Historia del Arte de las Vanguardias

a la actualidad.

2 preguntas de artes plásticas y una de arquitectura (Iván)

4 imágenes de artes plásticas y 2 de arquitectura
Examen 70% de la calificación final
Trabajo obligatorio de pintura o arquitectura (iván): 10 páginas
ÍNDICE

1. Los inicios de las vanguardias históricas. Primitivismo, Fauvismo y

Expresionismo.
2. Cubismo y Futurismo.
3. Vanguardia, utopía y revolución. Las vanguardias rusas. De Stijl o
Neoplasticismo. La abstracción geométrica.
4. Dada y Surrealismo en la vanguardia de entreguerras
5. Realismos y figuración. Arte y política
6. Protorracionalismo y Vanguardias
7.
Tema 1. Los inicios de las vanguardias históricas. Primitivismo, Fauvismo
y Expresionismo

Primitivismo no es en sí una tendencia artística de vanguardia sino una fusión y una

forma de plantear la producción artística y una manera de refutar la propia tradición
artística reclamando inspiración de fuentes imaginativas no civilizadas.
El fauvismo es una tendencia artística es una tendencia artística francesa con un
recorrido muy corto y el expresionismo en Alemania con un recorrido más largo.
Motivo externo para estudiarlos a la vez; el uso del color que tienen ciertas similitudes.
El color como protagonista de la pintura tiene connotaciones que apuntan hacia lo
intuitivo y lo expresivo y en definitiva hacia impulsos no específicamente racionales. El
fauvismo es una corriente que puede considerarse expresiva mientras que la mayor
parte del expresionismo sus rasgos distintivos son también el color exaltado y la
aplicación libre e intuitiva de la pintura y el proceso de elaboración.
En el año 1905 tiene repercusión pública una serie de pinturas que se exponen en unas
plataformas de exposición conocidas como el salón de los independientes. Eran las
alternativas de carácter innovador con respecto a los salones tradicionales de carácter
oficial. La cultura artística francesa tiene un recorrido más extenso, esta doble forma de
presentar las obras de arte se está gestando desde mediados del siglo XIX, desde los
impresionistas y cuando se crea el salón de los rechazados en la década de 1880. A
finales del siglo XIX estos dobles espacios (salón de los independientes y salón de
otoño) están bastante consolidados, donde los grupos de vanguardias exponen sus obras,
en esos salones no había ni jurado o selección o bien el jurado o comité de selección
eran bastantes afines y favorables.
A mediados de 1905 en una ciudad alemana un grupo de artistas jóvenes se reúnen para
formar una comuna bohemia de fusión de arte y vida de la juventud rebelde contra el
carácter anquilosado de la sociedad de su época y se llama El puente; este es el germen
del expresionismo artístico.
En el salón de otoño de 1905 había un grupo de artistas cuya personalidad más
importante era Matisse y ellos veían que tenían unas características comunes y
consiguieron exponer juntos en una sala y pusieron en medio de la sala una cabeza de
tipo donatelliano. Es un tema recurrente los términos que señalan a los movimientos de
vanguardias suelen ser bastante arbitrarios, a un cítrico llamado Vauxcelles se le ocurrió
decir que estas obras eran de fieras que rodeaban a esa cabeza de escultura donatelliana
(Donatello entre las fieras) y la prensa lo llamo la sala de las fieras (fauve: fieras).
Los grupos de artistas se unían para generar un mayor impacto y hacerse visibles,
comparte características afines a las estrategias comerciales. Tenemos a los artistas que
comparten unas características innovadoras con respecto al discurso artístico tradicional
y comparten un cierto modelo de innovación dentro del propio mundo artístico en el
que se mueven lo suficientemente evidentes como para proporcionar una identidad. La
identidad del grupo fauvista no es tan fuerte y rígida, ellos se mueven en el debate
artístico innovador de la época y se mueven en la órbita de la continuidad y el
desarrollo del impresionismo, se llamará después postimpresionismo. Sus trayectorias
eran muy individuales entre sí y dejaron de exponer en conjunto muy pronto (1908), el
movimiento duro un par o tres años. No tiene apenas producción teórica detrás, con la
excepción de un texto de Matisse llamado Notas de un pintor que explica cómo se
comporta él y lo que hace cuando pinta, pero no es una declaración de principio del
grupo, es el texto que mejor detalla el ideal artístico de Matisse.
Era un grupo de pintores que no estaba muy cohesionado, de los cuales el más
significativo es Henri Matisse y en el siglo XX se convirtió en uno de los líderes de la
vanguardia francesa parisina, el otro que empezó a hacerlo más tarde fue Picasso. Y en
el siglo XX tuvieron una relación de rivalidad-amistad que los convirtió en los
personajes más importantes del arte europeo.
Nos centraremos en la obra de Matisse y en la obra de otros dos pintores (de manera
secundaria) que se llamaban Andre Derain y Moris Vlaminck. Interesa reseñar que
participo en las exposiciones que reunieron a los pintores fauvistas George Braque,
que tuvo una fase fauvista.
Fue un impacto cara al público en una exposición pública con un nombre casi comercial
dado por un crítico, en las revistas y la prensa en general.
Un cuadro que no estaba en esa exposición de otoño pero si fue presentada en el salón
de los independientes en el año anterior, Luxe, calme, volupté es un verso de un poema
de Baudelaire. Es una comida en el campo con unos desnudos como ninfas y el
tratamiento pictórico está basado en la utilización de una pincelada que transmite y
deposita sobre el lienzo fragmentos de color saturados y puros en forma de bloques de
color que se han comparado con las teselas de los mosaicos. Esto viene del
neoimpresionismo, sistema de pintura basada en pequeños puntos de color puro
colocados juntos con la intención de crear una impresión en la retina en el que destaca
Seurat y su legado fue continuado por Signac, que llego a la conclusión de que el
sistema impresionista no tenía sentido descomponer la luz del sol para luego
recomponerla con puntos de color en la retina, creía que eso no tenía sentido y se quedó
con la parte de que se tenía que utilizar los colores puros.
Signac no utilizo la técnica puntillista sino que utilizo la técnica de colocar pequeños
cuadrados. Estableció la primera línea genética de evolución de la pintura moderna que
según él empezó con Delacroix, el que empezó a utilizar los colores puros según él.
Esta vanguardia estaba sustentada por un grupo de artistas automarginados con respecto
a las corrientes tradicionales que defendían por medios radicales, que les hacían
emparentarse con la radicalidad política de la época, en realidad la vanguardia artística
está muy relacionada con las vanguardias políticas. Grupo de artistas con una intención
de luchar contra el arte oficial-lucha política alternativa radical contra el poder
establecido con intenciones revolucionarias. En esa época el radicalismo político era el
anarquismo y sobre todo el que interesaba a los artistas. El neoimpresionismo fue un
grupo de vanguardia que tenía un ideario político radical de izquierda. Esto no está
exento de contradicciones.

A. Derain Barcos en Colliure o Torre del Bigben.

En Colliure se estaba desarrollando una pintura en esas prácticas neoimpresionista que

presenta un aspecto que se está separando de las intenciones más realistas o naturalistas
del impresionismo. La importancia del fauvismo en los inicios de la pintura del siglo
XX es que fue la pintura que recapitulo la esencia del impresionismo y las diferentes
direcciones que había tomado la pintura impresionismo a través de las corrientes que
conocemos como postimpresionismo para crear una síntesis que corto los lazos que la
pintura impresionismo tenía con el realismo y el impresionismo.
Sintetiza cuatro líneas fundamentales de eso que se conoce como el postimpresionismo.
En 1911 se montó una exposición en la que se dio nombre al postimpresionismo
acuñado por Robert Fry y fue reelaborado críticamente para designar la producción
pictórica y la dirección a la que llevaron las premisas del impresionismo cuatro grandes
continuadores del impresionismo que con el tiempo fueron considerados padres de la
pintura moderna: Seurat (neoimpresionismo), esto fue reelaborado por Signac con unas
diferencias fundamentales, los cuadros originales del os que parte el fauvismo, Signac
pensaba que lo que Seurat había pensado del tratamiento de los colores puros no debían
de fusionarse en la retina, lo que se prefiere es el color puro en sus relaciones (armonías
cromáticas) relaciones de colores puros con los cromáticos (rojo-verde por ejemplo).
Los lazos con la representación naturalista se van aflojando cada vez más.
La segunda línea es el simbolismo de Gauguin. La tercera línea el postimpresionismo
expresionista de Van Gogh y la cuarta línea es el postimpresionismo constructivo de
Cézanne. Van Gogh va a ser clave en la gestación del expresionismo alemán.
Gauguin es el germen de los distintos primitivismos y también de la concepción del
cuadro como un conjunto autosuficiente de carácter decorativo. La mayor parte de la
pintura moderna parte de la convicción de que estos pintores que o murieron jóvenes
como van Gogh o bien se habían ido a la otra punto del mundo como Gauguin o se
habían aislado en su pueblo natal como Seurat. De todos ellos se estaba reciclando su
legado a través de exposiciones y escritos que lo transmitían.
Esta síntesis es la que conforma el fauvismo y Derain y Matisse pasaron el verano en un
pueblo del Mediterráneo que precipita que se expongo una serie de obras en el salón de
otoño de 1905. Se dice que la luminosidad del Mediterráneo por la luz tan fuerte y el sol
tan cegador fue un estímulo para ir desarrollando la mayor parte de las sutilezas ópticas
del impresionismo e ir creando una pintura de un tipo mucho más directo donde lo que
predomina es la sensación que se tiene ante el espectáculo de los veleros y la playa, etc.
las horas de mayor luminosidad y esa sensación traducirla y representarla ene l cuadro
de manera más sintética y simplificada posible.
Esto llevo a que los colores fueran usados de manera cada vez más arbitraria y con un
grado mayor de saturación, con un timbre cromático cada vez más elevado y por medio
de procedimientos pictóricos en los cuales ellos iban fusionando a los diferentes artistas
del postimpresionismo. El procedimiento más utilizado es el cuadrado pequeño de color
saturado con origen en el neoimpresionismo, esos cuadraditos van concentrándose más
para ir consiguiendo zonas de color cada vez más uniforme dejando ver el blanco y
mezclando con zonas de color más uniforme era uno de los legados trasmitidos de
Gauguin y van Gogh.
El color va a adquirir un protagonismo cada vez mayor que va a causar un impacto en el
espectador, aunque los colores también van a seguir teniendo protagonismo. Esto no
reproduce la luz solar sino que hace una equivalencia. Este tipo de pintura cuando
estaba dedicada al paisaje resultaba aceptable porque desde el impresionismo se había
ido acostumbrándose a que los tonos entrasen en un tono secundario y se podía permitir
que hubiese un grado de arbitrariedad para crear una equivalencia cromática o una
sensación.
El cuadro de la ventana abierta de Matisse combina verdes violetas y amarillos para dar
la sensación de la penumbra de la habitación en la que se abre la ventana mientras que
el tratamiento de pincelada más corta y evidente va creando una equivalencia de
gradación lumínica para recordar con medios pictóricos no descriptivos de una ventana
abierta en una tarde de verano frente al mar. Otra cosa seria cuando este tratamiento
pictórico se traslada a la figura humana, donde el impacto es mayor y la recepción no es
tan positiva, resulta algo muchísimo más chocante.

Denis y Bernard eran dos críticos que estuvieron en contacto con Signac. Hicieron una
síntesis del postimpresionismo. La utilización del color nos remite al impresionismo. La
figura de Cezanne era el cuarto gran padre fundador de esta síntesis donde más se
podían apoyar para alcanzar esa síntesis, porque Cezanne partiendo del impresionismo
había aplicado todas las opciones sobre cómo debía actuar un pintor trabajando delante
del motivo y partiendo de las primeras impresiones, de la forma en cómo se percibía y
como se debía de traducir eso en un lenguaje pictórico en el que principal característica
era la resaltación del color y la utilización de la luz.
Todo lo que contenía Cezanne lo llamo mi pequeña sensación organizar la sensación
para que no quedara de una manera muy espontanea al pintar rápido esa primera
impresión, sino que aquello debía de ser una cosa sosegada, la primea sensación, pero
luego hay que organizarla. Eso llevaba a muchas variantes y una de las primeras cosas
que se perciben en las pinturas del fauvismo es un mosaico de colores impresionista,
pincelada pequeña y rápida más bien gráfica y las zonas de color, que pueden ser
contiguas o pueden estar estableciendo relación a una cierta distancia.
De una manera o de otra esto se va a ir decantando sintetizando, pero lo primero que se
perciben en esta fase fauvista es que los cuadros no están hechos de manera uniforme.
Hay una mezcla, esos cuadros que se extienden en 1905 en el que se dan estas
circunstancias y se combinan diferentes notaciones pictóricas se llaman fauvismo de
técnica mixta. Pero el influjo de Gaugin, que Matisse tuvo la oportunidad de ver sus
cuadros y también las exposiciones de Alemania y el hecho de que Denis y Bernard que
ahora eran críticos propiciaban los cuadros realizados a base de manchas de color cada
vez más saturadas y con menos modulación.
En origen se remite a la imitación de la técnica medieval con zonas de color uniforme
separadas por trazos negros bastante gruesos que hacen como compartimentos, ellos se
habían inspirado en la técnica del esmalte. Eso era una forma pictórica que se separa de
los motivos naturales que no tiene fin la imitación y que es abstractiva ante la
naturaleza, no tiene una finalidad naturalista.
Ese tipo de tratamiento pictórico de colores muy planos conduce a desafiar a los trucos
de la perspectiva y de la sugerencia de la profundidad de los cuadros y a acentuar la
superficie del cuadro y acentuar una característica que los pintores de la época valoran
de forma muy positiva que es el carácter decorativo que se fusiona con una imagen
visual de técnica impresionista que es la estampa japonesa que tiene mucha influencia
en el diseño gráfico moderno porque se considera que esa forma de colores planos con
figuras muy planas tiene impacto en la litografía.
Esa síntesis la van a llevar a cabo los fauvistas y la van a aplicar en una pintura con
motivos que no se alejaban mucho de las preocupaciones pictóricas de la época, con
paisajes del placer y de lo ocio, de la incipiente cultura de las vacaciones.
Se va a aplicar también a otros motivos que son tanto más o menos representativos
como el retrato y otra línea de temas con carácter más imaginativo relacionado con la
forma como se perciben estas estancias fuera de la ciudad fueran en la naturaleza.
Desnudos en la naturaleza remiten a la temática
clásica.
Mujer con sombrero, Matisse.
El famoso Mujer con sombrero de Matisse, la
gente se encuentra de pronto con un retrato de
una mujer con sombrero cuyo rostro está tratado
de forma muy esquemática que parece más una
máscara que un rostro rodeado por completo lo
que parece la paleta de un pintor loco. Da una
pista sobre como pintores como Matisse están
más pendientes de lo que se hace en el cuadro y
de la lógica del cuadro entre los colores que en que aquello se corresponda con el
motivo con fidelidad.
Cuando algunos decían que parecían obras de un niño con todos los colores que tienen.
Cuando Vlaminck pintaba una calle de un pueblo cercano a Paris como Restaurante La
Machine, esa calle soleada se convierte en un rio de lava amarilla y todo el conjunto
está cargado con pinceladas saturadas de pasta y con colores muy puros tal y como
salen de los tubos de oleo da la impresión de que es una pintura muy espontanea que
depende de una sensación muy inmediata y que se intenta reproducir esa sensación de la
forma más inmediata posible. Vlaminck decía en sus memorias que utilizaba los colores
como si fuesen cartuchos de dinamita, su potencial
dependía de la expresividad muy acentuada que se podría definir como violenta en
términos visuales.
La espontaneidad la intuición, lo instintivo y la actuación directa era algo bastante
extendido como forma de actuación en la época. Esa forma de hacer pintura equivalía
en ese imaginario a actuar de forma violenta contra las convenciones artísticas de tipo
académico por parte de artistas de la vanguardia, que se ve como avanzadilla contra el
orden artístico establecido, la convencionalidad académica. Los ambientes artísticos
alternativos y desclasados llamados la bohemia artística era como una relación con
gente de mal vivir en todos los ámbitos del término de la época, entre los que se
encontraban los anarquistas.
El anarquismo de la época está asociado a la acción directa y es terrorismo en sentido
estricto del término y la violencia como instrumento político. Esto es más metafórico
que real, aunque en algunos casos Vlamicnk se plantea desde esta perspectiva. Estos
cuadros hoye en día resultan más decorativos y atractivos y ellos tenían más intereses
que lo puramente artístico y decorativo pero formaba parte de ese imaginario el
acentuar esa fuerza vital de la naturaleza que podía derribar los muros de la convención
artística.
Conforme pasa el tiempo la pintura fauvista pierde gran parte de esa expresividad
violenta resaltada y original traducida en la forma en que pintan, por ejemplo la pintura
con mucha pasta pictórica en la que la forma de aplicar sobre pincel la pasta se percibe
bastante bien y se remite a la pintura de van Gogh. Aquello se va calmando, Matisse no
era ningún revolucionario anarquista ni tampoco Vlaminck.
El proceso va por que siguiendo profundizando en la extensión de las tendencias
posimpresionistas, los aspectos más puramente formales de composición y de armonía
cromática y de dibujo y equilibrio cada vez ocupan una posición mayor. Esto lo explica
Matisse en notas de un pintor y Elderfield a medida que los cuadros van siendo cada
vez más superficies de color ordenadas en torno a un criterio cromático habla sobre una
segunda fase del fauvismo, habla del fauvismo de colores y superficies planas. Incide en
dar protagonismo absoluto a ese componente de la pintura.
Denis decía que un cuadro, antes que una mujer desnuda o un callo es una superficie de
colores en un cierto orden. Pone en segundo plano lo temático y se centra en los
aspectos puramente formales, describe con bastante propiedad cual va a ser la intención
en la pintura fauvista.
Matisse, La raya verde, 1905
Muestra como Matisse supera esas
manchas de color de pincelada nerviosa
que daban sensación de inestabilidad
óptica y sigue el camino de esa forma de
pintar que conduce a una organización en
superficie del lienzo con zonas de color
diferenciados y que interactúan en cierta
distancia por lo que la inestabilidad óptica
se rebaja. Se relacionan las zonas de color.
Evidentemente había un campo temático
en que la fuerza y la tendencia abstractiva
que tiene esta pintura resultaba bastante
más libre. Son cuadros que dependen de la
imaginación, son impresiones de
determinados motivos de la naturaleza
pero que están poetizados convertidos en
lugares de la imaginación, no porque no
procedan de un experiencia inmediata, es
una cosa que se viste de unas escenas en las que aparecen grupos de desnudos
femeninos retozando en la naturaleza y abandonándose al puro placer y la búsqueda de
una cierta dicha tiene que ver con la vida moderna del habitante de la gran ciudad que
busca de vez en cuando este contacto. Poesía bucólica y las geórgicas.
La vía de lo que se puede llamar la alienación del trabajo y de la vida plena. Es un tema
que es muy apropiado para que los cuadros tengan las sensación de ser totalmente
imaginativos y productos muy abstractos que no tienen nada que ver con la experiencia
directa del natural. Cuando Matisse continúa con estos temas y aparecen cuadros como
La bonheur de vivre, que son recorridos por trazos
de líneas sinuosas de forma decorativa y
ondulante, conocidas
como arabesco.
Artificiosa.
Se considera que Matisse
está dejando de al lado la
naturaleza y su evolución
se va acercándose más a
la abstracción. Matisse tuvo siempre en mente la posible sensación que luego se
desplazaba al cuadro aunque finalmente tuviera un resultado bastante imaginativo pero
la verdad es que en un sentido más radical o menos es que los cuadros se construían de
una forma aparentemente muy abstracta partiendo de unas relacione cromáticas
definidas entre si no impedía que muchos de los temas que podían tratarse estuvieran
asociados a cuestiones de carácter cotidiano. La bailarina del Rat Mort de Derain era
un tema muy cotidiano. Acogió un tema muy de moda en la época. Superficies de color
que se relacionan entre si. La postura ocupa el mismo lugar que ocupaba el retrato de la
Raya verde. La recepción asociada del primitivismo y de Cezanne oriento de manera
bastante claro la pintura fauvista sobre todo la de Matisse, aunque algunos fueron fieles
a la temática y motivos posimpresionista, sobre todo en el caso de Matisse. El
protagonismo del color es tan evidente que llegaría a invadir todo el conjunto.
El descubrimiento de lo primitivo fue un hecho fundacional del primer arte de
vanguardia del siglo XX cuyo hito principal se estudia generalmente en la gestación de
cubismo con las Señoritas de Avignon de Picasso, pero es algo que atraviesa las
aspiraciones artísticas de casi todos los artistas de vanguardia de la época. En este caso
fue Blamin el que descubrió las mascara africanas y que se las enseño a Derain y por el
las conocieron Matisse y Picasso.
Los artistas de la vanguardia europea, sofisticados, se interesan por máscaras africanas
que no están expuestas como objetos dignos de atención, sino que encuentran en
mercadillos callejeros. Esto forma parte del expolio colonial, el África recién
compartida entre las potencias europeas y todo esto está llegando como un subproducto
de esta conquista y de este expolio.
El reparto y ocupación de África por las potencias coloniales europeas se presenta como
una acción civilizadora, esto se supone que va a mejorar su vida y las potencias
coloniales europeas en el ámbito de la cultura en un espectro colonialista de
superioridad cultural con la intención de llevar a cabo una acción civilizadora y a
cambia de ello aparecen estos productos de máscaras, estatuillas, etc. que se asocian a
creencias primitivas, mágicas y misteriosas con mucha imaginación ligadas a escenas
de muerte canibalismo y ceremonias bárbaras.
La forma como los artistas occidentales interpretan y estetizan los productos visuales de
las culturas primitivas, hablamos del término primitivo que tiene la connotación de la
superioridad cultural, pero ese carácter primitivo no civilizado ya con Rousseau con el
buen salvaje y con la ilustración en general es algo que se interpreta como una fuerza o
pulso que va a ayudar a transforma el arte. Se sabe que en términos sociológicos que el
naif o no cultivado funciona como criterio de distinción en el gusto del burgués
sofisticado.
Se percibe como la continuidad o el fin de una tradición que se perciben como cansada.
En estas fuentes primitivas la cultura propia puede revitalizarse o rejuvenecer. Unos
artefactos visuales y culturales que se desentendían por completo de las convenciones
artísticas occidentales de verosimilitud o modelado y que presentaban una estilización
bastante radical, la máscara es la simbolización del rostro y de la estilización, esto se
puede entender incluso con signos lingüísticos con un signo para la nariz, ojo, etc. esto
resulta muy atractivo.
La fuente era tridimensional (mascaras estatuillas) y esto había que casarlo con la
aspiración al carácter plano y decorativo de la pintura fauvista con una exaltación de
lo plano con el cubismo.
Las máscaras con estilización de rasgos asociadas a desnudos en la naturaleza a partir
del cuadro de Las bañistas de Cezanne al que admiraban profundamente, la naturaleza
y el desnudo saliendo del agua que se asociaba a
temas míticos como venus. Todo esto es un
coctel que une la atracción por lo primitivo y la
admiración por la pintura de Cezanne e incluso
el crear cierto sentido de la tridimensionalidad
por medio de las zonas de color formando
facetas y la reformulación de temas clásicos
como el desnudo femenino tumbado, que tiene
su origen en las venus renacentistas que había
sido revitalizado por Manet en el almuerzo
campestre ya ahora se volvía a continuar elaborando.
Muchos de estos cuadros, a pesar de tener un tema con bastantes connotaciones de tipo
erótico y de presentación estetizada con el cuerpo desnudo sufren unas
transformaciones bastante notables debido al impacto de las figuras de origen africano,
que no tienen el atractivo estético.
Matisse, Desnudo azul, 1906.
Cuando se hacían ejercicios sobre
el desnudo femenino como el
Desnudo azul de Matisse de 1906
de un viaje Biskra, está teñido de
azul por influencia de los hombres
del desierto tuaregs, desde la
mirada erótica masculina el efecto
es totalmente contrario porque el
cuerpo está dispuesto en unas
posiciones inverosímiles y el rostro
tiene el aspecto de una máscara
africana. Una venus expuesta a la
mirada masculina. En un contexto exótico donde el color azul remite a las tribus del
desierto. Conecta el cuadro con las palmeras. Resuelve la dificultad de la volumetría y
solidez de insertarlo en un espacio plano. La fuerte distrosion del muslo y la nalga para
hacer lo posible de ceñir al plano.
Al mismo tiempo el tratamiento del rostro con forma de mascara produce un proceso
que trata un tema tradicional deserotizado. Matisse va a seguir coqueteando con los
influjos africano, buena parte de las significaciones de sus cuadros se deben a esta
fuente no lo somete a un cierto proceso de un nuevo de estetización.
Simplificación radical que va a cumplir una serie de fases a lo largo de los años , lo
hace a través de una doble vía, por un lado cuadros de grandes dimensiones con
motivos imaginativos normalmente resueltos por medio de grandes figuras femeninas y
masculinas en unos espacios pictóricos bastante indeterminados y por otro lado en otros
motivos de carácter muchos más cotidianos con escenas de interior o bodegones en el
cual se acentúan los aspectos decorativos de los cuadros de Matisse por la vía de
desarrollar esquemas ornamentales de carácter repetitivo, que tiende hacia la
abstracción.
Matisse, Luxe I y II, 1907/1908

