemas de custos, Il Guarary e Aida continuavam a ser

obras de sucesso assegurado. Portanto, a encomenda de Condor significava muito para o
maestro, não só pelo aspecto financeiro, fundamental naquele momento de dificuldades,
como por tratar-se de um retorno ao prestigiadíssimo templo da arte lírica italiana – o
Teatro alla Scala, em Milão.

Estima-se que Gomes levou de três a cinco meses para cumprir o prometido
(CARVALHO, 1946). Possivelmente, iniciou a composição da obra na primavera de 1890.
Em carta a Gino Monaldi de 6 julho do mesmo ano refere que: “Deve saber que assinei
contrato com a Empresa Corti, do Scala, e preciso terminar a ópera nova até novembro”
(VETRO, 1982). Gomes pretende enviar em breve o título da obra e seu enredo.

119
Entretanto, nota-se que isto não acontece, pois em carta de 3 de outubro ao mesmo Monaldi
diz:

(...) Imagine que, apesar do trabalho constante, desde a

primavera, até agora só terminei a parte básica do trabalho,
faltando o instrumental, que devo completar a tempo.
Sabe o que é o trabalho de mente e coração,
especialmente nestas circunstâncias de extrema importância para
mim, já que se trata do Scala... Daqui a alguns dias mandarei o
enredo e o título da ópera. (...)

Este pouco tempo para entregar a encomenda parece ter reflexos no produto
final, se levarmos em conta os diversos cortes feitos pelo compositor, como será visto
adiante. Carlos Gomes, nesta condição, teve muito pouco tempo para escrever a nova
ópera, mas cumpriu com galhardia a encomenda.
O libreto, de autoria de Mario Canti, versa sobre tema oriental e não foi
considerado de boa qualidade pela crítica da época. Isto não corresponde integralmente à
realidade. Como se verá adiante é um libreto que deve ter interessando ao compositor pela
presença de várias situações que permitiam os desejados coup de theatre, tão caros a Carlos
Gomes como à maioria dos operistas italianos da época. Ainda que se considerem as
eventuais limitações do libreto, Carlos Gomes conseguiu construir uma de suas melhores
obras, demonstrando um vigor criativo e, mais que tudo, uma significativa evolução em seu
processo composicional. Condor demonstra claramente um compositor superando à si
mesmo, empregando linguagem atualizada e capaz de uma concisão musical fantástica.
Afirma-se em Condor alguns aspectos do verismo, dos quais o compositor foi precursor,
contribuição fundamental ao desenvolvimento da ópera italiana do século XIX o que,
injustamente, não lhe é reconhecido pela musicologia internacional.
Segundo Góes (1996), o libreto deve ter chegado como obra fechada às mãos de
Gomes. De fato, não existem registros de que, neste caso, tenha havido a tradicional relação
criadora à quatro mãos na elaboração de libretos. Como outros compositores, Gomes
participava ativamente da elaboração do libreto e Il Guarany é um caso exemplar nesse

120
sentido (OLIVEIRA, 1996. TONI, 2001). A premência do tempo em entregar a partitura de
Condor e a excelente condição de uma nova ópera no Scala devem ter restringido quaisquer
arroubos desta natureza por parte do compositor. Quanto à qualidade do texto, tão criticado
por inúmeros críticos e pesquisadores, o próprio Gomes, fato pouco comum em suas cartas,
emite juízo de valor. Aliás, esta carta, ao Visconde Alfredo E. de Taunay, merece ser
transcrita na íntegra, pois, além de ser diretamente ligada ao Condor, é uma das poucas
missivas do compositor em que ele se permite comentar sua própria música, além do já
aludido juízo sobre o libreto da sua nova ópera.

Milão, 19 de outubro de 1890

Amigo Alfredo:

Il silenzio non sempre se traduce per oblio.

Desde que tomei a tarefa do Condor, escrevo-lhe
diariamente com o pensamento e com o coração de amigo, sempre
constante e grato.
Hoje, porém, escrevo-lhe com a penna, e note que é
com a mesma com que há dias tracei a última nota do Condor.
Está prompto, isto é, a creação, faltando só o trabalho
manual da instrumentação.
Disse creação, mas Deus queira que não seja criação do
gado no campo, para o que não carece arte.
Não repare no meu involuntário silencio; o trabalho foi
incessante, a febre foi quase mortal; e ainda hoje vivo afflicto pela
febre da incerteza na execução desta opera, onde os personagens
são quase todos de grande importância, como é o theatro para o
qual foi escripta!...
Oh! Os artistas! Elles matam ou dão vida ao papel que
rabisco!
O assumpto já você conhece.
Note, porém, que o libretto não é, como diz a Gazeta
de Noticias, sem interesse dramático.
Sem interesse seria um assumpto político ou a quarta
pagina de qualquer jornal...
Eu não sou menino de escola para acceitar a
responsabilidade de escrever uma opera para o Scala, sem um
libretto digno do theatro e deste público exigente.

121
 O libretto, porém, sem ser uma absoluta novidade, é
comme les autres, como o da Aida, Rei de Lahor, etc, ect.
Não há mais nada de novo sobre a terra, e menos ainda
nos theatros. O genero humano, por outro lado, também já está tão
blasé, que nada lhe causa espanto nem commove.
A minha musica?
A minha musica é, como todas as outras, escripta sobre
as cinco linhas do costume.
Quanto ao resto, ao successo, não depende só das notas
miseráveis que escrevi.
Você sabe que um successo também depende da vil
moneta, que não possuo sinão para acudir as necessidades diárias
de meus filhos ....
Deus sabe como vivo aqui!
Tendo liquidado minhas antigas dívidas, contando com
a pensão do actual governo, fiquei seriamente logrado!..
A empreza do Scala só me dá a quantia de trez mil
francos e fica com o direito na Europa e metade do lucro futuro da
opera. Sòmente para o Brazil, eu fico proprietario absoluto, até da
impressão da ópera para canto e piano, e das representações
theatraes.
Pensei em vender esse direito da impressão a algum
editor do Rio, para fugir do monopólio do Ricordi (com que não
estou hoje muito corrente...)
Tive, porém nova desilusão, ultimamente, com os
editores do Rio, que me recusaram dar 500$000 por 12 peças de
músicas novas que para lá mandei.
O Bevilacqua offereceu 50$000, mas o Arthur, depois
de tel-as meses em casa, devolveu-as, não sei com qual pretexto.
Entretanto, quando lá apparecem as minhas operas,
elles todos ganham dinheiro ... e eu os fico vendo vender a minha
musica, rindo-se de mim.
Mondo ironico, meu Alfredo!
E que fazer? Se escrevo operas, e vendo-as aqui, não
me dão para viver; se vou para o Rio com um Escravo, faço
fortuna de um Musella e...tomo descompostura pelos jornaes,
voltando para a Itália na mesma.
O que mais tentar?
E você que é contrario a que eu mude de officio e tome
o logar (por uma só vez) dos emprezarios que vão para o Brazil!....
É para enlouquecer! Mas graças a Deus, ainda não me
tocou mais essa última desgraça.
Tenho suas cartas até a última de 19 de janeiro. Os
exemplares do Escravo que lá appareceram sem a carta à Princeza

122
 tinham sido impressos antes da minha viagem para lá. A nova
edição traz novamente a carta.
Mandei tirar o seu nome do libretto e da partitura,
conforme o seu desejo. Tive pezar nisso, mas era de meu dever
obedecel-o.
Inútil lhe dizer que vivo aqui augmentando dividas
novas e passando a vida material com as maiores privações. No
tempo do Império nada obtive do governo; muito menos espero do
governo actual.
Viva o Brazil! Viva a Nação Bazileira! Mataram o
homem, mas não hão de ter o gosto de fazer desapparecer as obras
do artista...
Receba um abraço do seu sempre grato amigo – Carlos
Gomes”. (BOCCANERA, 1904)

De fato, não é um libreto de superior qualidade se comparado a outros

musicados por Carlos Gomes. Sem dúvidas, em seu estágio de desenvolvimento, Carlos
Gomes merecia algo de melhor qualidade. Mas, pelos entornos da criação de Condor, como
visto anteriormente, compreende-se que o compositor não se encontrava em condições de
impor sua vontade. Tratava-se de cumprir um contrato vindo em boa hora e sem margens
para discussões artísticas. O compositor era particularmente exigente quanto a seus libretos.
Amaral (1908) menciona que o libreto do quarto ato da Fosca foi refeito totalmente por
Ghislanzoni. Desta forma, fica patente que as circunstâncias do momento tenham levado
Carlos Gomes a aceitar o libreto de Mário Canti sem sua interferência (Figura 72).
Na verdade, trata-se de uma estória de amor de trama simples e razoavelmente
bem desenvolvida. Seu conteúdo nada tem de fantástico ou fantasioso. Não é um conto de
fadas nem existe magia no seu desenrolar. É uma estória humana, de sentimentos humanos
e suas inverosimilhanças são idênticas a centenas de outros libretos, muitos dos quais
consagrados. A própria Aida de Verdi, citada por Gomes na carta em questão, é um
exemplo de absoluta banalidade e absurdos dramáticos. Se comparado ao libreto de
Condor, este não é menos interessante ou coeso do que o enredo de Aida.

123
Figura 72 – Frontispício do libreto original de Condor publicado pela tipografia Regiani de
Milão.

As referências sobre Mario Canti nas bases de dados são praticamente

inexistentes. O sobrenome Canti é citado com relativa freqüência no campo artístico da
Itália. O estudioso Marcus Góes fez uma laboriosa e extensiva pesquisa sobre este nome
sem sucesso algum (GÓES, 1996). Refere que, além da busca documental, contatou
pessoalmente pessoas com este sobrenome em Milão e outras cidades italianas, mas não
conseguiu traçar nenhum caminho retrospectivo que conduzisse ao citado libretista. Marcus
Góes levanta uma hipótese de que o libreto poderia ter sido escrito pelo próprio Carlos
Gomes, utilizando um pseudônimo em homenagem ao dileto filho prematuramente
falecido, Mario. Completaria o pseudônimo o termo em italiano para “canto” – Mario
Canti. Entretanto, o próprio musicólogo reconhece que esta hipótese é remota, uma vez que

124
o texto apresenta muitos momentos de elevada elaboração poética à qual Carlos Gomes
dificilmente teria condições de autoria.
Com esse sobrenome, seria oportuno comentar alguns dos mais imediatos
nomes identificados com o cenário musical da Itália do século XIX. Giovanni Canti foi um
próspero empresário milanês conduzindo uma importante casa editora de músicas no
começo do século XIX. Posteriormente, esta casa seria absorvida pelos Ricordi, aliás, o
mesmo destino da editora de Francesco Lucca que publicara as duas primeiras óperas
italianas de Gomes. Verifica-se, também, que esta casa editora publicou muitas obras de um
certo Antonio Canti, com vasta produção de música saloneira para piano. Registra-se um
Eduardo Canti, regente de orquestra bastante requisitado em várias montagens de óperas,
particularmente primeiras apresentações na Itália, como é o caso de Orfeu aux Enfers de
Offenbach. Curiosamente, na maioria destas montagens aparece uma cantora, soprano, uma
certa Maria Canti, que, pode se especular, talvez fosse esposa do regente. A tentativa de
estabelecer uma relação familiar entre estes nomes, muito apropriada, foi infrutífera.
Giovanni Canti teve vários filhos, mas nenhum deles com nome de Mario, Antonio, ou
Eduardo.
O fato é que, em mais de dez mil libretos disponíveis em alguns bancos de
dados, Mario Canti se resume ao Condor de Carlos Gomes, o que permite concluir,
tentativamente, que foi este o único em sua carreira de libretista.

Sabe-se que Gomes desentendeu-se com seus editores, tanto a viúva Lucca
como Giulio Ricordi. Parece comum esta situação, pois mesmo Verdi teve seus atritos com
Giulio Ricordi, sempre relativos a contratos e pagamentos. De Lo Schiavo em diante, ele
resolve assumir as funções de editor de suas próprias obras. Considerando o cenário
empresarial do melodrama italiano da época, tal medida não poderia ter sido mais
desastrosa. As casas editoras, nesse período praticamente nas mãos dos Ricordi e de
Sonzogno, tinham assumido a integralidade dos negócios da montagem de óperas. Mesmo
os empresários e agentes teatrais, que dispunham dos cantores, terminavam ficando sob o
comando dos editores. Assim, eles assumiam toda a responsabilidade pelas temporadas, o
que permitia, ainda que seguindo certas regras impostas pelos teatros, organizar repertórios

125
cujos direitos autorais estavam sob seu poder. Mais que isto, a essência das casas editoras, a
gravação das reduções para canto e piano e as cópias profissionais das partes e partitura
orquestral era empreendimento complexo e de custo elevado para a tecnologia disponível
na época.
Nesse contexto, assumir o controle total de suas próprias obras, era uma tarefa
para a qual Gomes não dispunha de recursos financeiros abundantes, muito menos o
conhecimento, relacionamento e certa fluidez no trato dos tortuosos negócios da lírica
italiana. Ele era basicamente um compositor e, diz-se, de gênio difícil no trato com as
pessoas. Vê-se, então, que não apresentava nenhuma das qualidades ou, melhor dito,
características para bem se suceder como empresário de suas próprias obras. Entretanto, é
esta condição que encontramos em Condor.
Ao que tudo indica, o contrato com Sonzogno não incluía os direitos sobre a
partitura. Apenas se sabe que recebeu a quantia de 13 mil francos para escrever a ópera. A
incisão da redução para canto e piano e piano solo é feita pelo editor Demarchi. Trata-se da
firma de Arthur Demarchi, um dos muitos editores de Milão na época de Gomes. A escolha
por esta editora pode ser atribuída, de certa forma, a aparente disponibilidade dessa
empresa em publicar obras sob encomenda dos próprios autores. Assim como Gomes
manda imprimir sua ópera, e o mesmo faria com Colombo, identifica-se um livro intitulado
Il Modello per la nuva facciatta del Duomo di Milano e la Torre Campanaria, também
mandado publicar por seu autor, Luca Beltrami, em 1892. De qualquer forma, parece ter
sido uma firma de visão abrangente, pois entre suas publicações comerciais encontra-se o Il
Cantico dei Cantici de Felici Cavallotti, escritor de nomeada na época e, curiosamente,
texto que viria a ser objeto da atenção de Gomes em um projeto não concluído de uma
ópera.
Um fato curioso que merece algum esclarecimento é um artigo de Silvia Arena
(2000) que apresenta a casa editora de Antônio Demarchi, em Milão, como sucessora, em
1894, da conhecida firma de Giudici & Strada de Turin. Antonio Demarchi, por sua vez,
será engolfada, em 1899, pela editora de Paolo Mariani com o extenso nome de Riuniti
Stabilimenti Musicali Giudici e Strada, A. Demarchi, A. Tedeschi di P. Mariani. O fato
interessante surge com a identificação de uma partitura publicada em Buenos Aires,

126
provavelmente nos fins do século XIX. Trata-se de uma Marcha Fúnebre por A. Restano
e na página de rosto há a indicação de que foi publicada por Arturo Demarchi,
sucessor de Giudici & Strada (Figura 73).

Figura 73 – Frontispício da partitura editada por Arturo Demarchi em Buenos Aires

Em seguida, encontra-se uma edição de La Gioconda, partitura sabidamente sob

a posse dos Ricordi, impressa em Buenos Aires pela mesma editora de Artur Demarchi, por
acaso, em 1891 (Figura 74). Apesar de não ter número de chapa, o aspecto gráfico é o
mesmo da chapa n° 44975 de uma edição da mesma ópera pela Casa Ricordi. Ademais, o

127
nome de A. Demarchi, na quarta capa dessa edição argentina, está estampado sobre o
tríplice anel, marca indelével da conhecida firma milanesa.
Mais estanho ainda é que se nos arquivos da Biblioteca Degli Studi di Milano se
encontra arrolada uma revista (Edilizia Moderna: periódico mensile di architettura pratica e
construzione), cujo registro refere fascículos de 1892 até 1917. Assim, não se entende se,
de fato, são duas firmas diferentes, uma de Antônio e outra de Arturo, ou se se trata da
mesma firma com informações conflitantes, pois Arena (2000) cita que a referida firma de
Antônio Demarchi seria absorvida em 1899 e os fascículos da revista são registrados até
1917. De qualquer forma, resta a pergunta sobre a publicação de uma obra dos Ricordi em
Buenos Aires por Arturo Demarchi, enquanto, sabemos, esta cidade é uma das que possuía,
na época, e ainda possui, uma filial ativa da Casa Ricordi, inclusive imprimindo localmente
parte do catálogo operístico da Ricordi de Milão com as capas adaptadas para a língua
espanhola.

Para os serviços prestados por Demarchi, não foi possível identificar o valor
total pago por Gomes. Em cartas ele refere ter feito um “esforço muito grande” para
assumir os custos da impressão. Em outra, verifica-se que o número total de exemplares foi
2.500. Ainda sobre o valor, em cartas desde o Rio de Janeiro ao filho Carletto, que tinha
ficado em Milão, Gomes determina, em julho e setembro de 1981, o pagamento de parcelas
de 3.500 liras. Fica a dúvida sobre desde quando ele pagava essas parcelas e quando se
encerrariam.
As cópias das partes instrumentais e a partitura de orquestra foram realizadas
pela Copisteria Bernardi. Em uma das cartas anteriormente citadas, a de setembro de 1891,
ele também menciona um valor de 490 liras por “saldo do último trabalho de cópias de
Condor”.

128
Figura 74 – Partitura de La Gioconda impressa em Buenos Aires por A. Demarchi em
1891.

Após a estréia, Carlos Gomes resolveu modificar o nome da ópera para Odalea,
nome do principal personagem feminino. Os motivos são obscuros, desde uma vontade do
autor de modificar alguns trechos da obra, introduzindo um balé para possível apresentação
em Paris e também alterando seu título, até como uma possível solução para um sentido

129
dúbio e pejorativo que teria a pronúncia da palavra Condor em francês, se lida como
oxítona. Em verdade, mesmo que em italiano a palavra seja paroxítona, uma exceção aos
vocábulos terminados em or (Góes, 1986), no francês ela é oxítona.
Se a razão acima mencionada é verdadeira, guarda alguma semelhança com os
problemas que teve Richard Wagner em relação a sua Der Venusberg (A Montanha de
Vênus), que, devido aos esperados gracejos dos estudantes de medicina de Dresden, onde foi
estreada, preferiu intitular a obra como a conhecemos hoje, Tannhäuser (Newman, 1946).
De qualquer forma, não se pode omitir que o próprio nome do personagem,
na partitura, grafa-se com um acento circunflexo, forçando uma desnecessária leitura
paroxítona da palavra. Apenas em raras ocasiões o acento métrico do compositor
desrespeita esta situação, como ocorre ao final do segundo ato com o coro pedindo a morte
de Condor.
Por outro lado, Benedito Barbosa Pupo (1996) refere que esta modificação foi
levada a efeito por Francisco Braga para, possivelmente, resolver este problema frente à
apresentação da suíte derivada desta ópera em concerto realizado em Paris em 1896.
Aparentemente, a informação não é correta, pois no epistolário do compositor a alteração
do nome já é mencionada a partir de uma carta datada de agosto de 1895 dirigida à Manoel
José de Souza Guimarães (VETRO, 1998). Somente após esta é que surge a menção do
novo título em cartas endereçadas à Francisco Braga, quando trata da apresentação da Suíte
Odalea em Paris. Assim, a idéia da mudança parece ser original de Gomes e não uma opção
de Braga.
Aqui convém esclarecer que, em sua visita ao maestro, em fevereiro de 1894,
Francisco Braga (1936) menciona que o compositor trabalhava nesta Suíte, a qual deveria
ser tocada em Nice ainda no mesmo ano, já aludindo à modificação no título. Por outro
lado, as cartas em que Carlos Gomes trata da apresentação em Paris, nos concertos da
Sociedade Brasileira de Beneficência, são datadas de dezembro de 1895. Desta forma, fica
a forte hipótese de que não tenha sido esta alteração sugerida por Francisco Braga conforme
sugere Pupo (1996). Curiosamente, em outra carta a Francisco Braga, datada de janeiro de
1896, Gomes ao escrever sobre essa suíte, trai-se e a refere como “A suíte do Condor...”
para depois cancelar e sobre-escrever “Odalea” (Figura 75).

130
 Convém salientar que, em uma das cópias da partitura de orquestra, atualmente
de posse da Casa Ricordi em São Paulo, lê-se o novo nome em impressão mais recente
(Figura 76). O mesmo ocorre com a cópia existente no Museu Carlos Gomes do Centro de
Ciências e Artes em Campinas.
Tomando-se em conta que as partes mais executadas (o prelúdio e o noturno)
continuam a ser referidas pelo nome original da ópera, que a única partitura para canto e
piano disponível atualmente apresenta o título Condor, que a maioria das referências de
literatura mantém o nome original e que não existe uma razão clara ou justificável para
acatar a mudança proposta por Carlos Gomes, toma-se a liberdade, com todo o respeito à
vontade do autor, de se sugerir que o título original deva ser considerado como o definitivo
para esta obra (Figura 77).
O registro dos direitos de autor sobre o Condor foi feito no dia 5 de março de 1891
(Figura 78) pelos irmãos Corti junto ao órgão competente na Prefeitura de Milão. O registro
é estampado na página final de cada um dos três atos do manuscrito autógrafo e cita
nominalmente Cesare e Enrico Corti como sendo os que apresentam a partitura para o
devido registro de propriedade de autor, de acordo com diversas leis enumeradas no texto.
Durante a elaboração desse trabalho, foi possível encontrar um outro documento de certa
importância. Trata-se da publicação no Giornale della libreria, della tipografia e delle arti
e industrie affini (1891) do registro da propriedade literária tanto da música de Gomes
como do libreto de Mario Canti. Os registros são feitos no Ministério da Agricultura,
Indústria e Cultura e cada um deles é feito em separado, um em nome de C. Gomes e o
outro em nome de M. Canti (Figura 79). Os declarantes são, novamente, os irmãos Enrico e
Cesar Corti. Adicionalmente, cita-se a empresa onde foi realizada a impressão do
documento, no caso do libreto, a tipogragia Regiani. A relevância desse achado, segundo o
Professor Gaspare Nello Vetro, é que ele elimina a hipóstese de que Mario Canti não
existisse e, portanto, que o nome fosse uma invenção do Gomes. Pelo que se depreende, o
registro no Ministério só seria possível em nome de uma pessoa física com a devida
identificação.

131
Figura 75 – Carta de Gomes a Francisco Braga. Note-se o cancelamento da
palavra “Condor”, que é substituída por “Odaléa”.

132
Figura 76 – Frontispício da partitura para orquestra em cópia de Bernardi com o nome
alterado para Odalea.

133
Figura 77 – Etiqueta original do manuscrito autógrafo para o segundo ato de Condor.

134
Figura 78 – Registro do direitos de autor lançado na última pagina do manuscrito autógrafo
do primeiro ato.

135
Figura 79 – Dichiarazioni de proprietà letteraria estampada no fascículo de julho de 1891
do Giornale della libreria, della tipografia e delle arti e industrie affini.

136
 4.2 – O enredo de Condor

Carlos Gomes construiu o Condor em torno de um prelúdio e três atos, havendo um

Notturno que antecede o último deles. O discurso musical é contínuo, ainda que se possa,
numa análise mais detida, identificar o “número” musical se fazendo presente em alguns
segmentos ao longo da obra. Isto pode ser visto na Figura 80, 81 e 82 nas quais se
identificam as principais secções da ópera13. De fato, o próprio Gomes, mesmo em 1890,
não resiste à sua experiência pregressa e identifica alguns desses momentos como
“quartetto”, “pezzo d’assieme” e “duetto”, entre outros. Mas estes momentos são mais
exceções do que a regra. Mesmo nesses casos, o tratamento musical é inovador. A
construção é robusta e a continuidade do discurso musical se impõe com facilidade, pari
passu e bem concatenado ao discurso dramático.
A ação é claramente descrita como ocorrendo em Samarcanda no século XVII. Uma
das cidades mais antigas do mundo ainda existindo como tal, situa-se no Uzbequistão, na
Ásia Central, próxima à fronteira do Afeganistão. A cidade foi um grande centro comercial,
científico e artístico. Fazia parte da rota da seda e, por volta de século X, chegou a ter 500
mil habitantes. Sua majestade e beleza encantaram poetas e historiadores que a
consideravam a Roma do Leste ou a Pérola do mundo islâmico do leste.
Os principais personagens são Odalea, rainha de Samarcanda, Condor, um
bandoleiro que posteriormente se revela de nobre estirpe, Almazor, astrólogo da corte,
Adin, pajem da rainha e Zuleida, uma nômade que posteriormente se revela como mãe de
Condor. A distribuição dos personagens pode ser vista na Figura 83. Apenas como registro
de curiosidade, segue na Figura 84 o nome dos integrantes de orquestra do Scala, de

13
A partir de cada um dessas divisões dentro de cada ato, podem ser feitas subdivisões,
permitindo assim um maior detalhamento de cada um desses trechos. Assim, uma cena foi definida
como uma unidade dramática, mas existem seções identificáveis que compõem esta unidade. Por
outro lado, aqueles trechos em que predomina um gênero, foram identificados como tal e assim
definidos (duettino, arioso, etc).

137
primeira estante, assim como os responsáveis pelos diferentes aspectos da montagem de
Condor.

PRIMEIRO ATO
Fórmula
Nº
secção intervenção tonalidade de Pg.
compassos
compasso
Si b maior
4/4
prelúdio orquestra Mi menor 109 1-8
3/4 4/4
Sol maior
2/4 4/4
6/8 2/4
Serenata Adin Sol maior 106 9-16
3/8 3/4
4/4
recitativo Adin Sol menor 4/4 4 16-17
coro Favoritas Adin Sol maior 3/8 97 18-25
Favoritas Adin Lá menor
Cena 1 4/4 23 25-29
Almazor Odalea Lá maior
Si maior
6/8
Favoritas Adin Mi b maior
Cena 2 3/4 65 29-35
Almazor Odalea Si maior
4/4
Lá maior
Condor +
Cena 3 Favoritas Adin Si maior 4/4 32 36-41
Almazor Odalea
Centro tonal 4/4 6/4
Cena 4 Condor Odalea 55 42-47
impreciso 4/4
Lá maior
Narração Condor 3/4 49 48-54
Ré b maior
Recitativo Condor Odalea 3/4 35 54-58
Ré menor 4/4 6/8
Dueto Condor Odalea 49 58-63
Ré maior 3/4 6/8
recitativo Condor Odalea Ré maior 3/4 2/4 18 63-65
Condor Odalea Fá maior 2/4 4/4
Cena 45 65
coro Ré b maior 9/8 3/4

Figura 80 – Estrutura do primeiro ato de Condor.