Esa mezcla es al que define la primera fase madura de la pintura de Matisse. Luxe I y II
de 1907 y 1908, desnudos femeninos en una paisaje de mar y montaña con
reminiscencias claras a la bahía de Colliure y esto continua en las grandes obras
decorativas realizadas para l mecenas y muso Sergei Shchukin en 1911, se produce
el cambio de escala.
Buena parte de la evolución de Matisse, clausurado el Flauvsimo. Se realiza el
impulso por hacer obras de gran aliento y formato emulando la majestuosidad y
grandiosidad la acentuación de las superficies de la pintura mural.
Pintura diluida y frotada, rastrol del pincel. Todo se reduce a manchas de color
bastante uniforme y la línea. Con un aspecto decorativo que rmeite al modelo de la
línea libre, el arabesco.
Cuadros concebidos con finalidad decorativa para la escalera del palacio con grandes
dimensiones. Donde aparecen temas míticos e imaginativos sin precedentes y la
teoría de los campos de color masivo se lleva a una de sus conclusiones lógicas.
Matisse, La danza
Son cuadros de grande s
dimensiones de tamaño mural
pero reducidos a los mínimos
elementos:
La danza y La música, tienen
unas figuras danzando en
corro situados en un espacio
indeterminado en dos zonas
inmensas de color en verde y
azul que remiten a la
conjunción el cielo y de la
tierra y es como la danza con cierto frenesí con la sensación de estar
elaborando sonidos primigenios o con los instrumentos musicales o con la
boca.
Son difíciles de percibir porque nos enfrentamos a paredes de color donde es
prácticamente imposible profundizar y donde el color se expande hacia los
extremos laterales. Las composiciones de carácter más ornamental que con
frecuencia dependen de los dos elementos, del color masivo satura y la
reacción de ese color con los demás elementos de la pintura y con el
desarrollo de unos motivos ornamentales de carácter fundamentalmente
lineales y repetitivos que tienen la sugerencia de cuando uno se enfrente ante
una ornamentación reiterada pero que ejerce un poder de fascinación con
carácter casi innatico y su inspiración es la decoración islámica. Sintió
reforzado en ese aspecto cuando asistió a una célebre exposición en Múnich
dedicada al arte islámico y posteriormente remacho esa inspiración con el
viaje que hizo por Sevilla y por granada. Los cuadros mezclan esas dos
formas, los campos de color y la decoración que comprometen la
percepción.
Zonas de color unifomre. Separación entre el cielo y la tierra sobre la base de una
división artifiial marcada por el color, en este caso el verde y zul y unas figuras humana
squ eestan desarrollando unos momentos de expresión.
Matisse, La música
Pintura con intención de crear un mundo
óptico y decorativo que no pretendía
producir un golpe fuerte sino que fuese algo
relajante y calmante y que el ojo se detuviera
en el resultado ornamental. El color y la línea
están pensado para la pintura mural.
Contradicen las practicas habituales de la
pintura decorativa de la época. Matisse en
Notas de un pintor empezó a utilizar la palabra expresión, pero que la expresión era la
forma de disponer de forma decorativa y armónica los elementos de la pintura. La
simplificación es extrema pero es el resultado de un modelo de composición d ela s
formas y de los colores que es directamente expresivo. No es una expresión de tipo
emocional como la que aparece en el expresionismo, sino una expresión del sentimieno
del artista ante la naturaleza o el motivo representado.
Armonia en rojo
El concepto de expresión y su derivado
expresionismo fue el que se terminó acuñando
para definir de forma genérica casi todo este
tipo de pintura, donde se percibía que la pintura
había sido hecha de manera muy rápida,
intuitiva y que estaba realizada a golpe impulso,
esto está desmentido por la práctica y teoría de
Matisse pero los artistas alemanes de la
vanguardia histórica francesa lo terminaron
haciendo suyo y le dieron el término de
expresionismo. El expresionismo es constante
en Alemania.
Matisse que se vio muy influenciado por el mundo islámico y su celebre viaje a
Andalucía y granada, muestra como le sistema pictórico que el de alguna manera fija en
esta época tiene dos componentes fundamentalmente, uno de ellos es el color hasta
hacer del cuadro una pantalla de color y la proliferación ornamental y deocrativa que de
alguna manera hace que le ojo no pueda fijarse en un sitio en concreto.
Aquí una cada está arreglando una mesa cubierta por un mantel rojo que coincide con la
decoración de un papel pintado y hace que con la ayuda del rojo no se pueda distinguir
claramente el primer plano y el fondo. aunque a través de la naturaleza muerta nos
traduzca una sensación de profundad. Mezclados con planos ornamentados.

Expresionismo

El término alemán de expresionismo es un préstamo del francés. Esto indica que tiene
ese origen.
En 1905 en julio algunos artistas empiezan a agruparse según estos parámetros de
grupitos de vanguardia ponen en marcha este modelo cultural que vamos a terminar
llamando expresionismo. Alemania no era un país donde la capital no ocupaba entonces
lo mismo que para parís a Francia.
El primer grupo del que va a participar el expresionismo que es Die Brücke en Dresde.
Hay un grupo de artistas que se habían conocido como estudiantes de arquitectura en la
escuela de Dresde, que era una de las grande capitales culturales de Alemania y con un
enorme patrimonio histórico artístico y era la capital de uno de los estados federados
que era el reino de Sajonia. Se presenta como un grupo de jóvenes de terminan los
estudios de arquitectura y se ponen un empeño o meta que es trasformar la cultura
alemana. Tópicos de artistas que se pueden etiquetar como características de ese
ecosistema de vanguardias, tópicos de la fe en el progreso, el llamamiento a la juventud
y la lucha contra lo antiguo o caduco. La fuerza que le s va a conducir en ese empeño es
el impulso creativo. Tacos de madera tallados y luego entintados y posteriormente
impresos, un procedimiento de tipo grafico que tiene dos características que a ellos les
resultan muy atractivas; tiene un aspecto primitivo, tosco, la entalladura en madera con
instrumentos de carpintero y además tienen unos tipos gráficos que tiene una apariencia
angulosa que por tanto tiene una reminiscencia nacional alemana y esto se traduce en
figuras esquematizadas con fuertes contrastes de blanco y negro y muy poca
modulación, bastante planas y donde uno puede sentir el origen del progreso. Esta
xilografía de Kirchner es como una especie de cartel o programa de mano de una
exposición del grupo KG en una galería de la ciudad llamada la galería Arnold. No se
juntan solo para hacer las exposiciones sino en una comunidad.
Grupo artístico que tiene unas determinadas intenciones, no se habla todavía de
expresionismo porque ese tema es importado. Connotaciones alemanas, que entronca
con la opinión de los críticos con una tradición artística propia, no naturalista, expresiva
en la cual la expresión emocional es una característica propia del espíritu alemán.se
fusionan con los procesos de renovación artística que está en marcha en la Europa del
siglo XX. Esa renovación artística tiene una fuerte impronta francesa, el arte ha
avanzado en la secuencia impresionismo, posimpresionismo que tiene su origen en
Francia. Las características de modernidad proceden de esas fuentes francesas. La
manera de estos influjos de a pintura de origen francés se le van dando características
propias en las que prima el aspecto expresivo que no conecta con el naturalismo sino
con la expresión libre del espíritu, del interior del ser humano y como esto se proyecta
la forma artística es la esencia del expresionismo. A la hora de representar el mundo
artístico lo hacen de manera armónica. Viven en comunidad. Al mismo tiempo
establecieron una red de apoyos en los cuales contaba con un papel importante obras
como esta. Unas carpetas que les adquirían unos personajes de miembros pasivos del
grupo, que pertenecían a la burguesía ilustrada, críticos… estas carpetas de grabados se
vendían por suscrición.
E.L Kircher. Cartel para la Exposicion de Die Brucke en la
Galeria Arnold, Dresde 1910.
Al mismo tiempo establecieron una red de apoyos en los cuales
contaba con un papel importante obras como esta. Unas
carpetas que les adquirían unos personajes de miembros pasivos
del grupo, que pertenecían a la burguesía ilustrada, críticos…
estas carpetas de grabados se vendían por suscrición. Es la
sintonización de rostros con máscaras. Se realiza con formón
para hacer trazos en relieve que luego van a ser entintados. No
tiene la misma naturaleza representativa inventados después.
Xilogragrafia. Grandes superficies. Contrastes muy fuertes,
contornos, deformación…
Está muy connotado por ser alemán. Cuando hablamos de expresionismo como
movimiento le estamos dando una impronta alemana. Progresivamente se vuelven más
nacionalistas, esta atmosfera va creciendo, aunque en origen no tiene intención de ser
nacionalista. Hay una búsqueda de un componente propio, por ejemplo el grabado con
xilografía, se le enlaza con la tradición gótica alemana. Es un medio que expresa una
intención de primitivización, rechazo de un arte característico de una sociedad
civilizada y unas formas artísticas muy depuradas en su intención de representar la
realidad pero la primitivización difusa que hay en la vanguardia reclama dejar un poco
de lado las sofisticaciones artísticas en la representación e ir hacia un tipo de arte más
directo y tosco pero más auténtico. Búsqueda de la autenticidad, de un espíritu más
genuino. Cuando estos artistas crean un grupo, el puente, y pretenden desarrollar un
programa muy difuso basado en el impulso creativo buscando lo original, vuelta a los
orígenes humanos porque lo instintivo es mucho más verdadero que lo racional.
Dejan de lado los modelos académicos, hacen un acto de rebeldía y esto se traduce en la
formación de una comunidad artística en la que se pretende hacer arte al mismo tiempo
que se vive, alejándose de la sociedad y buscando las auténticas fuentes de la creación
artística. Tienen también interés en difundir su producción artística y alcanzar un éxito
que no es el de las exposiciones tradicionales, peros i el apoyo de las galerías
independientes que se están formando que introducen mucho arte de origen francés en
Alemania, intentos por parte de determinados gobiernos regionales, el apoyo existen por
parte de sectores de la sociedad más alta en cultura y fortuna. Parece una postura que
tiene un carácter un tanto elitista, de esta manera los pintores del puente se las ingenian
para tener un apoyo por parte de esas galerías, por parte de las sociedades artísticas
llamadas secesiones en contra del orden académico y que tienen una postura con el arte
moderno un tanto liberal.
Reciclan a su manera los modelos del arte de origen posimpresionista y luego también
reciben la influencia de los pintores fauvistas, en esta primera fase del expresionismo lo
normal es que se acojan a un tipo de pintura como esta (E. Nolde, Jardín de flores), es
una pintura que tiene mucha deuda con la versión expresiva del impresionismo que
había hecho van Gogh. Muchos de los pintores del puente explotan de manera febril
esta posibilidad. Tienen un carácter bastante ecléctico en una primera época y debido a
su misma forma de entender la vida, son bastante gregarios, tienen un estilo que tiene
muchas características comunes entre ellos. Se percibe la influencia de la pintura
fauvista que ellos conocen a través de exposiciones de pintores fauvistas en Alemania,
la relación entre los pintores alemanes y franceses es bastante fluida. De esta manera no
es de extrañar que la pintura vaya sufriendo un cambio hacia cuadros en los cuales haya
una organización de la superficie del cuadro de formas de color bastante uniforme,
saturadas, etc. la fusión que van a efectuar refuerza la base primitivista que está en el
origen. Es casi inexorable que las fuentes culturales no europeas surjan un efecto cada
vez más destacado, en sentido general.
El jardín de flores. E Nolde.
Intención antinatural como de primitización,
despojamiento de la sutilezas y de las posibilidades de
las técnicas artísticas más desarrolladas; haciendo una
especie de marca de una intención de transformar la
cultura artística del país. Naturaleza y vida sencilla del
mundo campesino. Como estaban bastante bine informados asimilaban las distintas
influencias francesas modernas. Influencia de Vang Goght.

Muchacha de rojo con parasol. M. Pechstein.

Colores más fluidos. Más fáciles de extender. Se da una
interpretación más próxima a la de Matisse. Los colores tienen
un potencial expresivo bastante notable. Las formas y
superficies están ordenadas. Aspecto más calmado. Asimilado
francés. Hay modelos que van asimilando un modelo
expresivo propio con sus propias interpretaciones donde
también tiene mucha importancia de cierta manera el
interpretavismo. Esto se ve en:
E. L. Kirchner, Muchacha con sombrilla japonesa
Es una representación de un desnudo femenino en interior, en la pose colocado como
objeto de contemplación con cierta disposición erótica con torsiones corporales, con el
uso desinhibido de los colores en unas armonías cromáticas muy evidentes que
producen un cierto choque al ser estridentes y con una muy libre disposición de
referencia. Detrás hay un friso con figuras
desnudas que representan posturas eróticas muy
explicitas. Toma influencia de la pose de Matisse.
Simultáneamente van desarrollando la aportación
mas probablemente mas propia de este primero
grupo expresionista que tiene que ver
fundamentalmente con la representación de los
desnudos femeninos. Una marca distintiva de ellos.
Desde el principio, cunado hablaban de la manera
que tenían de trabajar en el taller hablaban del
desnudo de hora: de mujeres adolescentes que
tenían relaciones con ellos. La modelo cambiaba de
postura cada 15min. Una manera de contrarrestar
las poses prolongadas de los modelos de las escuelas. Para conseguir una mayor
espontaneidad. Además, esos desnudos la hacina dentro del propio taller, ellos
convivían con las modelos en un ambiente desinhibido de fotografías. Ceban un entorno
artístico muy influido por varias fuentes artísticas
Hay esta una de las fuentes del carácter instintivo de la creación artística que buscan los
expresionistas, está en el propio sexo. Cuando ellos recurren a motivos artísticos
explícitamente sexuales, estas formas de representación del acto sexual nunca habían
sido representadas pero si hay fuentes artísticas extraeuropeas, como el arte indio y
también pinturas de pueblos primitivos (vigas de las islas Palaos) hay tenemos el mito
del buen salvaje y la fantasía de la comunión del hombre con la naturaleza a través de
las mismas fuerzas
instintivas en la cual el sexo juega un papel importante. Si refleja algo en la pintura de
manera poetizada pero forma parte del ideario artístico que quieren representar. Esa
comunidad artística incluyen una vida en común en un estudio, donde ellos conviven
con sus modelos que son chicas muy jóvenes procedentes de ambientes marginales, que
actúan como modelos. Esto es una amalgama que les lleva a reproducir en el interior del
estudio esa fusión a través del instinto con las fuerzas originales de la creación que se
hacen posibles por medio del arte y yendo en contra de las convenciones artísticas
convencionales.
La modelo posa un pequeño rato y el artista tiene que representar los rasgos más
determinantes de la modelo en poco tiempo. La talla en madera, que es más tradicional
que artística, esta relación con las modelos que esa artística y también sexual se vive de
una manera exaltada en un ambiente de emulación continua entre los miembros del
grupo y a través de una práctica artística abocetada sumaria, primitivizante, de colores
fuertes y exaltados, con relaciones cromáticas a veces de carácter agrio y estridente.
Están desarrollando lo que podemos llamar el vocabulario del expresionismo. Las
formas humanas se distorsionan, se van ondulando, los colores son puramente
expresivos y simbólicos buscando encontrar una sintonía en el cuadro en vez de
encontrar unas relaciones armónicas. Estas prácticas en unas formas en un estilo
artístico que tiene muchas características fauvistas, pero esa disposición de superficies
de color de tipo fauvista se conjuga con descripción de las formas muy esquemática y
primaria que es debida al impacto del primitivismo.
Lo mismo que hacían los fauvistas de continuar su práctica artística en contacto directo
con la naturaleza, salen del taller y representan también la experiencia urbana moderna
y sobre todo hacen una particular proyección de la cultura de las vacaciones, la
escapada del ámbito urbano para ir a la naturaleza. Una de las cosas que mejor define su
pintura y que van a seguir practicando durante toda su vida es la escapada continua a
lugares fuera de la ciudad que generalmente son zonas recónditas, buscando la
autenticidad originan del campo y sobre todo lo que les atrae es el mar y las zonas de
baño, lugares en los que se va a pasar una temporada, en una serie de lugares, muchos
de ellos en las costas del Báltico donde pasan los veranos, primero en grupos y
conforme el grupo se va disolviendo de manera individual. El lugar más conocido son
los lagos de Moritzburg, que era una zona de ocio y de baño para los habitantes de la
ciudad y había establecimientos de baño con mística terapéutica que tenía el baño. Y
había lugares del incipiente movimiento naturista. El baño con componentes naturistas
era de una rígida segregación por sexos, aunque ellos lo hacen de una manera distinta.
Allí viven directamente en contacto con la propia naturaleza, baños, desnudos en el lago
o mar con las modelos y es una especie de acentuación de esa premisa original en la
cual por medio de los elementos artísticos derivados del fauvismo hacen una especie de
reinterpretación del tema clásico de las bañistas. Esto lo hacen como la representación
de una vivencia propia expresada por medio de una pintura de carácter exaltado.
Hay preocupaciones de tipo más místico, espiritual o trascendente. Es una cosa vital,
física, instintiva con un componente sexual bastante notable. Pero ese impulso hacia lo
instintivo y lo primitivo viene a ser una forma de aproximación a lo trascendente o
espiritual. Los temas religiosos son más bien propios de una fase del expresionismo más
tardía en el seno de una crisis espiritual y de valores que conduce a un estallido
revolucionario. El germen de esta predilección de algunos pintores expresionistas por
los temas espirituales ya está presentes en algunos miembros del grupo como Nolde
(que no fue exactamente miembro del grupo) tenía otros intereses que confluyen
bastante bien en el ideario del expresionismo.

E.L Kirchner. Dos muchachas.

Recuerda a la pintura primitiva. El color sigue las pautas del fovismo. Los contrastes son
mas agresivos, hasta el punto de acentuar la expresividad.
Simultáneamente empezaron a trasladarse los veranos al mar del norte o del baltico
primero en comunidad y luego por separado. El sitio mas paradigmático son unos lagos
en las cercanías de desde. Una especie de balnearios, los baños higienicos donde la gente
iba a seguir pautas de dieta de tipo naturalista. Baños en los lagos, desnudos, en un
marco muy ordenado con estricta separación de sexo y separaciones higienistas. Ellos se
van allí con las modelos y materializan.
Pentecostés. Nolde.
Esquematizados, fuerza primitivizadora que
busca recuperar los valores espirituales que el
arte ha perdido debido a su excesiva sujeción
con la naturaleza con la materia, con la
realidad, etc. es una muestra de cómo el
expresionismo a través de los medios
pictóricos derivados del impresionismo
expresivo de Van Gogh y el uso del color del
fauvismo mezclado con los modelos
primitivos, es una vía que se considera no
bendecida por las autoridades religiosas de la
renovación del arte como el medio más
propicio para la expresión de lo espiritual.
Por medio de una realidad alternativa, de carácter alucinatorio, como si esos medios que
el expresionismo ha liberado fuesen los más adecuados para representar cosas tan
irrepresentables como el éxtasis, la alucinación, la experiencia espiritual de corte casi
místico. Parece evidente que el expresionismo podría derivar hacia ese camino o forma
de expresión conforme los modelos del expresionismo se radicalizan o sufren un
proceso de decantación. Mascaras inexpresivas con carácter grotesco. Representan un
momento de extasis que horrorizo a la jerarquía eclesiástica de la epoca.
Hay un segundo núcleo del expresionismo que se forma en Múnich. La importancia que
tiene otro grupo que tiene su lugar de origen en Múnich, que se llama el jinete azul (Der
Blaue Reiter) donde el componente espiritual va a tomar un protagonismo mucho más
esencial, bastante más decisivo donde ese espiritualismo tiene un componente más
intelectual. Es una intención de expresión espiritual más acentuada pero con unos
componentes y una formulación más intelectualizada y más teórica. Esto es mérito del
grupo de artistas que se reúnen en torno a la publicación de un almanaque que se llama
el jinete azul, que tiene como líder a una artista ruso establecido en Múnich desde
principios del siglo XX llamado W. Kandinsky y es uno de los grupos de artistas que
defienden practica y teóricamente que el arte debe desligarse por completo de la
representación de la naturaleza para funcionar solo con los elementos puramente
formales como son el color por encima de todos ellos, también la línea y la forma, por
lo que este giro copernicano de la práctica artística de la naturaleza hacia la abstracción
se tiene que ver acompañada de una elaboración teórica en la que buena parte de los
presupuestos del expresionismo se enuncian en forma teórica.
A diferencia de los miembros del puente, los miembros del jinete azul nos son
miembros de una comunidad de artista que hacen una vida en común, son un grupo de
artistas que publican este almanaque y son la continuidad de una serie de intentos
anteriores de agrupaciones de artistas que debido a Múnich era un lugar que ejercía una
fuerte atracción para los artistas europeos era un lugar bastante más cosmopolita. Aquí
había una atracción que hacía que la colonia artística fuera bastante internacional,
muchos artistas era de origen oriental o rusos. La formación de una serie de
asociaciones de artistas de las cuales la más conocida es la que se conoce con el
acrónimo alemán de NRUM (nueva asociación de artistas de Múnich) expresaba su
carácter abierto y cosmopolita que provocaba reacciones nacionalistas.
Lo más destacado del jinete azul y de Kandinsky es que es una de las primeras
manifestaciones artísticas no representativas, abstracta. Ha habido cierta tendencia de
desligar esto del expresionismo porque puede parecer algo antitético, pero hay un nexo
de unión que es el espíritu. El expresionismo se considera un arte de exaltación, de
éxtasis vital que trasforma las apariencias de lo que se ve y se representa porque el
impulso interior del individuo viene a proyectar sobre los objetos inanimados y
deformarlos por el impulso que se toma en ese modelo de representación artística. Es un
explicación que tiene cierta similitud con la famosa teoría psicológica de la empatía,
darle vida a las cosas, es algo que está también relacionado con una caracterización del
expresionismo que es vista en términos opuestos al impresionismo, se veía como los
polos contrapuestos. Mientras que el impresionismo deriva de como la naturaleza es
recibida por el sujeto, el expresionismo es lo contrario, sería la forma en como el sujeto
se proyecta en la naturaleza. La versión expresionista del jinete azul, tiene una relación
con la naturaleza un tanto ambigua, puede decirse que en algunos casos la necesita pero
su expresión más clara es más bien que la naturaleza acaba siendo un obstáculo en el
mundo real, se debe terminar eliminándolo porque si el arte es pura expresión, la pura
expresión solo puede proceder del interior, del espíritu, y el espíritu y la materia se
casan mal, el arte es pura expresión subjetiva anímica y espiritual , el problema es cómo
llevar a cabo ese programa que se va decantando poco a poco y que sobre todo en la
propia pintura no es lineal, sino que tiene pasos adelante y atrás, es ambivalente y le
cuesta llevar a cabo ese programa tan radical.
En la época se considera que esa idea de que el arte es pura expresión es considerada
absurda, porque la expresión cortar el arte. Porque no se puede saber si esa expresión es
puramente genuina o no. se necesita mucha teoría y fusionar muchos matices que
proceden de tradiciones y lugares muy diversos. Esto que tiene mucho de fuerza
psicológica es más complicado y por eso necesita mucho soporte. Kandinsky y los
miembros del jinete azul elaboran un soporte teórico que se materializa en el almanaque
de los espirituales en el arte publicado en 1911 y el libro teórico de Kandinsky de lo
espiritual en el arte que sale en 1912. Aquí aparecen todas las fórmulas que la aventura
que Kandinsky y los demás miembros del jinete azul para darán la posibilidad de un
arte no representativo que sea un vehículo de expresión subjetiva de carácter pura con la
que los elementos constitutivos de la pintura se na los instrumentos de esa expresión y
donde se dé lugar o elabore un arte en el que sin necesidad de reconocer los motivos
que puedan representarse o directamente no representarse, el espectador reaccione de
una manera adecuada que le permita ver los cuadros como vehículos expresivos.
Hay varios motivos, el primero de ellos consiste en darle al arte un valor especial de
carácter superior de tipo superior, que es precisamente guiar al ser humano y darle una
capacidad trascendente, guía a la humanidad de un estado actual dominado por la
ciencia y la técnica y sobre todo por la materia (materialista y enfermo de positivismo)
y el arte va a hacer que el hombre pueda ascender hacia el reino del espíritu, superación
personal colectiva hacia una plenitud en el espíritu. La idea de que el arte tiene una
misión trascendente está en el origen de esto.
El arte tiene que despojarse de sus intenciones representativas y convertirse en un
vehículo de trasmisión espiritual, consideran que hay artes, que no son las artes
plásticas que esto lo tienen resuelto. Desenterrando la idea romántica de estirpe
hegeliana de que el arte tiene contenido espiritual, por lo tanto cuando un arte solo
representa la materia, el arte a medida que se aleja de lo puramente material va entrando
en el ámbito de lo puramente espiritual. Sin necesidad de referirse a nada de lo visible
(música) la pintura podría hacer lo mismo. La pintura puede tener una función
comunicativa similar a la de la música. Esto se hace a través de un fenómeno
supuestamente al alcance de espíritus superiores, pero que el arte puede perfeccionar
que es la percepción sinestésica (ser capaz de captar sensaciones que se producen a
través de un sentido por medio de otro sentido) al igual que la música, las notas
musicales pueden evocar sensaciones cromáticas, la pintura puede evocar sensaciones
musicales. Por esto Kandinsky hace referencias musicales en su pintura, por esto
abandona los títulos descriptivos y empieza a darle títulos de expresiones con un
número al lado. Esto es una de las cosas que contribuye a que esa pintura que no
tiene objeto no esté vacía de contenido. El contenido es el contenido anímico interior y
espiritual.
Estos se hacen mediante una analogía entre colores y notas musicales y mediante un
vocabulario sinestésico y metafórico donde se utilizan los términos sonoro o vibración,
la pintura al igual que la música era algo así como un modelo o forma de comunicación
intersubjetiva, interandinita. Esto es una elaboración teórica acompañada de una
producción artística en la cual Kandinsky tiene sus dudas y en la cual en la más
genuina formula expresionista y también vanguardista se da una exaltación o una
inspiración de origen neorromántica de rechazo de los aspectos más materialistas,
toscos o puramente racionales, positivos regidos por la lógica del beneficio. Para
emprender una especie de camino imaginario por medio del arte hacia la superación
espiritual. Se tiene que fundamentar en una especie de represión, también hacia lo
primitivo. Todo esto está ligado a que a principios del siglo XX en ese rechazo o
decepción neorromántica hacia la civilización y el materialismo se indaga hacia un
resurgimiento de lo espiritual en supuestas fuentes religiosas alternativas de origen no
europeo. Fascinación por las religiones orientales, que en la Europa de la época vienen
a través de una corriente espiritualistas que son la teosofía o antroposofía que es un tipo
de síntesis religiosa. Toda esta teosofía y corrientes espiritualistas o esotéricas muestran
esa vertiente tan curiosa que estas en el origen de los logros de las primeras
vanguardias. Kandinsky
venia de una cultura muy europeizada, pero donde tenían la inspiración primitiva es
en el campo, las leyendas campesinas, los iconos, la cultura popular, que era tan
extraño como una máscara africana.