138
 SEGUNDO ATO
Fórmula
Nº
Secção intervenção tonalidade de Pg.
compassos
compasso
6/8 4/4
Fá menor
6/8 2/4
Coro 1 Coro Lá b menor 135 71-84
3/4 2/4
Fá menor
6/8 3/4
Recitativo
Coro + Mufti Ré b maior 4/4 6/8 31 84-87
1
Lá b menor
Si b maior
4/4 3/4
Monólogo Si maior
Zuleida 4/4 5/4 89 88-97
de Zuleida Lá maior
4/4 3/4
Ré b maior
Si b maior
Centro tonal
Recitativo Condor + 3/4 9/8
impreciso 39 98-102
1 Zuleida 4/4
Ré b maior
Condor + Ré b maior 4/4 3/4
Cena 1 97 103-114
Zuleida + coro Mi menor 2/4
Condor +
Si b menor 6/8 4/4
Cena 2 Zuleida + Mufti 58 115-120
Sol menor 6/8 4/4
+ coro
Marcha
Coro Dó maior 3/4 31 121-125
Tártara
Recitativo
Odalea + Adin Dó maior 4/4 14 125-126
2
Coro + Odalea +
Coro Mi b maior
Adin + Mufti + 3/4 4/4 18 127-133
“assieme” Mi maior
Almazor
Coro+ Odalea +
Adin + Mufti + Centro tonal
Cena 3 4/4 3/4 25 134-139
Almazor + impreciso
Condor
Sol maior
Coro + Odalea + Mi b maior
3/4 4/4
Adin + Mufti + Sol maior
concertato 6/8 4/4 142 139-177
Almazor + Dó menor
3/4
Condor Sol menor
Sol maior

Figura 81 – Estrutura do segundo ato de Condor.

139
 TERCEIRO ATO
Fórmula de Nº
secção intervenção tonalidade Pg.
compasso compassos
notturno orquestra Ré b maior 6/8 39 178-180
Introdução e 6/8
Ré maior 18 181-182
recitativo 4/4
odalea
Ré b maior/Sol b
Cavatina 6/8 27 182-184
maior
Serenata Adin Sol b maior 6/8 17 185-186
Dó (começa em Ré
maior na realidade)
Monólogo Odalea maior/Lá b maior / 4/4 54 187-191
Ré b maior/Lá b
maior
4/4
Recitativo do Almazor/Odalea/Adi
Dó maior e outros 2/4 23 192-194
quarteto n/
4/4
Quarteto 1º Almazor/Adin
Lá maior 4/4 19 194-197
secção
Cena 1 Dó maior 6/8 26 197-199
Quarteto 2ª Almazor/Adin/
Ré maior 6/8 10 200-201
secção Condor/Zuleida
Cena 2 (a
(Mi maior) 3/4 28 202-204
capella)
cavatina Zuleida/Condor Dó maior/Mí b 6/8 16 (8+8) 205-207
maior
Quarteto 3ª Almazor/Adin/ Mi b maior/ Sol
6/8 38 207 - 214
secção Condor/Zuleida maior / Mi b maior
Ponte orquestra Dó # maior 4/4 6 214
recitativo Dó # maior (?) 4/4 12 215
4/4
cavatina Mi menor 24 216-218
2/4
6/8
recitativo Odalea / Condor Lá menor 33 218-222
4/4
arioso Centro tonal 4/4 48 222-227
impreciso
4/4
duettino Ré b maior 34 228-233
3/4
Odalea / Condor / Centro tonal 4/4
Cena 3 33 233-237
coro impreciso 6/8
Cena 4 Odalea / Condor Lá b maior 3/4 38 237-241
Odalea / Condor / Sol b maior / Mi 4/4
Cena final 25 241-243
coro maior / Lá b maior 3/4

Figura 82 – Estrutura do tercerio ato de Condor.

140
Figura 83 – Distribuição dos personagens de Condor e demais informações dramáticas
como consta no libreto impresso em 1891.

141
Figura 84 – Principais músicos e técnicos envolvidos com a estréia de Condor.

142
 Odalea, a rainha, vive reclusa em seu palácio, local reservado e protegido pelas
severas leis islâmicas. Condor, um misterioso guerreiro, encantado pela fugidia visão da
rainha em uma rara aparição pública no Dia do Grande Perdão, resolve desafiar as leis e,
mesmo ao preço da própria vida, invade o recinto sagrado do palácio para, pela última vez,
poder lançar os olhos sobre a mulher de sua paixão. Curiosamente, Odalea não refuga o
visitante e pede para conversar às sós com ele. Tal atitude causa estranheza na corte. Isto se
agrava quando, ao fim do primeiro ato, Odalea declara ser o invasor um insano e, portanto,
deve poupá-lo da sentença de morte que todos aguardavam. No segundo ato, Odalea é
assaltada por bandoleiros durante uma curta viagem e, miraculosamente, é salva por um
desconhecido herói. Ao final, verifica-se que o misterioso salvador é Condor. Ademais, por
interferência de Zuleida, revela-se ser ele o chefe das temidas hordas negras e também o
filho de Amurath, um grande rei. Apesar da surpresa que esta informação causa aos
circunstantes, a corte ainda teme o forasteiro e cada vez mais se preocupa com as posturas
da rainha contra os costumes do reino. No clímax final, Odalea, em prêmio pelo
salvamento, concede-lhe o cargo de emir, para enorme espanto e crescente desgosto da
corte. No último ato, os fatos já estão fora de controle. Odalea não pode mais esconder a
paixão que lhe devora a alma. Finalmente, ela revela seu intenso amor pelo forasteiro e está
pronta a quebrar todas as regras para assumir esta paixão. Tarde de mais. A população,
insuflada pelo grão-vizir, revolta-se, incendeia Samarcanda e dirige-se ao palácio desejando
o sangue de Condor. Diante do inevitável, Condor opta por suicidar-se para garantir que
Odalea sobreviva.

O conflito em Condor se estabelece em diversos níveis confluentes e esta qualidade

é que dá certa consistência ao libreto e ao discurso dramático. O mais simples dos conflitos
é o protagonizado por Condor – sua importância é que se trata do conflito desencadeante da
ação. Condor representa a figura do herói romântico – destemido e viril, que não mede as
conseqüências pela realização do ideal, seja ela apenas uma volição amorosa – e ao longo
de seu discurso o personagem nada apresenta além disto, a não ser adesão à seus princípios,
característico do herói romântico, o que justifica a opção pelo suicídio. Não há um
elemento modificador de caráter – ele permanece indene ao longo da obra. O segundo

143
conflito é a manutenção do satus quo. O protocolo da corte, a lei islâmica. O
conservadorismo, a moral e os costumes. Ele se representa no coro e está indexado em
Almazor. O coro, então, é o protagonista deste conflito, o que não chega a ser paradoxal,
pois o coro na ópera italiana da segunda metade do século XIX geralmente tem um claro
papel ideológico (PARAKILAS, 1992). Não importa que, neste caso, não seja o papel de
agente modificador político como ocorre na maioria das óperas de G. Verdi, de forma
menor ou mais clara. De fato, a importância do coro em Condor surge mais do papel
dramático do que do tratamento musical, com exceção para a intervenção inicial no
segundo ato. Mesmo sem esta relevância musical, o coro está presente desde o início até o
fim da ópera. O terceiro conflito é representado por Odalea e sua progressiva
transformação. Da rainha fria, calculista e guardiã de costumes imemoriais, invade-lhe o
sopro humano e é tocada pelo doloroso e esfuziante sentimento de paixão humana,
emulando a divindade olímpica que experimenta o prazer e a dor do simples mortal. É entre
esta dualidade prazer-dor que o personagem de Odalea transforma-se à medida que
progride o discurso dramático, sofrendo um evidente processo de humanização. Isto fica
muito claro no fim do terceiro ato quando Odalea grita para Condor – Folle! Non vedi, non
senti in cor che disperata io t’amo! Para tal, Carlos Gomes constrói uma frase ascendente
por desdobramento de um acorde de fá sustenido com sétima menor (Figura 85).

Figura 85 – a frase ascendente de Odalea para a climática revelação de sua paixão humana
por Condor.

144
Assim, com a habilidade que lhe era característica – lapidada ao longo dos anos de prática
lírica – o discurso musical concatena-se de forma oportuna nestes momentos climáticos.
Em verdade, esta evidência reforça a tese do equívoco de certos analistas de Carlos Gomes
que tentam caracterizá-lo como um compositor que não consegue desbloquear seus
personagens, fazendo com que permaneçam com caráter estático, não se transformem ao
longo da trama, mesmo do ponto de vista musical. A crítica continua, afirmando que,
quando esta humanização ocorre, o que é raro, resulta de uma intervenção externa, por
meio do uso de motivos recorrentes (CONATI, 1982). Estudos mais aprofundados da obra
de Carlos Gomes permitirão negar esta teoria, pois, em grande parte, ou preliminarmente, a
imobilidade de um personagem deriva do tratamento do texto do libreto. Desta forma,
argumentos nas mãos de um Antônio Ghilanzoni ou um Arrigo Boito têm poucas chances
de apresentar esta debilidade. Por outro lado, o discurso musical, dependendo da habilidade
do compositor, permite corrigir em parte essa deficiência. Já nesse exemplo do Condor,
verifica-se que esse não é um problema fulcral em Antônio Carlos Gomes. Mesmo com um
argumento de limitadas possibilidades, de desenvolvimento dramático linear e econômico,
não falta a Condor a caracterização dramática de seus personagens, tanto do ponto de vista
textual como musical. Cada personagem incorpora modelos clássicos de significação na
dramaturgia do romantismo: o herói viril, destemido (Condor), o amor maternal de estirpe
(Zuleida), a virgem iconizada (Odalea), a lei (Alamazor, o coro) e o alter ego (Adin).
Com estas condições, as relações se estabelecem e se modificam ao longo da ópera.
O conjunto dos conflitos e as relações dramáticas poderiam ser representados pelo
diagrama da Figura 86.

145
 Figura 86 – Disposição diagramática dos conflitos.

Ao longo do discurso dramático, particularmente no terceiro e último ato, as

relações de conflito se modificam drasticamente e isto se deve à dinâmica própria de cada
personagem, particularmente a de Odalea. Uma nova composição das relações poderia ser
vista na Figura 87, quando, no auge dramático, Odalea se sobrepõem a tudo e todos na frase
exemplar Spezzate anche il mio cor!, oferecendo o punhal de Condor ao povo que, muito
significativamente, se retrai horrorizado, diante da inconcebível idéia de que esses
poderiam sequer pensar em matar sua sublime rainha.

146
Figura 87– Um rearranjo do diagrama de conflitos ao longo do terceiro ato.

Pela descrição dos acontecimentos, vê-se que existe ao longo da ópera um aumento
da tensão dramática. Esta tensão é climatizada ao final de cada ato por uma progressiva
humanização do personagem de Odalea, através de gestos que, ao mesmo tempo, acirra a
animosidade do povo-Almazor, isto é, do status quo. O curso dramático de Condor pode
ser visto na Figura 88.
Especificamente em Odalea, há uma constante ondulação anímica. Assim, ela passa
da frieza inicial, ao espanto pela ousadia do invasor; do desdém por ele ao reconhecimento
de uma profunda modificação de ânimo que começa a lhe assaltar; da vontade de descobrir
Condor à exaltação ao sabê-lo de estirpe nobre; da incontida ira pelos desejos reprimidos
dualisticamente (a lei interna e a lei externa) à explosão pelo amor revelado e

147
correspondido. Esta composição anímica, dinâmica, é fundamental para a compreensão do
curso dramático da obra e do especial significado que pode ser depreendido do Notturno
entre o segundo e o terceiro ato.

Figura 88 – Gráfico demonstrando o curso dramático de Condor.

Mais do que uma simples peça de efeito descritivo, comum à época, é nela que
Gomes se revela um artífice escolado, pois sua análise permite identificar que é nesse

148
intermezzo que se faz a síntese da personalidade de Odalea com os eventos pregressos,
permitindo antever os eventos futuros. De fato, mesmo sem estar em cena, Odalea é o
personagem central desse mosaico musical de fina construção psicológica, revelando a
reflexão da rainha sobre os eventos e estimulando uma tomada de decisão.
Uma análise musical do Notturno, a ser vista no quinto capítulo (5.3) deste estudo,
tomando como base alguns princípios da semiótica peirciana, permitirá melhor
compreender essa elaboração, atestando a capacidade e amadurecimento estilístico de
Gomes àquela época.

149
151
 5.1 O Processo de Elaboração Composicional de Condor

5.1.1 INTRODUÇÃO

As cartas do compositor, relativas à época da composição de Condor, não são

elucidativas quanto ao processo que utilizou na elaboração de sua proposta. Dada as
condições, percebe-se apenas que foi um trabalho contínuo e estafante. Em trecho da carta
para o Visconde de Taunay, reproduzida no quarto capítulo, o compositor menciona: Não
repare no meu involuntário silencio; o trabalho foi incessante, a febre foi quase mortal
BOCCANERA, 1904). Gomes nunca foi um compositor de fácil manufatura e em um
período de 23 anos (1869-1896) escreveu apenas sete óperas, aí incluindo Colombo. Neste
sentido, admira-se mais ainda o resultado obtido em condições tão pouco satisfatórias de
trabalho. Particularmente, a narrativa de Francisco Braga (1936), em visita a Carlos Gomes
em seu apartamento em Milão em 1894, mesmo sendo posterior à composição de Condor, é
muito reveladora da situação e das condições de trabalho vivenciadas pelo maestro.
Segundo Braga percebe-se um homem com uma inquebrantável vontade de produzir, de
realizar. Trabalhava em seu modesto apartamento na Via Morone em meio a cópias e
provas de músicas por todos os lados, num ambiente aparentemente desorganizado. Em
resumo, um leão tentando dar vazão à sua verve criadora, abandonado pela sorte e
espezinhado pelas dificuldades financeiras. Com isto, percebe-se que, se sua condição não
era propícia a um trabalho tranqüilo e despreocupado, sua capacidade soube superar estas
dificuldades e legar uma de suas melhores obras, em todos os sentidos – Condor. Assim,
entende-se oportuna a análise dos documentos textuais para tentar construir uma seqüência
de eventos que possam indicar como Gomes realizou essa tarefa de escrever uma ópera de
certa magnitude, de indubitável importância, em um período tão curto. Nesse sentido, esse
sub-capítulo será dedicado à identificação, definição e caracterização dos principais
momentos composicionais dessa obra de Antônio Carlos Gomes.

153
 5.1.2 DOCUMENTOS TEXTUAIS

Os elementos textuais aqui descritos são aqueles utilizados, daqui em diante,

para a realização da transcrição musicológica e dos estudos descritivos e analíticos sobre a
ópera. Ainda que possam existir outras fontes, entende-se que este grupo represente o
conjunto mais representativo de fontes para a realização do presente estudo,
particularmente no que se refere à transcrição musicológica.
Constituíram-se da cópia microfilmada do manuscrito autógrafo devidamente
digitalizada, de cópias fotostáticas da cópia manuscrita feita pela copisteria de Achille
Bernardi (CB), de cópias fotostáticas de partes instrumentais produzidas pela mesma
copisteria, da partitura para canto e piano original (CP), da partitura para piano solo, de
manuscrito autógrafo da parte de canto e piano de extensos trechos da ópera (RA), cópia de
pequeno trecho manuscrito depositado na Biblioteca do Conservatório G. Verdi de Milão,
rascunho autógrado de trecho da terceira cena do segundo ato e de fotos e anotações
pessoais feitas em exame ao manuscrito autógrafo (MS) no Museu Histórico Nacional, no
Rio de Janeiro (Figura 89).
Para atestar a autoria de entradas ao texto foram consideradas as características
grafológicas da escrita gomesiana (PENALVA, 1996).

A localização de documentos textuais de Condor não é empreitada fácil. As

referências mais competentes e completas são o livro de José Penalva (1986) e o Catálogo
do Museu Carlos Gomes compilado por Lenita W. Nogueira (1997). No primeiro encontra-
se, ao final de comentários sobre a ópera em discussão, uma nota de fim de capítulo com a
indicação da localização dos principais textos musicais da ópera. No segundo caso, em se
tratando de um catálogo, o material disponível no Museu Carlos Gomes é apresentado de
forma mais sistemática, analítica e elucidativa.
A disposição instrumental, da primeira para o último pentagrama da página é,
em seqüência: Violino I, violino II, viola, flautim, flauta, oboé, corno inglês, clarinete em
dó e em si bemol, trompas em fá, trombetas em dó, trombetas em fá, fagotes, trombones,

154
trombone baixo (tuba) ou bombardone, percussão (timpani, tamburo, gran cassa, triângulo e
sistro), solistas, coro, harpas, violoncelos e contrabaixo.

O manuscrito autógrafo
A principal fonte textual é o manuscrito autógrafo (MS) da partitura de
orquestra depositado na Divisão de Arquivo Histórico do Museu Histórico Nacional. São
três volumes, um para cada ato, formados por cadernos de papel medindo 41 cm x 29 cm
com 28 pautas. O papel apresenta impresso o nome de alguns instrumentos, entre eles,
cordas, flautim, flauta, oboé e corno inglês. Oito pautas estão livres de indicação,
provavelmente pensadas para uso das partes vocais e instrumentos adicionais. O papel não
apresenta marca d’água nem referência ao fabricante. Os cadernos compõem-se de
diferentes números de folhas duplas. Os três volumes têm seus cadernos costurados entre si
e a lombada recoberta por um cadarço de algodão. Ao final do terceiro volume,
correspondente ao terceiro ato, encontra-se um caderno separado, não costurado aos
demais, medindo 38 cm x 29 cm, medida inferior aos demais, contendo o texto do Ballabili.
Este manuscrito autógrafo se caracteriza pela clareza da escrita gomesiana, de
fácil interpretação na maioria das vezes e o estado de conservação é ótimo. Além da
importância intrínseca, por se tratar do manuscrito da partitura orquestral, este documento
apresenta extensas correções realizadas por Carlos Gomes.

155
 Tipo Texto Abreviatura Local

Rascunho autógrafo de Biblioteca Alberto

trechos do I, II e III Canto e piano RA Nepomuceno . Escola de
atos Música – UFRJ
Rascunho autógrafo da Museu Carlos Gomes –
Manuscrito autógrafo ---
cena II do II ato CCLA Campinas
Uma folha. Manuscrito
Ohimè! Ohimè! Non va Biblioteca Del
autógrafo. Da Odalea – ---
di questo... Conservatório - Milão
rifacimento del Condor.
Museu Histórico
Ópera completa Manuscrito autógrafo MS Nacional – Arquivo
Histórico, RJ
Microfilme do manuscrito Biblioteca Nacional-
Ópera completa ---
autógrafo Setor de Música , RJ
Partitura de orquestra. Ricordi do Brasil. São
Ópera completa CB
Cópia de A.Bernardi Paulo;
Partes orquestrais. Cópias Ricordi do Brasil. São
Ópera completa ---
de A. Bernardi Paulo.
Partitura de orquestra. Museu Carlos Gomes -
Atos I, II e balé CB
Cópia de A.Bernardi CCA
Biblioteca Nacional –
Setor de Música, RJ;
Libreto Texto impresso --- Biblioteca Del
Conservatório – Milão;
vários
Biblioteca Del
Conservatório – Milão;
Redução para canto e FUNARTE, bibliotecas
Ópera completa CP
piano. Edição de Arthur das principais Escolas de
Demarchi, 1891. Música, livrarias, entre
outros
Redução para canto e
piano. Reprodução da
edição Demarchi feita pela FUNARTE, bibliotecas
Ópera completa Ricordi do Brasil nas CP das principais Escolas de
comemorações do Música, livrarias.
Sesquicentenário do
Compositor. 1986
Museu Carlos Gomes –
Ópera completa Redução para piano solo ---
CCLA Campinas

Figura 89 - Lista das fontes textuais de Condor e sua localização.

156
 As cópias Bernardi
As cópias profissionais foram feitas pela firma de Achille Bernardi, a partir, ao
que tudo indica, do manuscrito autógrafo e apresentam boa qualidade de leitura. Na
verdade, pouco diferem em qualidade do manuscrito de Gomes. Identificam-se duas cópias
presentemente, uma depositada no Museu Carlos Gomes em Campinas, em ótimas
condições de preservação. A outra depositada na Ricordi Brasileira em São Paulo em
deplorável estado, uma vez que, tudo indica, foi utilizada nas apresentações da ópera ou
trechos dela e apresenta extensas modificações e anotações não autógrafas. Talvez
reprisando o óbvio, convém ressaltar que essas cópias da Ricordi são as originais de
1890/1891! Essas cópias foram realizadas em tinta preta sobre papel com 24 pentagramas,
medindo 36 cm x 25 cm. A distribuição instrumental é similar à do manuscrito autógrafo.

O material de orquestra
Na mesma condição da partitura orquestral se encontra o material de orquestra.
Este se constitui de cadernos cujas partes de cordas foram incisadas, pelo menos a maior
parte dos três atos. Os demais instrumentos se apresentam em cópias manuscritas. Salvo
futuras investigações o único conjunto disponível das cópias do material de orquestra
original de 1891 é o disponível na Ricordi Brasileira em São Paulo. Partes separadas do
Notturno podem ser encontradas no Museu Carlos Gomes em Campinas e, também, há uma
edição deste trecho promovida pela FUNARTE, incluindo uma partitura de orquestra. No
caso do material da Ricordi, os cadernos se encontram em razoável estado de conservação,
mas pleno de marcas de cortes e anotações de interpretação e notas pessoais dos músicos, o
que não deixa de ter valor documental. De fato, percebe-se que este foi o material usado
para a récita de Genova, em 1893 (Figura 90), na reposição promovida por Eleazar de
Carvalho em 1944 no Teatro Municipal do Rio de Janeiro (Figura 91) e permite ver
algumas opiniões pessoais dos músicos (Figura 92).

157
Figura 90 – Referência à apresentação em Gênova, 1893.

Figura 91 – Referência à apresentação de 1944 conduzida por Eleazar de

Carvalho.

158
 Figura 92 – Nesta parte dos segundos violinos, o músico emitiu seu parecer
sobre a ópera.

A partitura para canto e piano e piano solo

Aparentemente, a partitura para canto e piano foi resultado de trabalho do
próprio Gomes. Pelo menos é o que se depreende do nome do autor da redução – G. Loscar,
um anagrama evidente do nome de Gomes. De fato, é muito provável que ele mesmo tenha
feito a redução, visando diminuir os custos da empreitada. Reforçando essa autoria,
verifica-se que, em grande parte, a música que está no rascunho autógrafo (RA) para canto
e piano da Biblioteca Alberto Nepomuceno da Escola de Música da UFRJ é muito
semelhante à utilizada na versão impressa. Nele, vemos cuidados que, usualmente, não são
comuns para um rascunho. Entre eles, salienta-se o uso integral das indicações de dinâmica

159
e de articulação, o preenchimento completo das harmonias pretendidas, a escrita completa
de figurações trabalhosas do ponto de vista de escrita manual, que poderiam facilmente ser
indicadas por sinais de repetição, e, por fim, algumas notas à margem da partitura que
podem ser tomadas como indicações para algum copista que ficaria a cargo de transformar
o rascunho em uma possível versão definitiva. Nesse sentido, a leitura da partitura para
canto e piano, em comparação com a partitura de orquestra, revela uma redução
competente, límpida e desprovida de excessos virtuosísticos, ainda que, em poucos
momentos, simplifique significativamente a proposta orquestral. Por outro lado, o que fala
contra ser esta uma versão que seria usada para a cópia final impressa é que existe uma
quantidade muito grande de cancelamentos e correções, como será visto no capítulo
seguinte, que seriam de muito difícil entendimento por parte de um copista. Por fim, pode-
se depreender que Gomes pretendia ser este rascunho a sua versão para que dele se
produzisse a partitura final para canto e piano, mas, ao fim, permaneceu apenas como um
rascunho e, diga-se de passagem, um dos mais importantes documentos textuais da
elaboração de Condor.
A partitura para piano solo é disponível em algumas bibliotecas, como a do
Museu Carlos Gomes em Campinas e seu exame revela uma redução convencional e
competente da partitura, seguindo o padrão usual dessas versões, isto é, a linha de canto é
transposta convenientemente para as pautas do piano.
Essa partitura foi preparada por Azzo Albertoni14, o que é contraditório. Se
Gomes pretendia diminuir custos, porque entregou a realização da partitura para piano solo
a outro compositor? Ademais, a realização de uma redução para piano solo de uma obra
complexa como Condor é tarefa bem mais fácil e menos trabalhosa, uma vez disponível a
versão para piano e canto.

Gomes menciona em carta (VETRO, 1998) a existência de trechos separados

(pezzi staccati) do Condor os quais se encontram em algumas bibliotecas, tais como a
Biblioteca Nacional e a Biblioteca Alberto Nepomuceno da UFRJ. Como usual, essas peças

14
Compositor, maestro, libretista e professor de canto italiano, nascido em Veneza em 1862. Escreveu
canções e foi conhecido como libretista de operetas, entre elas La Figlia di Mustafá.

160
são impressões separadas feitas pelo editor Demarchi de trechos da ópera. Curioso notar
que existem também peças isoladas impressas no Rio de Janeiro por Sampaio Araújo. Na
lista de documentos sobre Condor disponível na Spingarn Collection, destacam-se alguns
trechos que podem ser visto na Figura 93 (De LERMA, 1990).

Título Vozes Nº de páginas editor

Ah! Contemplar m’e Soprano, tenor e Arthur Demarchi,
10
dato in te l’aurora piano Milão
Arthur Demarchi,
Avea sultana altera Soprano e piano 3
Milão
Ballata Adin: Nel
Soprano agudo e Arthur Demarchi,
regno de le rose uma 7
piano Milão
sorgente
Sampaio Araujo,
Monologo de Odalea Soprano e piano 5
Rio de Janeiro
Sampaio Araujo,
Monologo de Zuleida Soprano e piano 7
Rio de Janeiro
Vagando la notte per Mezzo soprano, Arthur Demarchi,
10
l’arida piaggia tenor e piano Milão

Figura 93 – Alguns exemplos de peças destacadas (pezzi staccati) de Condor,

disponíveis na Coleção Spingarn da Universidade Howard em Washington,
USA.

Na figura 94 podemos ver o frontispício e a primeira página de uma das peças

separadas de Condor publicadas por Demarchi. Nesse exemplar da serenata de Adin, que
Gomes chama, muito apropriadamente, de Canzonetta no rascunho autógrafo, verifica-se
que a tonalidade é de sol bemol maior, isto é, meio tom abaixo do original, sol maior. Com
isto, comprova-se que essas peças separadas não eram meramente a reimpressão das chapas
da ópera completa para canto e piano correspondendo ao trecho que se desejava oferecer ao

161
público. Isto contrasta com o costume da primeira metade do século XIX, quando os
editores imprimiam as óperas em fascículos, os quais podiam ser vendidos como trechos
separados ou em conjunto, formando a ópera completa para canto e piano. De fato, a
disposição dos compassos nessa versão em sol bemol maior também é distinta da partitura
de canto e piano, assim como os últimos compassos, que oferecem uma opção de
fechamento para o trecho, em contraste com a continuidade do discurso na partitura.