Kandinsky. La vida multicolor.

Parte de la iconografía van a aparecer como
restos en las masas cromáticas de los
cuadros abstractos.
Cartel para la primera exposición de la
nueva asociación de artistas de Múnich.
Manchas de color que indica una de las
fuentes de abstracción de Kandinsky, como
los colores se relacionan entre ellos e
inciden en el estado anímico.

Cuadro con arquero

Por un lado, pintura fauvista, pero el fauvismo va
dando la vía libre para que los colores tengan cada
vez un valor descriptivo cada vez menor y vaya
adquirido una autonomía progresiva cada vez
mayor para que de alguna manera los restos de
figuración, sujetan algo pero no es lo que nos llama
la atención. La constatación de que en esas
composiciones aparentemente arbitrarias de colores
de zonas cromáticas a veces acuareladas que
destacan sobre fragmentos blancos y que están
circunscritas por líneas negras muy gruesas da
sensación de que se están liberando de su función
de contener las zonas cromáticas, se mezclan con
cuentos populares.
El almanaque en la cubierta, el jinete azul con el caballo rampante. Iconografía
cristiana, el jinete azul es el caballero cristiano, san Jorge contra el dragón. Los cuadros
sobre vidrio eran una exvotos de tipo popular y era una pintura ingenua que contravenía
las reglas de la representación naturalistas que el reinterpreta por sus fórmulas, el vidrio
es igualmente una metáfora,
La teosofía quiere que el ser humano pueda por medio de la meditación alcanzar grados
de profunda espiritualidad. Cambiar la percepción.

Cubismo

Picasso y Braque representantes del cubismo esencial. Trabajaron conjuntamente

formando una pareja y había también sus pequeños choques. Esto se debe a que la
personalidad de Picasso es más arrolladora que la de Braque. Las innovaciones en el
cubismo se deben a Braque aunque Picasso las exploto mucho más, por ejemplo el
efecto de madera en los cuadros. Una vez que las exigencias de aplanar las figuras y
hacerlas lo más planas posibles en un espacio ilusorio hace que el volumen se rompa y
de hecho de ese proceso los fragmentos no tienen que quedar necesariamente en su
sitio. Utilización de elementos extraños pero que son apropiados para sus intenciones
como la falsa madera o las letras esparcidas proporcionan información sobre el motivo
pero no necesariamente es una información coherente desde el punto de vista de cómo
nos podemos imaginar que están distribuidos los elementos en el cuadro, y el plano del
cuadro no se ve afectado.

G. Braque, Homenaje a Bach: falsa madera, volutas del violín.

Picasso, Recuerdo de El Havre, 1912

Introduce fragmentos que ayudan a reconstruir

una información sobre el motivo.
Las explicaciones sobre la perspectiva móvil y la
sucesión de puntos de vista presentados en el
plano del lienzo y las diferentes sensaciones que
no tengan un origen prioritariamente igual, táctil o motriz pues se convirtió en una
explicación socorrible. Según Gleizes si hay distintos puntos de vista representados es
porque primero nos hemos movido alrededor del motivo, sin un punto de vista estático.
Hay otra explicación de esta fragmentaciones extrema que es la influencia de la poesía
simbolista, como la de Mallarmé, esto no se sabe si es cierto, pero la idea de que no se
describen las cosas sino que se evocan de manera indirecta a través de imágenes es
también un punto de partida para explicar este proceso. Desde un punto de vita más
cercano al cuadro la introducción de todos estos elementos, la aplicación de la
perspectiva móvil y el sentir la necesidad de que aquello complicaba la cosa más que
aclárala, pues los planos que antes eran más pequeños se van a ampliar, al hacerlos más
grandes son más arbitrarios con respecto al motivo y se acompañan con bastantes
fragmentos de textos, superficies ilusionistas al mismo tiempo que se recurre a los
formatos ovales. En esta segunda fase del cubismo analítico los pequeños planos en los
que se descomponían los motivos se hacen más grandes, la fragmentación es muy
completa y arbitraria, no dependen tanto del análisis previo del motivo pero el motivo
es más legible.

Picasso. Violin, Jolie, Eva, 1912

Planos muy simplificados,
superpuestos y desplegados como un
abanico y la abundancia de planos por
la falsa madera llevan a proporcionar
esa información sobre la materialidad
de los motivos. Es una forma de
simplificar las cosas.

Picasso, Naturaleza muerta con silla de

rejilla, 1912.
Los planos no solo ocupan más espacio y
se simplifican sino que además en una
consecuencia para ellos lógica esos planos son añadidos no pintados, pegadas sobre el
cuadro, se introduce un mayor grado de materialidad y también un mayor grado de
realidad pero de otro tipo. Cuando Picasso en la primavera de 1912 hace este bodegón
pega encima del cuadro un trozo de con una imagen estampada mecánicamente con la
impresión de una rejilla y lo introduce en un cuadro ovalado y coloca un trozo de
cordón de cortina como marco del cuadro pues está dando un paso posterior a favor de
la simplificación de los signos que conduce junto a la colocación por parte de Braque de
trozos de papel recortados que imitaban la falsa madera y dibuja sobre él, son las
aplicaciones primigenias de lo que se llama el principio del collage que en el caso de la
utilización de papeles pegados se llama collage papier collé y lo introdujeron a la vez
Braque y Picasso.
El uso del papel pegado elimina el problema de la fase del cubismo analítico, por
mucho que se descompusiese el motivo en plano, separados por aristas, o incluso
aunque esos planos se simplificasen mucho y se hiciesen mayores seguía existiendo
muchos rasgos
de ilusión y profundidad espacial ilusoria, ahora la sigue habiendo pero en un plano
mucho menor. La imágenes cada vez más plana. Se van elaborando signos que son muy
arbitrarios con respecto al motivo que se quiere representar que simplifican más las
cosas, depende del lugar en el que estén colocados y la relación que tengan entre ellos.
Al pintar sobre el papel pegado se introduce una ilusión de transparencia, cuando la
materialidad es tan grande como en la silla de rejilla hay un choque bastante evidente
entre la parte puramente pintada y la intromisión de ese fragmento de la propia realidad.
Para ello Picasso planteo también el problema en tres dimensiones en Maqueta para
guitarra (1912) para ejemplificar en tres dimensiones como esos planos recortados
podían crear una determinada ilusión de volumen pero echa a través de planos
recortados colocados en un espacio determinado y con huecos entre ellos incluso
invirtiendo las relaciones habituales, por ejemplo el agujero de la caja de resonancia es
más un cilindro que se proyecta hacia fuera que un agujero.
Las máscaras africanas las interpreta ahora desde un punto de vista más formal, la
máscara es una tabla plana donde se colocan unos determinados elementos sobre la
superficie plana y algunos se proyectan sobre la superficie plana hacia fuera y otros no
necesariamente.

Picasso, Guitarra, partitura y vaso, 1912.

La simplificación se llevaba al extremo y no hacía falta
esos complicados análisis de los motivos
tridimensionales para descomponerlos en planos, ahora
son planos muy simples y recortados de una forma
mucho más plana de lo que habían hecho en
anterioridad, esto los lleva a la elaboración de la
segunda fase del cubismo, cubismo sintético que es en
parte consecuencia del collage y de las repercusiones
de la introducción de estos elementos a la pintura. Este
cuadro es una serie de recortes de papel con cartulinas
de colores, partitura musical, papel pintado a
carboncillo y papel de periódico recortados. Estos collage llevan el cubismo más allá de
las intenciones originales.
La apariencia de los cuadros cambia bastante, los cuadros de la fase hermética lo que
más llamaba la atención eran las aristas de los planos formando retículas lineales y
ahora el protagonismo es más de los planos de color y también de los fragmentos que se
añaden y las letras y la información textual presentados de forma visual. La cuadricula o
retícula del cubismo analítico y el plano del cubismo sintético una vez que se deja de
lado la intención… serán las bases de la abstracción geométrica.

Picasso, Mujer en camisa en un sillón.

Estos planos que llevaban aun gran plenitud del cuadro,
tenían varias consecuencias cuando se trasladaban al
lienzo como pintura sin los añadidos. Uno de ellos era
que los planos recortados y además muy amplios
debido al material usado originalmente reintroducía el
color en los cuadros cubistas. En el tratamiento de la
figura humano esa arbitrariedad de planos podía hacer
que el control del pintor del resultado final sea absoluto.
Como los planos son tan arbitrarios se produce algo que
el cubismo liberara que es la posibilidad de
transformarlos muy radicalmente, esto llamo la
atención de los surrealistas.

Picasso, Frutera, copa y periódico, 1914.

Más decorativo, recupero los puntos de color puntillista en una dirección que incluso
tenía intención decorativa. Cubismo rococó.

J. Gris. Homenaje a Picasso, 1912.

El cubismo tiene una producción muy extensa. Se fija fundamentalmente en que Braque
y Picasso trabajaban individualmente mientras
que los demás pintores tenían que hacer más uso
de las exposiciones. El cubismo se presenta
como suceso público o como éxito escandaloso,
cuando un grupo de pintores expone
juntos en la sala 41 del salón de los
independientes en 1914 y muchos pintores
asimilan la obra del cubismo pero siendo
considerados meros seguidores. Juan Gris se hizo
conocer como ilustrador de la prensa satírica de
la época y esto era una plataforma bastantes
significativa para los artistas y ganarse la vida.
La mayor parte de ellos tienen relación con la
galería…. Juan Gris fue uno de los pintores que
…… tomo bajo su amparo y tiene un estatus
superior al resto de los pintores cubistas y de
hecho en el desarrollo del cubismo sintético es el
artista más representativo de todos ellos. Su paso
a la pintura cubista fue tardío, quemo etapas muy rápidamente. El homenaje a Picasso,
además de rendirle un tributo es una traducción propia de los recursos del cubismo
analítico. Encontrarnos una paleta de capa cromática bastante similar con tonos muy
bajos y apagados, encontramos la fragmentación de planos, en el rostro usa los planos
de una forma muy evidente, tiene incluso una intención pedagógica. La fragmentación
no es tan extrema como la que desarrollaron Picasso como Braque.

Gris, Hombre en un café.

Introduce en el cubismo analítico y va sintiendo
una fase de transformación hacia lo sintético y los
cuadros tienen un grado de legibilidad del motivo
mucho mayor, donde la fragmentación de los
planos existe cuando se quiere evidenciar el modo
de proceder del cubismo que está muy presente en
la parte superior. Representación de la vida de los
pintores de una forma muy bohemia en un café del
parís de la época. Convencionalismos en la
representación de esta perspectiva mucho más
evidentes.

Gris, Paisaje de Céret, 1913.

 Planos de color transparentes se llenan de detalles de
tipo naturalista. Planos que son los que construyen el
cuadro cuando se sitúan en la parte del pueblo con
las casas fragmentan los motivos pero el grado de
detalles de tipo naturalista queda bastante incólumes
y se han respetado bastante.
Gris, Violín y guitarra, 1913. La intención de Gris es
hacer una pintura que destaque por tener un grado de
racionalidad y organización bastante notable. Dio
unas definiciones canónicas de la fase cubista
sintética, que el cuadro es como una arquitectura y
cuando habla del proceso en el que se elaboran los
cuadro en el cubismo sintético, se parte de unos
planos que organizan racionalmente la superficie del
cuadro, esos planos se van progresivamente
dignificando en la medida que se van introduciendo signos con mayor grado de
simbolismo o abstractos que ayudan a la descripción del motivo y del cuadro. En
esta fase los planos abstractos de color no tienen problema con un despiece de los
motivos que tiene muchos recuerdos naturalistas.
Gris, Hombre en un café, 1914.
Mientras que buena parte del cubismo sintético de
Gris, sobre todo en la guerra y posguerra tienen que
ver en la consecución de motivos con figuras planas
y coloreadas. Muy perceptible en este cuadro el
collage.

H. Le Fauconnier, La abundancia, 1910-11

Esto fue la imagen pública del cubismo, esto era el cubismo para el público. Está
tratando temas de gran empeño cara al público de tipo alegórico. Desnudo femenino en
la naturaleza, tema alegórico. Representación aparentemente de corte tradicional, pero
con un tratamiento muy volumétrico hecho a base de una fragmentación de planos y
además como si fuese un motivo único, esos planos que se pueden ver en los cuerpos y
el paisaje unifican la composición y dan la sensación de volúmenes fragmentados, pero
con la iluminación dan sensación de movimiento.
 A. Gleizes, La mujer de los flocs, 1910.
Mujer en un espacio domestico rodeada de floreros donde del mismo modo la intención
de Gleizes es someter al motivo, la mujer y todo el espacio circundante, a una
fragmentación de planos bastante extensa sujeta a una iluminación que crea unas zonas
con sensación volumétrica y otras que no, pero sobre todo lo que produce esta
fragmentación es una inestabilidad. Ellos entienden que, aunque estén representando
temas tradicionales, esto produce una inestabilidad óptica que ellos identifican con el
dinamismo. Debido a su exposición a las ideas de Bergson pensaban que de esta forma
expresaban una característica de la vida moderna que es el movimiento.

A.Gleizes, Jugadores de futbol, 1912-13.

Temas más acordes a la vida moderna y de la ciudad,
ellos entienden que esta forma de representar es la
que es acorde a esta experiencia. Estos e produce a la
vez que los futuristas, aparecen emparejados no solo
por sus ideas sino por el hecho de que los futuristas
son un grupo muy combativo con una elaboración
teórica muy anterior a como la llevan a a la practica
en la pintura se van a parís para confrontarse con las
ideas avanzadas en el campo del arte. Los planos
cubistas sirven para muchas cosas, tiene que ver con
la simultaneidad, que puede llegar a ser colectiva que
tiene que ver con lo que se experimenta en la vida
moderna, experiencia acelerada, empieza a
representarse por medio de la fragmentación y
representando planos simultáneamente. Tema contemporáneo del deporte
como experiencia moderna, el motivo lleva emparejado la sensación dinámica,
potencia y trae implicaciones de tipo psicológico. J. Metzinger, La merienda, 1911.
En este cuadro es la representación de una mujer desnuda con una taza de té, es muy
indicativo de la forma que estos pintores pintan de una forma muy didáctica. El rostro y
la representación de perfil y frente
simultáneamente, el corte de la taza, frontal y
desde arriba. Especie de vistas de sección y
alzado del dibujo geométrica.
Metzinger, El ciclista, 1913.
Los planos geométricos simplificados juegan con el
efecto de transparencia, lo que hace posible una
fusión colectiva de los sentimientos de los habitantes
de la urbe para experimentar la experiencia moderna.
Cuadros mucho más comprensibles por parte de
público en general.

R. Delaunay. La torre Eiffel roja, 1912.

Se le introduce en la clasificación del cubismo órfico hecha por Apollinaire. Cubismo
colorista, simultaneismo. Lo que querían él y su esposa era representar esa misma
sensación y característica de la vida moderna que respondía al concepto de la
simultaneidad, que se presta bastante bien a la representación de uno de los iconos por
excelencia de la modernidad que es la torre Eiffel, que tenía la particularidad de ser un
símbolo de esa sensación de la vida moderna que era la
simultaneidad. De esa manera recurriendo a los recursos
para el lenguaje cubista pero añadiéndole algo que el
cubismo no explotaba de la forma que lo exploto
Delaunay que era el color, produjo cuadros que responden
a la característica del cubismo órfico. La torre Eiffel
enmarcada por algo pero fragmentada y casi rota como si
estuviese ejecutando un paso de baile que representación
esa simultaneidad, movimiento.
R. Delaunay, Ventanas simultaneas, 1912.
Su objetivo cambio, entonces se produce un giro que le
lleva de pintar motivos sólidos a plantearse pintar la
luz a través de la descomposición de la luz blanca en
los colores primarios y los complementarios. Combino
los planos cubistas con los colores complementarios y
esto da lugar a un proceso de desmaterialización
ejemplarizado por el hecho de mirar por la ventana, el
motivo que era dominante en sus cuadros anteriores
que era la torre Eiffel aquí se puede intuir.

Delaunay, Contraste simultaneo, Sol y Luna, 1913.

Esquemas cromáticos donde los planos fragmentados siguen existiendo y toman forma
de círculos, rayos de luz rompiendo los motivos sólidos. Creaban sensación dinámica
sin necesidad de recurrir a motivos naturalistas, era simplemente la transmisión de la
luz los que daban esa sensación dinámica y el constarse simultaneo, no de las formas
sino de los colores. Esto lo lleva a aparejarlo a un camino que conduce a la desaparición
de los motivos y la abstracción. Esto lo aplico de
forma práctica, estos motivos se utilizaron ene l
campo del diseño.
R. Delaunay, El equipo de Cardiff, 1913.
Desarrollaron este motivo en ese sentido y ene l otro
lo aplicaron para pintar cuadros que representaban la
vida moderna. Combina los esquemas cromáticos
abstractos con colores transparentes, iconos de la
modernidad, torre Eiffel, aeroplano, noria,
publicidad comercial y el motivo moderno
reconocido como deporte.
F. Léger. Desnudos en el bosque, 1909-10.
Siguió un camino
independiente basado en el
contraste simultáneo basado
en los contrastes de formas,
producían unas disonancias
que representaban el
dinamismo de la
modernidad. Esto lo hizo
elaborando su propia versión
del cubismo que con el
tiempo tuvo bastante
repercusión.
Individualiza del repertorio
cubista fundamentalmente los planos y la descomposición de los motivos en planos
geométricos amplios en l
Los que la luz produce una sensación volumétrica. Estos desnudos efectúan una
especie de danza están elaboradas a base de un motivo único que son unos planos
alargados rectangulares con sombreado e iluminación, formas tubulares. Intención de
desarrollar una sensación de constarse de formas. F. Léger, La boda, 1912.
Motivos tubulares, planos largos con regueros de
iluminación que unifican a los personajes de arriba
abajo y crean la sensación de introducir cosas
diversas es una característica común que va a
simplificando hasta llegar a una fase totalmente
abstracta con contrastes de formas.
F. Léger, Contraste de formas, 1913.
Descansando sobre esa idea que domina a estos
pintores que es que ellos con esta pintura están
representando una experiencia en los que los contrates
producen una sensación de dinamismo que es
inherente a la propia experiencia del mundo moderno,
esto va unido a un proceso de mecanización, estos
motivos tubulares, cilíndricos se asociaba las formas
metálicas de la industria y son la representación de una
mecanización casi robótica del mundo.

M. Duchamp, Desnudo bajando una escalera nº 2, 1912.

Intenta presentarlo en el salón de los independientes
en 1912, sus compañeros en los que se encontraban
sus hermanos, lo obligaron a no presentar esta obra
dentro de su grupo, porque se podría ver como una
especie de traición porque se percibe como
futurista. Se expuso en el salón de Otoño sin
problema, y en Estados Unidos en la exposición del
Arsenal.
Referencia al movimiento más explícita a través de
precedentes de un medio de representación
mecánico como es la fotografía y los estudios sobre
los movimientos hechos a partir de 1880 por
científicos y fotográficos, lo que se llama
cronofotografía. Era la forma de llamar la atención.
Formó un grupo llamado la sección aurea porque
las formas del cubismo llevaban especulaciones
sobre la proporción aurea y esto les lleva a estudiar
los tratados del renacimiento, están contribuyendo
al
descubrimiento de un orden oculto del mundo. Llevo esto a que esa sensación de la
mendicidad se asocie con la representación del movimiento con la consecuencia de
motivos. Esto había sido investigado en la fotografía y fue una experiencia que los
pintores quisieron introducir en su propio mundo. Esto le trajo problemas con sus
hermanos, que pensaban que esto era una traición al cubismo porque tiene relación con
el futurismo. Gran rivalidad entre los grupos de vanguardia.
M. Duchamp. Novia, 1912.

Hibrido entre humano y máquina, forma de mantis.

El Futurismo
Manifiesto Futurista, Le Figaro, 10 febrero de 1909.
Lo escribe en francés y en un periódico importante de París.
Primer movimiento de la vanguardia que utiliza los medios de comunicación y difusión
a escala masiva. Gran repercusión por medio de esas formas de difusión publicas en el
nivel de la época. Usan todos los recursos de marketing y publicidad. Acción directa,
algo muy cultivado por los círculos anarquistas de la época, uso de cualquier tipo de
medio que se dirija directamente al público. Utilizaron mucho la performance, a través
de unas actividades realizadas en Italia en lugares donde tenían repercusión como la
ópera.
El futurismo es un movimiento artístico italiano y su momento fundacional lo da el
manifiesto del periódico Le Figaro en 1909, elaboraron un esbozo de ideas al cual se
entiende que imitan a los artistas clásicos y de todos los campos. Se dirige a todos los
campos de la creación y hay manifestaciones en todos los campos, literatura, cine,
música, arquitectura, etc. Dan mucha prioridad a la acción, a intervenir en todos los
ámbitos del tejido social, ese impulso de actuar se convierte en adjetivos que se
relacionan con las vanguardias, accionismo… se extiende al ámbito de la política en
déficit político de la formación de Italia en la segunda mitad del siglo XIX que conduce
a una hibernacionalismo que desemboca en la solicitar zonas territoriales que todavía no
pertenecen a la zona italiana y ese nacionalismo y activismo social y político conduce al
panitalianismo en los primeros años de la primera guerra mundial y desemboca en el
fascismo en 1918. Es un movimiento de vanguardia que contradice el pensamiento
generalizado de que las vanguardias van del brazo de los movimientos políticos
revolucionarios. Otra particularidad es que parte de un texto fundacional escrito en
francés para que se presente en el epicentro de la ciudad de las vanguardias y la cultura
francesa, muy acorde con su forma de ser es crear polémica, al aparecer en un periódico
de gran difusión pretende salir del estrecho círculo del mundo del arte y que tenga
repercusión social a través de los medios, es el primer movimiento de vanguardia con
una difusión mediática.
Belleza de la velocidad, fuego purificador, retoricas exaltadas que es muy importantes
en el futurismo. Es el primero de una serie de manifiestos que se publican a todo el
ámbito de actuación del futurismo cuando está activo. A nivel de repercusión
internacional fue en el 1914 en el ámbito italiano tiene mucha mayor vigencia, por eso
se habla de un segundo futurismo después del 1910. Su vigencia a lo largo del tiempo es
prolongado sobre todo en el ámbito italiano.
El ideólogo del futurismo que no es un artista plástico sino un poeta es F.T. Marinetti,
que tiene raíces simbolistas. Una de las características del futurismo es que tiene una
teoría en forma de manifiesto. Están publicando manifiestos continuamente sobre los
temas más variados (cine, fotografía, literatura, incluso ámbitos cotidianos) una de las
características comunes es que el futurismo se define como rechazo del pasado y la
tradición. Texto contra la Venecia pasatista, una fantasía que va dirigida contra el culto
de la tradición del pasado histórico, en la que imaginan una Venecia con los canales
cerrados y llena de tranvías. Otro texto contra la España pasatista concebida como un
epitome de lo negativo que tenía el culto al pasado.
En estos manifiestos se dice lo que pretenden conseguir en las artes u otros ámbitos y
luego emprenden la búsqueda de los medios que consigan estas intenciones. Hay un
vocabulario muy atractivo como el dinamismo universal, hay que colocar al espectador
en el centro del cuadro y que la luz destruye la materialidad de los cuerpos. Se describe
el efecto que quieren conseguir de interpretación entre los objetos y el espacio
circundante mediante el dinamismo y la velocidad, que distorsionan la percepción.
Aparecen conceptos que comparten con el cubismo como la simultaneidad, los cubistas
pensaban que la simultaneidad era el producto de la sucesión de la perspectiva móvil y
la capacidad de sumar las sensaciones visuales, tácticas y motrices. Y los futuristas
añaden a la simultaneidad un tipo de percepciones más difíciles de definir de tipo
fundamentalmente psíquico o psicológico que incluyen la emoción, el recuerdo, la suma
de las percepciones físicas y las mantenidas en la memoria. Presentación y percepción
del espacio absoluto y el espacio relativo, posibilidad de representar la percepción de
las figuras en movimiento en relación con un espacio circundante que se supone que se
mantiene estático, pero el entorno según ellos lo enciende el propio movimiento,
incorporan también las sensaciones mentales, estados mentales o estados de ánimo que
intentan representar en la figura.
U. Boccioni. Serata futurista. 1911
En esta viñeta vemos a varios miembros de grupo en una actuación e interactuando con
el público por medio de la provocación. Por el mismo hecho de carácter de actuación.
En la interactuación y la provocación
es estética, cultural, política y de hacer
todo lo posible para no pasar
desapercibidos, en muchas ocasiones
estas seratas acaban con problemas.
Lo que pretenden es actuar y que la
acción sea lo primero, que el ruido de
la intervención llegue e incluso
dejando en segundo término el
mensaje, el medio es el mensaje.
Se puede ver que están en un escenario, detrás tienen sus obras materiales o pinturas,
delante esta el foso de la orquesta y los signos visibles demuestran que están haciendo
bastante ruido, provocando. Eran muy dados dentro de su ideario a la cuestión de las
percepciones sinestésicas. En ese manifiesto fundacional era donde se destacaba el culto
por lo moderno, modernolacria, rechazo al pasado a un nivel de contestación y violencia
no conocido hasta ahora, fruto de la percepción de que el glorioso pasado artístico y
cultural italiano solo constituía una losa para sus intenciones, y ese pasado debía ser
abolido y destruido. Buscan la destrucción del pasado. El pasatismo es una acusación
muy grave y el pasado debe ser contrapuesto por lo moderno. Culto a la velocidad, al
movimiento y a la máquina. Sus ideas están desarrolladas por un programa explicito y
de acción. Los futuristas producen una gran cantidad de literatura y textos escritos en
una forma de programas que darán lugar al manifiesto. El manifiesto futurista de 1910
dice que hay que colocar al espectador en el centro del cuadro, que la luz destruye la
materialidad de los cuerpos. Complemetarismo congénito, la base de su pintura es el
uso de los complementarios que dieron lugar al neoimpresionismo. En Italia esto se
definió como divisionismo, por la división del color en otros.
Intenta representar una de las elevadas intenciones de los futuristas, no solo pretenden
tomar como punto de partida fundamental el movimiento, paradójicamente en un medio
tan estático como la pintura o la escultura, paradójicamente dejando en segundo término
medios mecánicos de producción como la fotografía o el cine que podrían ser más
apropiados para su intención, pero ellos se dedican a imitar. En algunos casos rechazan
lo mecánico como la fotografía. En la intención de representar el dinamismo con núcleo
central de su poético es que el dinamismo produce una activación global y repercute a
nivel de todos los órganos sensoriales, el dinamismo es una característica del mundo de
la vida moderno y está acompañado de todos los aspectos dinámicos y estridentes de la
vida moderna. Todo ese conjunto incluye no solo el movimiento cinético, sino todo lo
que se activa a niveles sensoriales diferentes, como el oído con la música.

U.Boccioni. La ciudad se levanta, 1910-1911

Se pretende representar de forma simbólica y con un tratamiento pictórico con una
especie de masas de color realizadas con pequeñas pinceladas puntillistas presentadas
como un símbolo de carácter energético. Caballo alado mientras que los operarios están
intentando controlar al caballo que tira del carro, representa a una fuerza desbocada que
intenta ser dominada por el hombre comprende los modelos de base simbolista
expresados por medios divisionistas
representando un tema de la ciudad
moderna, pero en términos
fundamentalmente simbolistas.
La fuerza del trabajo en las ciudades
industriales del norte de Italia,
producto de industrialización muy
rápida y tardía. Forma azul
contrasta con la roja dominante. Al
fondo hay iconografía moderna
industrial, pero de carácter mas realista, casa en construcción, chimeneas, tranvías, etc.
Pero lo que queda del cuadro es la manera en que el caballo rojo en forma de fluido
energético es el centro de esa sensación dinámica.
Tienen una doble vertiente, por un lado, hay unos que se dedican a cuestiones genéricas
y otros que se especializan. Encontramos después de la segunda guerra mundial el
manifiesto de la reconstrucción futurista del universo. Una característica del futurismo
es la agitación, efervescencia político cultural y artística de mucha más repercusión
pública en un movimiento artístico que está limitados a los cenáculos artísticos.
Conforme se va incrementando la atmosfera de agitación nacionalista e imperialista que
precede a la primera guerra mundial y cuando la guerra estalla en 1914 como Italia no
participa son ellos los más fervientes partidarios de que Italia participe en la guerra y en
1916 encuentran su sueño cumplido de que la guerra limpia el mundo, la presencia de
italianos lleva a su presencia voluntaria, lo que termina en la muerte de algunos de ellos
como Sant’ Elia. La guerra en un momento dado se percibe como la cristalización de
esa fantasía heroica en la cual además interviene el espectáculo dela guerra moderna
como guerra mecánica. En la guerra se cumple su profecía y les hace participar
activamente y producir a través de sus recursos artísticos una estatización de la guerra y
la violencia que para muchos se caracteriza el fascismo.
Su punto de partida era el punto de partida de la escena italiana de principios del 20
donde la margen del modelo académico, las tendencias dominantes eran una mezcla de
simbolismo, expresionismo y sobre todo la versión italiana del neoimpresionismo que
se llama divisionismo. El simbolismo y el divisionismo proporcionan una base de
colorido exaltado que es una de sus características persistentes. Cuando utilizan los
recursos cubistas siguen empleando una gama cromática elevada.

C.Carrà. Salida del teatro, 1909

Uno de los más conocidos del grupo, recoge un tema de la vida moderna y urbana. La
noche, el espectáculo publico pero no con la intención de representar algo chispeante o
alegre a tono con el tema sino intentando la representación de un estado de ánimo y ese
momento en el que la catarsis de la obra teatral ha pasado, clima de abatimiento y de
haber descargado las pasiones en la obra teatral. Flujos de pintura con pincelada
impresionista que pretende fusionar a
las figuras en el entorno circundante.
Las líneas, inclinadas, sugieren
diferentes estados anímicos.
Cuando pinta cuadros como este, de
tema del ocio urbano nocturno, la
noche que aparece mucho en la
iconografía de la época, muy similar
por medio de los conjuntos fluidos
con pinceladas divisionistas, pero
muy poco explícitos de la sensación
producida por lo tecnológico.
L.Russolo. Revuelta, 1911
Se muestra en una exposición en
Milán llamada la exposición del
arte libre en la cual participan
cuatro de los principales artistas
futuristas. Tema de tipo urbano
donde entra también una de los
apartados temáticos que a los
cubistas les gustó mucho, que es
el de la masa y la multitud como
representativa de la gran ciudad.
Cuando se pone en marcha la
multitud y la masa en una
revuelta como factor político puede activar el conjunto. Forma muy sutil pero utilizando
colores puros contrapuestos y unas formas geométricas de tipo concéntrico como un
modelo de las líneas de fuerza. La multitud con su fuerza activa lo que le rodea y
transforma el entorno circundante, fuerza expansiva. Los colores crean esa intención.
Recurre a recursos de origen fundamentalmente simbolistas para por medio de líneas y
colores expresar estados de ánimo, da la impresión de ser unos rezagados. Líneas de
fuerza que representan las estelas de los cuerpos en movimientos, con doble función;
física y psíquica. Representa un ideario anarquista, canto de las masas en las ciudades,
de las revueltas populares, intenta representar de una forma esquemática y simbólica
por medio del color y las formas geométricas. Triángulos rojos que se adentran en la
noche e inclinan el escenario urbano que parece estar derribándose. Ciudad
representada de forma esquemática con ventanas de casas.

G.Severini, Danza de Pam-Pam en Delmonico, 1911

El que está más unido a parís y va a
servir de enlace con los cubistas. No
tiene un carácter tan simbolistas,
pretende representar un dinamismo
exaltado y un movimiento que activa
el conjunto del cuadro pero no es un
tema político ni social, sino de una
diversión nocturno. Recurre a uno de
los recursos producidos por la
fragmentación de la pintura cubista,
descomposición en planos de todo el
conjunto de las figuras y el entorno,
planos inestables y con colores que parecen estar en un desplazamiento que produce una
sensación dinámica.
Tenían contactos con las vanguardias parisinas de cubismo. Este pintor formo parte
importante del grupo, compartía un modelo de representación visual de las sensaciones
dinámicas de una forma más convincente a través de la fragmentación cubista y del
color.
G. Balla, Lámpara de arco, 1909
Trayectoria independiente a los demás, introduce un
componente simbólico muy afín a las primeras
aspiraciones futuristas. Declaración antirromántica en un
manifiesto que se titulaba Matemos el claro de luna, la
luz eléctrica representada en el foco de la lámpara y las
pinceladas que se expanden en la noche y que oscurecen
a la luna es una declaración de matemos el claro de luna,
representación de que la modernidad está destruyendo el
pasado. Premisa esencial del futurismo.
Era un quinto miembro del grupo, estaba en Roma y allí
se quedó durante cierto tiempo y estaba bastante
conectado a los recursos del divisionismo. Ilustra
pictóricamente una de las proclamas antipasadistas de los
futuristas, la que iba dirigida a la imaginación romántica
en su modelo mas vulgarizado. Manifiesto futurista que
dice que hay que matar el claro de luna y este cuadro lo representa en una forma muy
poco sutil.

U.Boccioni. Los estados de ánimo I. Las despedidas, 1911

Forma parte de un tríptico que representa la partida de alguien en una estación y la
despedida de otra persona. Trata de representar el complejo conjunto de respuestas
emocionales que provoca ese acontecimiento. Fusión entre proceder a través de masas
mecánicas de colores con direcciones.
La sensibilidad humana debe ser transformada, porque la de la época ha sufrido el
impacto de las invenciones modernas y los medios artísticos deben de transformarse de
acuerdo a este hecho. Manifiesto técnico de la pintura futurista, declararon que eran los
primitivos de una nueva sensibilidad completamente transformada y eso va a
desembocar en una transformación de los medios sensitivos y artísticos que pretende
representar un conjunto de sensaciones ópticas, del recuerdo, de la emoción en el cual
los medios que existen en el mundo moderno, los medios de comunicación. La palabra
y el pensamiento se pueden trasladar en la distancia sin soporte físico con la telegrafía
sin hilo y esto desemboca en el concepto de los estados anímicos que Boccioni
representa en un conjunto de cuadros que modifica. Recuerdo y emociones que se han
experimentado y que se reviven. Los estados de ánimo los presento en la exposición de
Paris que los hicieron famosos llamada los pintores futuristas italianos que presentaron
un texto.
Al mismo tiempo que el futurismo se expandía por París ellos llegaban allí, plantaron su
obra en parís y loa acompañaron de mucho trabajo de tipo teórico que venía a decir que
la fusión de percepciones en la mente, el movimiento y que había sido asimilado por la
mente como los cubistas.
El centro del cuadro es la representación de una locomotora de vapor vista de perfil y de
frente, eso crea una activaciones n la cual se pueden ver a través de unas líneas
ondulantes a los que se unen , un poste metálico que se supone que representa tanto la
electricidad como las ondas de radio, utiliza los círculos concéntricos para definir la
expansión y los colores para representar por medio de estos recursos esos complejos
sentimientos tan complejos alrededor de una acción representada en tres cuadros de una
despedida en una estación de ferrocarril. Líneas de fuerza y los colores y la
contraposición de formas representan los estados de ánimo.
U. Boccioni. La calle entra en la casa, 1911
Representa de forma directa el hecho de
meter al espectador dentro del cuadro.
Mujer asomada al balcón mientras ve a
unos operarios en la calle. La cabeza de
la mujer es el centro del cuadro y el foco
de las sensaciones producidas por la
calle, ese centro de la activación crea una
especie de conjunto dinámico entre
explosivo e implosivo que hace que las
cosas que están representadas estén
subordinadas a una fuerza superior.
Fragmentación cubista que hace que se
parezca a los cuadros de la torre Eiffel de
Delaunay. Espiral que pone en
movimiento todo el conjunto que
confluye en el sujeto que es la mujer del balcón. Esta representando la idea de que hay
que colocar al espectador en el centro el cuadro. Sensaciones que trasmite la ciudad
moderna. Motivo dominante de obreros trabajando en la calle haciendo ruido es la
representación de la intención de representar las sensaciones sensoriales y percepciones
sinestésicas.
C. Carrà. Los funerales del anarquista Galli, 1911
Pinta en la forma futurista lo que se está
desarrollando en una escena producida
en unos años antes donde un anarquista
es llevado a ser enterrado al cementerio,
la intervención de la policía y el
conflicto. El cuadro tiene mucho de
pintura de historia contemporánea. Dos
masa de personas geometrizadas
enfrentadas son comparadas con las de
Paolo Ucello. Multiplicación
estableciendo una especie de frecuencia
que es una característica de la pintura
futurista. Geométrica subyacente.
U. Boccioni. Dinamismo de un futbolista, 1913
Esa idea de representación del movimiento
con perfiles que se repiten para sugerir la
continuidad rítmica del movimiento es una
característica. Del mismo modo en la
evolución del futurismo va a tener mucha
importancia la forma en que un movimiento
relativamente simple como puede ser una
figura en movimiento es capaz de por el
hecho del movimiento activar el conjunto del
cuadro, para activar el conjunto es necesario
que se represente el origen de ese
movimiento por medio de alguna figura

U. Boccioni. Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913

Personaje ejerciendo un movimiento muy
enérgico que ha transformado el cuerpo
convirtiéndolo en autómata, la figura se
expande como consecuencia de querer
representar el hecho de que la figura en
movimiento activa el espacio circundante. El
principio universal del dinamismo provoca
una repercusión en todo creando un hombre
distinto, materialización de algo presente en
el ideario futurista que es el super hombre. Es
una escultura muy tradicional porque es un
vaciado en bronce.

U. Boccioni. Caballo+Jinete+casas, 1914

Interacción entre el entorno y el sujeto cuando se inicia el movimiento. Materiales
pobres ensamblados y sugerir esa interacción entre el objeto y el espacio circundante.
Sintaxis esquemática muy del gusto cubista en el título de la obra. Forma en como
algunas de las innovaciones cubistas como el collage o el ensamblaje forman parte de
los medios para plasmar las
intenciones cubistas aunque con mucha frecuencia se hace de una forma más
referencial.

C. Carrà, Persecución, 1914

Recortes de periódicos sirven para representar de manera naturalistas el espacio
circundante. El motivo de la velocidad se hará patente en muchas formas.
Se puede ver en esta persecución asumieron o absorbieron los principios del collage,
utilización de recortes de periódicos con
función de crear un mensaje global orientado a la sensación de un momento de
velocidad.

L. Russolo. Dinamismo de un automóvil, 1912

El automóvil se convierte en uno de los
iconos clave de la iconografía futurista.
Esto es algo muy parecido en lo que se
veía en La revuelta, con los ángulos
convergente activados por un automóvil
en incluso el conjunto cromático que
utiliza es muy similar.
Brusco movimiento que desencadena una
fuerza.

G. Severini. Expansión de la luz, 1912.

Etapa posterior, producir en consonancia con las investigaciones de la
descomposiciones de la luz cromática, la fuente es la misma, la descomposición de los
colores. Suben un peldaño más, ya el dinamismo no es exclusivamente físico, noes at
asociado a un objeto sino que está en la luz, como algo etéreo y espiritual.
Descomposición de los colores del prisma con una pincelada impresionista la que
descompone los colores. Expansión de la luz. La
representación de la luz y de estados de ánimo.

G. Balla, Muchacha
corriendo en el
balcón, 1912.
Origen más material y físico que es el análisis de la secuencia de la descomposición del
noviecito. Se basa en un precedente de tipo científico que son las famosas
cronofotografías del doctor Marey que traslada de forma mimética a la pintura, como lo
que hacía Duchamp en Desnudo bajando una escalera. Descompuesta y fusionada con
el entorno con pincelada neoimpresionista antecede el análisis de la velocidad.
Complejo conglomerado de recursos sentimentales. Representación de cosas intangibles
como la fusión de lo percibido por la vista y las
sensaciones emocionales donde entran en juego la memoria o los recuerdos. La fuente
de inspiración es la cronofotografía, más objetiva y científica. Tiene implicaciones tanto
físicas como mentales. Y se resuelve por medio de la interpenetración de los objetos en
el espacio circundante. Lo hace de una manera mas puntillista con base simbolista y
luego va utilizando recursos cada vez mas cubistas. Recurre a la secuencia de las
diferentes fases del movimiento plasmadas en la pintura. Otros pintores se sintieron
atraídos por la fotografía y quisieron llevar mas allá el estudio de las figuras en
movimiento con la cronofotografía. Sin embargo, Boccioni rechazaba aquello por ser
excesivamente mecánico.

G.Balla. Velocidad de automóvil+ luz, 1913

Conduce a una representación de un corte más abstracto de ese contenido original
energético del dinamismo, el movimiento y la velocidad. Aunque aquí está en el origen
un análisis de un vehículo desplazándose a velocidad delante de un observador
imaginario del cual quedan rastros en esas formas circulares y espirales que están
originadas por el movimiento de
las ruedas, las sensaciones de
movimiento también están
representadas por las líneas
verticales y horizontales que son
las líneas de fuerza.
Da un paso hacia un intento de la
representación de la velocidad y el
dinamismo no figurativa, recurre a
las líneas de fuerza y mantiene las
líneas verticales que marcan la
continuidad de las diferentes fases.
Al hacerlo así la preocupación de los futuristas por el dinamismo marca el umbral de los
años anteriores a la Primera Guerra Mundial, lo que llevaba a los artistas a dejar lo
figurativo.
Cuando pinta un automóvil, lo que hace es pintar cuando el automóvil ya ha pasado, lo
que representa es la fuerza. Esa es la intención básica.

G. Balla, El vestido antineutral, 1914

 Exaltación nacionalista que forma parte de su esencia
y contribuye a que los recursos de la vanguardia
movilizados por el futurismo trasciendan los límites
muy reducidos del campo artístico para incidir en el
conjunto de la sociedad. Activismo artístico. Esto
influye cuando los recursos de la vanguardia se ponen
de parte de la propaganda política a partir de 1917. La
acción política y los recursos artísticos están a su
servicio. Son lo que la palabra indica. Toman partido
a favor de la intervención en la guerra. Traje
desestructurado a través de los planos cubistas que
debía ser animado por los colores de la bandera
italiana que forma parte en su conjunto de los medios
de agitación. Cuestión política que se tiñe bastante de
forma estética. Fuerte contenido nacionalista, lucha
entre los partidarios a la guerra y los neutrales. Traje masculino desestructurado de
planos cubistas, una forma de intervención desde el campo del arte. Los artistas de
vanguardias intervienen en cuestiones políticas. Cunde el ejemplo y muchos de ellos
van a la guerra.

C. Carrà. Manifestación intervencionista, 1914

Recurriendo al collage a los recursos cubistas pero perdiendo el efecto formalista y
lingüístico. Creación de géneros híbridos donde los textos juegan dobles papeles.
Buscaban la intervención con sus propios medios, intentando llevar a la práctica su
programa artístico con un fin concreto de
intervención en la esfera pública. En la estela de los
collages cubistas, prueba de como los fragmentos de
cosas extraídas del mundo cotidiano se activan en el
espacio artístico con la intención de tener una
repercusión de tipo político. Preludiando la fase en
la que la vanguardia abandona el campo propio de
la autonomía de lo artístico y pretende una
incidencia en la esfera publica activa. Los futuristas
en esto fueron bastante combativos, la vanguardia
toma camino en el campo político. El futurismo fue
a favor del fascismo. Es un gran cartel de collage en
el cual es importante las cuestiones de composición
de conjunto y confluencia de elementos visuales y
verbales. Ha elegido una forma geométrica
fuertemente dinámica que es la espiral que
representaría una exposición y los estímulos sensoriales de la ciudad moderna, una
manifestación a favor de la intervención en la guerra.
G. Severini. El tren blindado, 1915
 Pintar por medios cubistas máquinas de guerra, mezcla de
activismo, estética, agitación política, exaltación de la…
y que da lugar a lo que se llama el segundo futurismo.
Cuadros dedicados a la guerra moderna, se centra en el
objeto de tren blindado con soldados disparando y un
espacio cubista, esta haciendo honor al espectáculo de la
guerra moderna como guerra mecanizada. Exaltación de
la tecnología va pareja con la exaltación de la guerra
moderna.

G. Balla. Manifestación patriótica, 1915

Todo se remite a la creación de formas geométricas, vórtices, espirales, diagonales pero
ya no en un plano figurativo partiendo de la descomposición cubista sino en una fase
que ellos llaman complejos plásticos. Formas incompletas que es una traducción del
paso del cubismo sintético al cubismo analítico. El futurismo alcanza un punto de
inflexión, con la guerra pierda la mayor parte de su impulso creativo, algunos de los
artistas futuristas mas representativos mueren en la guerra y porque entre ellos se había
producido un rechazo de los modelos cubistas y una vuelta a los valores tradicionales,
por media de la reelaboración de los valores tradicionales con la pintura metafísica.
Vuelven a la solidez cezzaniana y al
pasado clásico italiano. Se da lugar al
segundo futurismo, un fenómeno mas
local y que recorre un camino con un
mayor grado de abstracción y los
conjuntos siguen siendo de origen de la
activación del principio dinámico y son
mas abstractos, se mueven hacia conjuntos
mas plásticos y homogéneos, menos
fragmentados. Un programa en el cual
pretenden extender el futurismo a todos
los
ámbitos, nunca entra a implicarse en la producción industrial. En estos años hay
referencias muy directas a los causantes primarios de la exaltación del
movimiento, coches, carreras, aviones, etc. Aparecerá la Aero pintura.

F. T. Marinetti. Zang Tumb Tumb, 1914

 Híbrido textual en el que las palabras rompen las
cadenas de significado para convertirse en una
expresión fonética de ruidos puros. Su inspiración
es la guerra. Está jugando con unos fragmentos de
palabras o unos sonidos representados por palabras
con origen onomatopéyicos que sugieren la guerra.
Más concretamente el sitio de Andrinópolis en
1912. Palabras en libertad son el origen de la poesía
fonética y en definitiva de la ruptura de las barreras
de lo que se lee y se visualiza, hibrido visual donde
las palabras actúan como imágenes.
Palabras en libertad, una evolución de los versos
libres simbolistas que va mucho mas allá, intento de
des familiarizar el lenguaje verbal y hacerlo
incomprensible y poner en evidencia su carácter.
Esta basada en la onomatopeya. Obsesión futurista
por ruidos de la vida moderna, ampliación que se produce con el impacto de la
tecnología y los medios de comunicación. Forma de romper las barreras entre lo
verbal y lo visual.
G. Balla, Tavola parolibera Trelsi treno. 1917
Obsesión por el ruido y la experiencia
sinestésica.
Russolo hacia la música de los ruidos,
incluso hizo una representación publica con
unos instrumentos elaborados y llamados

Intonarumori, que supuestamente eran capaces

de recrear todos los ruidos de la vida moderna.
 Vanguardia, utopía y revolución. Las vanguardias rusas. De Stijl o
Neoplasticismo. La abstracción geométrica

V. Tatlin. Monumento a la III Internacional, 1920.

Elaborar cosas con carácter utilitario con lo cual piensan que están mejorando el espacio
en el que se mueve el arte. Tiene muchos ingredientes de esas cuestiones. Monumentos
que fue elegido cuando Lenin firmo un decreto sobre los monumentos, este monumento
supera el aspecto retorico asociado a lo figurativo, otro tipo de monumento con
intención utilitaria. Proyecto utópico basado como un edificio de enormes dimensiones
pero las condiciones económicas de la época no permitieron esto marcaba de forma
importante ese debate en el cual se plantea la necesidad de que los artistas abandonen el
estudio y ocupen la calle y trabajen desde el taller y luego posteriormente en la fábrica.
En gran medida se resuelve con un fracaso. El monumento es un proyecto que parte de
la teoría de los materiales, la construcción de los materiales reales en espacio real, esos
materiales están asociados al hierro, asociado a la industria. El resultado final depende
de los materiales utilizados en una fase posterior. Por qué Tatlin ha recurrido a la doble
espiral, la doble espiral es el resultado de la reflexión sobre los materiales utilizados y
una forma que el artista ha escogido porque tiene un valor simbólico, espiral de origen
simbolista que representa el dinamismo pero los constructivistas radicales piensan que
estos productos nacen de lo objetivo. El marxismo que representa es hablar de una
propuesta que pertenece al viejo orden, que es lo que se pretende renovar, por lo tanto
pertenece al arte posterior y tiene tecnología y características individualistas y
burguesas. El debate artístico de la vanguardia internacional está muy ideologizado,
Tatlin utiliza estructuras de hierro ingenieriles, una de las inspiraciones del
constructivismo son los ingenieros, características futuristas con pirámides y espirales y
los cuerpos toman forma de cuerpos geométricos
colocados perfectamente uno sobre otro que giran en
torno a un eje, sentido simbólico del movimiento
cósmico.
Se había puesto de forma explícita la matriz básica
de la ideología de la vanguardia y de que el mundo
moderno estaba caracterizado por la industria, la
producción en masa, los medios de comunicación,
urbanización, etc.
La Europa que entra en la Primera Guerra Mundial
es muy distinta de la que sale de la guerra. Fin de los
imperios y comienzo de las olas revolucionarias.