162
Figura 94 – Página de rosto e primeira página da Serenata de Adin em
edição separada.

163
 Apenas como curiosidade e comprovação de certo apreço pela música de
Condor na época de sua estréia, identificam-se pelo menos duas obras dela derivadas, uma
fantasias sobre temas da ópera composta por Ernesto Couto (Figura 95) e um transcrição
para piano por Julio Reis.15

15
Julio Reis (1870-1933) foi importante músico, regente, compositor e crítico de música ativo no Rio de
Janeiro, com fortes ligações com a música popular da época. Entre suas obras destaca-se “Alvorada das
Rosas”. Foi um dos compositores levados à Escola Nacional de Música no polêmico concerto dos “30” em
que se fez apresentar música popular no tradicionalíssimo ambiente daquela escola, incluindo Ernesto
Nazareth. Sobre Ernesto Couto não foi possível localizar qualquer referência biográfica.

164
Figura 95 – Frontispício e primeira página de uma fantasia composta por Ernesto Couto
sobre motivo do Condor.

165
O rascunho autógrafo
A fonte textual de maior interesse e importância é o conjunto de rascunhos do
Condor (RA) depositados na Biblioteca Alberto Nepomuceno da Escola Nacional de
Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Tratam-se dos rascunhos para canto e
piano de quase toda a música da ópera. Foram escritos em papel de 23 cm x 20 cm com
doze pentagramas e a autoria é claramente de Gomes, tanto pela caligrafia do texto musical
como do literário. O material compreende todo o primeiro ato, grande parte do segundo ato
e, do terceiro, apenas o quarteto apresenta-se completo. De fato, sua análise revela
importantes aspectos do processo composicional de Gomes para o Condor que podem
auxiliar sobremaneira na fixação do texto de uma transcrição musicológica moderna desta
obra. De fato, este documento será utilizado como a fonte primária mais primitiva na
condição genética da gestação de Condor.
Continuando na descrição dos documentos, cabe mencionar que no Museu
Carlos Gomes encontra-se um rascunho autógrafo de um trecho da terceira cena do
segundo ato. Constitui-se de 22 folhas com 12 pautas, manuscritas e com várias rasuras. Na
última página há uma inscrição onde se lê: “Este manuscrito me foi dado pelo maestro
Sant’Anna Gomes e eu o entrego ao arquivo do Centro de S. L e Artes. Campinas, 21 de
junho de 1931. José de Campos Neves.”
Por último, mencione-se que o texto Ohimè! Ohimè! Non va di questo... é
referido como uma folha de manuscrito autógrafo com a indicação Da Odalea –
rifacimento del Condor (De Odalea – renovação do Condor). Esta referência é feita em um
catálogo de uma mostra na Biblioteca Communale de Milão durante as comemorações do
sesquicentenário de nascimento do compositor em 1986. Este manuscrito se encontra na
Biblioteca do Conservatório G. Verdi de Milão e parece ser um documento de revisão ou
parte de uma revisão que Gomes teria feito em conjunto com aquela revisão marcada no
manuscrito autógrafo. Entretanto, cabe salientar que esta modificação se encontra apenas na
cópia Bernardi e não no MS. Trata-se de uma folha única contento um sistema para piano e
canto com três compassos registrado como manoscrtio autografo 26/3. Na parte inferior

166
esquerda há um texto cursivo com os dizeres: Atto terzo, All agitato vivacíssimo. Gomes –
Odale/ Condor rifatto, pág. 254, ou 234, a grafia é ligeiramente dúbia. À propósito, o
trecho em questão se encontra na página 238 da partitura para canto e piano, provavelmente
à qual ele se refere ao escrever come la stampa, no pentagrama inferior do piano. (Figura
96).

Figura 96 – Manuscrito autógrafo referido como Da Odalea – rifacimento del

Condor. Note-se a numeração no canto superior esquerdo.

5.1.3 O PROCESSO COMPOSICIONAL DO CONDOR

Com vistas a construir uma hipótese relativa ao processo de elaboração
composicional de Condor os elementos textuais foram analisados quanto a sua estrutura e
características gráficas, anotações, cancelamentos e correções, permitindo, por método

167
indutivo, uma hipótese relativa ao processo de elaboração composicional da obra.
Complementarmente, utilizou-se o texto de cartas do compositor para dar consistência ao
processo indutivo.
Uma das principais dificuldades em estudar o processo composicional de
Condor se deve à pouca documentação referente às atividades de Carlos Gomes no período
adjacente à composição desta ópera. As cartas escritas pelo compositor, fonte maior de
informações, são poucas e esporádicas ao longo de períodos determinados. O fato é que,
nas cartas pertinentes ao período de composição de Condor, pouco esclarece o maestro
sobre seu trabalho.
Considerando-se os principais documentos textuais listados na Figura 83 e a
seqüência lógica de sua produção, permite-se, preliminarmente, dividir em cinco fases o
trabalho do compositor. Inicialmente, de posse do libreto ou partes dele, Carlos Gomes
deve ter produzido os rascunhos para canto e piano. Após isto, elaborou a partitura de
orquestra e, posteriormente, promoveu uma detalhada revisão do manuscrito. Por fim, após
a estréia em 1891, escreveu um balé que foi acrescentado ao segundo ato e apresentado pela
primeira vez em 1892 no Rio de Janeiro (Figura 97). Por último, parece ter pretendido uma
ulterior revisão, da qual há poucas fontes a serem consultadas.

Fase Atividade Possível período

1 Elaboração do rascunho para canto e piano Setembro, 1890

2 Orquestração Outubro, 1890
Antes de fevereiro,
3 Revisão
1891
4 Balé para o segundo ato Após fevereiro 1891

Figura 97 – Principais momentos do processo composicional do Condor.

A primeira fase
Possivelmente, os rascunhos para canto e piano são os documentos mais
importantes para se compreender a evolução da criação de Condor. Neles se encontram a

168
maior parte da música escrita pelo autor, incluídos os trechos posteriormente removidos
durante a revisão (fase 3), assim como cancelamentos de compassos que levam a uma nova
opção para o trecho cancelado. Alguns desses casos podem ser discutidos à guisa de
exemplo.
É bastante conhecida a primeira intervenção de Condor no primeiro ato, com
uma frase cantada di dentro (Figura 98). No rascunho manuscrito do prelúdio do primeiro
ato, Gomes introduz esta frase (Figura 99 a e b), mas ele a cancela dando continuidade ao
que se conhece na versão final. Pode-se notar que a frase não é idêntica à utilizada na
entrada de Condor, mas a relação entre as duas fica patente.

Figura 98 – Primeira intervenção de Condor no primeiro ato.

Figura 99 a – Primeira versão do mesmo trecho do Prelúdio, como está no rascunho

para canto e piano autógrafo.

169
 Figura 99 b – Compassos 29-31 do Prelúdio16. Versão definitiva.

Outro exemplo de interesse, envolvendo outra ordem de problema textual,

encontra-se no rascunho de trecho da terceira cena do segundo ato. De acordo com a
partitura para canto e piano, após a Marcha Tártara e o Balé, Odalea deseja ver revelada a
identidade de seu salvador, o que é realizado por meio de um curto recitativo17. Na versão
definitiva encontra-se um desenho melódico em sesquiáltera, confiado à trombeta, que
recupera brevemente o tema da Marcha Tártara (Figura 100). Ao verificar-se no rascunho
autógrafo, este mesmo desenho é distribuído em dois grupos de tercinas. Na verdade, a
correção para sesquiáltera aparece no manuscrito autógrafo da partitura para orquestra, no
qual, sobre o desenho original em tercinas, Gomes acrescenta um forte traço para unir os
dois grupos e acrescenta um claro número seis sobre o desenho resultante (Figura 101).
Adicionalmente, percebe-se que, anteriormente, o desenho em duas tercinas
estava confiado ao oboé. Gomes, então, raspa a notas do pentagrama do oboé,
procedimento usual ao longo do processo de orquestração para realizar correções.

16
As páginas correspondem à partitura para canto e piano (FUNARTE/Ricordi)
17
Página 125, terceiro compasso. Partitura para canto e piano. Edição FUNARTE/Ricordi.

170
Figura 100 – No sistema superior vê-se a versão definitiva com a sesquiáltera
(a); o desenho do sistema inferior corresponde ao rascunho
autográfico do Museu Carlos Gomes.

Figura 101 – No manuscrito pode ser vista a transformação de duas tercinas

em uma sesquiáltera confiada à trombeta.

171
 Em verdade, percebe-se que, para o andamento imposto (Lento), a correção de
Gomes faz sentido. Assim, há necessidade do regente ater-se ao andamento indicado, pois
conduzir este trecho em andamento rápido irá descaracterizar o tema da Marcha Tártara e
transformar esta intervenção da trombeta em uma mancha sonora sem significado imediato.

Um outro aspecto curioso nesta fase é que Gomes retira, no segundo ato, um
personagem. Trata-se de um aralto (Araldo) com tessitura e colocação na partitura
indicativos de que o papel tenha sido atribuído a um tenor.
A análise da parte vocal não revela relevância a esse solista, tanto do ponto de
vista musical como dramático. Apenas na pezza d’assieme do segundo ato verifica-se que
Gomes necessita uma segunda voz aguda para completar o bloco de solistas secundários e
isto se dá com esse Araldo. Assim, juntamente com Adin, Almazor e o Mufti, este bloco
dialoga musicalmente, mas não dramaticamente, com o coro e com o solista principal
(Odalea). Desta forma, uma razão para esse corte pode ter sido uma solicitação dos
empresários para reduzir os custos com cantores. No manuscrito autógrafo não existe a
transposição da parte vocal do Araldo, o que indica que a decisão foi tomada antes do início
da orquestração, ao contrário de outras partes vocais que, como se verá adiante, são
transpostas para a partitura de orquestra, mas não são orquestradas.
Nas Figuras 102 e 103 encontram-se exemplos da primeira inclusão desse
personagem em pauta musical e, posteriormente, o cancelamento de sua participação pela
própria mão de Gomes.

172
Figura 102 – Note-se no quinto pentagrama a indicação de Araldo.

173
Figura 103 – No início da próxima sub-unidade dramática, Gomes indica a retirada do
personagem.

174
 Um outro aspecto a relatar nesta fase é que, parece, Gomes luta com uma
dificuldade de identidade com o nome do personagem principal. Ao longo do primeiro ato
vários nomes são propostos para o principal solista feminino, Odalea. Talvez um estudo
mais cuidadoso, do ponto de vista grafológico, possa revelar opção diferente, mas nas
condições do presente estudo identificou-se a seqüência que se segue. Inicialmente temos
Oleandra:

Em seguida, Aliandra:

175
Volta o nome de Oleandra:

No início da terceira cena, claramente Gomes a identifica como Azálea:

176
e continua a usar a abreviação para este nome,

177
ao fim do ato surge um estranho “Z” no pentagrama vocal de Odalea

e, de fato, logo em seguida surge mais um nome, Zeila

178
 Como visto, Gomes corrige, de quando em vez, o novo nome pelo de
Odalea. Mas, ao longo do primeiro ato ele pouco usa o nome Odalea ou sua
abreviatura – Od. Por outro lado, ao longo do segundo e terceiro atos, esse problema
nunca ocorre, pelo menos nos trechos disponíveis para o rascunho autógrafo para
esses atos.

Segunda fase
Com os elementos disponíveis é difícil precisar o período tomado por Gomes
para executar a orquestração de sua ópera. Por outro lado, é exatamente sobre a
orquestração a única menção de Gomes sobre o trabalho com Condor. Em um carta à Gino
Monaldi datada de 3 de outubro de 1890 o compositor menciona que “ ...Imagine que,
apesar do trabalho constante, desde a primavera, até agora só terminei a parte básica do
trabalho, faltando o instrumental, que devo completar a tempo. ...” (VETRO, 1982:311).
Esta informação é coerente com a data aposta ao final do rascunho autográfico para o
segundo ato – setembro de 1890.
O documento mais importante para esta segunda fase, a orquestração, é o
manuscrito autógrafo depositado no Arquivo Histórico do Museu Nacional no Rio de
Janeiro. O processo utilizado por Gomes não difere do que se supõe ser o habitual para a
época, isto é, o compositor, ou um assistente, transcreve para a folha pautada as partes
vocais e, posteriormente, o compositor apõe a orquestração (SULLIVAN, 1984). Isto fica
muito claro ao examinar-se o manuscrito autográfico do Condor. O texto musical das partes
vocais foi escrito de maneira quase profissional, cuidadosa, limpa e elegante. A caligrafia é
muito característica de Gomes. Por outro lado, as partes instrumentais apresentam uma
caligrafia menos cuidadosa, própria de quem está criando livremente. As notas e hastes são
colocadas de forma mais livre, porém ainda perfeitamente legíveis e precisas, umas das
características da grafia gomesiana.
Um aspecto muito relevante nesta fase é que este documento contém partes
de canto que não foram utilizadas por Gomes. De fato, estas partes já não são encontradas
na cópia profissional feita pela copisteria de Achille Bernardi e, muito menos, na edição

179
para canto e piano de Athur Demarchi (FUNARTE/Ricordi). Quanto à extensão, há trechos
de poucos compassos, mas há passagens bastante extensas que foram eliminadas. No
segundo ato encontramos um dueto entre Zuleida e Condor com 64 compassos que foi
completamente suprimido. No terceiro ato, uma passagem de 26 compassos, entre Odalea e
Condor, também não foi utilizada. Uma reconstrução musicológica desse trecho pode ser
vista no anexo 3. O dueto cancelado do segundo ato, aparentemente, é uma substituição, ou
alternativa, ao diálogo que se trava entre Zuleida e Condor, logo que este entra em cena e
Zuleida se faz reconhecer como sua mãe. O trecho não orquestrado tem 64 compassos e o
texto, basicamente, refere-se ao mesmo tema do trecho que permanece como definitivo.
Curioso notar que, seguindo a seqüência normal das páginas do MS, este trecho se encontra
depois da orquestração que Gomes faz do trecho definitivo. Poderia se depreende, então,
que o trecho não orquestrado seria uma segunda alternativa para este trecho, alternativa que
Gomes descarta. O argumento a favor desta hipótese é o fato de que o coro das favoritas
que interrompe a cena entre Zuleida e Condor, em qualquer das versões, se encontra em
continuidade com o trecho não orquestrado. Depreende-se, assim, que Gomes previa esta
continuidade qualquer que fosse a escolha final (Figura 104 e 105).

Figura 104 – Na versão definitiva, ao final do dueto, o coro das favoritas já está presente
no MS.

180
Figura 105 – Na versão descarada, note-se que a entrada do coro das favoritas, com a
mesma música da versão definitiva, também está previsto e com continuidade
gráfica com o trecho que foi cancelado, o que prova que esta seqüência foi
intencional.

O documento esclarecedor dessa dúvida seria o rascunho autógrafo. Infelizmente,

como dito, este não está completo para o segundo ato e exatamente o trecho em discussão
não está contemplado no conjunto dos rascunhos disponíveis. O mesmo ocorre para o dueto
do terceiro ato. Assim, não é possível identificar a intenção de Gomes no documento
textual considerado como o mais primitivo do ponto de vista genético, isto é, o rascunho
autógrafo. Nesse último dueto, similar ao do segundo ato, parece trata-se de uma alternativa
a qual Gomes optou, nesse caso, pela segunda, uma vez que o trecho eliminado está
graficamente situado antes do usado na versão final, ao contrário do caso do segundo ato.

Cabe ressaltar que, nos dois casos, o conteúdo dramático está contemplado na
versão definitiva, o que corrobora a hipótese aqui levantada de que, nos dois casos, tratam-
se de alternativas. Uma reconstrução do segundo dueto cancelado, tentativamente,

181
revela que a versão final é mais condizente com a estética proposta para a ópera e, desta
forma, foi oportuna sua eliminação.

Outra ocorrência nesse período consiste no acréscimo e na modificação de

trechos. Um exemplo encontra-se logo no início do primeiro ato, em sua primeira cena.
Deve-se recordar que, nesta cena, comparece Adin que irá cantar sua serenata
acompanhado por uma guitarra. Um momento muito interessante desta cena é o
rompimento de uma corda da guitarra, o que é comentado musicalmente de forma atraente
por Gomes e o texto do libreto é pleno de significados. No manuscrito autógrafo da
partitura de orquestra verifica-se que Gomes inclui quatro compassos executados pela
harpa, mimetizando a afinação da guitarra antes de Adin iniciar sua serenata (Nel giardini
delle rose). Verifica-se que este trecho foi eliminado na fase de revisão e, mais importante,
não consta do rascunho autógrafo de canto e piano. De fato, as linhas de divisão de
compasso são tortuosas e irregulares, como que feitas de imediato e ao acaso, diferindo das
demais na mesma página do manuscrito da partitura de orquestra, o que indica que Gomes
tenha, neste momento da orquestração, incluído estes compassos como achado de última
hora (Figura 106). O texto no trecho se refere a andamento (senza tempo), articulação
(Vibrate Forte) e instrução de cena (imitando 1’accordare dello instrumento).

182
Figura 106 – Manuscrito autógrafo da partitura de orquestra. Primeiro ato, cena
primeira. A afinação da guitarra de Adin é mimetizada pela harpa.
Note-se o cancelamento feito por Gomes.

183
 Como se sabe, o quarteto do último ato inclui uma discussão entre as partes
antagonistas, isto é, Almazor e Adin e Condor e Zuleida. Na versão final, todos se retiram
ao fim deste quarteto, menos Condor que inicia um diálogo com Odalea, recém chegada á
cena. Nessa versão primitiva, antes que todos partam, Almazor dirige-se à Condor em mais
um vaticínio (Figura 107). Existem várias diferenças a serem discutidas neste trecho com
relação aos demais exemplos já relatados. Inicialmente, ele pode ser visto no rascunho
autógrafo; em segundo lugar, ele se encontra orquestrado no manuscrito autógrafo da
partitura de orquestra; mas ele não aparece na cópia Bernardi nem na partitura para canto e
piano de Demarchi.

Figura 107 – Intervenção de Almazor. Trecho eliminado por Gomes ao final do quarteto, a
partir do segundo compasso do exemplo. Terceiro ato.

184
 Retomando o exemplo da figura 107, na versão final há uma continuidade entre
o primeiro e o sétimo compasso, eliminando-se apenas a intervenção do Almazor, sem
perder a continuidade do discurso harmônico. De fato, na versão final, o quarteto se
desenvolve em mi bemol maior e o dueto entre Odalea e Condor, que segue, está em mi
menor. Assim, com ou sem o trecho de Almazor, existe um segmento de ligação entre o
quarteto e o dueto cuja tonalidade é fugidia, ainda que ao seu final haja uma clara cadência
perfeita para a tônica de mi menor com a qual se inicia o dueto. Desta forma, temos um
exemplo de modificação feita por Gomes com o intuito único de reduzir a quantidade de
música.

Entretanto, pode-se especular que o compositor tenha considerado fora de

propósito, dramática e musicalmente falando, mais esta intervenção de Almazor, e tenha
optado por eliminá-la. Sem dúvidas, foi uma decisão acertada, pois o trecho é inócuo em
ambos os sentidos.

Nesta fase identificam-se, também, algumas alterações na própria orquestração.

Como exemplo, cite-se a remoção da participação da flauta em alguns compassos da
Marcha Tártara no segundo ato (Figura 108).

Na verdade, a diferença reside em que, diferente da fase de revisão, Gomes não

utiliza lápis de cor. Assim, essa alteração não apresenta características de revisão e sim de
uma reconsideração ou correção imediata. Daí não ser incluída na seção seguinte. A
raspagem das notas entradas no pentagrama parece ser a rotina das correções desta fase.

Terceira fase
Esta fase corresponde à uma revisão feita no manuscrito da partitura de
orquestra. Gomes utiliza lápis de cor vermelha, azul e, raramente, lápis preto. Algumas
vezes, usa tinta vermelha, principalmente para entrar com modificações em notas, método
que permite fazer isto com mais precisão. Considerando que a maioria destas modificações
se encontram-se na cópia de Bernardi, depreende-se que esta terceira fase tenha precedido a
confecção dessas cópias profissionais. Mais que isto, várias anotações pessoais de Gomes

185
às margens da partitura, e endereçadas nominalmente a Bernardi, dão apoio a esta hipótese
(Figura 109).

Figura 108 – Em um trecho da Marcha Tártara verifica-se a raspagem de notas atribuídas à

flauta.

186
 De fato, existia um protocolo de eventos entre o compositor e a editora na
produção da música de uma ópera na Milão do século XIX. No caso de Gomes e Bernardi
verifica-se que a cópia da partitura orquestral feita pela copisteria é uma reprodução fiel do
manuscrito autógrafo, respeitando os cancelamentos feitos por Gomes nessa fase de
revisão. Comprova esta relação, como visto, as várias anotações feitas por Gomes à
margem do manuscrito autógrafo (Figura 109 e 110). Na seqüência lógica, teríamos a
partitura para canto e piano, que deveria ser reduzida a partir da cópia Bernardi. Entretanto,
como se verá adiante, trechos que estão cancelados no MS e, portanto, não são copiados na
CB, aparecem na edição de canto e piano.

Figura 109 – Anotações feitas por Gomes à margem do manuscrito autógrafo.

As intervenções feitas podem ser qualificadas como:

o correções de inconsistências do texto musical
o cortes sumários de trechos (poucos ou muitos compassos)
o modificações da instrumentação sem alteração do contexto
musical
o acréscimos de trechos

187
 Figura 110 – Trecho do manuscrito autógrafo da partitura de orquestra.
Primeiro ato. Cena primeira. Note-se a mensagem de Gomes
para Achille Bernardi na margem da folha.

Correções de inconsistências do texto musical

As correções de inconsistências se resumem a acréscimos de acidentes ou sua

modificação em conformidade com a lógica harmônica do segmento musical. Mesmo
assim, na análise da cópia Bernadi verificam-se vários erros de gramática musical.

Cortes sumários de trechos

Dentre os cortes, convém discutir sobre o exemplo antes apresentado, isto é, o
da ligação entre o quarteto e o dueto do terceiro ato (última cena).

188
 Aqui, na verdade, encontramos uma situação diferente, pois Gomes, além do
trecho de Almazor, cancela também um grupo de cinco compassos entre o fim do quarteto e
o início do curto recitativo que antecede o dueto. Do ponto de vista da harmonia, as duas
soluções são satisfatórias, pois levam adequadamente à provável tonalidade de dó sustenido
menor que centraliza este recitativo, até sua cadência para mi menor, que inicia o dueto.
Entretanto, estes cinco compassos se encontram preservados tanto na cópia Bernardi como
na partitura para canto e piano. Uma análise da movimentação de cena deste segmento
revela que, de fato, há necessidade de música para permitir a saída de Zuleida e a
manifestação de Condor, por gestos, de impor a saída de Adin e Almazor. Sem estes cinco
compassos, restariam apenas dois curtíssimos compassos entre o fim do quarteto e a
primeira intervenção de Odaléa no recitativo de ligação (última cena). São estes cinco
compassos que permitem o tempo dramático para a saída dos personagens que não devem
participar do dueto. Provavelmente, este deve ser o motivo que levou Gomes a solicitar aos
copistas não considerarem o cancelamento que ele próprio tinha realizado no manuscrito.
As figuras 111 a, b, c, d e e são muito ilustrativas, nesse sentido, pois demonstram todo o
trecho em questão, a partir do manuscrito autógrafo.

189
Figura 111 a – Final do quarteto e início da invectiva de Almazor. Note-se o
cancelamento da intervenção de Almazor no final da página e a
introdução de compassos extras, sem o cuidado de uso de uma
régua, para o ajuste harmônico com a música da última cena,
que já se encontrava escrita.

190
Figura 111 b – Continuação do anterior.

191
Figura 111 c – Continuação do anterior. Final da frase eliminada de Almazor e
Início dos cinco compassos por necessidade de tempo dramático.

192
Figura 111 d – Continuação do anterior. Cancelamento do trecho de ligação para a
próxima cena, mas que se encontra na cópia Bernardi e na CP.

193
Figura 111 e – Continuação do anterior. Início da última cena.

194
 Neste exemplo, um outro aspecto relevante é que, no rascunho autógrafo não
existe o compasso de aproximação cromática (mi bemol – ré bequadro) entre o acorde de
mi bemol maior do final do quarteto e dó sustenido menor com que inicia o trecho de
ligação. Nesse documento, o final do quarteto, com um acorde de mi bemol com a terça na
voz superior, leva diretamente à frase de Almazor que apresenta um ambiente harmônico
inicial em si maior (Figura 112). De fato, ao analisar o manuscrito da partitura de orquestra,
além do cancelamento da intervenção de Almazor (Figura 111 a, b e c), verificamos que
Gomes introduziu, naquele momento, a passagem de aproximação cromática, seja para o
trecho de ligação (os cinco compassos), seja para encadear diretamente o final do quarteto
com a tonalidade do recitativo, inicialmente em dó sustenido menor (ver Figura 107 para
comparação). Esta última hipótese parece mais coerente, uma vez que nitidamente o trecho
de ligação, como dito, também está cancelado nessa partitura autógrafa.

Figura 112 – A seqüência dos eventos musicais, tal como se encontra no rascunho
autógrafo para canto e piano.

Esta questão revela claramente a preocupação do compositor em dar lógica

ao seu discurso musical e aqui é que se demonstra o quão trabalhosa é a arte de compor.
Após a fase criativa, intelectual, sobrevêm a necessidade da revisão, do ajuste, do
detalhamento que, muitas vezes, tem mais de carpintaria artesanal do que de inspiração
pelas musas.

195
Modificações da instrumentação sem alteração do contexto musical

As modificações de orquestração ocorrem esparsamente na partitura, mas são

relevantes.
No primeiro ato chama a atenção que, originalmente, o compositor utiliza
apenas uma harpa. A inclusão da segunda harpa parece ser posterior, ainda que isto não
tenha ocorrido necessariamente no período de revisão. Razões para isto se encontram em
não utilizar o lápis vermelho ou azul para a segunda harpa. A tinta utilizada é a mesma para
a escrita do manuscrito original em seu primeiro momento, mas a caligrafia é mais rápida,
com traços mais finos, menos cuidadosos, como algo acrescentado à posteriori (Figura
113).

Figura 113 – A segunda harpa parece ter sido acrescida posteriormente. Note-se
a diferença dos traços da caligrafia musical.

Ainda no primeiro ato, quando surge pela primeira vez o tema ligado à paixão
de Odalea, Gomes promoveu uma sensível limpeza na orquestração, certamente no sentido
de deixar a bela melodia expandir-se apenas ao cálido timbre dos violoncelos e apoiado
harmonicamente pelas demais cordas. Assim, ele cancela a intervenção dos clarinetes,
trompas e fagotes, como pode ser visto na Figura 114.