K. Malevich, Campesina con cubos de agua y niña,

1912.
 El objeto de estudio de las vanguardias
rusas se hace dentro del estudio de las
vanguardias históricas porque los rusos
lo unifican como un conjunto de
experiencias. Se pueden dan por
concluidas con la llegada de la llegada de
Stalin y el experimento del comunismo
totalitario y se impone el realismo
socialista.
En los primeros años había una
orientación específicamente rusa, un
hibrido entre lo oriental y propiamente
ruso con lo occidental. Al mismo tiempo
la fuente de inspiración son las culturas
no civilizadas o primitivas. Esto en Rusia
se llama neoprimitivismo. La mayor parte de las artistas rusas de esta época se vieron
tocados por el neoprimitivismo, porque no recurría a los pueblos primitivos de África,
sino que lo primitivo lo buscaba en casa. La occidentalización de Rusia a partir del 18
hacia que, para las elites, sobre todo los artistas hacían que el arte popular ruso
pareciese primitivo, esto lo cultivo como fuente de su arte Kandinsky. Influencia y
sugerencia exótico orientalista.
El neoprimitivismo como tal es el invento de los pintores rusos de una pintura primitiva
con medios artísticos modernos recurriendo a motivos populares y representándolos de
una forma que implica modificación del lenguaje artístico para elaborar un lenguaje
primitivo.
Malevich paso por una fase relativamente primitivista a principios de siglo. Figuras de
tipo muy hierático, inspiración popular, colorido de inspiración popular occidental el
fauvismo y volumetría primitivizadora con figuras pesadas y torpes con fuente de
inspiración el primitivismo de Picasso y Matisse. Temas populares.

K. Malevich, El leñador, 1912.

Populista, extraordinariamente significativo.
Leñador popular con formas tubulares, Malevich
en San Petersburgo esta al tanto de forma directa
de las innovaciones de la vanguardia en parís, hay
un intercambio constante entre San Petersburgo y
París en los años previos a la Primera Guerra
Mundial.
Dos corrientes de la abstracción geométrica:
suprematismo y constructivismo.
Había muchos artistas rusos en las distintas ciudades europeas como Tatlin y
Kandinsky. El cubismo no es en absoluto algo desconocido.
Aquí está tratando un tema primitivista de una forma idiosincráticamente cubista, un
cubismo
tubular. Da una versión populista del campesino ruso, como una especie de héroe.

Chagall, Yo y la aldea, 1911

Figura muy independiente de la vanguardia.
Primeras aportaciones de la vanguardia rusa con el
primitivismo, su principal exponente de forma muy
personal es Marc Chagall. Tiene la peculiaridad de
ser un pintor inclasificable en todos los aspectos.
Bielorruso y judío, su fuente de inspiración es la
cultura tradicional judía de los asentamientos judíos
de la zona oriental del imperio zarista. Su
repercusión viene de ser un pintor francés
proveniente de la escuela de Paris. Su nombre es la
modificación francesa de su nombre ruso. Tradición
popular judía como cultura autónoma muy viva.
Temas populares de aldeas y campesinos. Los hace
en una versión artística sincrética, que reúne un
poco muchos factores; en primer lugar, la imaginería popular en cierto sentido naif, y
también una mezcla entre cubismo órfico, fauvista, etc. El resultado es muy atractivo,
propio de una personalidad artística propia y forma parte de un entramado de tendencias
artísticas muy grande.

K. Malevich, El afilador. Principio de centelleo, 1912.

Radicalización de los modelos artísticos
de la vanguardia. El futurismo llega y la
forma de recibirlo. Se recibe con un
entusiasmo indescriptible y con bastantes
reservas con lo que propone Marinetti. Se
empiezan a identificar las ideologías
vanguardistas con las ideologías
revolucionarias. Se acentúa el carácter
accionista y provocador de la vanguardia
artística rusa. Idea de rechazo de la
cultura del pasado es también
significativa. La recepción del futurismo
en el lenguaje artístico es significativa,
pero tampoco se distingue en Rusia
mucho del cubismo (cubofuturismo o
futurismo eslavo). El futurismo o cubofuturismo es la matriz principal de la vanguardia
rusa.
Se puede ver que existe una forma de representación dinámica con descomposición de
planos y de los objetos y espacio circundante.
Esa especie de futurismo abstracto basado en la velocidad de Carra tendrá
consecuencias en los artistas rusos.

K. Malevich, Un inglés en Moscú, 1914.

Tiene repercusión Las palabras en libertad de
Marinetti. Una propuesta de nuevo lenguaje que
rompía las cadenas lógicas que dan significado al
lenguaje. Lenguaje por onomatopeyas o símbolos.
Los rusos van mas allá de la destrucción del
lenguaje y lo dirigen a los canales sensoriales,
ponen en marcha la propuesta Zauen, que se
traduce como lo transracional o lo alógico, esto lo
llevan a cabo en los ámbitos literario, en el campo
de la obra de arte total. Lo transracional tiene base
futurista, por la trasformación de la razón y los
órganos sensoriales acentuados.
Al mismo tiempo que a través del lenguaje y los
espectáculos de obras de arte totales, pretenden
trasmitir una especie de trasformación de la
conciencia y de los sentidos. Se presentan en
términos místicos. No responde a las cadenas del
racionalismo lógico.
Esto se manifiesta en algunos cuadros del año 23 y 14 en los que Malevich reelabora a
su manera el collage cubista y el cubismo sintético.
Hay mezcla de iconografía y de imaginería del realismo mural y también hay bastante
utilización de los signos verbales.
K. Malevich, Mujer ante una valla publicitaria, 1914.
Hay un protagonismo cada vez mayor de los planos de color, absolutamente
geométricos. Fase en un proceso evolutivo. En 1916 escribe un manifiesto sobre el
cubismo y el futurismo y lo llama El nuevo cubismo, le da forma a su pensamiento y al
proceso que sigue. Eliminación de los signos que son figurativos en cuanto que tienen
algún carácter referencial y a proceder a la desaparición del objeto.

Ultima exposición futurista de cuadros 0.10, Petrogrado, diciembre 1915

Lleva del plano cubista como parte de la composición pictórica al plano como único
protagonista del sistema pictórico creado exnovo por Malevich y sus seguidores a lo
que le va a llamar suprematismo.
La presentación de este suprematismo se hace en la exposición de Petrogrado de 1915.
Hay un cuadro que destaca por encima de todos, que está colocado arriba en una
esquina, esta disposición esta explicado por una característica de la cultura popular
rusa, porque los iconos de las casas populares se colocaban en esa disposición. Se le
llama rincón rojo (bello).
Se colocaba como una especie de centro, cuadro sobre el que orbitan todos los demás.
K. Malevich, Cuadrado negro sobre fondo blanco, 1915.
El cuadrado negro sobre fondo
blanco es el icono del suprematismo.
Habla sobre el grado cero, que seria
en este caso el grado cero de la
pintura, el principio del
procedimiento. Se le añade un
simbolismo al negro, como símbolo
del color, el blanco como espacio
infinito. El blanco también es la nada.

El Lissistzky, tribuna Lenin, 1920-1924.

Clima utópico de la revolución soviética explica esta
situación, la necesidad de elaborar estructuras útiles
tienen con mucha frecuencia un destino
propagandístico, hacer artefactos que difundan las
ideas revolucionaras. Forma de cómo se pueden hacer
cosas útiles. En su terminología aparecen propuestas
muy radicales que muchas veces traducen en frases
muy redondas, como lemas propagandísticos que
comparten lo que ellos llaman la racionalidad
intrínseca del modelo marxista. Los métodos y
modelos de optimización de la producción, esto viene
del capitalismo pero este debe ser el modelo que seguir
para realizar objetos útiles. La mayoría de obras se
quedan ene l papel o son modelos a escala, lo que ellos
definen como arte de laboratorio y posteriormente
entrada de la producción. El paso del artista al
ingeniero, enseñanzas de tipo superior que piensan que
deben guiar este paso. La concreción de esto se basa en el lenguaje auspiciado por el
suprematismo y por la idea de la construcción con materiales reales ocupando un
espacio real fuera del plano ilusorio de la pintura.
Se observan en Tatlin la estructura lineal y las formas geométricas.
En esta obra se ve un montaje donde se ha colocado a Lenin hablando a las masas y con
la palabra proletarios arriba. Si quitamos la foto de Lenin y la palabra proletarios
veríamos una composición que tiene que ver con las formas geométricas puras y los
entramados lineales, entramados de hierro que se entienden como constructivismo.

Lissitzky, Proun 1 A: Puente 1, 1919

Forma parte de un grupo
conocido como grupo
supremacistas por excelencia
llamado Unovis. Se desarrolla un
lenguaje nuevo donde se utilizan
mucho las siglas UNOVIS
significa en ruso los heraldos del
nuevo arte. Lissitzky toma una
postura un tanto herética de su
grupo. Este proyecto se definió
como estación de trasbordo entre
pintura y arquitectura, planos colocados en un espacio absoluto en el cual el artista
sugiere a los planos una cierta textura y les proporciona un carácter de materialidad y
sirviéndose de sistemas de proyección geométrica como los utilizados en la
arquitectura, hace una proyección de planos creada para ser un embrión de proyecto
arquitectónico.

A. Rodchenko. Composición objetivo de negro sobre negro, 1918.

Tiene una serie de pinturas abstractas llamadas
composiciones inobjetivas de negro sobre negro que
muestran la posición contraria de Blanco sobre blanco,
dos formas de declarar el fin de la pintura y la muerte
del arte de caballete en un proceso de reducción que en
el caso de Rodchenko está marcado por su pensamiento
que tiene una base materialista. Reducir la pintura a un
mínimo elemento esencial como el negro sobre negro es
una manera de intentar renunciar al carácter
representativo de la pintura por la vía de negar el
contraste de la forma sobre el fondo. Esquema circular
que tiene una sugerencia dinámica pero habla en
términos de que es la reducción hacia la consecución de presentar la pintura como mera
materia.

A. Rodchenko, Líneas sobre fondo verde, 1919.

Intención de separar la pintura de sus finalidades anteriores. Línea como base de las
estructuras y modelo del proyecto arquitectónico. Se llega de esta manera por medio de
unos debates teóricos pero el principal es el debate de construcción y producción es la
génesis del constructivismo.

Tercera exposición de OBMOJU, Moscú, 1921.

Sociedad de artistas jóvenes, resultado de unos debates teóricos que se suceden a lo
largo de 1920 ene l seno de un organismo creado por el gobierno soviético llamado IZO
(departamento de bellas artes) y dentro del otro organismo llamado INJUK (instituto de
cultura artista) que es donde se organiza todo este debate. El primer presidente de este
instituto es Kandinsky. El debate tenía como finalidad elaborar un modelo con debate
sobre elaboración y construcción por lo que en el arte de laboratorio se creen los
modelos de base artística que serán los prototipos de modelos estructurales y el futuro
proceder de los artistas cuando hayan pasado a la fase de producción de objetos útiles.
Kandinsky era un defensor de estudiar sistemáticamente los elementos más elementales
del arte, elementos mínimos y básicos en torno a cómo actuaban psicológicamente
sobre el espectador. La postura de los constructivistas radicales pues descansa en la
cuestión de elaborar un modelo de corte absolutamente materialista donde los elementos
utilizados en las construcciones noes ten determinados por los efectos en el espectador,
sino por un sistema racional de elaboración de artefactos.

V. y G. Stemberg, construcciones espaciales

Especie de exposición artística donde
hay cosas que podemos asimilar como
cuadros pero son objetos
tridimensionales, de construcción.
Algunos están colgados, como si fuesen
esculturas pero que pretenden no ser
estructuras. Estas construcciones tienen
cierta similitud con la torre de Tatlin y
las construcciones de hierro industriales
y una forma de elaboración que deriva
del ensamblaje y montaje de materiales
y parecen esculturas pero no dependen del modelado ni la talla, son lineales ene
l espacio, construidas de una forma que podemos llamar montaje. A.
Rodchenko. Construcción
espacial nº 12, 1920.
Posibilidad de que la estructura
material determinado por la
construcción pueda adoptar una
multiplicidad de formas dependiendo
de las circunstancias. Se piensa literalmente como proyectos se consideran trabajo de
laboratorio, no tienen un fin en sí mismo.

N. Gabo, Modelo para columna, 1920-1921

Por constructivismo también se entendieron muchas
propuestas de tipo artístico donde se utilizaban
materiales modernos con composición geométrica y
proyectos de base o inspiración arquitectónica pero
que no estaban pensados para ser lo que los
constructivistas pensaban, un trabajo de laboratorio
para ser producido, sino que estaban pensado como
obras de arte autónomas. El caso de Gabo es que
ellos no pensaron de que sus modelos artísticos eran
un modelo para objetos útiles y porque los hermanos
Gabo se exiliaron a Occidente y fueron los que
transmitieron el concepto de constructivismo a
Occidente.
A partir de este momento se abre el camino del constructivismo como arte de
producción que se circunscribió al ámbito de la Unión Soviética y que sus resultados
fueron dispares. En el campo de la producción de objetos fue bastante limitado, el
sistema productivo de la Rusia soviética no se adecuaba. Las vicisitudes históricas
hicieron que no fuera descubierto hasta los años 60 o 70, se ve su influencia en el
minimalismo de los años 70.
A. Rodchenko, Concentración del color, 1921.
Decir adiós a la pintura, tríptico con
presentación radical del principio del plano
y la monocromía. El color y los planos son
materiales que deben utilizarse en las
construcciones útiles.

L. Popova. Escenografía para El cornudo magnánimo, 1922.

 Se hace una tramoya.
Estructuras lineales, planos
geométricos de color
abstractos. Negro y rojo
fundamentalmente los colores
más representativos de los
modelos constructivistas y
uso de la propia tipografía.
Entrando teatral es el lugar
donde se realizan las acciones
de la obra.
Presenta el hecho de que este
entrono geométrico y los movimientos de los actores están codificados sobre la
biomecánica y forma parte del estudio científico del movimiento humano con fines de
mejorar la producción. Las formas geométricas se presentan también en otro de los
campos que experimentaron que fue el sector textil y el diseño de ropa.

L. Popova “Ropas de trabajo” y Diseño de traje deportivo, 1923.

Diseño de traje geométrico con diseño utópico. Utilidad bastante limitada. L.
Popova, Diseño textil.
Diseños textiles suprematistas.
A. Rodchenko, Club obrero, 1925. Exposición Internacional de las Artes Decorativas,
Paris.
Relación con el mobiliario, espacios con propósito propagandístico, el principio básico
era la plurinacionalidad, el hecho de que la sala es un espacio de propaganda visual y el
objeto más conocido es el banco corrido con sillas en la parte central que está pensado
para que tenga varias funciones. Esta funcionalidad pensaba que se debía al sistema de
producción que venia del laboratorio.
Rodchenko, Lendiz, libros, 1925.
Renunciando a la producción
y entrando en el campo de
producción de propaganda y
un programa mínimo que los
constructivistas plantean
como psicoconstructores.
Plantean la posibilidad de que
los medios modernos de
producción técnico ordenados
por los diseños abstractos de inspiración constructivista y separatista serán la base de
este programa de elaboración
de una arte de agitación con materiales modernos y que es la aplicación práctica que
más éxito tuvo. Se basa en la utilización de la fotografía, tipografía normalmente
geometrizada y composición plana realizada con bases abstractas. Cartel para una
editorial.

E. Lissistzky. Pabellón soviético, exposición internacional de la prensa, Colonia. 1928.

Utilidad práctica sin renunciar a
sus principios constitutivos. Nos
enfrentamos a la base de toda la
vanguardia genéricamente
constructiva de los años 20 cuya
aspiración principal era romper
las barreras.

Neoplasticismo

P. MONDRIAN
Mayor que los artistas que se reunieron en torno a la revista De Stijl y junto a él está
van Doesburg, que era el organizador y difusor del ideario del grupo y a partir de 1925
el protagonista de una especie de incisión entre Mondrian y los demás. Era una especie
de agitado con una actividad bastante grande y difundiendo el ideario de nuevo espíritu
en diferentes ámbitos.
En 1922 van Doesburg comenzó un curso paralelo a la Bauhaus, y tuvo una notable
incidencia de una escuela de base tradicional a una escuela constructivismo de arte y
tecnología.
De Stijl significó el estilo, no un estilo, porque la intención de los miembros reunidos en
torno a una revista era la elaboración del estilo adecuado a la época. El estilo de la
época se corresponde a la época de la máquina, lo productivo, el socialismo y también
de la superación del materialismo o la espiritualidad. La nueva sociedad que viene de
suceder a una sociedad marcada por el materialismo, individualismo, la arbitrariedad el
caos, el positivismo. Antítesis y lo que intenta es superarlas y alcanzar un mundo ene l
cual no existan esas dicotomías y se alcance un grado de armonía.
El estilo se basó en la geometría, tomó el nombre del ideal neoplástico por la aparición
de unos artículos en 1917 por Mondrian que convencido de al estar en holandés no iba
tener un gran reproducción por lo que lo reprodujo en francés con el nombre de
Neoplasticismo, el nombre en holandés significa nueva producción, nueva imaginería.
La pintura es el espacio privilegiado en el cual se debe de concretar el ideal neoplastico.
El punto de partida es igual que en el suprematismo y constructivismo; el cubismo. P.
Mondrian, Bodegón con jarra de jengibre II, 1912.

Asimilación del cubismo

fulminante al llegar en París.
Llego a exponer con los cubistas.
A diferencias de las
construcciones materiales de
Tatlin que proceden de los
ensamblajes cubistas, la base del
neoplasticismo está en la reticular
del cubismo analítico de la fase
hermética. Planos delimitados por
unas líneas que formaban una
retícula que progresivamente se
iba autonomizando. La relación
entre
la estructura formada por la retícula y los objetos representados en ese punto de partida.
Mondrian organiza un tipo de reticular más uniforme en la cual los motivos o formas
individuales o particulares son las que dan pistas de referencia sobre lo representado,
pero las estructuras de reticular abstracta subyacente cobra bastante independencia y
tiende a regularizarse. Esto se debe a que a diferencia de Picasso las intenciones de
Mondrian no son representar el mundo o la naturaleza en toda su variedad, sino que el
punto de partida de Mondrian no es realista sino que está marcado por un impulso
metafísico o espiritual, una religión llamada la Teosofía.
Un artista que prima los componentes espirituales por encima de los materiales se puede
definir. La estructura reticular es el soporte de la figuración no tiene como finalidad
describir figurativamente sino que es algo como una estructura subyacente. Lo que hay
oculto de bajo del mundo de las apariencias. Las apariencias son engañosas y se debe
de buscar una esencia y un orden subyacente que no dependa de los engaños
proporcionados por los sentidos sino que tenga la certidumbre y lo que la mente
racional es capaz de deducir y considerar.

P. Mondrian, Composición VII, 1913

Los cubistas no han sido capaces de llevar sus últimas consecuencias lo que han
descubiertas, están impregnados de esa postura individualista que desconfía de la
percepción y los sentidos. Este principio cubista de la organización reticular se va a
convertir en la base de la pintura y la base del proceder. Esto lo va desarrollando
Mondrian en una primera fase y en un proceso. Proceso abstractivo en el sentido de que
llegamos a eliminar las cosas secundarias o accesorias y terminamos sacando la propia
esencia. Esto se hace partiendo del motivo como en este caso, un árbol, la parte central
unos planos grises que ascienden que serían el tronco y las ramas extendidas. Ha
descubierto una estructura básica, que es la reticular que evidentemente hay que
desviarse del sentido que va tomando cada vez menos octogonal para entenderlo. Eso es
lo que él quiere eliminar y que la pintura tenga una forma cada vez más exclusivamente
de forma octogonal.
P. Mondrian, Composición nº 10, Muelle
y
Océano, 1915
Proceso de purificación en una reducción a
elementos mínimos, inspirado en un artista y
pensador llamado Schoenmaekers que está
especulando sobre cosas parecidas. La nueva
imagen del mundo y principios de matemática
clásica. La guerra mundial estalla y a
consecuencia de aquello Mondrian acaba
viviendo en Holanda y acaba de entretejer la
serie de relaciones con artistas alrededor de la
revista Stijl. La imagen del mundo debía
reducirse a sus elementos esenciales a la
búsqueda de un principio común con un punto
de confluencia en el que los contrarios se centrasen y esos contrarios eran expuestos por
Schoenmaekers. Relación entre lo horizontal y o vertical. Búsqueda de conciliación de
contrarios. El punto plástico (punto donde se junta lo horizontal y lo vertical) y el plano
plástico serian el plano que forma la intersección del horizontal y lo vertical. Mondrian
piensa que se puede empezar a lograr algo así como una especia de conciliación de
contrarios ene l campo artístico pero todavía partiendo del motivo natural.

P. Mondrian, Composición 16, 1916.

 Una vez que se ha alcanzado esta depuración extrema
y una vez que los principios deducidos que proceden
muy lejanamente de los motivos vistos como punto de
partida del cuadro desembocan en la situación en la
que la pintura se ha depurado tanto que ya se ha
reducido e unos elementos esenciales que no tiene por
qué referirse a ningún motivo natural y por tanto ene l
proceso que ha seguido hasta ahora Mondrian de tipo
espiritual y depuración de los motivos para llegar a las
esencias a partir de ahora se centra en la pintura como
tal; la línea, espacio, plano y color en un programa de
abstracción pura radical. La geometría admite muchas
interpretaciones. Toda la filosofía de la vanguardia
estaba sometida a un proceso de trasfomacion y
evoucion. Encaminado a un estadio mejor. Armonía
atemporal. Ahora estos pintores empiezan a
exerimentar y se dan a la línea, el color y el plano
pictórico, se reducen a los esencial. Es un programa de abstracción radical basado en
elementos geométricos.

- Composición en color B, 1917.

- Cmoposicion de tablero de damas con colores claros.

Se producia el efecto de parpadeo. Que era un efecto naturalista.

La modificación d el acuadricula, tuvo que ver con ese modulo que pede empezar a
desaparecer.

- Composición con colores claros y líneas grises 1919.

Crea un rombo conc olores en parte contiguos. Puede parecer que uno de los problemas
principales, que el de la proyecciond e la figura con el fondo empieza a desaparecer. El
fondo lo vemos como blanco.

- Ocmposicion con gran plano rojo, amarillo, nrgo, gris y azul. 1921.

Mondrian elimina la cuadricula rectangula, y pone a punto su sstema que es la imagen

distintiva dl neoplasticismo. Que ocnsiste el vocabulario canonimco de este estilo hasta
su fnal. Aunque el gran plano rojo parece estar dominante, se equilibria ocn la derecha
que parece salir del cuadro. La imagen del cuadro sobresale y lo emmarca. Para
prodcuir la sensación de q es un objeto plano. Un fragmento de un sistema que se
expande fuera de plano.

En todas todas direcciones para conformar el conjunto del toldo de esa manera
mondrian piensa que digamos ha logrado ya logrado un modelo modelo teórico práctico
en el que digamos se muestra o se pone a prueba cómo haríamos os he puesto en
práctica en unos elementos mínimos el pensamiento que el que lo dirigen y que está
orientado a depurar al máximo los elementos materiales de la pintura en la búsqueda de
esa nueva imagen plasmación o plasticidad en realidad en francés nueva imagen o
plástico auténtico punto de partida de transformación del de todas las de todas llegamos
las actividades artísticas pero en general digamos de las actividades también del entorno
es digamos algo así como que la pintura y es la práctica la actividad que por sus
características mejor puede guiar a cada arte para que cada uno de ellos con sus medios
privativos alcance un proceso de depuración similar y vimos que vemos digamos
oportunamente esto como he dicho antes procede de esa visión llegamos un tanto
espiritual espiritualista no que digamos rechazan o qué pretende pretende eliminar todas
las particularidades arbitrariedad todo lo que todo lo que hiciste estaríamos todo lo que
se ve en el mundo como algo arbitrario obsesivamente particular no pensionado al
desequilibrado etcétera y adentrarse en un terreno de pureza absoluta me curan al
máximo las relaciones existentes entre los elementos básicos de cada dominio artístico
de cada género artístico lo que es de y lo que digamos en la terminología del
neoplasticismo se llama las relaciones las relaciones puras la búsqueda de las relaciones
puras esto hace visible Excel esa búsqueda interior Elsa búsqueda digamos un guiada
interiormente de las relaciones puras no es digamos o un modelo digamos de proyecto
sino que es un ideal alcanzar y a transmitir la forma como Montreal.

El resto de artsitas desarrollaron esta nueva imagen del mundo.

G. VANTONGERLOO

G.vantongerloo en el campo de la escultura. Búsqueda de las relaciones de los

elementos. En este caso más que los planos de fondo de color utilizados en la pintura
pues más bien digamos la manera como se integran los vacíos vacíos y volumen dentro
del entramado geométrico en relación con esto está un poco digamos uno de los iconos
del movimiento.

G.RIETVELD

- Silla en rojo y azul.

Una estructra de listones de madrea cruzaods en horizontal y vertical, como las
cuadriculas de Mondrian. No se cortan en su intersección, se extienden mas alla.
Sobre esa estructura se colocan dos planos de color. una sus imágenes más
conocidas en las sillas en rojo y azul y azul de Jerry reed Sheldon digamos puede
concebirse un poco digamos como una especie de escultura.
- Silla Berlin. Porque se expuso en Berlin.

De esta manera la pintura neoclásica con la construcción del entorno por varias razones
entre ellas digamos se cuenta el hecho de que el ideario de está el originalmente
publicado en esta revista ortodon por toda Europa a través de la obra escrita de sus
principales miembro. Mondrina escribió algo como nueva plasmación para la pintura.
Aspiración de búsqueda, realidad natural y abstracta. Posteriormente se publican sus
ideas en la bauhaouse.

- Casa de Schröder, 1924.

Destaca. Planos que sobresalen y listones pintados a la misma fomra que se pintan los
entramados: rjo, amarillo y azul. Hay una realcion entre evrticales y horizontales. Entre
planos solidos y planos blancos, los ventanales.realcion entre vacios y planos. La
sensación se ha covertido en una fomra de elaboración de volúmenes. El volumen no es
una caja solida, cerrda, sino que esta abierta y conformada por una serie de planos que
delimitan los espacios. Cuandos e entra parece vivir en un cuadro de mondrina. Sobre
todo, esta conversión del cubo rijido y solido en una cosa mas abierta. Acentuada no
solo por los planos tan delgados y ligeros, también se contraponen co las grandes
ventanas.

Pero Mondrina sigue en los usyo. Con la depuración de los medios pictóricos llega a
hacer el Rombo con líneas y gris, 1926. Crea un frangmento. En parís reforma su atyer
como espacio suprematisma.

- Proyecto de biblioteca para a Ida Bienert en Plauen, 1926.

Los planos cinfunden con el techo, el suelo, los huecos de las ventanas, los muebles…
hay una especie de confusión querida.

VAN DOESBURG

Sistema de contraposición. Refleja tensiones, equilibrio dinamico de contrarios,

modelados.

La relación entre este y Mondrian nunca se reanudo del todo.

- Sala de baile-cine

Dada y Surrealismo en la vanguardia de

entreguerras
Durante mucho tiempo se vio el dadaísmo como una prórroga del surrealismo, pero se
sobreentiende por su repercusión en los años 50 el dadaísmo presenta muchas
características para ser tratado de forma autónoma.
El termino dada era muy sugestivo por su propia cualidad onomatopéyica que se refiere
a un sonido infantil. Intención de volver a los orígenes o raíces no contaminadas.
Termino determinando el termino dada a unas prácticas artísticas que se desarrollaron
en un periodo breve de 1916 a 1922 aproximadamente en un ámbito bastante
internacional. Se inicia en Suiza en Zúrich en 1916 con un grupo de artistas escritores
exiliados que habían huido de la guerra. Se reúnen en un local de ocio el Cabaret
Voltaire durante unos meses un grupo variopinto, la mayoría de origen alemán. Hacen
representaciones teatrales, con interacción con el público, conectan con los futuristas
por sus seratas, donde los artistas presentaban un espectáculo pensado para provocar al
público. Aquí la provocación existe, pero con un publico mas receptivo. Recogen
experiencias y practicas de las diferentes vanguardias y las adecuan a sus condiciones,
el dadaísmo no presenta una propuesta estilística o artística propia, no inventa un
lenguaje diferenciado, se sirve de todos y los trasforma. En Zúrich existe la práctica del
espectáculo del cabaret y la provocación de los futuristas.
A esto hay que unir otras muchas experiencias y prácticas vanguardistas que desarrollan
que satirizan o parodian, una de ellas sería el manifiesto, que los dadaístas cultivan
mucho, destruyen por absoluto los manifiestos de las vanguardias.
Algo clave en el espíritu dada será la puesta de en cuestión de todos los fundamentos de
la cultura y sus expresiones mas destacadas desde un punto de vista considerado
negativo, nihilista, destructivo o subversivo. No solo ridiculizaban el arte convencional,
sino que también las vanguardias. Pueden desarrollarse por el consiguiente espíritu de
negación del dadaísmo.
Entran en juego una serie de contradicciones destructivas, que quieren hacer tabula rasa
y es el germen de una intención constructiva, el caos absoluto, pero al mismo tiempo
ese caos se supone que porduce un nuevo orden que es el orden de lo irracional. A nivel
practico rechaza el arte y lo artístico, pero se mantiene dentro del marco de lo artístico y
es una propuesta que maneja diferentes propuestas de vanguardias para darle la vuelta y
producir una destrucción de lo que se considera artístico, pero al mismo tiempo ampliar
sus fronteras utilizando medios materiales y practicas ajenas a lo convencionalmente
artístico para producir su ampliación. Todo es muy contradictorio, pero eso forma parte
de su identidad y de su encanto.
El dada ha habido que reformarlo porque el uso de materiales no convencionales y no
valorados y al mismo tiempo lo que se elaboraba y presentaba en la mayoría de los
casos no se les daba importancia. No tenían consideración de obra artística y no eran
conservadas. Hay una reconstrucción procedente de las fuentes (manifiestos, libros,
fotografías, revistas, etc.), en muchas ocasiones se ha podido reconstruir las propuestas
que hicieron.

La vanguardia quiere romper esos limites entre el arte y la vida. El arte no debe estar en
un lugar autónomo, completamente aislado, lo que se llamaba la torre de marfil, sino que
debe de fundirse con el entorno cotidiano. Los propulsores de la abstracción geométrica
llegaron a la conclusión de que una vez que las relaciones más puras se dan con los
elementos que lo componen. Esto podría ser el punto de partida de la transformación de
del mundo . Con la pretensión de tener un carácter universal para dar forma y apariencia
a todas las cosas existentes en el mundo. Esto e suna especie de metodología, de
experimentación para formar parte del mundo de la producción, del mundo productivo.
Con cosas que pueden estar al alcance de cualquiera. El arte es el producto final que sale
del espíritu humano.
Guerra mundial = aplicarse a la destrucción sistemática. Se dan modelos artísticos
ligados no solo a la cultura establecida, a la cultura académica lo que llamaríamos
cultura burguesa si no llegamos a la cultura a la propia cultura alternativa = cultura de la
vanguardia. En el que como ellos mismos día la juventud europea
Se caracterizaba un movimiento artístico cuyo estilo si existía pero era la total y
completa ausencia de un estilo único, con un estilo uniforme dónde se combinaba la
figuración más fidedigna hasta el punto de pasar por la fotografía como medio de
expresión artística. Extendiéndose a todo el ámbito de subactividad, las propuestas
vanguardistas como una forma precisamente de eliminar las barreras entre el arte y la
vida y siguiendo las señales futuristas.
Fundamentalmente parte de su actividad se da en espectáculos diriguidos a círculos
relativamente reducidos. Buscaban la provocación pero el público al que quería provocar
ya estaba en gran medida predispuesto. La parodia fromao parte de estos movimientos
de vanguardia. Que eran completamente arbitrarios. Cogina imágenes futuristas como
inspiración.

Hugo Ball con el traje cubista diseñado por Marcel Janco recitando el poema
Karawane, Zurich, 1916.
Es una parodia del cubismo tubular, el poema no estaba en ningún idioma, no tenía
ninguna traducción, era un poema fonético. Los poemas
simultáneos eran unos cuatro o cinco poemas recitados
simultáneamente para producir efectos cacofónicos. Un
ataque al lenguaje acompañado por una música.
Las actuaciones del cabaret Voltaire duraron poco tiempo.
Hugo Ball actuando paradójicamente como una especie de
oficiante, un sacerdote de algún tipo de oficio sagrado, que
salía al escenario embutido en un llamado traje cubista hecho
con láminas de cartón. En el que apenas se podía mover.
Haciendo una parodia del cubismo.

H. Arp, Collage construido según las leyes del azar, 1916-17

 Había mucho absurdo y ataque a todos los
procedimientos del lenguaje verbal o artístico, todo
encaminado a poner en cuestión lo que sustenta el
universo del arte. Idea de la existencia del autor,
autor omnisciente. Arte como medio de expresión
poniendo en cuestión la idea de que el artista controla
lo que hace, subvirtiendo el proceso artístico e
introduciendo lo ocasional, el azar y que no se puede
controlar.
H. Arp era un alsaciano apátrida que se nutrió mucho
de los movimientos de dada.
Una practica iniciada por los cubistas que es el
collage es utilizada.
Estaba haciendo un collage, rompió los papeles y los
tiro al suelo y le gusto el resultado. El collage era una cuestión representativa, como un
papel recortado puede tener un significado en el sentido de la arbitrariedad del signo. La
intención es plantear de que forma el control del autor puede ponerse en cuestión y la
autoría quede en entredicho y el resultado es aleatorio y fruto del azar.
Siguiendo unas normas geométricas que se parecen a las neoplásicas estaban hechos con
rascado de papel. Su disposición sería más o menos adecuada lo que esté por aquí se
consideraba de valor. Intención paradójica y contraproducente de collage construido
siguiendo las reglas del azar. No hay reglas, es un azar muy explotado por la política de
los realistas. Provocacion en interaccion con el publico. Buscaba a través del azar borrar
el control del artista sobre el producto resultante final.

H. Arp, Las lágrimas de Enak, 1917.

Respondía a criterios geométricos llamada simetría
patética. Trabajaba con su mujer.
Ritmos de la naturaleza con las formas orgánicas, entre lo
orgánico y lo geométrico. Juego en el cual muchas de los
procesos que el artista ejecuta se dejan en el aire. Estas
obras orgánicas consideradas abstracticas, llamadas por el
arte concreto. Realizadas en planchas de madera que él no
hacía y se hacía un montaje. Rechaza y a la vez amplia
los límites del arte, por ser hibridas, recortadas y pegadas
en un espacio en relieve, consideradas esculturas y
pegadas a la pared. Integraba de una forma bastante
simple los principios de la abstracción. Uno de los
canales más utilizados, la abstracción convino con la
figuración.
Añade títulos poéticos que transforman las percepciones del mensaje verbal y de la
imagen figurativa.

El Dada fue una especie de virus. Una parte de la actividad dadaísta se celebró entre el
1917-21 en América, en Nueva York. Una serie de artistas de la vanguardia francesa
(que habían huido a causa de la guerra) relacionados con el cubismo llegan a Nueva
York, y entran en contacto con la vanguardia americana y realizan actividades
antiartísticas y se reúnen con el título de Nueva York dada. Utilizaban términos muy
escuetos y directos, cercanos al lenguaje de la publicidad. Crearon una especie de
primitivo irónico. Crean llaveros, y otros objetos elegidos entre los cuales se encuentran
frascos de colonia. Estuvieron bajo el manto de la nueva vanguardia americana famosos
fotógrafos y emprendieron una serie de acciones que sin tener aspectos provocativos
mostraba una postura menos espectacular, más meditada, pero de un calado muy
profundo en cuanto a lo que se refiere a las intenciones destructivas anarquistas y
nihilistas. Acentuaron el carácter internacional.
Personaje significativo con rasgos apatria y también aristocrático con actitud muy
irónica y al igual que ocurre con Duchamp, el cubismo lo había conducido a una
pérdida de fe en las posibilidades de la pintura. Picabia ejerce una actividad bastante
frenética y publica una revista llamada 391 que llevaba como parte de su equipaje. Era
una revista itinerante. Esta revista toma el nombre de la galería de arte que había
establecido Stieglitz en el 291 de la 5ª avenida y la revista se llamó 391. Esta revista se
publicó en varios sitios según donde estuviese Picabia ahí es donde se publican sus
famosos dibujos mecánicos, que son en este momento su propuesta antiartística.
Consiste en la copia literal de piezas mecánicas con el dibujo lineal y personal de los
diagramas del dibujo técnico a los que se le añade un título que altera su significado.
Era un dandi a borde de coches de lujo y al mismo tiempo tenía su imagen como artista
vanguardista dadaísta. Tenía varias nacionalidades. Los futuristas fantaseaban con las
maquinas, así que lo convirtieron en un motivo de mofa.

F. Picabia. Retrato de una joven americana en estado de desnudez. 1915.

Picabia se va a Estados Unidos en plena guerra y aparecen él y Marcel Duchamp en
Nueva York y el contexto dada les llega de oídas. Empiezan a hacer llaveros irónicos
con el nombre de New York Dada. Allí entran en contacto con mecenas americanos.
Picabia era un personaje muy peculiar, descuidado,
millonario y que no tiene un sitio fijo. En Nueva York
fundo la revista 391, que tiene que ver con el número 291
de la 5ª Avenida de Nueva York donde había unas
pequeñas galerías fotográficas.
Fascinación por el mundo de la máquina, que era un
motivo de inspiración del arte de vanguardia, de los
futuristas en particular, ahora se convertía en una fuente de
inspiración de tipo paródico. Utilizan la máquina en sentido iconográfico, la maquina es
algo
como una parodia del ser humano porque la máquina viene a ser un trasunto mecánico
de lo humano. A nivel de la representación entra en juego una forma de destruir los
fundamentos del arte, sustituye las imágenes de los cuadros realizadas artísticamente
con dibujos de máquinas parecidas al dibujo técnico. Empieza a jugar con la
interrelación de lo figurativo y lo verbal. Consideran la maquina en un nivel de trasunto
irónico.
Comienza a copiar diagramar mecánicos con una cámara rota, una bujía. Empieza a
desarrollar un simbolismo irónico al que llaman simbolismo mecánico en el cual lo
principal es representar irónicamente unas imágenes de carácter mecánico dotadas de un
aspecto genérico vagamente humano relacionables con la antropomocizacion (¿) donde
el lenguaje visual y verbal se refuerzan a la vez que se superponen. Picabia toma como
modelo el dibujo del catálogo técnico y lo transforma por medio del recurso a los
textos, la relación entre palabras e imagen. A la imagen de un anunció, una bugía, se
convierte en una joven americana en estado de desnudez. Al asimilar las formas
mecánicas a cuestiones humanas crea su estilo. El hombre hizo a la maquina a su
imagen y semejanza, como Dios a los hombres.
Dibujo de una bujía con una inscripción que pone forever. Carga irónica dadá y
fascinación por la máquina de la vanguardia a partir de las exaltaciones de los futuristas.
Normalmente recurren a imaginar cual puede ser el funcionamiento que puede tener el
elemento mecánico; la función de la bujía es encender la chispa y encender el motor y
se le da una interpretación irónica y sexual. Se hace un rechazo y fascinación por la
máquina, la maquina se coloca en un plano simbólico y no utiliza la habilidad artística,
sino que la rechaza. Hace un dibujo maquinista y añade palabras y pone voz a un estado
de ánimo de tipo irónico y desencantado.
Este recurrir a imágenes de objetos mecánicos une a Picabia en un nexo común con
Duchamp y renuncia en buena medida al hacer artístico y se utilizan objetos
extraídos del mundo mecánico.

F. Picabia, Parada amorosa. 1917.

Realizadas a través de imágenes de sugerencias
maquinistas en las cuales la máquina adquiere
protagonismo como figura. Maquinas que no son
funcionales y con carácter simbólico, esta
imaginería mecánica de motores que se supone
que van a ponerse en movimiento pues son
alusiones directas de tipo sexual.
Aparecen el titulo dentro del cuadro, y contribuye
de una forma destacada en el sentido final. Un
proceso de elaboración a través de dibujos
industrial y técnico a dibujos más pictóricos.
Ha colocado unos elementos mecánicos en un espacio interior de tipo opresivo y
claustrofóbico, delimitado por cuatro líneas, haciéndose eco de espacios mentales.
Alusión al movimiento de
manivelas como las relaciones sexuales. La mecanización del ávida, lleva a través de la
parodia a este encuentro sexual, como algo maquinal. Una visión desencantada.
Continua con el modelo de la apropiación de la máquina o los objetos como principal
aportación del dada a través del concepto de ready made. Intervenciones que casi
siempre son mínimas. Se borran bastante las fronteras entre la imagen y el objeto.

Man Ray (hombre rayo xd) se estableció en Paris en 1921 y contribuyo al surrealismo.
Obsesión en el nombre por el rayo y la luz se va a hacer patente en la utilización de un
medio que utiliza reiteradamente que es la fotografía y está presente desde los inicios de
su carrera artística. Aplico algunas técnicas de origen artístico con base pictórica con
intención de despersonalizarlas. Hacia cuadros que tenían sus orígenes en los planos
cubistas y utilizaba medios mecánicos como el aerógrafo. Sus formas de expresión
dependieron desde muy temprano de la fotografía, asociada a la representación de
objetos. El objeto tiene varias variantes, pero esta elección de algún objeto o la
utilización de objetos manipulándolos para representar un concepto tiene también
relación con el ready made. Objetos domésticos mínimamente cambiados que ocupan el
lugar de los objetos realizados artísticamente y que son valorados. Es un acto
absolutamente mental y conceptual. Con Man Ray encontramos un pintor que deja de
lado los conceptos artísticos, primero hace collage y luego utiliza procedimientos
mecánicos como el aerógrafo, se pasó a la fotografía y cultiva el proceso fotográfico
más primario (fotograma) y luego finalmente acude al objeto para presentarlo de forma
directa.

Man Ray. El enigma de Isidore Ducasse, 1920.

Objeto empaquetado con el nombre real del poeta

Lautréamont
Llevo a la práctica de la frase del encuentro de una
máquina de coser y una mesa de operaciones.
Man Ray, Hombre, 1989
Batidora de huevos que forma parte de un conjunto de fotografías, se explota el objeto y
la sombra que produce en la pared. Hay un origen algún instrumento que va a tener una
función práctica, pero por la intervención de la fotografía con la sombra y por la alusión
a los genitales.
Man Ray, Regalo, 1921.
Plancha de planchar ropa en la cual pego unos 14 clavos, el
objeto se presenta como objeto en sí. Se juega con la
imagen y la disfuncionalidad, la plancha deja de tener la
función que originalmente podía haber tenido. Se juega
con sugerencias, evocaciones, sugestiones que pueden
interpretarse desde la perspectiva surrealista en términos
froidianos. Hay una evocación a una cierta sensación
cercana a lo sádico, la idea del fetiche. Esta preludiando el
objeto surrealista. Sadismo y destrozo de alusión sexual.
Se elimina la funcionalidad con los clavos. La fotografía
también es importante.

En el caso de Duchamp se puede ver que hay un proceso que va de la apropiación de un

objeto cambiado mínimamente a partir de la fotografía a la elaboración de objetos con
alguna elaboración para despertar sensaciones.

M. Duchamp, Fuente, 1917.

Lo presenta con un seudónimo ficticio con la fecha y la firma visibles.
Expuesto en la Sociedad de Artistas Independientes. En este momento
Duchamp empieza a estar operativo. Hay intención polémica. Cambio
la creación por la elección, se sacó de su contexto de fontanería y se
colocó en una exposición artística, por lo que se le da un nuevo
significado a ese objeto. El signo del artista está colocado sobre el
objeto que es el producto de una decisión antiartística y sobre todo de
cuestionamiento de lo artístico.
Ready made lo acuño Duchamp de la terminología comercial y la repercusión pública
viene de la exposición del urinario llamado fuente y firmado por R. Mutt.
El urinario es un producto comercial que tiene diseños variados al cual la única
variación que tiene es que está colgado del revés y está firmado. Consiguió revuelo,
mantuvo esta idea en el anonimato, se colocó en la exposición de la manera más
discreta posible. Coloca el objeto en una posición y utilidad que no le corresponde es el
punto final del discurrir de Duchamp que parte de la desconfianza a la pintura como
algo incapaz de representar ideas, rechazo al hacer en el arte o poiesis.
Desplazamiento hacia la elección del objeto por el artista colocándolo en el contexto
ene l que el objeto se trasfigura por elección del artista, por el contexto y la mínima
intervención que tienen que ver con la palabra. M. Duchamp, Rueda de bicicleta, 1913.

Rueda de bicicleta sobre un taburete y él decía que servía de entretenimiento. Parodia

de lo industrial y maquinista. Se colocaba la bicicleta encima de la silla y se le daba
vueltas. No estaba considerado objeto artístico sino distracción. El ready made conecta
con la indiferencia. Alusiones sexuales.
M. Duchamp, Botellero, 1914.
Objeto prefabricado, artilugio en el que las botellas se colocaban las botellas boca abajo
para secarse.
Especie de forma
femenina llena de palos
alrededor procedente de un
artefacto que se utilizaba
como secador de botellas.

M. Duchamp, In advance of the broken arm, 1915.

Cualquier objeto una vez elegido, firmado y situado en un
contexto diferente se trasforma. Si alcanza la categoría de
arte no es la cuestión, sino que existe una indiferencia.
Sensación extraña o estremecimiento. Esta pala la coloca
en su estudio y dice que esto es la obra de arte más bella
vista nunca. Esto conecta con una forma peculiar de
recibir el impacto de los objetos de tipo cotidiano producidos por la industria
convertidos en mercancía disponible.
Abrir un conjunto de posibilidades que no se puede decir que queden cerradas casi
nunca. El primer ready made que hizo en Nueva York fue una pala de quitar la nieve y
la
coloco en el techo y lo que iban a su casa les preguntaba si habían visto una escultura
más bella que esta. Objetos industriales con una utilidad en su contexto original, pero en
el contexto en el que lo coloca Duchamp la funcionalidad queda rota. Poner en
evidencia el valor del contexto, la forma en la que unos objetos artísticos se valoran en
contextos determinados. Contrastar la elaboración con la elección. Se pueden abrir
muchas posibilidades, entre otras estéticas y apreciar los objetos por su valor estético,
pero para Duchamp el resultado es la indiferencia.
M. Duchamp, Why not sneeze Rrose Selavy, 1921.
El ready made puede ser resultado de una intervención más completa por parte del
artista, ha habido una intervención. Una jaula de pájaro llena de cubitos de mármol,
un termo y un hueso de una sepia. Relación con el frio…Los grados de elaboración
son varios. Tienen que ver a veces con algún tipo de máquinas.
Ready made asistido, donde los objetos son alterados por asociación. Articulo cotidiano
mínimamente elaborado. Un artista ha dicho que esto es arte. Idea contradictoria de la
doble identidad, planteo esta cuestión a través de un ficticio doble femenino llamado
Rrose Selavy (el amor es la vida leído en francés).

M. Duchamp, L.H.O.O.Q, 1921.

Reproducción de la Gioconda con bigote y perilla,
especie de juego irónico al pronuncia el acrónimo.
Famoso robo de la Gioconda del Louvre. Las alusiones
sexuales son muy continuas. Parte iconoclasta de la
afrenta contra los iconos culturales.
Fue realizada en París y el anagrama enigmático si es leído en francés tiene sentido
como broma erótica que coincide con varias cosas, estudios sobre la homosexualidad de
Leonardo y la representación de la Gioconda como el icono del arte. Convertida en obra
antiartística.
Una broma de tipo sexual bastante grosera. Provocación dadaísta (¿)

M. Duchamp, La novia desnudada por sus solteros, incluso. El gran vidrio, 1915-
1923.
Es el resumen de la obra de este periodo. Duchamp dice
que deja de pintar y se dedica al ajedrez, hace un papel
muy paradójico de artista sin obra.
Especie de compendio de sus obsesiones. Está pintada
sobre dos grandes láminas de vidrio separadas por un
listón central. Cuando se expone se coloca en el centro y
se potencia su carácter transparente. Es una especie de
maquina amorosa al igual de las que había diseñado
Picabia, alusiones a la maquina amorosa. Obra que en
principio debe de producir una interpretación de tipo
simbólico, pero al mismo tiempo al ser una maquina
Duchamp la acompaña irónicamente de unos manuales
de instrucciones que son La caja blanca y La caja verde,
instrucciones intencionadamente colocada de forma
aleatoria y traspapeladas. Se incluyen resultados de tipo azaroso como las grietas del
vidrio que aparecieron al ser trasladado. La novia tiene forma de insecto.
Esta obra es muy conocida por su soporte; le gran vidrio. Obra enigmática que su
principal curiosidad es que esta realizada en dos vidrios. La utilización del vidrio es una
respuesta irónica de la obsesión del concepto simbólico del vidrio como representación
de la pureza. Dos partes que nunca llegaran a unirse a no ser que una maquina
disfuncional pueda realmente entrar en funcionamiento llevadas a cabo por una guía en
una caja.
El vidrio esta rajado por uno de los traslados, los tamices tienen un color origen del
polvo acumulado que Duchamp fijo, la parte de arriba es la novia y la de abajo son los
solteros.