196
 Na cena última do terceiro ato18, Gomes promove uma considerável
modificação na orquestração deste trecho. Na versão definitiva, vê-se Gomes preocupado
em dar uma vestimenta mais elabora a este trecho, emprestando-lhe um caráter mais
dinâmico, enérgico e tenso. As modificações ocorrem nas cordas e madeiras e se
constituem basicamente de sesquiálteras ascendentes ou descendentes que terminam, no
caso das cordas, em trêmolos. É difícil identificar a versão original, pois as notas foram
raspadas. Entretanto, pode-se depreender que o trecho se limitava a uma seqüência de
acordes em trêmolo, distribuídos entre as cordas. Isto pode ser depreendido da análise de
alguns compassos nos quais Gomes não promoveu modificação ou a raspagem não foi
completa. De fato, o pentagrama para o primeiro violino é muito revelador neste sentido
(Figura 115). Analisando uma seqüência de quatro compassos em uma página do
manuscrito autógrafo, nota-se que este instrumento era pouco requisitado e lhe foram
acrescentadas as sesquiálteras já mencionadas. Vê-se no quarto compasso desta página que
as notas com trêmolo não foram completamente raspadas, permitindo comprovar o que de
original ali existia. Nos segundos violinos vemos também este mesmo padrão, isto é,
compassos alterados pela inclusão de sesquiálteras e, em continuidade, compassos não
alterados com notas em trêmolo.
Gomes também inclui a sesquiáltera para o flautim, aumentando o efeito de
tensão. Além das madeiras, as trompas são chamadas a intervir, criando maior densidade
sonora ao momento.
Como se vê ao longo do manuscrito, as correções e acréscimos são feitos com
lápis azul e vermelho. Neste caso, os acréscimos foram todos feitos com lápis preto, o que
não ocorre em nenhum outro momento do processo de revisão da partitura. Uma possível
explicação seria que, estando a partitura já pronta, haveria pouco espaço disponível para a
inclusão de tantas notas (várias sesquiálteras) e, desta forma, o uso de um lápis preto, que
normalmente possui mina com menor diâmetro, permitiria uma escrita com maior nitidez e
precisão, mormente tratando-se de uma modificação a ser entendida pelos copistas.
Entretanto, deve-se notar que, como faz sempre, Gomes marca o local da modificação com
um “x” em lápis vermelho, possivelmente, para alertar os copistas.

18
Página 238, três últimos compassos (edição para canto e piano, RICORDI/FUNARTE).

197
Figura 114 – O tema do Odalea é apresentado unicamente pelos violoncelos.

198
 Gomes cancela o apoio das trompas, fagotes e clarinetas.
Neste mesmo ato e cena, mais adiante, encontramos outra modificação da
mesma ordem. Na página 672 do manuscrito autógrafo de partitura para orquestra, Gomes
aplica um sentido maior de movimento ao baixo, substituindo, no primeiro compasso desta
página, uma mínima pontuada em trêmulo, por uma sesquiáltera seguida de uma mínima
em trêmulo (Figura 116). O compositor ainda aproveita para acrescentar uma colcheia ao
primeiro tempo do compasso seguinte, transformando-o em uma tercina, corrigindo assim a
figura do baixo para que ficasse adequada ao ritmo da linha de canto e da maioria dos
instrumentos que intervêm neste compasso com este mesmo desenho, isto é, violinos, oboé,
clarinetes, trompas, trombetas e trombones.

Figura 115 – Página do manuscrito autógrafo da partitura de orquestra. Terceiro ato,cena

última. Único momento em que Gomes utiliza lápis preto na sua revisão final.

199
Figura 116 – Terceiro ato, cena última. Pentagrama de violoncelos e
contrabaixos. Em (A) a versão original. Em (B) a revisão feita
por Gomes no manuscrito de orquestra.

Acréscimos de trechos

O quarto e último aspecto da fase de revisão corresponde aos acréscimos feitos

e que vão aparecer, posteriormente, na cópia Bernardi e na partitura de canto e piano
publicada por Demarchi. Assim, estes acréscimos aparecem no manuscrito autógrafo da
partitura de orquestra e não se encontram no rascunho autógrafo para canto e piano.

O exemplo mais importante deste tipo é o acréscimo de uma intervenção do

coro quase ao final da ópera (Figura 117). Após a última frase de Odalea (Ed ora, o
barbari! Spezzate anche il mio cor!), restavam apenas oito compassos até o final. Gomes,
então, introduz duas frases do coro com o texto Orror! Orror! Na verdade, este acréscimo
feito durante a revisão é revelador. Inicialmente, a inclusão desta frase para o coro pode ter
duas explicações. Uma de ordem dramática e outra de ordem harmônica. Para o enredo,
ficam mais atrativas e convincentes as relações do coro, isto é, dos súditos, com Odaléa.
Afinal, grande parte da tragédia de Condor está no forte antagonismo dos súditos com as
ações de sua rainha. Quando, após o suicídio de Condor, ela diz que agora os bárbaros
súditos podem também despedaçar seu coração e lhes oferece o punhal do herói, cabe, de
fato, uma intervenção de horror por parte dos súditos. Existe um duplo sentido no desafio
de Odalea. Ao dizer esta frase, ela reafirma, mesmo após a morte, sua paixão por Condor,

200
inaceitável para os súditos e, ao mesmo tempo, ousa sugerir que estes pudessem realizar ato
de alto sacrilégio em ferir a sua própria rainha. Impensável!
Harmonicamente, o trecho final de 62 compassos apresenta uma armadura para
a tonalidade de lá bemol maior. No entanto, apenas nos últimos compassos é que a música
assume claramente esta tonalidade e a última frase de Odaléa é que leva, de forma
enarmônica, à esta tonalidade.
Assim, Odalea termina sua frase sobre um sol sustenido enquanto a orquestra
assume um trêmolo em lá bemol com surgimento do tema da sina de Condor apresentado
logo ao início do Prelúdio da ópera. Então, a intervenção do coro, sobre o quinto grau da
tonalidade e, em seguida, sobre o sexto menor, serviriam para auxiliar na confirmação tonal
deste trecho final o qual, como dito, vinha se desenvolvendo de forma muito ambígua até
este momento. Porém, Gomes, para sanar esta questão, volta mais de 20 anos e retorna à
seus conceitos estéticos declarados no Il Guarany e termina Condor com uma série de
acordes confirmatórios que apagam da memória qualquer insegurança tonal que pudesse ter
existido. Este exemplo é representativo do período de revisão.

201
Figura 117 – A intervenção do coro foi acrescida após a orquestração inicial.

Um último e relevante aspecto ligado a esse trecho final é o fato de que o texto
dessa intervenção do coro encontra-se estampado no libreto impresso por Enrico Reggiani
em 1891. Ora, se esse trecho não estava no manuscrito autógrafo e se foi acrescido por
Gomes no período de revisão, uma vez que ele usou lápis azul, depreende-se também que o
libreto foi impresso somente após a última revisão da partitura. Aliás, este achado somente
corrobora uma leitura preliminar e superficial sobre a questão do libreto, em que se
percebem várias diferenças entre o que está impresso no volume publicado por Reggiani e o
que consta na partitura de canto e piano editada por Demarchi. Gomes, ele próprio,
modifica o texto do libreto em algum momento na partitura de orquestra, mas este assunto
foge ao escopo do presente estudo.

202
 O documento autógrafo existente na Biblioteca do Conservatório G. Verdi de
Milão com o texto “Ohimè! Ohimè! Non va di questo...” permite comentar que Gomes teria
pretendido uma ulterior revisão na ópera, além daquela feita diretamente no manuscrito
autógrafo e transcrita na cópia Bernardi. Entretanto, a fonte documental restringe-se
exclusivamente a essa folha. Difícil, assim, levantar hipóteses mais concretas sobre uma
possível nova tentativa de revisão. Na base da folha encontra-se de forma manuscrita o
texto: Gomes – Odale/ Condor rifatto, pág. 254, (ou 234, a grafia é ligeiramente dúbia).
Claramente, esta anotação não foi realizada por Gomes, cuja grafia é muito característica e
de fácil identificação. Assim, resta uma outra hipótese de que esta revisão não tenha
ocorrido e seja apenas uma dedução dessa pessoa que fez a anotação na folha.
Identifica-se que o trecho em questão se encontra na página 238, terceiro
sistema, da partitura para canto e piano e corresponde a uma intervenção de Odalea. O texto
é similar nas duas versões, mas a melodia de Odalea apresenta diferenças marcadas em uma
e outra (Figura 118).

203
Figura 118 – No sistema superior, a transcrição do texto do manuscrito. No sistema
inferior, transcrição do mesmo trecho como se encontra na página 238 da
partitura para canto e piano.

Cabe lembrar que a diferença de tonalidade entre os dois trechos se deve ao fato
de que, na cópia Bernardi, a partir do Monologo de Odalea, no terceiro ato, a partitura
permanece um semi-tom abaixo do que se encontra na MS autógrafo e na partitura de canto
e piano. Assim, não se deve estranhar esta diferença entre o rascunho autógrafo do
Conservatório G. Verdi e a edição de canto e piano acima comparadas, em termos de
tonalidade.

204
 Em resumo, o trecho inicialmente criado por Gomes na fase dois é o mesmo
que está na partitura de canto e piano, realizada em um estágio bem posterior. E o trecho do
“rifacimento” se encontra apenas na cópia Bernardi. Assim, se deduz que este trecho foi
engendrado por Gomes fora da revisão realizada sobre o MS e, possivelmente,
encaminhado em separado para Bernardi, que a incluiu na cópia profissional (CB). Por
alguma razão, a versão para canto e piano retoma o original do MS. De fato, ao analisar a
cópia Bernardi, que está em posse da Ricordi Brasileira, esses compassos estão raspados e
corrigidos para a versão original. Entretanto, percebe-se nitidamente, em vários locais a
linha melódica do “rifacimento”. Nas partes orquestrais para o primeiro violino e primeira
flauta, esta correção também ocorre.

205
Figura 119 – A versão original no MS é diferente da que se encontra na folha
solta do Conservatório G. Verdi.

206
 Quarta fase

A última fase do processo composicional de Condor corresponde à inclusão

do Balé no segundo ato. Não se pode precisar o período em que Gomes introduziu esta
música. Entretanto, sabe-se que ele foi apresentado pela primeira vez na récita do Teatro
Lírico do Rio de Janeiro em setembro de 1892. Sobre o entrecho do Balé também nada se
sabe de onde Gomes retirou ou quem o escreveu.

O manuscrito autógrafo da partitura de orquestra se encontra anexado ao

último volume do restante manuscrito da ópera. O papel é mais recente, limpo e claro e
mede 37,5 com de altura por 29,5 cm de largura. Os cadernos se encontram, como dito, no
volume do terceiro ato da ópera, mas não costurados ao conjunto de cadernos deste ato.
Como sempre, Gomes é muito lacônico em suas cartas sobre esse balé e refere-
se a ele apenas em uma carta de maio de 1892 à Manoel José de Souza Guimarães,
afirmando que a música do balé já se encontrava pronta (PENALVA, 1986).
Razões para o balé são difíceis de levantar, particularmente pela escassez de
informações sobre a ópera como um todo e o balé em particular. Especula-se que poderia
ser devido ao desejo de Gomes de apresentar a ópera em Paris (CARVALHO, 1946), onde
os balés, particularmente, no terceiro ato, eram muito bem-vindos. De qualquer forma, este
balé merece estudo mais detalhado após a procura de novas fontes textuais. Para os fins
deste estudo, o balé é referido apenas com a última intervenção de Gomes no processo de
criação de sua ópera.
Ao final do balé há uma instrução de cena19 que indica uma saída de Odalea da
Mesquita para o centro da cena. Desta forma, poder-se-ia dizer que o balé deveria anteceder
a Marcha Tártara. Entretanto, esta possibilidade tem dificuldades de encadeamento
harmônico, uma vez que a música que antecede a Marcha Tártara termina em sol maior e o
início do balé está em fá # diminuto. Por outro lado, antecipar a Marcha Tártara poderia não
ter sentido cênico, pois, segundo aquela direção de cena, Odalea deverá estar dentro da
Mesquita durante o balé e, assim, não teria sentido em o povo cantar loas a uma rainha

19
uno squillo annunzia che la Regina sta per uscire dalla Moschea. Gli astri, tutti, scompariscono
rapidamente.

207
ausente. Entretanto, a solução indicada por Gomes, e adotada em recente encenação de
Condor20, parece ser aceitável ainda que cenicamente não seja a mais adequada. Canta-se a
Marcha Tártara e ao final inicia-se o balé, aproveitando-se o lá de um acorde de si7 ao final
da Marcha, o que permite um encadeamento aceitável como um lá sustentado que antecipa
o referido acorde de fá# diminuo que inicia o balé. Ao final, a partir da fanfarra em sol
maior, há uma indicação de Gomes para retornar al segno, o qual se situa na seção central
da Marcha Tártara, na tonalidade de dó maior21.
A íntegra da música deste balé se encontra na transcrição musicológica da
partitura de orquestra (Anexo 4) e um exemplo da redução para canto e piano realizada à
partir dessa mesma transcrição pode ser vista na Figura 120.

5.1.4 COMENTÁRIOS FINAIS

Pela análise dos documentos textuais de Condor sugere-se que o processo

composicional constitui-se de quatro períodos: elaboração do rascunho para canto e piano,
orquestração desse material, revisão e introdução de um balé.
A caligrafia de Gomes é muito característica e legível e variações de sua
qualidade permitiram justificar momentos especiais do processo composicional.
Aparentemente, Gomes seguiu a prática composicional do metier operístico
no segundo quartel do século XIX, isto é, tendo-se o libreto, ou parte dele, elaborava-se um
rascunho para canto e piano. Posteriormente, procedia-se à orquestração, após a devida
cópia em papel adequado das partes de canto. Provavelmente, o compositor utilizava, neste
momento, o rascunho para auxiliar na distribuição das vozes instrumentais e recordar a
realização harmônica pretendida. As revisões eram comuns e Gomes não foge disto.
Percebe-se que utilizava os lápis azul e vermelho para o processo de correção. O lápis

20
Encenação com direção artística do Mº Luiz Fernando Malheiro e direção cênica de Caetano Vilela,
apresenta em 2002 no Teatro Amazonas em Manaus e em 2005 no Teatro Municipal de São Paulo.
21
Compasso 701 na partitura no Anexo 4.

208
vermelho era preferencialmente utilizado para cancelamentos e o azul para acréscimos.
Entretanto, esta rotina pode apresentar variações.

Figura 120 – página inicial da redução para canto e piano do balé.

209
 Verificou-se que Gomes eliminou uma quantidade apreciável de música até a
versão final. De certa forma, o fato dessas partes estarem no manuscrito autógrafo da
partitura de orquestra, revela que o compositor teria intenção de utilizá-las. De fato, são
poucos os exemplos de trechos que estão no rascunho autógrafo para canto e piano e que
não se encontram transcritos no autógrafo de orquestra. Razões para estas remoções podem
ser de ordem estrutural da continuidade dramática e, mais provável, um desejo de Gomes
em reduzir progressivamente a duração de sua ópera. Realmente, esta é a menor e mais
compacta das suas óperas. Entretanto, uma transcrição musicológica de todas as partes não
orquestradas e sua análise detalhada permitirão concluir com mais exatidão as razões para
estes cancelamentos. De fato, parece que Gomes vivia um constante conflito em realizar
algo “novo” em Condor ou retomar suas fórmulas antigas de sucesso garantido. É provável
que ele não acreditasse que uma ópera “à antiga” pudesse ter sucesso em um cenário
musical em conflito e dinâmico, como ocorria em 1891 em Milão. Assim, verificamos que,
por exemplo, o cancelamento do dueto entre Zuleida e Condor no segundo ato e entre
Odalea e Condor no terceiro ato (Anexo 3) pode ser um desses casos. A música desses
trechos, de certa forma, nada tem a ver com a proposta inovadora da estética gomesiana que
o compositor consegue manter a maior parte do tempo. Da mesma forma, a música do Balé
acrescentado em 1892, soa exógeno à ópera no que tange seu contexto estilístico, mas nem
por isto deixa de ser música de apreciável qualidade.
Por fim, verifica-se que Gomes apresentou um comportamento lógico e
ordenado na gestação de Condor e, mais que isto, em estreito tempo. Isto leva, como mais
um tema para posteriores estudos, a indagar o porquê da incapacidade de progredir com as
inúmeras obras começadas e nunca terminadas (Morena, Il Cantico dei Cantici, América, I
Mosquetieri, etc) uma vez que, por meio deste estudo, verifica-se que o compositor,
naquele período de sua vida, apresentando poucas condições de assumir as pesadas
exigências criativas e laborais de uma nova ópera, demonstra uma grande capacidade de
trabalho ordenado, econômico e produtivo.

210
211
 5.2 Restauração e análise de alternativas composicionais no
primeiro ato de Condor

5.2.1 INTRODUÇÃO

Condor pode ser vista como um momento de transição na produção

gomesiana. Uma transição que não terá continuidade para uma concretização de nova
proposta, uma vez que o compositor virá a falecer em menos de seis anos. Sua condição
física precária e as atribulações financeiras o impedem de dar continuidade à evolução que
Condor (1891) prenuncia. Em Colombo (1892), que segue, Gomes parece repetir a relação
de aparente retrocesso entre Fosca (1873) e Salvator Rosa (1874). De fato, se Colombo
revela o domínio da condução melódica, nada do Condor está nele presente. Há um retorno
à fórmula garantida, ainda que construída com maestria. De fato, em Condor o compositor
procura uma nova maneira de expressar seu discurso dramático e musical, ainda que hesite
assumi-la integralmente. Parece que Gomes receia uma extroverção radical, aventura-se
com passos contidos. Entretanto, afasta-se, na maior parte da ópera, das fórmulas que vinha
cultivando desde Il Guarany (1870) e que mantêm, de forma geral, intocadas até Lo
Schivao (1889). Deve-se salientar que, com isto, não se quer afirmar uma imobilidade do
compositor ao longo de sua trajetória. Ao contrário, a partir da Fosca, cada uma de suas
produções subseqüentes representa um significativo avanço em qualidade e competência de
sua manufatura operística. Mesmo Salvator Rosa, referido como um retrocesso na carreira
do compositor revela-se, se não uma continuidade no arrojo pretendido com a Fosca, um
avanço inquestionável em termos de concepção, proporção, forma e gesto da melhor
convenção operística considerando-se os entornos em que foi criada. De fato, em Condor
Gomes, frequentemente, subverte radicalmente, dentro da sua fatura, a forma do discurso
musical convencional usando, como poucos em sua época, o recitativo dramático contínuo.

213
Entretanto, parece, de imediato, arrepender-se da ousadia e, em momentos, retorna às
fórmulas, ainda que com a competência que lhe era peculiar. Exemplos disto são o
concertato no final do segundo ato e o quarteto do terceiro ato.
Os trabalhos executados da transcrição musicológica da partitura de orquestra
do Condor permitiram, tentativamente, identificar alguns aspectos do procedimento
composicional de Gomes. De fato, para esse sub-capítulo, a principal fonte textual foi o
rascunho autógrafo (RA) para canto e piano encontrado na Biblioteca Alberto Nepomuceno
da Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Os demais documentos, já
identificados no capítulo anterior, foram utilizados para fins de comparação.
O estudo constitui-se na identificação dos cancelamentos feitos pelo compositor
no rascunho autógrafo ao longo do primeiro ato e sua reconstituição usando software de
notação musical FINALE. Após, comparou-se o trecho identificado com seu paralelo nos
demais documentos, tomando-se como versão definitiva o que se encontra na edição para
canto e piano (CP), levando-se em conta os achados intermediários na partitura autógrafa
(MS) e a cópia profissional (CB). Por fim, procedeu-se à análise dos trechos identificados
para formulação de hipóteses para a opção definitiva tomada pelo compositor, construindo-
se, dessa forma, uma idéia do processo composicional de Gomes.

5.2.2 REGISTRO E ANÁLISE DAS PRINCIPAIS MODIFICAÇÕES AO

LONGO DO PRIMEIRO ATO

Serão descritas e comentadas as principais modificações propostas por

Gomes no primeiro ato, as quais serão identificadas numericamente e indicando-se sua
localização na edição para canto e piano.
Após a análise de todas as modificações, verificou-se que elas se enquadravam
em uma ou mais de três possibilidades explanatórias: condensação do discurso;
reordenação da progressão harmônica; e otimização do discurso musical e dramático.

CODA Music Technology

214
 Entende-se por condensação do discurso de um segmento da ópera, o
cancelamento de compassos, a eliminação de linha vocal ou a re-escrita tanto vocal como
instrumental visando uma concisão do discurso dramático e/ou musical. Razões para isto
podem ser, provavelmente, de ordem dramática, isto é, Gomes pretende um discurso mais
direto, sem repetições desnecessárias, ou simplesmente por que deseja terminar seu produto
dentro do curto prazo que lhe propuseram. A primeira hipótese tem apoio na percepção, por
parte de Gomes, do avanço da Giovane Scuola, com seus libretos curtos e diretos. Isto é um
fato curioso, pois Gomes claramente ainda concebe Condor nos molde de uma grand opéra
ou opera ballo, dois estilos diametralmente opostos ao verismo que se instalava. Mesmo
assim, consegue acomodar de forma orgânica seu forte compromisso com a grandiosidade
com a concisão do desenvolvimento dramático através de um discurso musical efetivo e
também contido.
A reordenação harmônica é entendida, neste contexto, como a reestruturação
de determinadas progressões de forma a obter maior qualidade de fluxo harmônico. Esse
aspecto, como será visto, está mais ligado à carpintaria musical do que aos anseios das
musas. De fato, são poucos os exemplos dessa ordem. Alguns deles representando
correções bastante oportunas para melhorar a fluência harmônica.
Por fim, a otimização do discurso musical e dramático envolve exemplos
interessantes e reveladores da capacidade criativa de Gomes, enquanto compositor, usando
sua arte para refinar seu trabalho. Aqui revela-se o Gomes negado pela Semana de Arte
Moderna e demais detratores. O compositor apresentava competência e criatividade para
identificar falhas em sua concepção do discurso do melodrama e conseguia rearquitetá-lo
de forma a obter um produto final de elevada concepção e refinada fatura. Aqui é o
momento em que vermos Gomes cancelando uma primeira proposta e optando por outra
melhor engendrada. Muitas vezes, serão três ou quatro tentativas até que a opção final se
revela como a mais acertada. Elementos de análise musical e dos princípios do melodrama
italiano da segunda metade do século XIX permitirão explicar esses acertos.
Por fim, para um adequado entendimento desse capítulo, propõe-se que o
rascunho autógrafo seja a vontade inicial do compositor e a partitura para canto e piano seja

215
sua vontade final. Isto pode ser aceito, uma vez que, mesmo para compositores bem mais
antigos, como Bellini, a partitura de canto e piano, publicada usualmente depois da estréia
da ópera, pode ser considerada como o documento mais final do pensamento do compositor
(BRAUMER, 1976). Para Gomes isto se aplica com maior precisão, uma vez que, como
visto no capítulo anterior, as diferentes fases do processo composicional não incluem a
produção da redução para canto e piano como fase do processo criativo, e sim como algo
terminal a um processo já decidido e acabado. Assim, tomando o rascunho autógrafo como
documento de análise linear, a cada cancelamento e proposta alternativa será visto seu
paralelo na edição para canto e piano e, entre esses dois marcos extremos, os fatos
intermediários no manuscrito autógrafo (MS) e na cópia Bernardi (CB). Nesse sentido, e
por uma questão de melhor organizar essa discussão, a análise dos exemplos será feita
mencionando a página da partitura de canto e piano na qual se encontra o segmento sob
exame, e não a do rascunho autógrafo. Razão para isto é a melhor organização gráfica
daquela partitura em comparação ao rascunho.

1 – Página 10

Na cena inicial do primeiro ato, na continuidade da serenata de Adin, a corda do

instrumento se rompe. Na versão do RA (Figura 121) nota-se um maior desenvolvimento
da parte de Adin, particularmente explorando a vocalidade do soprano ligeiro. De fato,
existem mais notas para Adin, maior intervenção da orquestra e, principalmente, Gomes
explora mais as escalas no registro agudo, o que leva ao acréscimo de dois compassos antes
que se retome a Serenata (Dei miti suoi profumi...). Ele re-escreve todo esse trecho,
alterando o registro de Adin, usando uma tessitura mais adequada a um soprano ligeiro. Em
comparação com a edição CP, esta modificação se enquadra na opção de condensação do
discurso (Figura 122).

216
Figura 121 – Rascunho autógrafo.

217
218
Figura 122 – Reconstrução da versão do RA para o segmento intermediário da Serenata de
Adin. Condor, primeiro ato.

2 – Página 15

Ao final da Serenata de Adin Gomes promove um cancelamento e propõe nova

versão para a continuação do discurso. A Figura 123 refere-se ao texto cancelado.
Com vistas a interromper o discurso em sol maior, no RA verifica-se a
introdução de um compasso em 4/4 com um acorde de dó sustenido diminuto, seguido de
um acorde de sol com sétima da dominante.

219
Figura 123 – Final da Serenata de Adin. Os c. 2 e 3 foram cancelados. Veja-se a Figura 124
para comparação.

Na versão final (Figura 124), esta mesma intervenção se reduz a dois

compassos com o VII grau abaixado apresentados em uníssono pela orquestra, o que é uma
cadência muito constante em Gomes, pois que a usa no Salvator Rosa e na Maria Tudor.
Ambas propostas se caracterizam como intervenções parentéticas, levando a uma abrupta
descontinuidade do discurso. Entretanto, na versão final a interrupção se faz
harmonicamente de maneira mais efetiva, o que é reforçado pela retirada da parte vocal de
Adin, permitido a plena percepção da interrupção, ainda que não ocorra uma redução no
número de compassos. Adicionalmente, e diferentemente do RA, a versão final desse
trecho opta por tétrades (V7 de IV) apresentadas em colcheias em stacatto e não
semicolcheias. Aqui, trata-se de um exemplo da otimização do discurso musical e
dramático.

220
Figura 124 – Versão final (CP) do mesmo trecho do exemplo anterior.

3- Página 17

A preocupação de Gomes às vezes é excessiva. No RA, acrescenta uma pauta

para propor uma nova versão para uma frase de Adin, cuja única diferença é um mordente
simples superior (Figura 125 RAa e RAb). Entretanto, a versão final da CP é totalmente
diferente, pois Gomes despreza o mordente e acrescenta notas para contemplar todo o texto,
terminando a frase, senza misura, antes da retomada do tema da Serenata de Adin no
compasso 3/8 (Figura 125 CP).
Curiosamente, o próprio manuscrito autógrafo, o segundo documento textual
em ordem cronológica para Condor, já apresenta a versão final da CP e percebe-se o

221
cancelamento da versão com o mordente, que já tinha sido entrada na pauta do manuscrito
autógrafo (Figura 126).

Figura 125 – A versão no pentagrama superior (RAa – reconstrução da pauta cancelada no

rascunho) foi descartada por Gomes, reescrita de forma diferente no mesmo
rascunho (RAb) que, finalmente, opta pela versão apresentada no terceiro
pentagrama, que é o que aparece na edição para canto e piano (CP).

Figura 126 – A versão final já se encontra no manuscrito autógrafo. Na pauta superior foi
entrada a versão proposta por Gomes no rascunho autógrafo.

222
 4 – Página 25

No coro das favoritas, há um momento de clímax quando o discurso dramático

é interrompido por novo evento – a invasão do recinto por Condor. Na versão final, o coro
das favoritas, em sol maior, é bruscamente interrompido por um acorde de sétima com nona
menor. Para este mesmo momento, no RA, Gomes escreveu quatro compassos adicionais
que, harmonicamente, representam uma transição mais suave para o acorde referido.
Razões para eliminar este trecho, que não está cancelado no RA, incluem o desejo de
condensação do discurso ou criar uma situação mais clara de interrupção do discurso
dramático via um discurso musical menos convencional. De fato, na versão inicial a
progressão harmônica compreende sol maior – mi menor – sol maior – mi b maior – dó
menor com sexta - mi b com sétima – ré maior – sol maior – mi maior com sétima – e mi
com sétima e nona menor. Já na versão final, encontramos a mesma progressão inicial, mas
a partir do ré maior Gomes omite a volta à tônica (sol maior) e os três acordes preparatórios
de mi maior com sétima, passando diretamente ao acorde de mi com sétima e nona menor
(Figura 127). A versão definitiva, além de mais condensada, empresta um caráter mais
abrupto na suspensão da progressão e se coaduna melhor com o discurso dramático, isto é,
com a condição de surpresa das favoritas pelo anúncio da invasão.
Na partitura autógrafa (MS) os quatro compassos foram orquestrados, mas se
encontram cancelados. Como era de se esperar, eles não estão presentes na cópia
profissional (CB), nem na partitura de canto e piano (CP).

223
Figura 127 – A proposta original apresenta quatro compassos a mais que a versão final.

224
 5 – Página 31

Comparando-se o RA com a CP, verifica-se pelo rascunho que Gomes pode ter
pensado em uma versão bem mais reduzida da intervenção de Odalea, Adin e Coro que
começa na pagina 31 da CP (Andante languido, si maior). Pelo rascunho, logo após a
introdução da frase de Odalea (4 compassos), esta é interrompida pela entrada da frase de
Condor, cantada como voce lontana. Pretensamente, se mantivesse essa idéia, não haveria
um trecho de música com 38 compassos que segue, o qual tem qualidade musical e dá
melhor proporção ao trecho. Na Figura 128 podemos ver uma cópia do trecho original no
RA, onde se percebem os quatro compassos de Odalea e a entrada do trecho de Condor o
qual, na versão final, vai ocorrer somente 38 compassos depois do cancelamento.
Na Figura 128 se pode ver o mesmo trecho na versão final na partitura para
canto e piano. Até a barra dupla em azul está o segmento também existente no rascunho
autógrafo, no qual Gomes já não escreve a parte do piano. Ao fim da frase de Odalea (ré-
dó), depreende-se, Condor inicia sua peroração em voce lontana. Na versão final, isto é
postergado por 38 compassos.

225
Figura 128 – Gomes interpola 36 compassos no inicio desse cancelamento.

226
Figura 128 – O mesmo trecho na versão integral na partitura de canto e piano.

6 –Página 42 e 43

Neste trecho, encontramos uma modificação significativa da vocalidade de

Odalea. A partir do RA (Figura 129), que apresenta uma tessitura muito grave, Gomes
recompõe o trecho para uma tessitura mais amena, ainda que no limite grave do soprano.

227
Estas partes não estão canceladas no RA e, de fato, se encontram no MS, mas já com
alguma modificação, principalmente no que diz respeito a um ajuste rítmico para o texto
final do trecho. Na versão final (Figura 130) verifica-se a introdução de canto em um
compasso anteriormente com pausa da solista e, também, um ajuste do desenho rítmico
para melhorar a prosódia da frase. Cabe salientar que a linha vocal acrescida (misterioso,
fiera...) não se encontra no libreto.

Figura 129 – Reconstituição do trecho a partir do RA.

228
 Figura 130 – A versão final na CP.

Adicionalmente, compare-se a solução do ajuste do desenho rítmico no final da

frase entre o RA, MS e CP (Figura 131). Todos apresentam diferentes propostas. A CB
segue, como usual, a CP, mas apresenta um semínima como última nota da frase, à
semelhança do RA.

229
 RA

MS

CP

CB

Figura 131 – Comparação do tratamento da frase final conforme se verifica no RA, no MS,
na CB e na CP.

230
 Note-se que a versão da CB é idêntica à CP, mas não ao MS. Assim, pergunta-
se quando esta modificação foi feita, pois que ela não chegou às mãos dos copistas pelo
manuscrito revisado. Trata-se de um caso semelhante ao “rifacimento” referido no
capítulo anterior, apenas que, neste caso, não há uma folha indicando esta modificação.

7 – Página 44
Odaléa vacila ao permitir a entrada de Condor. No RA existem três compassos
adicionais interpolados entre o c1. e c.2 do primeiro sistema da página 44. O texto diz “Di
Samarcanda la regina io son”. Novamente, a razão do cancelamento desses três compassos
seria o desejo de reduzir a extensão da ópera, pois do ponto de vista do discurso dramático
o uso desse texto nada acresce à situação de dualidade expressa no início do recitativo.
Esses compassos não se encontram no MS e, como usual, nem na CB e CP. O texto se
mantém idêntico nas três fontes finais e apenas o libreto apresenta uma divergência ao
propor a frase Saria terror? ... ah no! no lugar de No, non è terror que se encontra em todas
as demais fontes textuais (Figuras 132 e 133).

Figura 132 - Proposta original no RA, posteriormente não incluída no MS e nos demais
textos.

231
Figura 133 – O trecho em questão, no rascunho autógrafo.

232
 8 – Página 45

Dentro do mesmo princípio de condensação, na página 45 identifica-se o

cancelamento de um compasso de Condor com rearranjo da linha vocal (Figura 134):

Figura 134 – A forma original (RA) e a versão definitiva (CP) com a omissão de um
compasso e rearranjo da linha vocal. Note-se a inconsistência no
compasso 3 no RA e o equivoco gráfico no mesmo compasso na CP.

Figura 135 – No MS, Gomes mantém a consistência da fórmula de compasso.

233
 No MS (Figura 135, c.2) não se identifica o nota mi em semibreve que pode ser
vista no RA. Acredita-se,então, que Gomes não teria transcrito a sua idéia original e feito a
alteração para duas semínimas ligadas diretamente ao preparar o manuscrito autógrafo.
Convém salientar que nas duas versões há equívoco de figuras. Assim, o terceiro
compasso no RA (Figura 134 e 135) apresenta as quatro primeiras notas como
semicolcheias e na CP as notas finais do mesmo compasso são duas colcheias e uma
semicolcheia, o que não preenche os requisitos do compasso. Curiosamente, no MS não há
problema de consistência. Desta forma, o que ocorre na CP é um erro de incisão.

Figura 135 – Recorte do rascunho autógrafo para o trecho em discussão. Notar a

inconsistência da composição métrica do compasso.

234
9 - Páginas 45e 46

Ao contrário da condensação do exemplo anterior, mais adiante a vocalidade

ampla tem primazia e Gomes expande uma das frases de Condor (Figura 136). A versão
reduzida está no RA, mas nele mesmo Gomes cancela a semínima no mesmo compasso e
expande a frase. Isto já aparece corrigido também no MS (Figura 137 e 138).

Figura 136 – Prolongamento do final da frase.

Figura 137 – Manuscrito autógrafo. Por estarem em páginas consecutivas, realizou-se

uma montagem, daí a ligadura sobre a nota sol não ter continuidade gráfica.

235
 Neste caso Gomes deseja aumentar a ênfase na resposta de Condor. Odalea lhe
pergunta o que o tinha inspirado para tanta insana audácia em invadir o recinto sagrado. Ele
diz que foi uma fantasia, um capricho louco. De fato, na versão inicial o uso de apenas uma
mínima não seria suficiente para expressar a paixão embutida nessa fantasia, nesta follia. A
modificação da figura, agora com uma mínima pontuada ligada a outra mínima, estende a
duração e permite um incremento de tensão para que o sentido desse capricho, dessa
fantasia, possa ser melhor expressado musicalmente. Pode, assim, o intérprete, buscar
nuances vocais e gestuais ao longo da duração da nota que permitam construir um discurso
mais plausível ao momento dramático.

236
Figura 138 – No alto, a versão completa para o trecho em discussão no RA. Em baixo, um
detalhe do compasso onde se pode ver a sílaba “a”, complementar à palavra
“folia” ainda no mesmo compasso. Na cópia original é possível identificar a
nota sol em oitava ao final desse mesmo compasso.

Um caso semelhante é relatado por Petrobelli (1994) ao estudar o processo

compositivo de G. Verdi, tomando os rascunhos do Rigoletto como fonte (Figura 139). Ao
longo de três versões, Verdi vai progressivamente aumentando a duração de uma nota de
apoio em uma frase de Rigoletto, de forma a tornar o discurso mais enfático.

Figura 139 – Três versões progressivamente aperfeiçoadas da frase de Rigolleto.

237
10 - Página 46

Como visto anteriormente para Odalea, também para Condor o compositor

modifica a tessitura para manter a vocalidade dentro de um registro mais cômodo ao tenor
além de, provavelmente, pretender aumentar a tensão do discurso dramático. Como se vê na
Figura 140, no RA o final da frase é na oitava inferior, o que diminui a tensão e, mesmo, a
compreensão do texto. Ao contrário, na versão definitiva (CP) o compositor prefere um
intervalo ascendente que permite um incremento de tensão além de manter a vocalidade
dentro do mesmo registro em que toda a intervenção de Condor se desenrola. Além dessa
melhora da tessitura, o aspecto dramático do uso de intervalos deve ser considerado como
razão para a modificação de Gomes.

Figura 140 – Uma pequena modificação na conclusão da frase causa uma melhora no
discurso dramático.

Para o momento dramático, em que Condor reconhece sua culpa e está pronto a
aceitar a punição, o fecho de frase em oitava não seria o mais adequado, pois se perde a
tensão. Há que considerar-se que o intervalo de oitava, entendido em final de frase, tem um
caráter de afirmação. Entretanto, por ser descendente, pode assumir uma expressão de
fraqueza e abatimento moral, como refere Rougnon (1925). Por outro lado, o uso do
intervalo de terça maior, ascendente, nesse caso específico, pela inflexão superior e nessa
tessitura, há uma reafirmação da virilidade romântica de Condor ao expor-se docemente à

238
morte por uma paixão insana. Esse aspecto provavelmente se perderia se Gomes
mantivesse o término da frase com uma oitava descendente.

11 - Página 47

Na página 47 uma modificação significativa segue com a resposta de Odalea à

essa intervenção. Há um trecho inédito de música que acompanha a linha de Odalea e se
prolonga por mais dois compassos antes de retornar ao que hoje encontramos na versão
para canto e piano. Como dito, a linha vocal de Odalea se apresenta bastante modificada.
No MS verifica-se que Gomes chegou a transferir a linha vocal do RA, mas raspou-a para
acrescentar o que hoje se encontra na CB e CP (Figura 141). Outro aspecto relevante nesta
correção é que a parte orquestral não apresenta rasuras e apenas uma barra de compasso vê-
se que foi removida. Este é exatamente aquele compasso em que há a resolução para ré
menor antes da mudança de armadura para lá maior e que dá início a ária Era del Gran
Perdono il Sacro Di. Isto pode ser um argumento para corroborar a hipótese de que Gomes
escrevia a linha vocal sobre o papel com 28 pautas para depois executar a orquestração.

239
Figura 141 – No MS a frase melódica do RA foi raspada e substituída pelo que se encontra
na CB e CP. Uma barra de compasso foi eliminada (seta).

Figura 142 – Reconstituição do rascunho autógrafo.

240
 A nova proposta de Gomes tem sentido harmônico, pois a progressão que se
encontra no RA (Figura 142) apresenta dificuldades a partir do acorde de lá maior. A
progressão até ré menor na cadência final para uma posterior apresentação da ária na
tonalidade de lá maior não apresenta nexo para o discurso musical. Assim, a nova versão de
Gomes é bastante convencional (Figura 143), porém com melhor fluxo ao propor uma
cadência final I 6 – V4/3 – I, inclusive com a introdução de uma sexta napolitana (bII6) para
melhor preparar a cadência final para lá maior.

Figura 143 - Versão definitiva encontrada no MS, CB e CP.

241
 Como referido, o texto desse segmento também apresenta pequenas diferenças
entre as fontes e somente encontra igualdade entre o MS e a CB, conforme pode ser visto
na Figura 144.

Fonte Texto
RA e dove e quando m’hai veduta ancor?
CP e dove e quando t’ebbi ad apparir?
CB e dove e quando m’hai riveduta allor?
MS e dove e quando m’hai riveduta allor?
Libreto e dove e quando m’hai veduta tu?

Figura 144 - Diferentes apresentações do texto de Odalea entre as fontes documentais.

12 – Página 51-52

Na cena terceira do primeiro ato, no trecho que antecede a conhecida frase

Era il sorriso d’Eva , Gomes propunha outro encadeamento entre as frases, como
modulação para ré bemol maior. Modifica-se também o texto e a própria linha de Condor, o
que é de interesse aqui analisar. De fato, no rascunho autógrafo percebe-se que há frases e
textos que não estão na CP, nem na Bernardi e, no MS, se encontram raspados, o que
localiza cronologicamente esta alteração. Uma reconstrução desse trecho pode ser vista na
Figura 145 e comparada com a versão final (Figura 146).
Para a versão final ocorre, inicialmente, uma condensação e antecipação do
texto. O texto Bela tu domini le turbe estasiate que no RA era desenvolvido sobre uma re-
exposição do tema principal, passa a ser utilizado em uma nova cadência para o término da
frase anterior e a re-exposição assume, isoladamente, ponte de ligação para o segmento
central desse monólogo, qual seja, Era il sorriso d’Eva. Mais que isto, na nova proposta de

242
Gomes, a cadência desacompanhada, apresenta vantagens para a exposição vocal de
Condor, assim como elimina o fecho de frase em oitava. Note-se que ele usa este tipo
desconfortável de fecho duas vezes nesse trecho do rascunho autógrafo.
Nesse exemplo, verifica-se uma cuidadosa vontade de Gomes em melhorar a
qualidade do discurso musical. Ao mesmo tempo que a versão definitiva elimina os dois
fechos de frase em oitava e a cadência vocal desacompanhada permite melhor
entendimento do texto e expansão vocal do intérprete. Com isto, incrementa-se o equilíbrio
formal e efeito dramático obtido com a reexposição do tema, pois que ele, agora, se
apresenta desacompanhado do solista, o que permite uma melhor atenção do ouvinte a esta
reintrodução. Trata-se, então, do princípio composicional, particularmente em ópera, de
permitir um adequado equilíbrio entre as intervenções vocais e instrumentais.

Figura 145 – Reconstrução a partir do rascunho autógrafo.

243
 Figura 146 – versão final do trecho (CB e CP).

Como referido anteriormente, a maioria dos casos aqui reconstruídos se

encontram cancelados pela mão de Gomes e a reconstrução é feita através dos riscos de
cancelamento. Neste caso em particular, o compasso referido como de “reexposição” na
Figura 145, apresentava-se tão fortemente riscado que foi impossível reconstruir a sua parte
final, no que tange a linha vocal de Condor. A versão original do rascunho autógrafo pode
ser vista na figura 147.

244
Figura 147 – Rascunho autógrafo. Trecho em discussão. Comparar com a transcrição feita
na figura 145.

245
 13 – Página 55-56

Nessas páginas se encontra um dos pontos climáticos relevantes da ópera e

cruciais para o entendimento do primeiro ato. No diálogo entre Odalea e Condor, este aceita
a morte pelo ultraje de sua invasão ao recinto sagrado, desde que seja pelas mãos da própria
rainha e não das de seus guardas. Aqui Odalea vacila ao tentar matar Condor, revelando os
prenúncios da paixão que levará ao final trágico da ópera. Gomes propõe três possibilidades
no RA, inclusive, o que é curioso, a versão definitiva que se encontra no MS, CB e CP.
A análise das três opções permite dizer que a decisão de Gomes pela versão
final se deu por claro desejo de otimizar o discurso dramático e musical. De fato, as duas
versões preliminares apresentam graduais melhoras de progressão harmônica e,
principalmente, de construção da frase melódica que resultam em uma versão final
primorosa. Nesse sentido, nas versões preliminares se destacam como elementos negativos
(i) o intervalo inicial de nona menor de difícil entonação; (ii) a falta de inflexão melódica
na frase climática (Sole in braccio tuo ...) pelo uso constante de uma mesma nota e (iii) a
progressão harmônica pouco efetiva ao final da frase. De interesse nessas versões, aparece
apenas uma progressão por graus conjuntos feita em primeira inversão sobre a escala de Lá
menor natural que, com a apresentação interrompida logo no início, empresta um caráter de
hesitação seguida de uma decisão pelo forte movimento criado por esta progressão. O
caráter de hesitação fica mais claro na primeira versão, na qual Gomes repete os dois graus
introdutórios da progressão, ao contrário da segunda versão em que isto ocorre apenas uma
vez.
Por outro lado, a análise da versão definitiva (CP) é onde se revela a
capacidade de Gomes em aperfeiçoar seu trabalho. Nela estão ausentes todos os aspectos
negativos anteriormente descritos e, mais que isto, o compositor utiliza recursos que
transformam radicalmente sua idéia no sentido de otimizar o discurso dramático em relação
ao discurso musical. De início, o uso de dois intervalos relativamente estreitos, um de
quarta justa ascendente e um de quinta descendente, o primeiro na tonalidade de Si maior e
já o segundo em mi menor, caracterizam muito bem a frase interrogativa (La morte?) e a

246
frase decidida (e sia!), bem diferente do desconfortável intervalo de nona menor das
versões iniciais. Na seqüência, invertem-se os intervalos, o primeiro é de quinta
descendente e o segundo de quarta descendente, mas com contorno melódico ascendente.
Antes da frase final, climática do trecho, Gomes prepara este clímax com uma intervenção
da orquestra em acordes sucessivos de ré menor em primeira inversão, com entrada
sincopada. O efeito de crescente tensão, completada por esta preparação orquestral colorida
pela instabilidade própria da primeira inversão e a entrada não tética, culmina com um
escala em lá maior que aumenta incrivelmente a tensão exatamente quando o discurso
dramático assim o exige, pois é quando Condor diz que o braço real é que deve golpeá-lo
de morte. Um diagrama melódico22 das três versões pode ser visto na Figura 148,
permitindo verificar a capacidade de Gomes de corrigir este segmento, emprestando-lhe
uma proporcionalidade ideal para um perfeito ajuste do discurso musical e dramático. As
partituras das três versões podem ser vistas nas Figuras 149, 150 e 151.

Figura 148 – Contorno melódico das três opções do trecho de Condor. Na linha azul
verifica-se a versão definitiva, a qual progride proporcionadamente para o
clímax final da frase, ao contrário das demais, em que a tessitura aguda está
logo no começo da frase e utiliza patamares mais prolongados.
22
O diagrama melódico foi obtido tomando-se uma escala numérica de 1 à 18 correspondendo à escala
cromática entre Mi3 e Lá4 que corresponde ao eixo das abcissas e lançando no eixo das ordenadas a
seqüência numérica correspondente à seqüência melódica da frase de Condor nas três opções (RAa, RAb e
CP).

247
Exemplo 149 – A primeira versão proposta (RAa). Note-se o difícil intervalo de nona
menor com o qual se inicia o segmento.

248
Exemplo 150 – A segunda versão não aproveitada por Gomes (RAb). Os quatro primeiros
compassos do segmento são idênticos à versão primitiva (RAa).

249
Exemplo 151 – a versão final do trecho de Condor, a mais equilibrada do ponto de vista da
relação entre o discurso dramático e musical. Note-se a preparação da
orquestra, em ré menor, para a fase climática.

250
 14 – Página 58

No início do dueto Da gli ochi suoi fatali, em ré menor, a primeira versão (RA),
propunha a frase de Odalea começando com apogiatura sobre a tônica e com modificação
no texto (profondi, em vez de profani).

Gomes corrige e começa na dominante, permitindo uma frase em registro mais

expressivo e cômodo para o soprano.

Ainda neste trecho, Gomes elimina quatro compassos antes de entrar na secção
cantabile do dueto. A restauração do trecho (Figura 152), a partir do RA (Figura 153), está
prejudicada pela impossibilidade de recompor as notas entradas no compasso de transição
entre o que está no rascunho autógrafo e o que se vê hoje na CP. Ademais, a reconstituição
do texto é impraticável pela quantidade de rasuras promovidas por Gomes para esconder a
parte cancelada. Entretanto, percebe-se nitidamente que é um texto novo, que não está no
libreto nem em nenhuma das outras fontes. Talvez tenha sido um acréscimo proposto por
Gomes para criar melhor equilíbrio formal, pois o segmento em discussão, na sua versão
final, apresenta apenas quatro compassos antes de entrar na nova secção (cantabile). Com
este acréscimo, ficaria com duas frases de quatro compassos. De fato, o início da primeira
frase é anacrúsico e ascendente, como ocorre com o primeiro compasso da frase cancelada.

251
Figura 152 – No pentagrama vocal superior, a versão do RA e no inferior a versão CP, para
comparação. Os quatro compassos intermediários eliminados, aqui foram
reconstruídos.

252
Figura 153 – A frase vocal do trecho de transição é ilegível. Condor, rascunho autógrafo do
primeiro ato.

253
 15 – Página 59

No 2º e 3º sistemas dessa página encontramos uma diferença marcante em

termos de tratamento harmônico de uma mesma frase. Na primeira versão (RA) Gomes faz
uso de uma interessante progressão por meio de relação cromática de mediante (c.4 da
Figura 154) ao introduzir repentinamente um acorde de dó# maior em segunda inversão
que, conforme os requisitos da relação cromática de mediante, está situado uma terça maior
acima da tônica (lá maior, no caso deste segmento) (KOTSKA, 1990). De fato, este
encadeamento, ainda que aceitável, não ocorre de forma suave.

Figura 154 – A progressão que se encontra no RA apresenta um inusitado acorde de relação

cromática de mediante no compasso 4 do exemplo acima, resolvendo depois
em uma cadência perfeita.

Talvez por isto, o compositor opte por uma solução harmônica mais
convencional, mas não menos interessante, ao utilizar uma cadência de dominante
estendida (Figura 155). Por outro lado, com a progressão entre o acorde de si maior na

254
segunda inversão (compasso 2, Exemplo 155) e ré menor no compasso seguinte (A.E.M da
escala de lá menor – IVm), obtêm-se uma forte condição de melancolia muito pertinente à
situação anímica de Odalea que começa a dar os primeiros sinais de fraqueza diante do
aventureiro audaz.

Exemplo 155 – Na versão definitiva (CP), o uso de um acorde de empréstimo modal (IVm)
da escala de lá menor e a volta ao acorde de si maior no compasso 4,
permite um cadência perfeita mais suave ao final da frase.

16 - Página 60 -64

Dentre os exemplos estudados até agora, o próximo é o que apresenta maiores

diferenças entre o RA e a CP. Por esta razão, e por ser o último segmento modificado no
primeiro ato, merece um estudo mais detalhado.
Gomes escreve um diálogo ao longo de 48 compassos que não se encontra na
CP. Uma restauração desse trecho pode ser vista ao final desta seção.
Em relação a este diálogo, no documento imediato em cronologia, isto é, o MS,
encontramos duas pautas com a vocalidade de Condor e Odalea retirada do rascunho

255
autógrafo, mas, como se esperava, estão canceladas. As frases dos solistas, iguais à CP,
estão em duas pautas adicionais mais acima (Figura 156).

Figura 156 – No manuscrito autógrafo se encontra a pauta com o texto do

rascunho autógrafo, mas cancelado.

256
 Este fato vem corroborar a idéia de que Gomes, ou algum auxiliar, transpunha a
parte vocal para o papel com 28 pautas e, posteriormente, o compositor tratava da
orquestração. Antes de entrar na discussão do trecho eliminado, convém comentar que, para
este caso, a música da versão final é totalmente diferente do RA, ainda que use material
apresentados anteriormente. Ora, como na leitura do MS não parece haver vacilações nem
correções por parte de Gomes, ficam duas hipóteses. Primeiramente, de que haveria um
outro documento textual, rascunho autógrafo, para este trecho, o que é desconhecido.
Secundariamente, Gomes teria a capacidade de elaborar toda essa nova música diretamente
sobre o MS com auxílio, talvez de seu piano.
Em comparação com a versão final (CP), e em termos gerais, este trecho reve-
la, dramaticamente, o mesmo conteúdo das discussões entre Odalea e Condor. Os textos são
ligeiramente diferentes. Para a versão definitiva temos:

257
 Na versão do rascunho autógrafo há uma curta cena inicial antes do arioso de
Condor:

Em termos dramáticos, nada se altera, pois continua em qualquer das versões, a

ocorrer a transformação de Odalea. Inicia-se um processo de humanização quando Odalea
vacila sobre proferir a condenação fatal ao invasor. Na versão definitiva, há apenas uma
frase adicional que deixa mais clara esta mudança anímica: O ciel , m’inspira!
A música, entretanto, apresenta diferenças importantes. Se o trecho do RA tem
48 compassos, a versão final se realiza em 50. Assim, a mudança não se deve a desejo de
concisão, como ocorreu em exemplos anteriores.

258
 A versão do RA se divide em três secções:

Cena 1
Arioso A e B
Cena 2

A cena 1 apresenta o texto inicial que não está transposto para a versão definitiva. A
armadura tonal é de ré maior, mas o trecho se ambienta em ré menor e termina em um
acorde de ré diminuto. Entretanto, ele resolve em um acorde de ré maior, que dá início ao
segundo segmento – o arioso. Esse está divido em duas partes. A primeira apresenta uma
organização harmonicamente difícil e os intervalos de segunda menor na voz de Condor
não parecem resultar fáceis de entonar ou mesmo atrativo do ponto de vista melódico. Por
fim, há uma cadência final que conduz à tonalidade da dominante (lá maior), com mudança
de armadura, quando se inicia a segunda parte do arioso, na voz de Odalea. Ao final, os
dois se unem em uma curta frase de conclusão. Uma pequena ponte em mi maior conduz ao
terceiro segmento, a cena 2, em 6/8 na tonalidade de fá maior, cujos últimos dois
compassos já são idênticos ao da versão final. Na Figura 157, a página inicial do dueto
conforme se encontra no rascunho autógrafo.