Cubiertas de revistas satíricas, 1919.

El dadá se extiende por Alemania. En Alemania hay varios núcleos en Berlín, Hanover
y Colonia y van a tener una actividad bastante notable. La difusión del dadá en
Alemania coincide con una época de gran inestabilidad política y social con la
revolución espartaquista de 1921 y la época de la hiperinflación y el fin del poder
imperial y la instauración de la república de Weimar. Cara nihilista muy profunda,
versión muy destructiva y se diferencia porque tiene una intención política de
asociación con el radicalismo político de extrema izquierda. Tiene un objetivo de
desacreditar el expresionismo, ir contra el exceso de expresión de los sentimientos. El
expresionismo alcanza unas cotas muy altas de una exaltación desaforada.
Tiene lugar su expansión después de que uno de los personajes que estaban en el
cabaret de Múnich que el R. Huelsenbeck, a principios de 1918 comience a expandir el
dadaísmo en Alemania. Se fusiona con el expresionismo radical, aunque luego intenta
desacreditarlo y desde que estalla la revolución en noviembre se convierte en una
especie de facción política radical de extrema izquierda. Los dadaístas entendieron que
la política era una especie de recurso de agitación y provocación utilizado por los
nihilistas. En una segunda fase empezaron a tener una interpretación abiertamente
política. Este equilibrio era muy difícil de sostener.
Entre 1918 y 1920 tiene su principal actividad y los medios que puedan utilizar en su
política de agitación pueden ser de cualquier tipo, procedentes del campo del arte, de la
cultura popular o cualquier tipo de ámbito porque el espíritu que es dadaísta la
intervención de recursos visuales que no procedan del campo artístico o de la cultura
visual de masas es para ellos un ataque a la línea de explotación de las aspiraciones
mesiánicas y el papel que el expresionismo da al arte en ese objetivo. El dadaísmo
berlinés es muy subjetivo desde el punto de vista visual, aunque coincide con el
expresionismo en el collage o ensamblaje tienen dentro de esa utilización de imágenes
de lo más variado, eso les permite realizar imágenes que son bastante efímeras.
Revistas satíricas es lo más significativo. Se utiliza la imagen fotográfica en montajes.
El despliegue visual es muy significativo. Dos artistas fotografiados en la primera feria
internacional dada con el cartel que dice el arte ha muerto viva el nuevo arte de la
máquina de Tatlins, el arte debe ser sustituido por la máquina. La máquina ha creado un
orden irracional y la catástrofe, excesos de movilidad del expresionismo, la guerra.
Rechazar el expresionismo.
La Primera Feria Internacional Dada es una parodia a las exposiciones de arte,
componente político e irónico de interés de la máquina.

R. Hausmann, Un cerebro de precisión burgués provoca una revolución mundial

¡Dada vence!, 1920.
La época de eclosión de la fotografía. Se convino con
otro tipo de material, extraído de catálogos comerciales,
mapas… Destaca que dentro de este collage las imágenes
fotográficas van cobrando mayor protagonismo debido a
que en el lugar de la imagen elaborada los fragmentos
visuales procedentes del campo de la fotografía van a
condicionar el montaje. El termino montaje utilizado por
ellos es de tipo mecánico, quiere decir que ellos hacen un
objeto según las pautas del montaje técnico industrial.
Estos collages se van a convertir en el núcleo central de la producción de los dadaístas
berlineses. El papel del artista como una especie de médium capaz de trasmitir el
magma que conforma el espíritu de la época de forma artística. La gran aportación del
dada alemán, que es apropiarse de la práctica de la elaboración de imágenes que no
dependen de la actividad artística, elaboradas con fragmentos fotográficos. Destaca la
nueva heterogeneidad. Crean un objeto artístico diferente, no tiene un valor
trascendente. Hecho a base de recortes, con pincel y tijeras.
Reelaboran el modelo del collage, van introduciendo fotografías de forma mayoritaria y
lo van a utilizar de manera antiartística con el termino de montaje. Lo llaman
fotomontaje. Se potencia el hecho de que podamos percibir con claridad como se ha
hecho.
Forma que combina imagen, texto, pintura a la manera de una obra de arte única y a
través de una combinación de imágenes y textos donde la imagen fotográfica adquiere
protagonismo absoluto.
H.Höch, Corte con el cuchillo de cocina dada. 1919-1920.
Esto se extiende a varios modelos como:
G.Grosz, Daum marries her pedantic automaton Grosz in May, 1920. John
Heartfield is very glad of it, 1920.
Proceso de descontextualización y recontextualización.
Montajes en los que utiliza acuarela y luego fotografía.
Acentuando las discontinuidades, utilizaban un material
nuevo para la pintura que se va convirtiendo en
propaganda política cuando el montaje se va
convirtiendo en crítica política. El montaje tiene que ver
con el principio marxista de la dialéctica.
Una de las formas de provocación era modificar sus
nombres y apellidos ingleses.

J. Heartfield, Madrid 1936.

un equivalente de la pintura política. Fotomontaje para la
portada de una revista de propaganda antinazi. Utilización
de modelo del fotomontaje con fines propagandísticos.
Alusión a la guerra civil española.
El collage tal y como lo entendió Max Ernst es una de las
primeras imágenes surrealistas. Los collages de Ernst se
expusieron en parís con el título significativo de Mas allá
de la pintura. Reciclado e imágenes ya existentes en el
cual se juega con esas imágenes con una intención
concreta, en el caso de Ernst son pedagógicas, educativas de material escolar donde hay
un proceso por el cual la imaginación del artista con una mínima intervención los
trasforma. Esa trasformación que produce unas imágenes llenas de sugerencias es una
de las bases de la poética del surrealismo. Incursión en lo maravilloso, realidad distinta
o paralela que se desvela por medio de la intervención de la imaginación describió el
collage como procedimiento en el que se generaban imágenes por medio de la
imaginación.
M. Ernst, J. Baargeld, H. Arp. Cuadro diluviano fisionmitologico, 1920.
Cada pintor pintaba una cosa en el cuadro sin saber que había pintado el otro. Si se mira
de una manera determinada las capacidades de la imaginación se despiertan y se
producen encuentros casuales. Fatagaga, el acrónimo francés de fabricación de cuadros
asimétricos. Elaboración a varias manos, que los surrealistas llamarían cadáveres
exquisitos.
M. Ernst. El dormitorio del amo vale la pena pasar en él una noche, 1920.
Información visual de tipo irracional pero pedagógica. Vemos una especie de habitación
con una perspectiva muy acentuada, espacio onírico que Ernst, el dadaísmo y luego los
surrealistas convirtieron en espacio del sueño. En el aparecen imágenes incongruentes
de animales que con sus tamaños no corresponden en el ese espacio. Diferencias de
escalas que no se correspondo a su perspectiva. Cogió las imágenes de láminas de
animales. Interior metafísico, los animales rompen las leyes de la lógica en cuanto a
tamaño, relación existente entre ellos y relaciones lógicas según la regla de la
perspectiva. El origen es una lámina pedagógica, intervención mínima del autor que ha
trasformado la imagen original. El resultado debido a que se han respetado las escalas,
hacen aparecer al oso junto a la oveja…En un espacio perspectivo, metafísico

M. Ernst. Ein Kupferblech, 1920.

Espacio claustrofóbico, aire submarino, personajes extraños.
Cogió las imágenes de láminas de química. También procede de
una lámina pedagógica. Objetos mecánicos o maquinas
antropomorfizadas situadas en un
espacio imaginario. Interior cerrado
que trasmite una sensación opresiva.

M. Ernst. La pubertad cercana a

las pléyades, 1921.
Elementos descontextualizados y recontextualizados que crean imágenes que van a
formar parte dentro del imaginario surrealista.
Forma más elaborada, el titulo procede de textos poéticos absurdos. Hecho según el
collage con toques de aguada.

MERZ

Bajo la apariencia de un pequeño burgués con problemas después de la guerra se

ocultaba un vanguardista muy radica. No tenía un gran interés por la exaltación política
del dandismo, por eso cuando se presenta en Berlín dice que clava sus cuadros.
consideraba que está ligado a un concepto apolítico. Dentro del tipo de collage como
principio dominante del dadaísmo es el uso del material, como nuevo elemento artístico
destaca. Quería hacer arte con el material que tenía a su alcance, producto de los
desecho de la ruina. Bastante olvidado durante años.
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K. Schwitters, Merzbild 25. El cuadro de las estrellas, 1920.
Variante del dadá llamada Merz. Otro núcleo dadaísta formado en Hanover, es el
dadaísmo de un solo hombre. Quiso tener relación con los dadaístas berlineses, que lo
rechazaron por ser muy burgués y estar apegado a los principios artísticos y a
consecuencia de ello, llevo su carrera con una especie de doble vida; por un lado, tenía
una actividad como artista publicitario, como poeta dadaísta y por otro lado trabajaba
como artista dadaísta en una variante de Dadá que el llamo Merz, el dadaísmo de un
solo hombre. El nombre de Merz es también azaroso como dada. Ese Merz él lo elevo a
una especie de principio artístico de configuración, recurriendo a elementos
antiartísticos, él es el padre de lo que se llamara la estética del desperdicio. El material
que usaba para hacer sus cuadros era material de desecho que iba recogiendo de la calle
y la basura. Hace alusión a la política alemana utilizando la basura porque es un país
empobrecido, porque todo está destruido y que realmente esa materia pobre de desecho
puede de alguna manera puede sublimarse y convertirse en material artística. Lo
importante en el Merz es el acto de la elaboración y figuración de la obra con los
materiales utilizados. El las llamo obras de arte abstractas. Fue tan peculiar que ni
siquiera se llamó dada, sino Merz, sin ningún sentido. Intento ser parte del núcleo
dadaísta de Berlín y lo rechazaron, el dijo que era un pintor que clavaba sus cuadros.
Cuadros que sirven para enlazar objetos de desecho que no solo se incluyen objetos
materiales (tapas de latas de conserva, listones de madera, cuerda) sino también billetes,
programas, etc. con fragmentos textuales que a veces pueden tener alguna clase de
representación de un mensaje.
Publico una revista llamada Merz, en las portadas hay arbitrariedad y falta de
organización. Los deshechos eran materiales propicios para la exposición y esto lo
contraponía al lector mas nihilista del dada, no pretendía destruir el arte con gestos anti
artísticos sino una depuración de los desechos como un proceso propio de la crisis.
K. Schwitters, Merzbild 25 A. El cuadro de las estrellas 1920
Arbitrariedad del signo en la representación con
muchas más posibilidades, merz para él era un
principio universal. Empezó a llamar a los
cuadros y poesías merz. Hay tela metálica,
círculos de tapas de latas, cuerdas, fragmentos
de textos y todo organizado según principios de
diagonales que recuerdan las composiciones
cubofuturista y cuboexpresionista.

K. Schwitters, Merz 1925. Relieve en un

cuadrado azul.

Intervención por medio de relieves de tipo

constructivista y que aparecen menciones a las
formas geométricas. Realizado con elementos
extraídos de lo cotidiano que presenta similitud con
el universo geométrico del constructivismo.
Principio global de configuración. Abolición de las
fronteras del arte y la vida.

K. Schwitters, Merzbau I. La Catedral de la miseria erótica. 1920-1936

 Organización de objetos de su casa con
inspiración abstracta. Acumulación
continúa de cosas

Picabia, Cuadro dada en vivo, 1920.

En 1919, empiezan a llegar Duchamp, Man Ray, Picabia y allí aparece un núcleo
literario comandado por Andre Betron que empieza a formar parte del surrealismo y
posteriormente se decantan por el dadaísmo. Pretendían mantener de alguna forma el
nihilismo extremo del dadaísmo inicial. Breton y el grupo que se forma alrededor de la
revista Literature pretenden buscar una especia de método o superación del estado
nihilista. La producción artística, la mayor parte de las cosas son procedentes de las
experiencias de estos artistas de Paris que ya habían cultivado, como por ejemplo el
ready made y la obra provocadora.
Picabia escribe el Manifiesto Caníbal. Presenta este cuadro, que originalmente era una
broma dadista que se trataba de exponer un mono vivo con un pincel, pero uso un mono
de peluche con nombres de grandes artistas como Rembrandt o Renoir.
 Surrealismo

Breton empezó el contacto con el psicoanálisis freudiano. En mayo de 1921 se le

ocurrió hacerle un proceso a un famoso pintor para condenarlo por ser participe de un
partido católico, esto fue la disolución del dadaísmo parisino. Nace el surrealismo como
un movimiento autónomo y distinto al dada. Al principio el dadaísmo y el surrealismo
se superponían, pero dentro de ese espíritu original, el surrealismo implicaba una
especia de postura de carácter constructivo basado en la cara oculta del ser humano y de
la civilización (cara oculta reprimida) que es lo que Freud llamo inconsciente o
subconsciente, es una malinterpretación de esa teoría de Freud.
En el surrealismo hay que dividir dos estados, el canónico como grupo organizado de la
misma manera que los movimientos de vanguardias con ideología y movimiento
literario. La figura de Breton en le surrealismo es omnipotente y cuando parecen idean
que se alejan de su línea se viven como desviaciones o heterodoxias. El surrealismo se
formó como grupo orgánico con unas reglas en una época en que se vivían los impulsos
de trasformación de lo psíquico a través de lo social. Como una especie de visión, las
desviaciones eran vistas como una traición.
El surrealismo es un sustrato importante de muchas propuestas artísticas posteriores a
nivel profundo. Tras la caída de Paris en la Segunda Guerra Mundial supuso el exilio de
estos artistas a Estados Unidos.
En el surrealismo no había un programa de tipo artístico, es algo de tipo originalmente
literario y la inserción en la pintura va a ser a través de una apropiación. Se publica el
primer manifiesto del surrealismo en 1924, ahí se hace la primera definición de
surrealismo como la entrada de un diccionario:
Surrealismo, n. “Puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar, bien
verbalmente o por escrito, la verdadera función del pensamiento. Dictado verdadero en
ausencia de todo control ejercido por la razón, y fuera de toda preocupación estética y
moral”.
El problema era como dar lugar al automatismo psíquico, ahí esta planteado de forma
literario (verbalmente o por escrito) a través de la escritura automática.
El el libro Campos Magnéticos cuenta a través de una serie de experiencias que
empiezan a desarrollar como ponen en marcha esto, alucinaciones, hipnosis, sueños,
drogas, etc. opciones que hacen posible que el automatismo se ponga en
funcionamiento. La otra fuente es el sueño, en el cual se produce un modelo con un
momento de relajación de los controles.
Campañas que emprenden de una forma organizada, fundando la oficina de
investigación surrealista, la ola de los sueños o estación de los sueños. Estas
experiencias van a ir cada vez mas en funcionamiento y el automatismo psíquico es la
manera en que se pueden burlar los controles. La idea deriva del convencimiento de que
la razón y la lógica son un obstáculo para la creación. Reelaboran un principio de los
románticos, la creación artística y la razón no se llevan bien. La razón es una jaula que
aprisiona a la imaginación, y la forma de liberarla es mediante la liberación del
inconsciente, esto viene de Freud.
“Bello como el encuentro fortuito sobre una mesa de disección de una maquina de coser
y de un paraguas” (Conde de Lautéamont). Es una idea cercana a la forma mas cercana
a la contraposición de dos realidades distintas en un plano es la manera en la que la
imaginación se pone en marcha.
Esa especie de confusión por el acercamiento de esas dos realidades contrapuestas en un
plano diferente nos pone en conexión con otro mundo de inspiración del surrealismo; el
sureño o lo onírico. La apelación al automatismo psíquico y al sueño pone en el
objetivo del surrealismo no sobre el exterior, sino que se concentran en el modelo
interior. R. Magritte “La mujer escondida”, La revolución surrealiste nº12, 1929.

El modelo interior, presentación de una especie de grupo de iniciados que se puede

asimilar a grupo cerrado o secta. Parte que debe ser explorada.

Y. Tanguy, Cadaver exquisito, 1926-27.

 Los surrealistas
querían darle
forma al
automatismo
psíquico, la
escritura
automática. Las
alucinaciones
hacían que
afloraran las
imágenes del
inconsciente. El
cadáver
exquisito es un
titulo absurdo
que viene de
darle sentido a
la escritura
automática,
trataba de
textos que
creaban ellos
escribiendo sin
saber lo que
había escrito el
anterior.

M. Ray, champs delicieux, 1922

El surrealismo no tiene ningún tipo de objetividad, Man Ray cuando llega a París
empieza a hacer montajes fotográficos. Asi ponía en fucnionamiento el automatismo
psíquico con la falta de control. Inspiración en los rayos X, para ver el interior.
 G. de Chirico, Misterio y melancolía de
una calle, 1914.
Desplazamientos y trasformaciones que
hacen que el sueño sea un mundo
alternativo y lo que hacían era intentar
reproducir el sueño como tal. Iban en busca
de fuentes de inspiración. Se apropian de
los pintores en una genealogía que llega
hasta el Bosco, dan un componente
fantástico perceptible opuesto a lo que
sería a la función tradicional del arte como
reproducción de la realidad tal cual es.
Una de las fuentes de inspiración mas
importantes es Giorgio de Chirico y
Picasso, que son contrapuestos. Picasso
había abierto el camino de la libertad a
través del cubismo a la metamorfosis de los
objetos y Chirico empezaba a pintar otra
realidad en sus cuadros anteriores a la
guerra, con cuadros marcados por misterio
y vacíos, solitarios, distorsionados, luces
irreales, etc. que se convierte en el modelo del mundo interior.
M. Ernst, Encuentro de dos sonrisas. En. P. Eluard, Les lalheurs des Immortels, 1922.
el producto de la combinación entre collage e imágenes
victorianas produce una experiencia a un nivel marcado por el
dominio del inconsciente o lo que la llama la chispa, luego lo
definirá como la belleza convulsa.
Estas imágenes las sitúa a un nivel de excitación igual al sexual.
Esta presenta la forma en la que el inconsciente es capaz de
transformar la realidad y transformarla de una manera tal que se convierte en una
surrealidad.
Las imágenes son una especia de síntomas que desvelan la profundidad interior. Dara
forma a esta primera experiencia surrealista en sus cuadros de collage, trasvases de las
imágenes producidas por el collage al calco de la pintura. Estas imágenes creadas por
una yuxtaposición intencionada son imágenes mentales derivadas de elementos que
copian objetos en su apariencia mas visible, pero con una característica habitual en
buena parte de la imagen surrealista, que están realizadas a la manera de una
trasposición mecánica.

M. Ernst, Oedipus Rex, 1922.

El artista deja su huella como marca personal y aquí se manifiesta como contrapuesta a
la inspiración surrealista de que las imágenes surjan de forma espontánea. Despliegue
 de habilidad técnica. “Fotografías a
color pintadas a mano”. Dejando de
lado la idea moderna de que en el arte
esta la huella de su mano
Se debe de suponer que son imágenes
que surgen directamente del
inconsciente una vez que se han
cortado los hilos de la razón y la moral
que hacen imposible que estas cosas
puedan aflorar.

M. Ernst, Pieta o La revolución de la noche, 1923

Lo que busca es trastocar en lo que el deseo y el
subconsciente ha intervenido.

Masson, Soles furiosos, 1925.

Breton denominó a un grupo de surrealistas, junto con Miró los surrealistas incipientes.
Se la ha llamado a esta corriente surrealismo abstracto. La imagen del subconsciente
siempre hace aflorar alguna imagen reconocible. Es la trasposición de la escritura
automática al campo de lo visual. André Masson desarrolla los dibujos automáticos, que
es la practica del garabateo como gestación de formas, la idea existe como idea de
origen clínico. Para Breton esto se convirtió en los paradigmas del automatismo
psíquico.
A. Masson, Batalla de peces, 1926.

Forma de desafiar los patrones lógicos y racionales bajo la advocación del

automatismo psíquico. Un desarrollo de esto son las pinturas de arena de Masson,
combinación del libre fluir del lápiz de una forma automática que luego en un segundo
paso da lugar a formas reconocibles junto al recurso de algún procedimiento de tipo
azaroso como el uso de arena. Mason cubría parte del lienzo en cola y dejaba caer
encima.

J. Miró, Tierra labrada, 1923-24.

El caso de un
automatismo mas
concreto. Miró venia
de una formación muy
típica de la época con
una conjunción de
cubismo, Matisse y un
cierto realismo y en
1925 empieza a
producir las obras más
sintomáticamente
surrealistas. Vemos la
forma de proceder de
Miró. Hay unos
espacios muy
simplificados basados en grandes superficies de color de tipo plano que recuerdan a
Matisse y la compartimentación del color del cubismo analítico. En este espacio de
carácter indefinido esta poblado de forma abigarrada de objetos y animales que sufren
un proceso de trasformación cada vez mas acelerada que desafía cualquier tipo de
aprehensión de tipo lógico. Esos objetos y figuras que cada vez dependen menos de un
motivo real sufren un proceso de trasformación tal que terminan convirtiéndose en
cosas distintas, signos flotando.
J. Miró, El carnaval del Arlequín
Las obras de Miro de los años
20 parten de un realismo
mágico y adoptan
características afines al
automatismo de una forma
que no es la misma que
llevaba a cabo Mason. En sus
obras mas elaboradas partía
de un primer proceso de
dibujo que tenía un cierto
grado de automatismo, pero
luego se pasaban
cuidadosamente al lienzo.
Hay una reelaboracion de distintos elementos, esapcios que parten de espacios ilusorios
creados por las zonas de color de Matisse, la proliferación de figurillas con un nivel de
elaboración dispar pero que se produce una reducción hacia la sustitución por signos.
La idea de signo hay que enlazarla con esa equiparación que hacen los surrealistas entre
los lenguajes verbal, visual, etc. como vehículos del flujo libre del pensamiento
producido por el automatismo. Sensaciones de dibujo infantil, cualquier criterio de
similitud figurativa queda muy en entredicho. Espacio claustrofóbico con una ventana
que permite la respiración, figurillas que tienen una apriencia mas o menos biológica,
formas organicas indetermidnadas, con frecuncia se producen metamorfosis entre los
signos.

J. Miró, El cazador (paisaje catalán), 1924.

Signos, frases, etc. quedan en
un mismo plano. Obras con
carácter onírico que estaban
producidas por las
alucinaciones del hambre
Proceso de elaboración
detallado.
J. Miró, Amor, 1926
Asociado a automatismo, hay siempre figurillas esquemáticas que están reducidas a
trazos muy esenciales. Se da también la combinación de esas figurillas y los espacios
creados por manchas de pintura, mezcladas con los signos verbales.

J. Miró, Este es el color de mis sueños, 1925.

Casi de tipo conceptual, casi literario.
Una de sus obras mas conocidas de esta
época, muy indicativa de este estadio o
forma de buscar comunicar y trasmitir un
estadio de la conciencia difícilmente
expresable a través de unos medios muy
elusivos. Fondo absolutamente plano con
una mancha de color.

J. Miró, El nacimiento del mundo, 1925.

En estos cuadros Miró daba mucho lugar a formas de hacer relacionadas de alguna
manera con lo espontaneo o el automatismo. En estos cuadros son visibles huellas de
pintura que ha sido chorreada, todo esto está relacionado con el inconsciente y será
precedente de la pintura de accionismo.

J. Miró, Desnudo, 1926.

Pintura esquemática con ideo de lo infantil
como estado originario de la conciencia. La
capacidad metamórfica y metafórica de la
pintura. Forma curvilínea de tipo orgánico,
se puede relacionar con una especia de pez.