259
Figura 157 – página inicial do dueto no RA, demonstrando a cena 1, cancelada por Gomes.

260
A versão da CP se divide em duas seções:

Arioso
Cena

O arioso tem equilíbrio próprio com uma primeira frase de 4 + 4 = 8 compassos em

ré maior. Uma segunda frase tem 3 + 3 = 6 compassos, na tonalidade de relação cromática
de mediante, si bemol maior:

Segue-se a intervenção de Odalea com uma frase de 4 + 4 = 8 compassos, seguindo

uma frase de preparação climática de 4 compassos, e a frase cadencial de 3 + 3 + 3 = 9
compassos:

261
 A cena, com a mesma finalidade dramática da versão inicial (RA), desenrola-se em
forma de frases livres entre Odalea e Condor.
Convém notar que, tanto no RA como na CP, entre o arioso e a cena final, Gomes
introduz o tema de Odalea apaixonada:

Entretanto, na versão inicial, as palavras de Odalea Regina offesa, feral

condana são cantadas sobre este tema, o que, em uma primeira hipótese, não resulta
adequado, uma vez que, neste momento, Odalea se transforma, ou retoma, melhor dito, sua
postura de rainha e, formalmente declara sua frase. Já na versão final, Gomes deixa que este
tema surja entre o final do arioso e o inicio da cena, mas de forma isolada, como se
comentando os fatos recentes de vacilação da rainha, criando um tempo dramático para que
ela tente se recompor como tal e dê seguimento a seu papel de gestora da lei. Assim,
quando ela inicia seu discurso formal, o tema já se esgotou e a música retoma o contexto de

262
seriedade e formalismo que o momento impõe. Esse discurso musical se caracteriza por um
ritmo harmônico muito rápido e uma textura homofônica da orquestra através da
sustentação pontual do discurso dos solistas com intervenções cordais curtíssimas, em
valores de colcheia. Ademais, como elemento novo nessa cena, Gomes introduz, pela
primeira vez na partitura, um desenho rítmico que vai, progressivamente, se impor,
particularmente ao longo do segundo ato:

Trata-se, mais do que um motivo, pois ele nunca se desenvolve, de um

fragmento rítmico bem estruturado e consistente que sofre transformações ao longo da
ópera, particularmente no que tange à variação de intervalo. De qualquer forma, este
fragmento rítmico causa uma interrupção no discurso musical, permitindo uma renovação
melódica e/ou harmônica no trecho a seguir. Parece um estratagema de Gomes para
reiniciar novos pensamentos musicais sem passar pelos formalismos da proporção e da
lógica do período musical. Esses fragmentos estruturados vão funcionar como uma espécie
de reset auditivo para que a renovação ocorra. Assim como ocorre com a modulação direta,
esses fragmentos permitem uma ligação imediata e rápida com o próximo segmento
musical. Adicionalmente, Gomes sempre utiliza trilos glissando ou apogiaturas amplas para
permitir ao ouvinte assimilar a nova tonalidade e esquecer o plano harmônico anterior de
forma imediata. Em resumo, esses fragmentos são usados por Gomes como ponte de
ligação entre uma seção e outra, sem que utilize processos modulatórios mais extensos. Na
Figura 158 se exemplificam vários desses fragmentos ao longo de toda a obra, o que
permite asseverar a constância de Gomes em manter esses fragmentos dentro do marco
composicional referido anteriormente.

263
Figura 158 – Fragmentos rítmicos ao longo de Condor.

264
 Como referido, na seqüência pode-se analisar uma transcrição integral do trecho em
discussão:

265
266
267
268
 5.2.3 Comentários finais

Acredita-se que os exemplos discutidos sejam suficientes para compor um quadro

do procedimento composicional de Gomes para o Condor. As análises se restringem ao
primeiro ato por duas razões. Inicialmente, o rascunho autógrafo, fundamental para este
estudo, não apresenta extensa parte do segundo ato e, do terceiro, apenas resta o material do
quarteto em diante. Secundariamente, a análise do material disponível para esses atos não
revela cancelamentos ou alterações que se situem em grupos diferentes dos aqui propostos
para o primeiro ato.
Tudo indica que Gomes seguiu a prática composicional do metier operístico da
segunda metade do século XIX, isto é, tendo-se o libreto, ou parte dele, elaborava-se um
rascunho para canto e piano. Posteriormente, procedia-se à orquestração após a devida
colocação em papel pentagramado das partes de canto. As revisões eram comuns e Gomes
não foge disto. Verificou-se que Gomes eliminou uma quantidade apreciável de música até
a versão final, aí incluídos os dois duetos que não foram orquestrados. Pela análise dos
segmentos anteriormente descritos e analisados, propõe-se que as razões para estas
remoções incluem a condensação do discurso musical por necessidade de diminuir a
extensão da ópera, talvez pressionado pelo pouco tempo disponível para entregar a
encomenda. Não se pode descartar a hipótese de que essas remoções se fizessem, também,
por uma questão de manter uma coerência estética do discurso musical, uma vez que se
detecta que a música desses duetos aparentemente não parece estar dentro do perfil estético
da música remansecente; em algumas poucas situações o desejo de reordenar, ou corrigir,
progressões harmônicas e, com maior freqüência, a vontade de aperfeiçoar os discursos
dramático e musical envolvendo alterações harmônicas, rítmicas e melódicas que
resultaram em melhora significativa do segmento em questão.
Nesse sentido, o último exemplo, não apenas por sua extensão, é paradigmático
dessa preocupação e habilidade de Gomes. A comparação entre as duas versões demonstra
claramente um avanço de qualidade para a versão definitiva, particularmente ao empregar

269
um discurso melódico mais fluido e equilibrado em suas proporções, co fluxo harmônico e
preocupado em estabelecer um nexo entre o discurso dramático e musical. Neste último
caso, o emprego do tema de Odalea apaixonada de forma isolada e a postergação das frases
da heroína são primorosos em exemplificar esta preocupação, assim com da habilidade
artesanal de Gomes.
Desta forma, identifica-se em Antônio Carlos Gomes um artesão atento e cuidadoso
com o acabamento de sua fatura, cioso da qualidade de seu produto e, paralelamente,
revela-se um compositor de inequívoca competência técnica em seu métier.

270
271
 5.3 Exotismo e orientalismo em Condor

5.3.1 INTRODUÇÃO

Considerando-se o contrato de risco que era uma carreira de compositor de

óperas na Milão da segunda metade do século XIX pode-se dizer que Carlos Gomes teve
sucesso. Uma das razões foi sua adesão à estética da grand opéra. Como visto no terceiro
capítulo, havia um desejo de renovar a arte lírica e isto se dá pela aceitação dos modelos
ultramontanos, principalmente da música lírica francesa. Os modelos de Meyerbeer já se
impunham e eram apreciados. Gomes e seus contemporâneos de sucesso identificaram
nesta adesão a possibilidade de atender ao gosto vigente – e estavam corretos nessa
interpretação do momento. Entre os elementos da grand opéra está o apelo ao exótico.
Gomes não se furta a atender a esta moda e Condor (1891) surge como uma oportunidade
ímpar nesse sentido. De fato, o exótico em música, mais especificamente, em ópera, era um
dos modismos da época. Dentre eles, o orientalismo é vertente amplamente cultuada pelos
compositores desde o século XVII se estendendo até as primeiras décadas do século XX.
Dentro deste contexto, o presente estudo pretende investigar, nas obras italianas
de Carlos Gomes, e particularmente em Condor, as incursões do compositor nessas áreas.

5.3.2 EXOTISMO E ORIENTALISMO

Exotismo em música pode ser visto como todo o estilo composicional voltado a
evocar a cor e atmosfera de outras terras, através de ritmos, melodias ou instrumentos
mimetizadores dessas culturas. Dentro deste marco, o orientalismo é uma forma de
exotismo, entre elas talvez a mais bem sucedida, apreciada e, portanto, a forma mais
empregada em ópera.
De fato, o oriente sempre foi assunto de interesse da sociedade européia.
Assim, literatura, artes plásticas e música tornaram-se veículos para diferentes apropriações

273
da cultura oriental. Neste sentido a tipologia da música turca e húngara é consagrada e
amplamente exemplificada em obras de admirável qualidade, desde os Rondó alla ungarese
de Haydn, as turquerias de Mozart no Rapto no Serralho, ao alla marcia da Nona Sinfonia
de Beethoven, ao oriente cômico de Rossini e ao orientalismo de Félicien David (Le
Désert). Este úlitmo é um ponto de partida importante, pois que deu vazão ao tema nas
mãos de Meyerbeer (L’Africaine), Bizet (Les Pécheur de Perles), Delibe (Lakmé) (Figura
159), Verdi (Aida), Massenet (Le Roi de Lahore) (Figura 160), Gomes (Condor) e Puccini
(Turandot). Se o exótico e o oriental no século XVIII eram mais adequados à ópera cômica,
preservando a séria, no século seguinte eles se tornam quase uma moda, principalmente
depois do sucesso da ode sinfônica de David, Le Désert (GIRARDI, 1995).

Figura 159 – Frontispício da partitura de Lakmé.

274
 Porém, deve-se ter muita cautela nessa abordagem, pois, em verdade, o
“oriente” em música, entre os séculos XVIII e XIX, poderia ter um significado limitado e
superposto geograficamente. Norte da África, Oriente Médio, Ásia menor e Extremo
oriente se confundiam em algo distante, desconhecido e diferente do núcleo social e
cultural europeu. Assim, uma confrontação de uma análise etnomusicológica competente
das características musicais desses países face aos eventos musicais icônicos do oriente
utilizados no período em questão traria resultados chocantes. De qualquer forma, para os
compositores de ópera do século XIX, a estética da cor local é relevante (CARVALHO,
2006). Adicionalmente, essa necessidade de representar o exótico e, particularmente, o
oriente em música tem muito a ver com o processo de colonização, intensificado nesse
século, e com o desenvolvimento dos meios de transporte de longa distância, que
transformou as viagens aos países ditos distantes em um evento menos aventureiro e menos
impensável para o cidadão médio.

Figura 160 – Frontispício da partitura de Le Roi de Lahore, Massenet.

275
 Conforme Locke (1991), a trama paradigmática para as óperas orientalistas
poderia ser sumarizada em um conjunto que inclui um tenor-herói, branco-europeu, jovem,
tolerante, bravo, ligeiramente ingênuo, que, arriscando sua lealdade a seu próprio povo e à
ética colonialista, invade o território misterioso, colonizado, de pele escura representado
por cativantes dançarinas profundamente carinhosas, soprano sensível, incorrendo na ira do
chefe da tribo (baixo ou barítono) e do obediente coro masculino de selvagens.

O compositor pode tentar imitar ou invocar a música da região que se pretende

emular. Por certo, em se tratando de música oriental, as limitações do sistema ocidental de
notação são muito evidentes para que esta imitação se faça em um elevado grau de
precisão. Entretanto, com seu Le Désert (1844), Félicien David introduziu algumas
melodias coletadas por ele no Egito. Este evento foi marcante para a credibilidade da
proposta de Le Désert (Figura 161) e se reveste de um certo aspecto etnomusicológico.
Certamente, David adapta as melodias à notação e ao sistema tonal ocidental. Mesmo
assim, a ode sinfônica causou um grande impacto no mundo musical francês, apreciada por
compositores importantes como Berlioz e por uma maciça platéia que se renovava a cada
apresentação.

276
 Figura 161 – No pentagrama superior, primeiros compassos de Le Désert. No inferior,
o Canto do Muezin.

O fato é que Le Désert é o ponto de partida para uma renovação do

entendimento musical do orientalismo, ou melhor de nova maneira de representar o oriente
baseado em uma fonte musical mais concreta. Não que a contribuição de David seja
precursora nessa área, pois já no século anterior lançavam-se olhares analíticos para a
música do oriente. Entretanto, a influência de David foi marcante e extendeu-se por várias
décadas, impregnando de Meyerbeer até G. Verdi, passando por Reyer e Bizet, entre outros.
Assim como o artista plástico necessita de uma paleta variada para criar o
oriente em sua tela, o compositor necessita certos eventos ou, expedientes musicais que
representem esse oriente.
Aparentemente, um evento que muito caracteriza este orientalismo é a presença
de um segundo grau aumentado e, melhor ainda, do quarto grau também aumentado. Outros
processos de orientalismo em música podem incluir (SCOTT, 1998): escala de tons
inteiros; o modo eólio, dórico e frígio; segundas e quartas aumentadas (particularmente
com inflexões frígias e lídias); melismas vocais muito elaborados em torno da sílaba “ah”;
trilos e apogiaturas dissonantes; uso de recursos orquestrais como o corno inglês no registro

277
agudo; uso de tercinas em fórmula binária, a polirritmia e uso de movimento paralelo de
quartas, quintas e oitavas, particularmente nas madeiras.
Para Carvalho (2006) se pode considerar como elementos composicionais
orientalizantes a utilização, no início da obra, de uma nota sustentada continuadamente
sobre a qual o recitante diz um texto, expediente próprio de David em Le Désert (Figura
143); o uso de longos melismas; a presença constante de ornamentos; o uso de escalas de
inspiração oriental e do intervalo de segunda aumentada, que ele refere ser, para os ouvidos
ocidentais, a característica mais marcante das melodias orientais; a importância conferida
aos aspectos rítmicos e a sugestão de polirritmia; o primado da melodia e a tendência para a
homofonia; a repetição de motivos melódicos ligados a células rítmicas próprias.
Pelos registros de Derek Scott e Mário Vieira de Carvalho, verifica-se que a
paleta de orientalização em música é rica. Nada mais justo, pois o orientalismo requer uma
pintura musical, o que é factível na mesma medida em que um pintor pode trazer o
ambiente oriental para dentro da ilusão de sua tela. O que é listado por esses autores e o
conjunto das tintas orientais utilizadas, na estética vigente, bastavam para pintar, para
representar o exótico e o longínquo oriente.

5.3.3 EXOTISMO EM IL GURARANY e LO SCHIAVO

Carlos Gomes resolveu dois problemas ao mesmo tempo ao escolher o romance

de José de Alencar para sua primeira ópera milanesa. Contemplava tanto a pátria Brasil
utilizando para libreto um de seus romances paradigmáticos, como atendia ao gosto vigente
pelo exotismo. Se o Meyerbeer de L’Africaine nada tinha a ver com Vasco da Gama, pelo
menos Gomes era brasileiro e colocou em cenas os índios de sua pátria. Como bem afirma
Volpe (2002), não se pode negar a contribuição do Indianismo para o processo de
nacionalização da música Brasileira. E Il Guarany auxilia na fixação da identidade
nacional, tão perseguida pela ideologia oficial do segundo império. Entretanto, no campo
estritamente musical, Il Guarany revela pouco interesse de Gomes em introduzir temas
locais. Como bem observa Jean Andrews (2000), ele não tenta introduzir melodias ou

278
temas abrasileirados. Da mesma forma que em La Forza del Destino, Verdi não introduz
estereótipos musicais espanhóis, Gomes não pretende escrever música que esteja fora das
convenções européias. Mais do que isto, o índio fala italiano e tem uma fluência de
linguagem igual aos conquistadores portugueses, ao contrário do original de Alencar. Nesse
mesmo contexto, a linha vocal de Pery é para um tenor dramático e sua vocalidade não
deixa dúvidas quanto à postura heróica de seu personagem. Resta, então, o enredo e todos
seus elementos para caracterizar o exotismo de Il Guarany. E, para os códigos vigentes,
eles eram suficientes. A presença de um típico bon sauvage em cena, incluindo um
reconfortante batismo à igreja católica no último ato, garantia à burguesia milanesa um
espetáculo suficientemente exótico, mas sem exageros. Ele está nos cenários, nas penas,
cocares, na flecha salvadora, nos ritos e nas danças guerreiras. Curiosamente, é apenas nos
momentos em que Gomes tenta pintar a tribo do mal, os Aimorés, é que ele arrisca uma
tinta local mais efetiva. A primeira situação ocorre ao final do segundo ato quando D.
Antonio e sua corte são cercados pelos Aimorés. Surge um tema que, de agora em diante,
vai ficar associado aos Aimorés e que, posteriormente, Gomes utiliza para construir a
conhecida introdução da nova Sinfonia da ópera (NOQUEIRA, 2003) (Figura 162). Grande
parte desse trecho se encontra em dó menor e o motivo condutor se estabelece pela
alternância entre o VI e IV graus, com omissão da terça, criando um aspecto rude e sinistro,
talvez exatamente o que Gomes desejava. Logo na seqüência, o emprego das flautas em
figuração cromática descendente acrescenta veracidade à essa tinta local. Para completar,
na transição para a stretta concertata desse fim de ato ele introduz um repetido lá bemol
nos metais que, se entoado de forma áspera, também afirma esse ambiente exótico. Pelo
menos essa era a intenção de Gomes, pois na partitura refere como suono interno di
instrumenti selvaggi.

279
 Figura 162 - Motivo condutor dos Aimorés. Il Guarany, primeiro ato.

Este motivo condutor surge novamente na música do balé do terceiro ato, tanto
na Introduzione como na Gran marcia (Figura 163). No Bacanale (Figura 164), o uso
repetido de apogiaturas breves seguidas de sesquiálteras em uma base harmônica estática
também caracterizam o elemento exótico nessa música (VOLPE, 2002). Entretanto, essa
cor é passageira, fragmentada. Esses temas não são a base motívica de todo o balé. Eles
estão ali, parece, apenas para pintar o exótico e imediatamente são seguidos por grande
quantidade de música de boa qualidade, mas estritamente nos moldes do balé da grand
opéra francesa de Gounod ou Meyerbeer.

Figura 163 - A mesma relação tonal transformada em motivo condutor dos

Aimorés,volta a aparecer no Balé do terceiro ato.

280
 Figura 164 - No Bacanale, o uso repetido de apogiaturas e um movimento
harmônico muito lento permitem caracterizar o aspecto exótico em
música dessa secção.

Ainda que longe dos temas exóticos, mas por uma questão de completude,
devemos incursionar em Maria Tudor que, tratando-se de libreto baseado em autor
europeu, não era de se esperar um tratamento especial para a cor local. A Londres de Maria
Tudor está muito próxima dos italianos, assim como o francês Victor Hugo. Porém há um
nível intermediário de exotismo, dir-se-ia, um nível menor, pois que no Madrigal do
segundo ato (Corse Ciprigna) surge uma trupe de cantores de Avignon, isto é, de um outro
país, com vistas a distrair a Rainha. Entretanto, registre-se que a música do madrigal é de
corte italiano e o mesmo na segunda canção, pedida pela Rainha, que fala especificamente
da Provença (La Provenza è la terra dei canti).
Em Lo Schiavo, o sentido do exótico já não tem mais apelo. A própria
construção do libreto é uma oportuna mistura de várias idéias (GÓES, 1996), fortemente
calcado em um romance de Dumas que se desenrola na Rússia tzarista, transposto por
conveniências para o Rio de Janeiro do século XVI. Novamente, o exótico fica por conta
dos índios, vestes e cenários. Na música, toda a cor é européia da qual não escapa nem o
magnífico poemeto sinfônico dentro do último ato. Os pássaros descritos são brasileiros,
mas os sons, não necessariamente. Entretanto, não se pode negar o interesse direto de
Gomes em, pelo menos nesse momento, buscar uma cor local brasileira, ainda que isto
pareça estar mais ligada ao paisagismo musical (VOLPE, 2004).

281
 5.3.4 ORIENTALISMO EM CONDOR

O exotismo/orientalismo em Condor é tão ou mais tímido que o exotismo em Il

Guarany. Novamente, esse fica por conta do enredo oriental, no qual o paradigma proposto
por Locke (1991) se aplica integralmente, com a ressalva de que o tenor-herói não é
branco-europeu, mas um “pele escura” também. Entretanto, em termos musicais, Gomes é
muito mais arrojado e cuidadoso ao tentar a cor local. Já no prelúdio da ópera utiliza por
duas vezes uma escala de tons inteiros (Figura 147), mas que não chega a explorar
extensivamente como material composicional – parece que a introduz apenas para cumprir
com uma necessidade étnica.
Se o primeiro ato pouco preocupou Gomes quanto ao orientalismo, no segundo
ele começa a se fazer mais presente, mas sempre de forma muito vestigial. O uso de escalas
de tons inteiros ainda é o expediente mais comum. Um primeiro caso ocorre durante o
grande coro de introdução ao segundo ato (Figura 148). A música se desenvolve
homofonicamente na tonaliade de fá menor. Entretanto, quase ao fim do trecho, ele
representa a explosão de revolta do povo em torno de uma escala pentatônica de tons
inteiros. Ao longo da obra Gomes tem o cuidado de trabalhar musicalmente o coro em sua
questão de gênero no contexto do exótico e oriental. Assim, muitas cenas apresentam
apenas o coro feminino ou o masculino. Em outras, entretanto, em que por razões
dramáticas os dois coros estão em cena, o tratamento é mais polifônicos na aparente
tentativa de manter, musicalmente, esta separação de gênero. Na figura 148 vemos um
exemplo disto. O desenvolvimento principal fica por conta do coro masculino com a escala
pentatônica. As entradas do coro feminino são isoladas. Adicionalmente, Gomes utiliza o
trítono, resultante da entrada dos sopranos contra o ré bemol dos tenores e baixos, para
obter um ambiente sonoro áspero e exótico.

282
Figura 165 - No prelúdio de Condor, Gomes utiliza um escala descendente de tons
inteiros. Na seqüência, uma escala cromática descendente.

283
 Figura 166 – Secção final do coro de introdução do segundo ato. Note-se, no quarto
compassos do exemplo, a formação do trítono entre a voz do coro
feminino e masculino.

O feroz coro é interrompido pela chamada do Muezin. A partitura indica

claramente voce daí minareti. Nada mais oriental. Entretanto, a música não apresenta
melismas sobre a silaba ah!, como poderia se esperar. O oriental em música, aqui, se dá
pelo caráter monótono da repetição de um ré bemol pelo solista (o Muezin, normalmente
cantado por Almazor), retomado pelo coro. A mudança abrupta para o andamento largo e a

284
repetição monocórdia, sonolenta dessa nota é que garante o exótico da passagem, auxiliado
pela reexposição do tema do coro de introdução, em uma escala menor melódica de ré
bemol (Figura 167).

Figura 167 – O chamado à prece pelo Muezin é pontuado pela reapresentação

em pp do tema do coro de introdução, agora em uma escala
melódica de lá bemol menor.

O emprego de polirritmia também se inclui nos expedientes musicais

orientalizantes, talvez pelo conflito de acentos que pode gerar uma percepção de
desorganização estrutural do trecho musical o que, para os ouvidos da época poderia soar
exótico. Não se pode deixar de mencionar que Gomes utiliza de forma breve (15
compassos), e com pouquíssima efetividade, este expediente no coro da primeira cena do
segundo ato, ao sobrepor, na orquestra, fórmula 2/4 e 3/4 (Figura 168).

285
Figura 168 – Antônio Carlos Gomes. Condor, segundo ato, cena primeira.
Poliritmia.

286
 Com a entrada de Zuleida em cena parece que Gomes deseja melhor colorir sua
condição de nômade das estepes e segmentos pentatônicos de tons inteiros são invocados
para esta associação. Logo na introdução do monólogo há uso de um desses fragmentos
(Figura 169) como já havia sido identificado na tese de Pupo Nogueira (2003).

Figura 169 – Fragmento com escala de tons inteiros.

Novamente, o motivo pentatônico do coro de abertura do segundo ato surge na

contextualização exótica de Zuleida (Figura 170). De fato, ele se enquadra nos códigos
descritos anteriormente para elementos orientalizantes.

Figura 170 – Fragmento pentatônico em tons inteiros.

Na cena de transição ao final do monólogo, outra vez Gomes utiliza uma escala
cromática descendente. Como na maioria dos casos, é material escalar apenas. Esse

287
material, seja qual for, não se desenvolve extensivamente e não há tratamento harmônico
ou contrapontístico (Figura 171). É o material quase em seu estado bruto. Esta preferência,
que se repete até o final da ópera, parece estar ligada à caracterização do exotismo, para que
este não seja diluído.

Figura 171 – Uso de escala cromática descendente. Condor, segundo ato.

O uso de frase longa, sem acompanhamento, sobre um pedal e com indicação

de senza rigore di tempo é considerado com um artifício orientalizante. Já no primeiro ato
ouvimos Condor em uma dessas frases. No segundo, ele repete a frase, com as mesmas
características estruturais. Se não fosse a forte implicação da harmonia subjacentes, lá
bemol maior no caso, poder-se-ia dizer que se trata, realmente, de uma prece melismática
ou uma declamação ritual de sua tribo (Figura 172).

Figura 172 – Emprego de vocalise na entrada de Condor no segundo ato.

288
 Por vezes, as intervenções do coro incluem um intervalo de segunda
aumentada, muito útil para caracterizar o oriente, como usado por Saint Saëns no Samson et
Dalila. Esse intervalo está, aparentemente, contido no modo Hijãz da música árabe, muito
característico do canto dos muezins. Entretanto, ao longo de Condor Gomes não faz uso
intempestivo desses recursos para criar a sua cor (Figura 173).

Figura 173 – O intervalo de segunda aumentada é característico de oriental em música.

Um outro elemento orientalizante é o uso de uma figura rítmica e interválica

específica (quarta ou quinta diminutas) (Figura 174). Essa curta figuração aparece com
muita freqüência, particularmente nos dois últimos atos, como elemento de apoio a
segmentos declamatórios e de certa intensidade climática. Como pode ser visto no quadro
desses fragmentos demonstrado no capítulo 5.2 (Figura 158), a qualidade intervalar e o tipo
de apogiatura é variável. Entretanto, com muita freqüência o intervalo preferido é a quarta
aumentada ou quarta e quita diminuta, os quais, auralmente, são os mais sintagmáticos para
o exótico e, em particular, o oriental. Nesse sentido, Gomes pontua suas cenas com essas
figurações rítmico-intervalares, incluindo aquelas pentatônicas, em momentos que o
discurso é extensivamente e intensivamente diatônico. A brusca entrada dessas figurações
parecem funcionar como uma chamada à realidade do ambiente exótico onde se desenrola a
tragédia de Odalea e Condor. Essas interferências no discurso são muito evidentes no
segundo ato, em contraste com os demais.

289
 Figura 174 - Em inúmeras ocasiões Gomes lança mão dessa figuração rítmica com
intervalo de quarta ou quinta diminuta, às vezes intervalos menores, para
acompanhar segmentos declamatórios.

Antes do concertato final, no fim do segundo ato ocorre outro momento

pretensamente orientalizante (ANDRADE, 1936; CLAVER, 1986). Trata-se da propalada
Marcha Tártara, com certeza o segmento que menos tem apelo de cor local. Trata-se de
uma convencional marcha festiva em 2/4 com progressões que raramente afastam-se de I-
VI-V-I ou I-VI-IV-I. O orientalismo desse trecho está unicamente no título atribuído por
Gomes ou pelo misterioso libretista, Mario Canti. O fato é que no manuscrito autógrado
Gomes dá este título e, intencionalmente, pede trombones e trombetas no palco antes de seu
início. Compreensível, pois ele pretendia, para Condor, algo próximo da grand opéra.
Talvez ele pensasse que o oriental aqui ficaria por conta do encenador, pois a música é
destituída de qualquer daqueles elementos orientalizantes (Figura 175 e 176).

Figura 175 – Trecho do MS onde Gomes solicita trombetas na cena.

290
Figura 176 – Manuscrito autógrafo do segundo ato para o início da Marcha Tártara.

Segue-se o concertato e nada mais poderia se esperar, pois o modelo desse

número é uma retomada das convenções e Gomes sabia muito bem construir um bom
concertado de final de segundo ato. De fato, grande parte da boa música de Condor está
neste longo trecho. Entretanto, aparece um outro elemento exótico. De forma sutil como
todas as outras abordagens do orientalismo ao longo da obra. Trata-se de uma curta
passagem de Odalea, imediatamente antes da grande frase de Condor que antecede a parte
central do concertato. Trata-se de uma frase construída, por poucos compassos, em cima de
uma escala de mi bemol em modo lídio (Figura 177). A sutileza se refere ao fato de que, ao

291
longo do concerto diatônico da obra, os elementos exóticos soam ocasionais, eventuais, às
vezes veladamente. Este é o caso dessa curta passagem dentro de um contexto
musicalmente convencional, mas que cria um momento de cor, ainda que fugaz.

Figura 177 – Frase de Odalea em modo lídio.

Como referido anteriormente, ainda dentro do concertato, quando nada mais se

poderia esperar, uma vez que Gomes retoma nesse momento um dos códigos da antiga
solita forma23, ele introduz, esporadicamente, mas com um tempo bem programado,
aquelas figurações rítmico-intervalares, principalmente terminando com um intervalo de
quarta aumentada. Essa intromissão recupera momentaneamente o ambiente oriental e
exótico. Na figura 178 pode-se ver um desses casos, dentro do concertato. Adicionalmente,
Gomes consegue uma adesão segura entre o discurso dramático e musical ao introduzir este
fragmento com intervalo de quarta aumentada, pois é neste momento que Zuleida revela um
dos elementos climáticos relevantes à trama – Condor é de nobre estirpe, pois é filho do
grande sultão Amurath. Nada mais apropriado que um elemento orientalizante para
sublinhar esta relação.

23
A crítica é válida, mas não se pode esquecer que, mesmo o Verdi de Otello (1887) e Falstaff (1893)
disfarçadamente, mas nem tanto, utilizam remanescentes da solita forma nessas óperas e, por coincidência à
critica em Condor, também na mesma forma – o concertato. De fato, isto pode ser visto no concertado do
terceiro ato de Otello (A terra! ...sì, nel livido fango...) e no concertado do segundo ato de Falstaff (Se
t’aggunto. Se ti piglio). Um estudo mais detalhado desses casos encontra-se na tese de Joseph Salvatore La
Rosa intitulada Formal Convention inVerdi’s Falstaff (2006).

292
 Figura 178 – Fragmento rítmico-intervalar orientalizante.

No terceiro ato, considerado pela crítica como o mais bem construído entre os
três, encontra-se o Notturno. Nele, o orientalismo aparece menos pela presença de
expedientes musicais e mais pela forma icônica das frases e instrumentação. Com
habilidade e com sutil pena, Gomes volta a introduzir algo de cor local. As frases em solo
com oboé são icônicas para orientalismo, particularmente se o desenho melódico apresenta
característica de improvisação – um gesto considerado pela cultura ocidental como próprio
da música oriental (GIRARDI, 1995; CARVALHO, 2006). Entretanto, como refere Scott
(1998), o fato de qualquer um desses artifícios ter respaldo na etnomusicologia oriental é
absolutamente irrelevante. Deve-se reforçar que, em um sistema de conhecimento sobre o

293
oriente, ele é menos um local do que um topo, um conjunto de referências. E
particularmente no Notturno é que Gomes procura representação através da música e,
portanto, uma abordagem semiótica permitirá melhor compreender esse trecho da obra. A
cantilena inicial, não acompanhada, de sabor modal e caráter recitativo, um quase
improviso, confiada ao oboé, aqui mimetizando uma zurna, confere esse caráter oriental à
introdução do Notturno (Figura 179). O restante da peça volta à retórica européia e somente
ao final, isoladamente, retoma o tema oriental da cantilena, como uma reminiscência. O
conjunto do Notturno, entretanto, é de fina fatura harmônica e melódica, estando entre as
melhores elaborações de Gomes. Tanto isto é verdade que, na atualidade, é um dos poucos
trechos da ópera que resiste no repertório de orquestras brasileiras como peça sinfônica
isolada, juntamente com a protofonia de Il Guarany e a Alvorada de Lo Schiavo.

Figura 179 - Cantilena inicial do Notturno. O oboé sem acompanhamento e o caráter modal
da melodia confere à frase o aspecto oriental, exótico.

O Notturno localiza-se entre o segundo e terceiro atos da ópera e sua

composição pode ser dissecada em quatro segmentos principais:

cantilena inicial -10 compassos -

introdução -10 compassos -
ária -10 compassos -
cantilena final -10 compassos -

294
 A cantilena inicial, basicamente solístico, é um recitativo apresentado pelo
oboé. O sabor modal, a inflexão melódica monótona e o uso do oboé, icônico para música
oriental, são responsáveis pelo caráter oriental do Notturno.
O segundo segmento, a cena, corresponde a uma digressão harmônica, uma
peroração retórica, uma vez que apresenta algo de novo que será desenvolvido na seção
central. Assim, este segmento, depois de apresentar a estrutura rítmica do próximo
segmento (Figura 180), termina por conduzir à ária por meio de uma cadência II-V-I, na
qual Gomes utiliza, como de costume, uma extensão da dominante para retardar a chegada
à tônica.
Esta é apresentada no início da ária e o segmento desenvolve-se com seu caráter
expansivo, lírico e ardente com uma progressiva inflexão descendente com um brusco salto
ao registro agudo sobre o terceiro grau da escala, no qual a vontade melódica encontra seu
clímax, para posteriormente recuar à conclusão no primeiro grau em cadência perfeita.
Ao final, retoma-se a cantilena, agora com caráter conclusivo, como
reminiscência.

Figura 180 – Motivo rítmico da cena, que será integralmente responsável pelo
desenvolvimento da ária.

O Notturno representa musicalmente um momento de reflexão de Odalea,

reflexão esta que está musicalmente caracterizada por cada um dos quatro segmentos antes
descritos. Em termos gerais, encontramos a rainha questionando-se sobre sua posição real,
de intocada majestade, que fechou-se em uma solidão protocolar com prejuízo de sua
sexualidade e de sua índole pacífica e construtiva, para atender a uma contingência
heráldica de dar continuidade a uma dinastia, seguindo os rígidos protocolos que a tradição
adicionalmente e indesejadamente lhe impõem. O cerceamento à sexualidade fica patente

295
logo no primeiro ato da obra, entre outros motivos, pela postura da rainha ao longo já do
primeiro ato e por uma instrução de cena ao fim deste, quando Odalea sai de cena, subindo
as escadas do palácio: La Regina sale lentamente la scalinata, lanciando di tratto in tratto
ardenti sguardi su Côndor. Sua postura fria e majestática, forçada pelas circunstâncias,
pode ser verificada quando ameaça Condor: ... e morte infame avrai pel tuo fallir! ou ... Qui
le Sultane uccidono, ... . Por fim, revela-se Odalea com uma profunda aversão à condição
que se lhe impõe e transborda tristemente, mas com intensa paixão, o amor pelo forasteiro,
aquele que ousou, com prejuízo da vida, invadir o recinto sagrado para, por um momento,
deleitar-se com a visão de sua amada, que depois lhe salva a vida quando atacada por
bandoleiros e, convenientemente, revela-se não um plebeu, o que para Odalea
aparentemente já não se constituía em problema, mas um guerreiro de nobilíssima estirpe.
O que mais desejar? Ele é ousado, viril, corajoso, deseja-a, idolatra-a e é de boa estirpe!
Mas a tristeza retorna quando Odalea reconhece a distância em que se encontra sua
liberdade. Esta situação fica mais evidente no início de terceiro ato, logo após o Notturno,
quando Odalea verbaliza o resultado desta reflexão, em um monólogo que inicia com uma
descrição crua de seu estado emocional: Vampe! Folgori! Rivolte! Tutto perchè non sai
l’ombra ferale del mio superbo ostel. Imediatamente, de forma ciclotímica, ela reclama:
Quanto silenzio e me d’intorno... quanto vuoto ne mesto seno. L’odio mi fugge .... ohimè!
Amor non vien! Consistentemente, por baixo deste último texto, aflora toda a melodia da
ária, ou seja, do terceiro segmento do Notturno, o qual, como será visto, representa a
liberação de Odalea.

A Cantilena
A cantilena é o signo icônico relacionado ao objeto “oriente”, local onde se
passa a história de Odalea. A representação se estabelece de forma tênue com o
orientalismo em música, uma vez que não cumpre com os principais processos musicais
sugeridos por Scott (1998) para esta representação, conforme descrito anteriormente. A
representação se dá pelo uso do oboé e sua similaridade tímbrica com os instrumentos de

296
palheta dupla usados no dito “oriente”, seja o Sahnï da Índia ou zurna da Turquia, Armênia
ou localidades da Ásia central (Figura 181).

Figura 181 – uma zurna.

O outro aspecto de similaridade está na melodia não acompanhada e com

caráter de improvisação. A primeira frase da cantilena se dá sobre os diferentes graus não
alterados das escala de sol bemol maior (Figura 182). Na segunda apresentação, ele se
dirige para a tonalidade de si bemol maior, em um processo de modulação dentro do
sistema de tônicas, um procedimento estilístico marcante de Carlos Gomes que aprece em
Lo Schiavo, Condor e imediatamente já na primeira frase da abertura de Colombo.

Figura 182 – A frase inicial do Notturno.

Esta frase melódica pode ser considerada como um motivo recorrente com a
designação de “Odalea conquistada”, isto é, a rainha fria e majestática cedendo à
fragilidade das paixões humanas. De fato, esta designação se configura com adequação
quando verificamos que a frase representa, além da solidão irreconciliável das amplas e
frias planuras em torno de Samarcanda, a reflexão de Odalea de que uma profunda

297
transformação lhe ocorre desde o encontro com o forasteiro audacioso (l’eco mi
giunge...misteriosa, fiera.. e mi conturba...Perché palpito è tremo?). Então, configura-se
aqui uma relação simbólica para este signo, uma vez que se trata de um tema recorrente.
Em vários momentos ao longo da obra ele é introduzido em situações do discurso
dramático nas quais esta condição anímica está presente.

A introdução
Se Odalea, na Cantilena, lança seu olhar para a solidão mimética das
planuras infindáveis dos campos em torno de Samarcanda, mergulhada em sua profunda
tristeza, na Introdução inicia a questionar seu destino. É como se saísse da letargia e
exercitasse a reflexão para assimilar os fatos ocorridos nos atos anteriores. O Notturno se
encontra em um patamar da tensão dos conflitos do discurso dramático, seguido
paralelamente pelo discurso musical. Daí também a monotonia da Cantilena, em contraste
com o exasperado final do segundo ato. Compreende-se também o início de uma
mobilidade maior no discurso musical da Introdução, comentando uma crescente
efervescência anímica em Odalea. Agora, a textura é polifônica e confiada às cordas com
intervenção das madeiras, em contraste com a singeleza do uso do oboé, apenas apoiado
nas madeiras (Clarinetas e fagotes) nas cadências frasais. A Introdução também apresenta o
modelo rítmico da ária, como pode ser visto na Figura 183.

Figura 183 - A frase inicial da introdução apresenta o esquema rítmico que será utilizado no
desenvolvimento melódico da ária.

298
 Mesmo que esta Introdução possa também ser considerada como uma secção de
pequeno desenvolvimento, como bem analisa Pupo Nogueira (2003), o trecho apresenta-se
sem definição estrutural convencional. Ressaltam este aspecto o uso de seqüência
harmônica, o prolongamento da dominante e as modulações enarmônicas em tão pequeno
segmento. Assim, esses elementos, que também não deixam de ser estruturais, podem ser
considerados como signos que representam a indefinição de Odalea sobre seus sentimentos.
O objeto aqui se estabelece, então, como sendo Odalea e os signos icônicos fazem uma
analogia com a indefinição de Odalea sobre esses sentimentos. Por outro lado, a mudança
da textura musical, de monodia para polifonia, representa a saída do estado letárgico de
Odalea durante a Cantilena inicial para este momento de reflexão inicial que se entende
contido na Introdução.

A ária
Se na Introdução as dúvidas de Odalea são desenhadas pela digressão
harmônica do trecho, isto é, pela quase inexistência de um frase melódica mais estruturada,
restringindo-se quase ao uso de seqüências harmônicas (em ré maior e depois em ré b
maior) e da já mencionada extensão cadencial sobre a dominante, a ária dá plena expansão
à angustia e às dúvidas de Odalea. Surge como um grito que extravasa as angústias contidas
da alma da rainha, liberta-a das tensões acumuladas ao logo dos inesperados
acontecimentos que ocorreram desde a chegada do estranho forasteiro. Da mesma forma, o
discurso musical acompanha coerentemente esta liberação de tensões sem deixar de
sublinhar o foco dessas tensões, isto é, a descoberta da paixão. Essa afirmação pode ser
entendida pela contrastante firmeza estrutural deste trecho, não só no equilíbrio de
proporção como na consistência do fluxo harmônico em torno de uma tônica claramente
estabelecida e explorada.
Ela estrutura-se em 10 compassos divididos em três segmentos, dois com
três compassos e um resolutivo com quatro, como se constata na Figura 184.

299
Figura 184 – Notturno – reprodução dos 10 compassos da ária, em que se pode ver os três
segmentos.

O momento de maior afirmação é o primeiro compasso da secção B

(compasso 4) quando Carlos Gomes utiliza novamente o seu recurso de modulação dentro
do sistema de tônicas, subitamente transformando o III grau em tônica maior. Mesmo
assim, o clímax da ária ocorre no compasso 7, início do último segmento (C), no qual a
melodia é levada ao registro agudo para, descendentemente, resolver na tônica por meio de
uma conveniente cadência perfeita.
Agora, a frase é bem estruturada, com antecedente e conseqüente claros,
distribuída em três segmentos metricamente equilibrados com três compassos cada um,
com um ritmo harmônico muito rápido, típico de Carlos Gomes, e uma inflexão melódica
climática muito bem preparada. Este conjunto representa a decisão de Odalea. Este
sentimento de decisão, de resolução dos conflitos de Odalea se reflete pela robustez
estrutural do segmento, tanto do ponto de vista métrico como harmônico. Isto é, a perfeição
estrutural do discurso musical, em contraposição ao segmento anterior, representa a firmeza
de tomada de posição da rainha. Aqui, novamente, o objeto é Odalea e os signos icônicos
são indiciados pelos eventos analíticos acima descritos.

O quarteto, uma das peças mais convencionais da obra, foi bastante criticado na
época. O Teatro Illustrato não poupou o compositor, ainda que com elegância e certo tom
de carinho ao illustre maestro braziliano Carlo Gomes:

300
 (...) In questo medesimo ato abbiamo un quartetto che
avrebbe potuto far la fortuna di un’opera di mezzo carattere o
giocoza, ma che in mezzo ai tragici casi di Condor appare fuor di
posto. No si può negare che tal pezzo, nel pretto stille dei maestri
di mezzo secolo addietro, non sai um giojello. Il finale non è privo
dieffetto drammatico; è manifesta in esso tutta la esperienza
scenica del Gomes ( Il Teatro Illustrato, 1891).

De fato, o quarteto é bastante convencional em sua estrutura e bastante

deslocado, em termos estilísticos, do restante da obra. Ele é um exemplo claro da aparente
hesitação de Gomes em experimentar o novo que ele mesmo propõe em grande parte de sua
música para Condor, como discutido em capítulo anterior. A coda do quarteto, com o
picchetate de Adin, chega a lembrar o seu similar, bem mais famoso, no Rigolleto de G.
Verdi. Entretanto, retornando ao exótico, o que chama a atenção nesse quarteto, construído
na tonalidade de lá maior, é o repentino uso da relativa menor, com rápido retorno ao tom
principal. Esta brusca alternância, auxiliada por uma apogiatura, dá certa cor oriental à
frase. Esse contraste é tão intencional que Gomes reforça nitidamente o abaixamento do VI
grau com a entrada das madeiras e das trompas nesse momento. Note-se, adicionalmente,
que as trompas levam a indicação de sforzando (Figura 185). Trata-se de um momento que
deve ter a atenção do intérprete, particularmente o regente, pois fica clara a intenção de
Gomes em ressaltar este contraste abrupto entre os modos maior e menor. Como se trata de
momento auditivamente muito fugaz, se o regente não procurar o equilíbrio entre os naipes
da orquestra neste ponto, o contraste pode se perder.

301
 Figura 185 – Antônio Carlos Gomes. Condor, tercerio ato – quarteto.

Na última cena volta a aparecer um dos temas orientalizantes. Ele introduz uma
escala de tons inteiros para apoiar uma curta declamação de Condor. Com fina fatura,
Gomes não desenvolve o tema nem o mascara em uma orquestração densa. Apenas expõe a
escala descendente em um arabesco na voz do oboé construído sob o motivo da introdução
do Notturno (Figura 186). Certamente o oboé é fator primordial ao expor esta escala no
sentido de garantir a tinta oriental. Como se vê nesse exemplo, são pequenos motivos,
geralmente curtos, quase esporádicos, e calcados em paradigmas claros do oriente. Aliás, é
nessa capacidade de utilizar e renovar seus pequenos motivos é que Gomes consegue
manter uma unidade estilística em Condor. Essa capacidade foi muito bem identificada e

302
discutida por Pupo Negueira (2003) na detalhada análise motívica que faz em sua tese de
doutoramento sobre os números orquestrais dentro das óperas de Carlos Gomes. Entretanto,
o problema em Condor é que Gomes, em momentos, como o quarteto, o balé e alguns
duetos, perde esta unidade por tentar voltar às velha fórmulas e que se enquadravam muito
bem em seus trabalhos mais antigos. É este o sentido da critica do Teatro Illutrato quando
se refere aos trechos nel pretto stille dei maestri di mezzo secolo addietro.

Figura 186 – Retorna uma escala de tons inteiros para apoiar uma frase de Condor.

Por fim, como última identificação de apelo ao exótico e oriental, retomamos o

desenho ascendente de fagotes e violoncelos quase ao final da ópera. Aquele motivo
insistente, de alarme e certa rudeza bárbara que acompanha o comentário de Odalea ao
mostrar Samarcanda em chamas durante a revolta do povo.

303
 O desenho deste motivo está claramente sobre um modo lócrio, o que
poderia ser a razão de seu apelo exótico (Figura 187). De fato, entre as escalas conhecidas,
é a única em que sobre a tônica se constrói uma tríade diminuta. Ademais, nela também se
estabelece um trítono entre a tônica e a dominante. Assim, trata-se de uma escala com
tensão intrínseca muito forte. Além disto, o uso do fagote com os violoncelos em registro
agudo é um recurso timbrístico intencional de Gomes para, possivelmente, aumentar esta
tensão e melhor construir o cenário do exótico.
Outro fator importante é que esse modo nada tem de oriental; mas é exótico,
não usual. Essa é a característica que basta para ele ser apropriado pelo aspecto oriental.
Isto reforça a propositura de Ralph Locke de que desejamos uma representação do oriente,
não uma expressão fiel. Essa estaria fora de nossas referências e seria de difícil assimilação.
Aqui nesse caso, o inusitado, por que não dizer, o exotismo da escala lócria é
imediatamente entendia como exótico – oriental.

Figura 187 – Condor, terceiro ato, cena última. O desenho deste motivo está claramente
sobre um modo lócrio.

304
 5.3. 5 Comentários finais

O exótico e o oriental foram amplamente explorados pela música desde o

século XVII. Com sua particular possibilidade de interação intertextual, a ópera não poderia
deixar de ser palco privilegiado para o desenvolvimento deste gosto. Este interesse parece
aumentar na segunda metade do século XIX, coincidindo com uma maior visibilidade do
processo colonizador nas metrópoles devido às melhorias nos meios de transporte e
comunicação. Assim, o exótico, esse conjunto de arquétipos formulados por uma
sociedade, agora parece algo mais próximo, mais concreto. Paradoxalamente, o que se
oferece às platéias das metrópoles continua a ser uma representação da realidade. Por
definição, não poderia ser diferente, pois negaria a essência do ser exótico. Desta forma,
não interessa a transposição linear, objetiva do evento de outra cultura. Ele necessita ser
adaptado à cultura européia e entendido dentro deste contexto. O que interessa é que esse
oriente seja visto dentro dos marcos referenciais da sociedade européia. Isto ocorre de
forma muito clara com as artes plásticas. Da mesma forma, em música, a reprodução do
oriente deve ser algo assimilável à cultura européia. O orientalismo, então, não chega nem a
ser uma imitação – é uma representação (SCOTT, 1998). Uma reprodução fiel seria fora de
cogitação pelas próprias diferenças dos sistemas musicais, de notação e interpretação, entre
ocidente e oriente. Além disto, deseja-se uma ilusão do oriente, não o verdadeiro oriente.
Esses princípios determinaram, para a ópera, uma série de fórmulas, tanto musicais como
dramáticas, que regeram toda a produção desse gênero na segunda metade do século XIX.
A representação do poder colonial sempre fica patente nesses libretos. A condição de posse
do colonizador e sua raça superior eram enfatizadas e os entrechos se desenvolviam sobre
estas premissas. Mesmo dentro de temas bíblicos, o tratamento dos eventos dramáticos, do
bem contra o mal, preservavam o código padrão de que representava o europeu como o
“bem” e o exótico como o “mal”. Em Samson et Dalila, Sansão e os hebreus são
europeizado, pois que heróis bíblicos, e isto se traduz no tratamento musical. Dalila,
Abimalec e o coro de filisteus correspondem à raça inferior, de pele escura, exótica e em
suas vozes está a depravação, o ódio, o desprezo pela vida humana – códigos opostos ao da

305
cultura européia! Essa análise, ainda que rápida, pode ser transposta para a maioria das
óperas orientais, ou exóticas, da segunda metade do século XIX.
Nesta discussão, é oportuno comentar que Condor (1891) é diferente. Lembre-
se que ela é absolutamente contemporânea a todas as importantes óperas exóticas do
período. Samson et Dalila de Saint Saëns é de 1892. Le Roi de Lahore é de 1877,
Hérodíade tem revisão em 1884 e Thaís é de 1894, todas de Massenet. Leo Delibes, com
sua Lakmé de 1883, tem o adicional arroubo de pretender representar a Índia da mesma
época em que foi estreada.
Neste contexto, Condor trás diferenças essenciais em trama e música e é
lastimável que essa obra não seja incluída nas análises atuais sobre o orientalismo em ópera
por musicólogos como Ralph Locke e Derek Scott, entre outros. Não há uma marcada
dicotomia entre o bem e o mal. O povo detesta Condor por razões aceitáveis, pois ele
afrontou a lei estabelecida. Em verdade, eles apenas querem proteger sua rainha. Isto fica
muito claro na última cena da ópera quando Odalea, transtornada pelo suicídio de Condor,
oferece o punhal ao povo para que a matem e este fica horrorizado com tal proposta. Em
uma primeira leitura, Almazor não tem volúpia pelo poder – ele apenas tenta cumprir seu
papel de protetor da cultura de sua tribo. Em um segundo momento, não explícito,
certamente a presença de um amante da rainha poderá enfraquecer sua posição na corte. A
relação colonial, também, não está presente. Tanto Condor e Zuleida, de um lado, quanto
Odalea, Almazor e Adin, de outro, são “pele escura”, nos dizeres de Ralph Locke (1991).
Assim, não há uma presença marcante do “colonizador” branco em Condor. Esta presença
se faz, indiretamente, através das reações dramáticas contidas no texto e do tratamento
musical preponderante. A paixão de Condor por Odalea e a reciprocidade tardia são eventos
culturais europeus, não necessariamente típicos da Ásia menor. No final do segundo ato,
Odalea, ao descobrir que Condor é filho de um grande sultão diz: Lo sentia che quello
sguardo d’aqila dalla vil plebe non poteva uscir!24 A postura discriminatória de Odalea é
politicamente incorreta, mas própria da cultura européia da época e, porque não, da atual.
Outra diferença, e qualidade, em Condor, é o tratamento musical do oriente.
Gomes tem um discurso sutil e discreto em termos dos processos orientalizantes em

24
Eu percebia que aquele olhar de águia da vil plebe não poderia vir!

306
música. Ele abre mão de um orientalismo por demais evidente. De fato, com exceção da
Marcha Tártara, que será comentada adiante, não há números característicos. Coros,
marchas, invocações e declamações rituais não estão presentes em Condor, ao contrário do
que ocorre nas suas congêneres contemporâneas. Samson et Dalila (1892) é repleto desses
expedientes. Mais que isto, esses são utilizados somente quando se trata de eventos
dramáticos do lado das trevas (os Filisteus). Os Hebreus e Sansão têm um tratamento
musical dentro dos códigos europeus. Eles não são tratados de forma exótica. Eles não são
orientais. Percebe-se que o coro que abre Samson et Dalila poderia ser usado em qualquer
ópera de trama puramente francesa da época. Entretanto, o balé do terceiro ato é oriente em
sua melhor representação. Note-se no exemplo musical que segue o uso de um intervalo de
segunda aumentada entre o 2ºe 3º grau da escala, um expediente marcadamente
orientalizante.

Em sua excelente ópera Die Königin von Saba (1874), Karl Goldmark procura
insistentemente a cor local através de cenas de massa, danças rituais e invocações. Um dos
trechos mais orientais da música é a invocação de Astaroth no segundo ato.

307
 Ralph Locke (1998) cita outra característica dessas obras: a introdução desses
números que fixam a cor local, no caso o oriente, sempre nos inícios de atos ou outras
unidades dramáticas das óperas. Novamente, isto não acontece em Condor, onde os
elementos estão dispersos ao longo do desenvolvimento da obra.
Por outro lado, não se poderia esperar que esses compositores tivessem o
intento de descrever musicalmente seus personagens de forma extensiva. Assim, outra
característica dessas obras é a disparidade entre os números exóticos e o resto da ópera.
Este fato é muito bem discutido por Ralph Locke (1998) e tem sua razão de ser. De fato, o
desejo de cor local não atinge o limite de pedir que Odalea cante em turquestão ou Cio Cio
San em japonês. Se algumas frases podem ter sabor exótico, pois que construídas com
sabor modal ou dentro de qualquer um dos expedientes musicais já definidos, as tintas
orientalizantes não podem ocupar a extensão da obra. Ela não seria, desta forma,
assimilável em seu todo. Como se comentou anteriormente, o oriente, ou o exótico, deve
estar dentro dos marcos referenciais da cultura que gera a obra. Fora dele, não será digerida.
Assim, nas obras mencionadas, a dose de orientalismo é a suficiente para a cor local e não
pode ser excessiva. Turandot já se aproxima desses limites, mas o discurso é
essencialmente europeu e suas razões para esse excesso de orientalismo são distintas, pois
que realizadas em um cenário bastante diferente do meio que gerou Condor, Lakmé, Le Roi
de Lahore, Aida, entre outras obras contemporâneas à segunda metade do século XIX.
De forma contrastante com a construção evidente do exótico musical, em
Condor a diferença é a distribuição equânime e a manufatura discreta do orientalismo.
Como visto, a Marcha Tártara, único número que poderia, em uma primeira impressão,
constituir-se em evento marcadamente oriental, não o é. O balé do segundo ato, introduzido
em 1892, tem entrecho relacionado aos astros celestes. A música é convencional e lembra o
Gomes dos tempos de antes do Il Guarany. Apenas a segunda secção, construída sobre uma
escala de tons inteiros já apresentado pelo coro no começo do segundo ato, traz ao ouvinte
um sabor oriental, mas sem nenhuma relação direta com o entrecho do balé (Figura 188).

308
Figura 188 - A segunda seção de balé utiliza material do coro no início do segundo
ato.Trata-se de uma escala pentatônica de tons inteiros.

Assim, os recursos orientalizantes usados por Gomes para construir o

exótico em Condor não são explícitos e se apresentam de forma esporádica,
discreta: um pequeno número de compassos no prelúdio com um escala de tons
inteiros, o uso icônico do oboé solo no Notturno, uma repentina inflexão lídia na
voz de Odalea em meio a um discurso musical eminentemente europeu, uma frase
de Condor desacompanhada, uma outra escala pentatônica aqui, um raro intervalo
de segunda aumentada mais adiante, uma figuração rítmica persistente, curta e de
seqüência intervalar angulosa. Mas esses elementos, e sua calculada distribuição
espacial, são suficientes para manter o ouvinte dentro do marco do exótico. Então,
Gomes não foge da dicotomia de discurso musical comentado por Locke (1991),
mas tem o privilégio, quando necessita recorrer ao expediente orientalizante, de o
fazer de forma sutil, quase imperceptível, mas com suficiente densidade para criar
uma cor local efetiva.

309
311
 6. CONCLUSÕES

Dois eventos contribuíram para a estagnação da obra e da pessoa de Carlos

Gomes como compositor: a proclamação de República e a Semana de Arte Moderna.
A proclamação da República em 1889, mais do que representar um novo
regime, contrário àquele que prestigiou e sustentou Gomes, significou um golpe de estado
com toda a complexidade de arranjos políticos e acomodações estruturais que um evento
desse porte implica em uma nação. Mais complexo ainda, por estar saindo de um longo
período escravagista cuja extinção pedia ajustes econômicos, sócias e políticos de vasta
abrangência. Nesse contexto encontramos um Carlos Gomes com problemas familiares, em
litígio com seus editores de Milão, e do Brasil, tentando encontrar mercado para suas obras
e sobreviver. Condor estréia no Rio de Janeiro no mesmo ano em que o país, já República,
assiste a uma Assembléia Constituinte tentar, em meio a tensos debates, promulgar uma
nova constituição. Se Gomes, pessoalmente, não tinha posições firmadas sobre monarquia
ou república, possivelmente era visto como adepto da primeira. Ainda que estimado e
protegido pelo Inperador, o compositor nunca pertenceu ao círculo imperial, àquele
pequeno grupo de eruditos que apraziam a D. Pedro II. Certamente, razões para isto podem
ser a residência de Gomes fora do Brasil por muitos anos e o próprio sistema protocolar em
que foi criado o imperador, fazendo-o uma pessoa distante e pouco efusiva nos seus
contatos públicos (CARVALHO, 2007). A recusa em escrever o hino à república também
foi ato concreto que poderia ser interpretado como respeito ao homem que sempre lhe
ajudou, como claramente se depreende de seu epistolário, ou como ato de reprovação a
emergente república. Assim, é possível que as restrições a Gomes sejam mais devidas à sua
personalidade e às costumeiras solicitações de apoio financeiro do que ao receio de
prestigiar um monarquista convicto e de primeira hora. A mutante sociedade brasileira, com
a formação e afirmação de uma nova burguesia decorrendo do fim da escravatura e da
monarquia, também não oferecia espaço para a música de Carlos Gomes. Sua figura, sim,

313
passou a ser codificada com herói em seguida à sua morte, em 1896. Como bem afirma
Mendes Nogueira (2005), é com a morte de Carlos Gomes que ele, não sua música, começa
a ser usado como símbolo nacional.
O próximo retorno de Gomes é na Semana de Arte Moderna. Os Andrade,
Oswald em particular, não medem esforços em denegrir o compositor. Tinham eles lá suas
razões estratégicas para isto. De fato, Gomes, mesmo em um país de memória oportunista
como o Brasil, não tinha condições de ser ignorado e representava, para o modernismo em
música, tudo o que deveria ser evitado. Em um movimento radical não se poderia esperar
uma análise contextualizada de Gomes e o que ele poderia representar para a nação
brasileira. Ao contrário, Gomes servia, exatamente, como ilustração aos propósitos do
grupo de 22 em termos de revolução. Daí o linguajar forte de Oswald quando refere que :
“Carlos Gomes é horrível. Todos nos o sentíamos desde pequeninos. Mas como se trata de
uma glória de família, engolimos a cantarolice toda do ‘Guarani’ e do ‘Schiavo’,
inexpressiva, postiça e, nefanda” (WISNIK, 1977 p. 71). Em verdade, percebe-se
nitidamente que Oswald não invecta contra Gomes e sim contra o corpus conservador que
endeusa Gomes de forma equivocada – aquela visão oficialista sobre o herói nacional. Mais
que isto, os opositores da semana, na música encabeçados por Oscar Guanabarino, não têm
argumentos sólidos para contrapor o discurso corrosivo dos modernistas. Apóia esta falta
de argumentação uma visão estereotipada da interpretação operístisca por parte de regentes,
cantores e encenadores. Resultam espetáculos pastosos com encenações antiquadas e
privilégio do dote vocal sobre a intenção composicional do autor. Tudo isto se completa
pela ausência de análise da produção gomesiana, seja a revisão musicológica de sua
produção ou pela discussão fundamentada de seu papel na história do melodrama.
Paulatinamente, essa necessária abordagem científica começa a ocorrer ainda
no primeiro quartel do século XX e, curiosamente, pelas mãos de um dos Andrade, Mário.
Seu estudo sobre Fosca lança um olhar musicológico sobre esta obra que não se esgota em
si próprio, pois que postula várias teses que poderiam estimular ulteriores investigações. As
comemorações do centenário de nascimento de Gomes é ponto climático com a publicação
de volume importante da Revista Brasileira de Música (1936), por seu conteúdo, para
registrar as impressões sobre o homem e o músico. Carece, entretanto, da abordagem

314
musicológica, com poucas e valorosas exceções, aí incluído o texto de Mario de Andrade,
uma revisão aumentada do artigo já publicado na mesma revista em 1934. Somente nas
décadas finais do século XX e início de XXI é que surgem abordagens mais sólidas da obra
gomesiana. Particularmente por meio de dissertações e teses surgem trabalhos de fôlego
que começam a jogar alguma luz sobre o músico Carlos Gomes e sua música, sem os vieses
ufanistas. Ao mesmo tempo, sem tentar estabelecer um paralelo de relação, isto parece
coincidir com uma importante apresentação, quase uma redescoberda de Gomes, do Il
Guarany envolvendo um dos mais midiátitos cantores líricos contemporâneos – Plácido
Domingo – leva a efeito na Ópera de Bonn em 1994. Pela seriedade que conquistou no
meio musical, devido a seu currículo artístico impecável, em técnica e erudição, parece que
Domingo consegue fazer, em pouco tempo, o que não se conseguiu em décadas – trazer
Gomes de volta à cena lírica em termos internacionais. De fato, Gomes começa a ser
interpretado e, mais importante, a ser gravado em suporte moderno, permitindo uma pronta
difusão, com maior ou menor qualidade, de suas obras mais significativas (Il Guarany,
Fosca, Salvator Rosa, Maria Tudor e Colombo). Este seria, então, o momento de se
aprofundar, do lado acadêmico, a abordagem musicológica da obra gomesiana, não só na
transcrição de sua produção oferecendo edições atualizadas e autorizadas, como no
desvendamento de sua elaboração composicional. Mais que isto, cumpre identificar, pela
investigação metódica, o papel de Gomes, mesmo sem sua percepção, na evolução do
melodrama italiano da segunda metade do século XIX – fato mais do que suficiente para
grangear-lhe notoriedade internacional, se não bastasse a pura expressão musical de sua
produção operística.

Dentro desse marco, pretendeu o presente estudo discutir alguns aspectos de

Carlos Gomes, enquanto compositor, em torno de sua obra menos conhecida, porém mais
emblemática do futuro interrompido – Condor. Através de uma transcrição musicológica,
que não o foco central do estudo, permitiu-se a identificação de aspectos pertinentes à
musicologia histórica e à análise musical estrita que levaram a elaboração de hipóteses
relativas ao seu papel na evolução do melodrama italiano da segunda metade do século XIX
e, centrado em Condor, hipóteses quanto ao procedimento composicional, à elaboração

315
composicional e ao tratamento dos aspectos exóticos e orientalizantes para a música dessa
obra.
O período de transição, 1870-1891, foi importante para o melodrama lírico,
pois, com o silêncio de Verdi permitiu que outros compositores ocupassem a cena e
desenvolvessem seus potenciais, aprimorando sua linguagem dentro da evolução natural
que a produção de um compositor tende a sofrer quando exposta sistematicamente ao
público e à crítica. Este cenário de oportunidades era muito propício a um Gomes,
talentoso, escolada na pratica da Ópera Nacional e dos estudos no Rio de Janeiro e Milão.
Tanto isto é verdade que suas criações iniciais logram sucesso significativo, culminando
com a aceitação inequívoca de Il Guarany que o coloca ao par dos demais nomes da lírica
da época. Mas a inquietude de Gomes não cessa e o conjunto de suas obras representa uma
contribuição ao desenvolvimento do melodrama italiano da segunda metade do século XIX.
É ele, junto a Ponchielli, Boito, Catalani e, em menor ponto, Marchetti, que delineiam os
caminho estéticos que resultarão na Giovane Scuola de Mascagni, Pucinni, Franchetti, entre
outros. Esse delineamento se traduz concretamente por abordagens composicionais
inovadoras, de parte à parte, e que cada um adota e aperfeiçoa, levando a uma contínua
evolução. Nesse sentido, não se pode esquecer a relatada (GÓES, 1996) amizade e,
possivelmente, parceria entre Gomes e Ponchielli.
Entre esses processos composicionais encontrados nas obras de Gomes e seus
colegas, salientam-se:
- a declamação dramática mais contínua em que o antigo recitativo
acompanhado assume maior liberdade e expressividade;
- a orquestração altera-se em termos de densidade através da busca do timbre
como elemento do discurso dramático; Gomes, inclusive, busca a cor local com introdução
de instrumentos indígenas típicos;
- a orquestra assume papel relevante na composição do discurso musical,
equilibrando-se com o discurso vocal e, às vezes, sobrepondo-se a este. Assim, o papel de
mero suporte à voz não mais é preponderante;
- as violinates, ou seja, o uso proeminente dos violinos, com dobramento nas
violas e violoncelos em sua oitavas, conduzindo frases melódicas de intensa dramaticidade;

316
 - o contraste tonal e de dinâmica;
- uma vocalidade mais densa que compete com o plano orquestral; mudanças
bruscas de registro mas com intenção e efeito dramáticos evidentes – não apenas com
finalidade de atender demonstração de agilidade vocal;
- uso freqüente e conseqüente dos temas recorrentes ou reminiscências, com
algum grau de desenvolvimento, isto é, não apenas a retomada de uma citação;
- marcada contribuição na decomposição da solita forma, liberalizando as
fórmulas tradicionais e ampliando os limites musicais das unidades dramáticas do
melodrama; particularmente o concertato é tratado de forma mais livre, com evidente
função dramática e recuperando princípios da grand opéra francesa;
- o usual fecho com afirmação tonal, proveniente do classicismo, para os
finais de unidades dramáticas, cenas ou atos, sofre modificações dando lugar a uma
peroração sinfônica, usualmente, no caso do concertado, com o tema principal do Largo
concertato ou um seu desenvolvimento e, caracteristicamente, com dinâmica fortíssimo;

Pela análise dos documentos textuais de Condor sugere-se que o processo

composicional constitui-se de quatro períodos: elaboração do rascunho para canto e piano,
orquestração desse material, revisão e introdução de um balé. Depreende-se que Gomes
inicia os trabalhos com um rascunho para voz e piano. É possível que este mesmo rascunho
tenha servido de base para a futura incisão da partitura para canto e piano, uma vez que em
muitos de suas páginas o arranjo pianístico é idêntico ao que se encontra na edição
publicada por Arthur Demarchi; ademais, seria pouco usual que um compositor
confeccionasse um rascunho com tamanho detalhamento. Uma hipótese seria a de que
Gomes usou esse rascunho com finalidade de elaboração musical e posteriormente o teria
complementado para enviar as oficinas de Demarchi. Após a elaboração desse rascunho,
Gomes constrói seu edifício sinfônico em um manuscrito para orquestra, colocando, com de
costume, a parte vocal e orquestrando seu rascunho. Neste ponto, muitas partes não são
orquestradas e modificações são feitas. Posteriormente, este mesmo manuscrito da
orquestração sofre um processo de revisão onde há correções de inconsistências do texto

317
musical, cortes sumários de trechos (poucos ou muitos compassos), modificações da
instrumentação sem alteração do contexto musical e acréscimos de trechos.
O manuscrito autógrafo existente na Biblioteca do Conservatório G. Verdi de
Milão com o texto “Ohimè! Ohimè! Non va di questo...” para a cena final do terceiro ato
permite comentar que Gomes teria pretendido uma ulterior revisão na ópera, além daquela
feita diretamente no manuscrito para orquestra e transcrita na cópia Bernardi, mas a fonte
documental disponível é frágil para firmar-se esta hipótese.
Por fim, Gomes, em 1892, resolve incluir um balabille ao fim do segundo ato,
por razões obscuras e de difícil entendimento.
Vê-se, então, que Gomes procedia com vários dos costumes de seqüência
elaborativa na composição operística da época e que seguia um meticuloso processo de
construção de seu produto musical.
Quanto à elaboração musical de Condor, identificou-se, através das
modificações propostas por Gomes no primeiro ato, ações composicionais com vistas à
condensação do discurso, reordenação da progressão harmônica e otimização do discurso
musical e dramático. Pela análise desses procedimentos identifica-se em Carlos Gomes um
compositor atento e cuidadoso com o acabamento de sua fatura, cioso da qualidade de seu
produto e, paralelamente, revela-se um compositor de inequívoca competência técnica em
seu métier. De fato, as condensações do discurso musical são coerentes com uma concisão
desejável não só pelo pouco tempo que dispunha para entregar seu trabalho como pela
proporção dramática da obra. A reordenação de progressões harmônicas revela um artífice
no uso da harmonia de forma criativa e à serviço do discurso dramático, o que se reafirma
depois quando Gomes otimiza o discurso dramático e musical, modificando
encadeamentos, melodias e proporções rítmicas exatamente para lograr um discurso
musical que atenda às necessidades da expressão dramática do libreto proposto. Nesse
sentido, convém expandir este comentário e referir que, não apenas em Condor, mas alo
longo de sua obra, Gomes utiliza procedimentos harmônicos interessantes e oportunos.
Entre eles se salientam relação de terça, o uso de acordes de empréstimo modal, a
modulação dentro do sistema de tônicas com harmonização em tríades maiores

318
(SLONIMSKY, 1997) e a relação cromática de mediante, como ocorre em Lo Schiavo,
Condor e, principalmente, na introdução do Colombo (Figura 189).

Figura 189 – Introdução da Primeira Parte de Colombo.

Ainda neste terreno, chama a atenção o tratamento harmônico admirável na

descrição do cenário marinho e de tempestade na terceira parte do mesmo Colombo (In alto
mare). Há o uso de uma sinuosa frase basicamente construída sobre a progressão de duas
tríades desdobradas onde o quinto grau da primeira se transforma o primeiro grau da
segunda e o retorno descendente, o conseqüente da frase, usando bordaduras e escapadas
que retardam a volta à fundamental e, ao mesmo tempo, acentuam a descrição das lufadas
de vento e o progressivo encapelar das ondas (Figura 190). Oportunamente, registre-se que
esse mesmo expediente irá ser usado por Benjamin Britten em ambiente similar, marítimo e
de tempestade, em vários momentos relevantes da ópera Peter Grimes (Figura 191).

Figura 190 – Colombo de Antônio Carlos Gomes. Parte terceira (In alto mare).

319
Figura 190 – Peter Grimes de Benajmin Britten.

Retornando aos aspectos específicos de Condor, os temas recorrentes e a

unidade motívica, ainda que não analisados nesse estudo com profundidade, são elementos
presentes nessa otimização do discurso musical e dramático e devem ser alvo de futuros
estudos.
Por fim, sendo de tema oriental e estando o assunto na ordem do dia do
melodrama italiano, Gomes não se furta à necessidade de atender este requisito na
elaboração musical de Condor. Entretanto, o faz de forma sutil e cuidadosa, optando por
não orientalizar sua musica de forma banal ou explicita, como faziam outros compositores
de sua época. Depreende-se que Gomes dominava os expedientes musicais orientalizantes
da época, isto é, as escalas de tons inteiros, as escalas pentatônicas, o uso do timbre do oboé
e as melodias de sabor modal. De fato, faz uso dessas tintas ao longo da ópera,
particularmente no segundo ato, mas o faz com parcimônia. Não há números orientalizados,
com danças, coros ou invocações melismáticas. A Marcha Tártara, único título oriental na
partitura, é musica convencional e em que Gomes não utiliza nenhum dos citados
expedientes. Como não poderia ser diferente, a dicotomia do discurso musical com estética
européia é mantido durante a maior parte da música, o qual é interrompido, ou pincelado,
melhor dito, de trato em trato, pelos expedientes orientalizantes. Esta dicotomia, diga-se de
passagem, é comum a todas as óperas exóticas contemporâneas a Gomes. Por fim, um dos
aspectos marcantes de Condor, enquanto ópera de temática oriental, é que ela foge do usual
padrão de suas congêneres por não conter, mais por obra de Mario Canti, a percepção do

320
domínio colonialista do europeu, da metrópole sobe a colônia. De fato, o tema de Condor
se limita à própria colônia e seus problemas são de ordem local. Ainda que os discursos dos
personagens, de forma subjacente, contenham todo o conjunto de representações sociais da
época, o enredo não incluiu a relação dominador/dominado. Neste sentido, esta é mais um
dos paralelos de semelhança entre Condor de Gomes e Turandot de Puccini.

Em conclusão, revela-se em torno da transcrição da partitura orquestral e dos

quatro estudos centrais deste trabalho, uma nova perspectiva para o entendimento de
Antônio Carlos Gomes dentro de um marco de evidências documentais e analíticas. Os
acertos e os erros são colocados à luz pelo processo isento da metodologia científica. As
conclusões pretenderam construir um melhor entendimento do homem e do compositor.
Como convém a uma investigação, abriram também caminho para novos questionamentos
que devem ser perseguidos. Ao serem estudados, eles poderão trazer novos esclarecimentos
sobre a obra desse brasileiro pouco estudado e, portanto, pouco compreendido.

321
323
REFERÊNCIAS25

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332
 Marcos da Cunha Lopes Virmond

Construindo a ópera Condor:

o pensamento composicional
de Antônio Carlos Gomes

Segundo Volume

CAMPINAS
2007
3
Anexo 1 – Características metodológicas adotadas no texto

A - Para fins de citações no texto, utilizou-se a seguinte referência para a altura de

notas:

B - As notas e tonalidades foram referidas por extenso, sempre em caixa baixa,

conforme consta em Oswaldo Lacerda1 (1966), isto é, dó maior, mi bemol maior, ré menor,
e assim por diante. Os demais termos e expressões musicais seguem, além da referência já
mencionada, o que recomenda o Dicionário de termos e expressões da música de Henrique
Autran Dourado2.

C - As referências bibliográficas e da internet seguem as normas da ABNT e a

formatação do texto atende as exigências do documento de normalização de teses e
dissertações da UNICAMP (2005).

1
LACERDA, O. Teoria Elementar da Música. 9ª ed. São Paulo: Ricordi Brasileira, 1966. p. 153.
2
DOURADO, H.A. Dicionário de termos e expressões da música. São Paulo: Editora 34, 2004. p. 384.

5
Anexo 2 – Carta genealógica de Manoel José Gomes

7
 Manuel José Gomes Antônia Maria de Jesus
∗ 1768-1775 +

Manoel José Gomes

∗ 1792 + 11/02/1868
Maria Inocência do Céu

Marciana Maria do Rozário

Maria do Carmo ∗ 1822 + Ana Thereza de Jesus
Manoel José Gomes Júnior ∗ 1827 + ∗ + 04/09/1831
Joaquim José Gomes de Santana ∗ 1830 +

Carlota Maria Gomes José Pedro de Sant’ Anna Gomes Manoel

∗ 27/02/1872 + 1872 ∗ 01/08/1834 +04/04/1908 José
Fabiana Maria Jaguary Cardoso
Carlos André Gomes Antônio Carlos Gomes Cardoso
∗ 29/01/1873 + 1898 ∗ 11/07/1836 + 16/09/1896 ∗ 1816-1818 + 25/07/1844
Francisca
da Costa
Mario Perí Gomes
∗ 10/10/1874 + 1879
Adelina Peri
Manuel José Gomes *. + 06/08/1887
∗ 06/09/1876 +

Ítala Vaz Gomes de Joaquina Amália ∗ 1854 +

Francisca Leite Morais
Carvalho Thomaz de Aquino Gomes ∗ 1858 +
∗ + 1948 Anna Luiza Gomes∗ 1866 +

9
1
Anexo 3 - Reconstrução de trecho não instrumentado por Gomes – terceiro
ato, cena última.

11
13
14
15
Anexo 4 – Transcrição musicológica da partitura orquestral de ópera Condor
de Antônio Carlos Gomes

17
A N T O N I O
CARLOS GOMES

CONDOR
Ópera lírica em três atos

partitura

2007

19
 Antônio Carlos Gomes
Campinas, 1836 – Belém, 1896

20
Em signal de gratidão

Dedicada ao Amigo

Theodoro Teixeira Gomes

Da Bahia

A. Carlos Gomes

21
 A. CARLOS GOMES

CONDOR
Opera lírica em três atos

Libreto de Mario Canti

Primeira apresentação
Teatro alla Scala, Milão, 21 de
fevereiro de 1891

23
 PERSONAGENS

Odalea, rainha de Samarcanda ..................... soprano

Zuleida, nomade ...........................................mezzo-soprano

Adin, pagem da rainha ................................. soprano

Condor, chefe das Hordas Negras ................tenor

Almazor, astrólogo caldês .............................baixo

Mufti ..............................................................baixo

Coros

Favoritas – membros da corte - povo

Comparsas

Lenhadores – armeiros – amas – pagens - Ulemas

A ação se passa em Samarcanda e seus arredores no século XVII

25
 INSTRUMENTAÇÃO

Original Recomendada

1 Flautim 1 Flautim
2 Flautas 2 Flautas
2 Oboés 2 Oboés
1 Corno Inglês 1 Corno Inglês
2 Clarinetas em si b e lá 2 Clarinetas em si b e lá
1 Clarone 1 Clarone
2 Fagotes 2 Fagotes

4 Trompas em fá 4 Trompas em fá
2 Cornetas em dó 2 Trombetas em dó
2 Trombetas em fá 2 Trombetas em si bemol
3 Trombones 3 Trombones
1 Tuba 1 Tuba

Tímpanos Tímpanos
Triângulo Triângulo
Bombo Bombo
Sistro ou metalofone Sistro ou metalofone

2 Harpas 2 Harpas

Violino 1 (divisi a três) Violino 1 (divisi a três)

Violino 2 (divisi a dois) Violino 2 (divisi a dois)
Viola (divisi a dois) Viola (divisi a dois)
Violoncelo Violoncelo
Contrabaixo Contrabaixo

26
 INDICE

Prelúdio ............................................................................................ 357

Primeiro Ato
Cena 1 – Nel regno delle rose (Adin) ................................................ 377
Guardalo, miralo (Adin e coro) ......................................... 397
Cena 2 – Ciel! Che mai fia! (Coro, Adin, Odalea, Alamazor)........... 410
Achila pellegrina (Condor) ................................................. 428
Cena 3 – Ebben. Che fu? (Odalea, Condor) ....................................... 436
Era del Gran Perdono il sacro di (Condor) ......................... 447
Dagli ochi suoi fatali (Odalea) ………………..….........-.... 463

Segundo Ato
Cena 1 – No! è ver! (Coro) ................................................................... 128
Già l’alba appar (Almazor e coro) ........................................ 148
Cena 2 – Monologo de Zuleida ............................................................. 152
Arme e corsier (Condor) ....................................................... 166
Cena 3 – Soccorso alla Regina (Coro) .................................................. 182
Macia Tártara ........................................................................ 197
Balabille ................................................................................ 201
Il mio liberator (Odalea) ....................................................... 239
Il sangue dei profeti (concertato) .......................................... 249

Terceiro Ato
Notturno ................................................................................................ 277
Cena 1 – Vampe! Folgori! (Odalea) ..................................................... 285
Monologo (Odalea) ................................................................ 298

27
 Cena 2 – Quarteto (Adin, Almazor, Condor, zuleida) .......................... 309
Cena 3 – A chi minacci? (Odalea, Condor) .......................................... 342
Ah! Contemplar m’è dato (Odalea, Condor) ........................ 365
Morte a Condor! (Coro, Odalea, Condor) ............................. 371

Nota importante:
Esta cópia é para uso exclusivo como ilustração e consulta
complementar ao texto da presente tese, não se considerando ainda como
versão definitiva da transcrição musicológica da partitura orquestral de
Condor de Antônio Carlos Gomes.

© Marcos da Cunha Lopes Virmond, 2007

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