El primer fundamento del surrealismo era el monologo interior, o automatismo

traducido como escritura automática. Luego viene otra aportación notable del
surrealismo, que en realidad son dos, una de ellas tiene que ver con el producto
tridimensional (escultura) definido como objeto surrealista cargado de energía psíquica
y los objetos para cumplir su efecto se presentan en unos espacios elaborados para ellos.
La forma en como los surrealistas trasforman la exposición artística, ya no es una
presentación aséptica siguiendo las reglas de la museología, sino que es también una
forma global escenográfica de representar el inconsciente.
Para conocer el surrealismo es importante adentrarse en sus tres grandes órganos de
difusión, la Revolución Surrealista, Documentos y Minotauro. Minotauro es una revista
que representa la producción artística surrealista porque las otras dos eran como revistas
que no tenían atractivo visual. Documentos es la gran revista heterodoxa del
surrealismo, diferente de la línea oficial de Breton. Todas ellas tenían la idea del
inconsciente en común.
Hay muchas variantes y cosas dispares como las pinturas de arena, los garabatos de
dibujo automático, las pinturas oníricas o biomorfas, etc. no es solo un programa
artístico sino un instrumento de trasformación de la vida, de la consciencia y del
mundo. Esa es la razón por la que un grupo de intelectuales reivindican los valores de la
imaginación liberada y transformada por el inconsciente. Entienden que esto forma
parte de un proyecto de trasformación del ser humano y la sociedad en su conjunto.
Cuando creen que eso puede ser llevado a cabo se aproximan al marxismo y al partido
comunista, parece esa paradoja de un grupo formado por una célula política que
pretende llevar ejemplos disciplinarios y al mismo tiempo el individualismo
continuamente lo socaba. Al final se producen deserciones sonadas para abordar el
realismo socialista.
Los procedimientos de generación de imágenes poniendo en practica los principios del
automatismo psíquico hay una contribución de M. Ernst que trasforma el principio
cubista del collage y lo convierte en imágenes surrealistas y ahora como se pueden crear
imágenes de manera inconsciente. Esto se basa en que las imágenes surgen a través de
un procedimiento marcado por su carácter automático o espontaneo y esa maraña
informe que genera el procedimiento metáfora del inconsciente puede ser utilizada en
una fase posterior.
La actividad generadora de imágenes del artista se hace en dos pasos: en un primer paso
se hace sin control, en un segundo paso es el del reconocimiento, el autor tampoco
asiste como espectador a lo que le ha surgido y que le sugiere entonces es cuando
interviene. Es afín al automatismo por lo que tiene cierto grado de pasividad.
El frotagge, en vez de con dibujo con guache; tratagge, y el procedimiento iniciado por
Oscar Rodríguez llamado calcomanía.
El frotagge con una superficie rugosa y con un lápiz graso se graba y pintarrajea el
papel, el efecto aparece en el papel.
El trattage es lo mismo, pero con un lienzo de pintura con guache.
La calcomanía es parecida al monotipo, consiste en colocar pintura sobre el papel y
presionarla con otro papel.
Ernst explico en que consistían estos procedimientos de una manera muy
ortodoxamente surrealista, decía que aumentaban las capacidades alucinatorias y hacían
que los controles mentales quedaran en segundo plano.

M. Ernst, Los diamantes

conyugales, Histoire
naturelle, lam. 25 M.
Ersnt, El bosque y la
paloma, 1925
Es un trattagge, un reconocimiento detenido puede ver que material se ha utilizado. Lo
hizo con tablones de madera y la con la imaginación empieza a ver cosas y con una
intervención pequeña las figuras aparecen.

M. Ersnt, La horda, 1927.

Estaba hecho con carretes de hilo

R. Magritte, El asesino amenazado, 1926.

Pintura de los sueños, oníricos,
permite el reconocimiento de los
motivos.
Hay un mayor énfasis psíquico
relacionado con la simbología de
los impulsos sexuales o a un nivel
mas conceptual de juego
intelectual. Son aportaciones al
surrealismo que va se van
recogiendo y ampliando su
abanico.
En principio este tipo de pintura
podríamos ver que tiene relación en apariencia externa con la forma en que Ernst
trasvaso los collages. Encontramos que existe por lo general unos espacios que en
principio fueron gestionados tradicionalmente desde la perspectiva, pero a partir de la
utilización que hizo de ellos la pintura metafísica y que dejaron de ser espacios
racionales. Se convirtieron en espacios mentales, espacios conceptuales o espacios del
sueño o inconsciente.
La propia banalidad de las imágenes, como recortables hechos en un estilo muy
mecánico, debido a que Magritte era dibujante publicitario y añadió esas técnicas a la
pintura. Personajes que no debían de resultar en principio insólitos sino mas bien
corrientes. Este tipo de trasformación o trastocamiento de la realidad es también una
forma metafórica de que el inconsciente produce ese efecto.
La pintura metafísica añade el reconocimiento y lo extraño. Algo que parece normal,
pero acto seguido no damos cuenta de que no es tan normal. Lo que vemos se
convierte en algo enigmático.
La inmovilidad o falta de vida es algo que duplica la realidad, pero contribuye a crear
ese efecto.
R. Magritte, El umbral de la libertad, 1926.
Los títulos son importantes porque
la vista apela a la mente de
presentaciones de tipo enigmático.
Esta pintura ya no dependía del
azar del automatismo. Aquí se
trataba de elaborar unas imágenes
que en el plano de Magritte estaban
produciendo continuamente
cortocircuitos mentales a través de
enigmas o jeroglíficos. Freud
definió esto como la inquietante
extrañeza, algo que nos da la
inquietud de que existe algo que no
esta en su lugar. En este nivel. El lenguaje y la imagen de Magritte intervienen en sus
obras y convierten a sus obras en un enigma tanto visual como verbal. En la relación
entre lenguaje verbal y visual es por lo que continua la estela hacia lo conceptual
iniciada por Duchamp y desarrolla lo mental.
Algunas imágenes funcionan en esos niveles; hay un interior (que remite a la mente
inconsciente), realizado por una serie de imágenes (cuadros dentro de cuadros) y el
detonante es el cañón (la imagen más incongruente), el cañón apunto de explotar va a
abrir el umbral de la libertad.

R. Magritte, La clave de los sueños, 1927.

 La relación de tipo
conflictivo entre la
representación figurativa y
la representación
lingüística y conceptual.
El fondo negro remite a las
pizarras escolares y se
produce el cortocircuito
porque cada imagen tiene
un nombre que no le
corresponde, menos la
esponja que si se
corresponde. Es el
principio de la
demostración de este modelo clave cultiva por Magritte que tiene su principal
exponente en la famosa pipa.

Magritte, La traición de las imágenes, 1928-29

Si pensamos que la pipa es un instrumento utilitario fabricado artesanalmente con unas

formas que podríamos identificar con las formas industriales.

R. Magritte, La llave de los campos, 1936.

 Muchas de las obras de Magritte inciden
continuamente en esas sorpresas, enigmas,
juegos conceptuales que operan
fundamentalmente en ese nivel, relacionadas
con la mente, pero no con el deseo.
En Magritte hay mucha serialidad, muchas
obras parecidas unas a otras.
Imagen fría y vacía de una ventana con paisaje,
cristal roto y al mismo tiempo que se ve la
ventana los fragmentos de cristal siguen
teniendo el mismo paisaje.

Salvador Dalí, El juego lúgubre, 1929

La aproximación al surrealismo de Dalí es muy posterior. Las imágenes oníricas el las
pinta con una técnica fotográficas,
recurriendo al realismo más académico.
No son tanto esos enigmas cotidianos con
choques de palabras que planteaba
Magritte sino más bien imágenes de
sueños. Proceden de la pintura metafísica
y da traducción a que las imágenes de los
sueños son imágenes en las cuales
siempre se produce un conflicto entre lo
que se ve en la imagen y lo que realmente
representa y como en el sueño se trastocan
las percepciones habituales.
El concepto de condensación de Freud.
Las imágenes pueden modificarse en el
trabajo del sueño. Esta al servicio de un
simbolismo psicoanalítico de tipo sexual.
La mano de la estatua tan grande es una
alusión a la masturbación.
S. Dalí, La persistencia de la memoria, 1931.
Los relojes blandos en función del trabajo
del sueño, muchas cosas cotidianas se
presentan de otra manera en función de la
condensación. Muchas cosas aparecen de
forma irreconocible por la metamorfosis,
esa extraña figura sobre la que aparecen
los relojes es un autorretrato de Dalí.
Proceso activo de trasformación de lo real basado según Dalí, en los síntomas de una
enfermedad mental (paranoia). Método paranoico crítico. La paranoia critica hace
posible la proyección de los miedos y trasforman lo real. Lo que propone Dalí es
invertir radicalmente el modelo del automatismo y convertirlo en un modelo
plenamente activo de trasformación de la realidad mediante la paranoia. Imagen
realizada con procedimientos ilusionistas de tipo académico. S. Dalí, Canibalismo de
Otoño, 1936.
Las imágenes se duplican, se convierten
en imágenes extrañas de horrores y
formas elaboradas para dar mostrar con
claridad como funciona el mundo de la
obsesión paranoica con las imágenes
dobles.

S. Dalí, La metamorfosis de Narciso, 1937.

Imágenes dobles, imágenes
ocultas, imágenes producto de
las imágenes producidas por la
paranoia.
S. Dalí, Apareciendo de rostro y frutero en una playa, 1938.

Imágenes dobles y triples con distintos grados de reconocimiento.

Objeto surrealista
El objeto surrealista va a tener una importancia a partir de los años 20 y 30 donde el
surrealismo se orienta hacia la elaboración de objetos. Breton desarrollo el principio del
azar objetivo. El objeto va a coincidir con un tipo de deseo. El objeto se traslada a una
elaboración mínima que viene del ready made. Un objeto cambia al cambiar su función.
La plancha de Man Ray se ve la idea de utilizar la plancha inmediatamente remite al
desagarro y al dolor, connotaciones sadomasoquistas, esos objetos siempre van a
despertar sensaciones sexuales mientras sea objetos hacia los cuales se desplaza el
deseo. El deseo va a ser satisfecho en el objeto, llamado fetiche.

S. Dalí, Objeto escatológico de funcionamiento simbólico, 1931 (1927)

 Concepto de fetiche, a nivel mercantil, a nivel
primitivo y a nivel sexual.

A.Giacometti, bola suspendida, 1931-1932

Suposición fálica, la media luna y la no la nunca podrán

esta unidos.

M. Oppenheim, Objeto (desayuno con pieles), I, 1936.

La taza como cuerpo cóncavo, la cuchara
para introducir en la taza, la piel como una
apariencia mas clara o especifica de
órganos genitales.
H. Bellmer, Poupée, 1936.
Muñecas articuladas, muchas descabezadas,
hace hincapié en la presentación de los
órganos sexuales.
Esto forma parte de una puesta en escena a
través de la trasformación e los espacios de
exposición.

Exposición Internacional del Surrealismo, París, 1938.

El espacio central era un espacio
cubierto con sacos de carbón
vacíos y en el centro había una
especie de brasero o estufa que
busca representar los espacios
como misteriosos. Había pinturas,
objetos de todo tipo en la estela
del objeto surrealista. Buscaban
crear una especie de espacio
oníricos.

First Papers of Surrealism, Nueva York, 1942

 La sala central esta recorrida por
1500 metros de cuerda, lo que
hace que la exposición se presente
como obra surrealista, recuerda al
laberinto del Minotauro. Impide la
visualización de la exposición y
una metáfora del inconsciente.

Realismos y figuración Conglomerado de

realismos y arte figurativo de entre las dos guerras mundiales son considerados una
vuelta al orden y más específicamente este término se refiere al arte francés tras la
Primera Guerra Mundial. La primera razón es política e ideológica porque tras la guerra
se produce un ascenso del nacionalismo. El Rappel à l’ordre es considerado una vuelta
a las tradiciones francesas. Determinados movimientos políticos de la época como la
acción francesa son el caldo de cultivo e esta misión.
El cubismo es la base de las vanguardias anteriores a la guerra, existe la percepción del
cubismo analítico muy fragmentario y esa fragmentación rompe la integridad de la
figura y luego existe la versión mas accesible que es el sintético. Ninguno de los dos
cumple los requisitos necesarios pero el cubismo sintético se puede ordenar
racionalmente y desde ese punto de vista es permisible. Toda la racionalidad, el orden y
la simetría basada en los números se puede asimilar en ese cubismo y al mismo tiempo
se puede entender y entroncarse con la tradición clásica francesa de orden y claridad.

P. Picasso, Retrato de Stravinsky, 1920.

Una vuelta a las fuentes más clásicas de la tradición

francesa, en el caso francés; Ingres, Poussin, etc. con
predomino de la línea y un dibujo muy preciso, esto
Picasso lo empieza a hacer en plena guerra mundial y al
mismo tiempo hacia obras cubistas. Hay dos caras en esta
llamada al orden de Picasso; hace cuadros de inspiración
clásica y por otro sigue haciendo pintura cubista. Gris,
Braque y otros pintores cubistas hacen incursión en este
campo, pero Picasso es el más conocido.
P. Picasso, Retrato de Olga en el sillón, 1917.

Hace retratos de estilo Ingres, algunos piensan

que ha dejado la bohemia para convertirse en
un burgués.

P. Picasso, Los tres músicos, 1921.

Choca un poco con los principios de la vanguardia y con la percepción de lo que debe
hacer un artista de vanguardia. Es una fuente de inspiración para buena parte de los
artistas de la época, porque Picasso en esta época es una gran figura del arte de
vanguardia.
P. Picasso, Mujeres en la fuente, 1921
Habilidad de Picasso de crear todo aquello que se le antoje, es una llamada al orden de
las técnicas tradicionales del arte, mientras que otros pensaban que el arte había llegado
a un callejón sin salida y debía ceder el paso a otras formas. No se conforma con la
recuperación de una tradición, sino que le da un impulso primitivista y las fuentes de
inspiración y los productos resultantes parecen remitir a las fases arcaicas de la cultura
clásica. Da una gran solidez volumétrica y plástica a las figuras y juega con ciertas
ambigüedades en las representaciones
hasta el punto de hacer una especie
de hibrido. Hay una intención
regresiva y primitivizadora del
pasado clásico y sus fases originales.
P. Picasso, La flauta de Pan, 1923.
Recreación del pasado de tipo
imaginario jugando con la
sensación de extrañeza que se
produce en este contexto.
Picasso va cambiado de estilo
conforme pasan los años y no tiene
problema en simultanear diferentes
estilos artísticos.
Esto es parte del Picasso mas
influyente y su vuelta a la
figuración es muy importante para
la escena
artística de la época.
J. Gris, Guitarra delante del mar, 1925
En el caso de Gris existía una mezcla entre organización cubista del cuadro y detalles de
tipo naturalista. El cubismo sintético y el collage habían supuesto una contribución muy
importante para superar lo que el cubismo analítico tenia de fragmentación, pero es tan
fragmentario que destruye la integridad de la forma y fácilmente se aleja del modelo.
Esa fue la lección que entendió Mondrian, la cuadricula será la base de un sistema
artístico que no era figurativo, pero los cubistas nunca buscaron hacer pintura abstracta.
Mas que fragmentación, el principio del collage permite dos cosas; introducir grandes
fragmentos no muy fragmentados dentro del cuadro y dentro de esos fragmentos pueden
aparecer fragmentos naturalistas o figurativos y
los grandes planos hacen que los objetos no
parezcan tan fragmentados.
Este cuadro de Gris se puede ver un bodegón
cubista con carácter plano que parece que todas
las cosas parezcan aplastadas y apiladas y se
pueden discernir unas formas geométricas
bastante perceptibles. Si se empieza a eliminar
mentalmente los signos que inducen al
reconocimiento puede reconstruir la base
abstracta del cuadro que son planos
geométricos coloreados. Principio de orden que era la base que enlaza con la teoría y
tradición clásica que hacia que los objetos del cuadro estuvieran organizados según
unos principios racionales geométricos o numéricos.
Convierte las abstracciones en realidades. El cubismo de Picasso era mucho mas
heterodoxo, estaba convencido de que era una demostración de que los signos podían
ser arbitrarios.

Purismo
El empeño es que hasta el cubismo puede ser domesticado en el que se centran dos
pintores Ozenfat y Jeanneret (Le Corbusier). Ordenar el cubismo porque a ellos les
parecía que se había convertido en algo decorativo y arbitrario, esto lo expresa en un
manifiesto de 1918 titulado Après le cubisme.
Con el purismo muestran el orden, la geometría y la racionalidad ligada a la fascinación
por la maquina y la industria, esto lo habían parodiado los dadaístas. Percepción de la
industria moderna como fuente de inspiración, esa percepción de la industria moderna
viene de los objetos creados por las maquinas y las propias maquinas como objetos
funcionales, pero de una belleza derivada de su propia funcionalidad. Le Corbusier
presentara un pabellón L’Esprit Nouveau (1925) importante en los diseños
arquitectónicos y por el hecho de que considera el mobiliario o decoración como
objetos producidos por maquinas y donde la pintura tiene un papel muy secundario,
consideran que el único ámbito que puede tener es mural y de forma abstracta.
A.Ozenfant, Frasco, guitarra, vaso y botellas en la mesa verde, 1920.
Espacio muy estrecho con los objetos presentados en su integridad, muy estilizados
y simplificados. Recurre a ciertos principios cubistas y puntos de vista diferentes,
pero con una claridad expositiva que recuerda al dibujo técnico o arquitectónica.
C.E. Jeanneret, Naturaleza muerta purista, 1922.
Reproducen objetos domésticos realizados con procesos mecánicos de industrialización.
Ejes verticales y horizontales, fragmentación prácticamente desaparecida y la
fragmentación es tan grande que
podría haber sido realizado con
objetos de dibujo técnico.

F. Léger, Tres mujeres (Le grand dejemeur), 1921.

Utopía de artistas que proceden del cubismo y que de alguna manera asimilan los
principios del cubismo al mundo mecánico.
Fue un cubista importante antes de la guerra y se le escogió este cuadro para ser
expuesto en el pabellón de L’Esprit Nouveau. Léger tenía una versión personal del
cubismo. La experiencia de la guerra de Léger con las armas modernas se convirtieron
en su fuente de inspiración para
elaborar un tipo de pintura figurativa en la cual las formas humanas iban tomando
características mecánicas.
La utopía de la máquina era una promesa de felicidad que llevaría a un mundo mejor y
esa utopía la representa en cuadros como este. Una especia de recreación de un
interior burgués, espacio abstracto con formas de colores en una especie de
representación de esa utopía mecánica. Una especie de optimismo. F. Léger, El
balaustre, 1925.
Está lleno de formas que son de tipo geométrico, pintura
de planos de color abstractos con un cierto sentido
decorativo.

Precisionismo
Es la obra de una serie de pintores y algunos fotógrafos que pensaban que la pintura se
debía de representar con el mismo grado de precisión y objetividad que la fotografía. Se
inspiran en los productos industriales y en la maquina y se produce una curiosa
manifestación, se debe principalmente a un hecho; las imágenes de la modernidad
industrial las produce América. En los años 20 y 30 la fascinación por lo americano
como ejemplo de un paraíso del mundo industrial fue muy grande en Europa. Los
artistas europeos no tenían los iconos o imágenes (grandes obras de ingeniería, fabricas,
puentes, etc.) que se asociaban a América con eficiencia y precisión técnica, pero tenían
el estilo adecuado para representarlos.
Luz con cuadros de contornos nítidos, luz difusa
natural y con motivos iconográficos los objetos
prácticos, funcionales e industriales. C.Demuth, Yo
vi el numero 5 en oro, 1928.
Pintan con frialdad de la fotografía, es antecedente del hiperrealismo de los años 50.

C.Demuth, Mi Egipto, 1927.

Zonas de cereales americanas. Industrias vistas como monumentos modernos. En este
cuadro las líneas de luz recuerdan a los cuadros futuristas. Liga la realidad industrial y
con ese titulo lo relaciona con los monumentos antiguos. Pensaba que la industria iba a
salvar al hombre.
 C.Sheeler, Paisaje americano, 1927.
Representa la gran factoría construida por Ford que entonces era la mayor del mundo.
El titulo es bastante elocuente, el paisaje es muy limpio con una luz difusa y clara. El
paisaje esta ordenado de manera horizontal y vertical, no hay presencia humana y la
factoría y el humo ocupan el lugar de los paisajes clásicos de la pintura europea con
fondos de ruinas. La industria es vista como el nuevo monumento
moderno.

C.Sheeler, The Upper Deck, 1929.

Ausencia total de la figura humana, lo único que remite a lo humano es una escalera. Es
un mundo muy frio y da la sensación de ser el escenario de una pesadilla. Y en algunos
casos atienden a algunas cosas influencias de
la pintura futurista como los signos visibles
que proceden del mundo de la publicidad
comercial.
Tuvieron un punto de referencia con respecto
a dos tendencias de los años 60 y 70 como el
Pop Art y al Realismo fotográfico, precedente
del hiperrealismo. Buscan el mayor grado de
precisión y objetividad posible. Pretende
eliminarse la huella existencial del autor y
hacerlo lo mas frio y objetivo posible. La
maquina es el otro despersonalizado y
objetivo. El purismo parece coincidir en su
apariencia con el dibujo técnico y ser así el
embrión de una producción en serie. Los
constructivistas dieron por muerto al arte y
pasaron al campo de la producción
directamente. Los precisionistas representan ese mundo con una imagen fría y
despersonalizada con una imagen de carácter mecánico.
 Escuela de París
Una corriente expresionista, un flujo en el que la subjetividad sigue teniendo un papel
dominante y tiene un carácter mas personalista ligado a la tradición artística de
raigambre romántica. Es una experiencia muy tradicionalmente artística y pictórica.
Escuela de París es un término muy ambiguo, porque París es un foco de atracción de
muchos artistas extranjeros. En los años 20 y 30 hay un escenario sociopolítico muy
cambiante y adverso, París mantiene el estatus de ciudad artística siendo capital del país
con tradición de recogida de refugiados políticos, esta Escuela de París empieza a
cobrar cuerpo con un grupo de artistas exiliados por distintas razones. Hay un grupo de
artistas que tienen una orientación expresionista y que tienen en común que son
mayoritariamente de origen judío, son una serie de individualidades que son
difícilmente encuadrables en distintos estilos artísticos y esto remite a la bohemia y las
vanguardias de París.

Modigliani, Los novios, 1915-16

Son artistas bastante inclasificables. Es un
artista extranjero italiano de origen judía con
una vida muy atormentada con una tradición
marginal de la bohemia artística radical en
París de la primera mitad del siglo XX. Con
un tipo de pintura de carácter tradicional más
o menos, asociada con modelos
vanguardistas, pintura de figuras, desnudos,
retratos, etc. que están caracterizados por un
proceso de estilización y simplificación
bastante notables. Artistas muy populares a
niveles muy grandes. Estilo muy reconocible.
Los rostros son muy inexpresivos,
reminiscencia a las máscaras, su
representación es bastante lineal con color
muy brillante y los grandes motivos son los
desnudos y retratos.

Modigliani, El chico campesino, 1918.

Modigliani, Desnudo sobre un cojín azul, 1917

Ch Soutine, El Monaguillo, 1927-28.

Características
color y la línea. expresionistas
basadas en los trazos,
CH, Soutine, El buey muerto.
el
 Pintura metafísica, Valori Plastici, Novecento

Chirico con su relación con Carrà (antiguo futurista) crea la pintura metafísica.
Mario Broglio funda la revista Valori Plastici, que es la gran plataforma de difusión de
la pintura metafísica por le resto de Europa. Con gran influencia en Europa en esa
época. La revista con ese título es muy indicativa de los valores de esas pinturas;
predominio de las formas plásticas, volumétricas, integras frente a la fragemtnacion
del cubismo y del futurismo.
A partir de la década de los 20 una critica de arte llamada Margherita Sarfatti propulsa a
aun grupo de artistas italianos, que son los continuadores de ese modelo de la pintura
metafísica con el nombre de Novecento, que va a utilizar a un grupo según una
costumbre italiana de denominar a los siglos. Plasmación del impulso de un arte
inequívocamente italiano que en su propio nombre indicaba que quería volver a hacer
las glorias italianas enlazando con el cuatrocento. La intención era convertirlo en el arte
italiano por excelencia. La pretensión convertirlo en el arte oficial del régimen fascista,
Mussolini no lo considero así, pero en la practica el Novecento vino a designar esta
inspiración de representar la italianidad del arte moderno.

G. de Chirico, La incertidumbre del poeta, 1913

Coincide con el futurismo, pero el futurismo era
hostil al pasado y el valore plastici, la metafísica y el
novecento hace muchas referencias a la tradición
artística. La metafísica creara una iconografía y una
presentación que en buena parte va a influir en el
realismo y figuración de la época y que comparte ese
aspecto frio y deshumanizado que tienen buena parte
de las cosas anteriores. No es que haya inspiración en
lo mecánico, sino en lo contrario, en la tradición, es
como una especie de continuidad con la tradición
inmediatamente anterior de origen simbolista. En el
sentido de lo que el simbolismo era frente al
impresionismo, una mirada al mundo interior de
símbolos del alma.
Chirico tenía formación alemana y se vio influido por los simbolistas alemanes de fin de
siglo y centro sus ojos en unas escenografías que recordaban de forma estilizada las
calles y plazas de las antiguas ciudades italianas. Amplitud y profundidad muy grande
contrapuesta con interiores de perspectiva distorsionadas que porduce sensaciones
claustrofóbicas. Exteriores e interiores podían ser un buen ejemplo de sensaciones
psicológicas que agorafobia o claustrofobia. Ausencia casi absoluta de seres vivos.
Poblados de objetos inanimados muchos de ellos colocados de forma incongruente,
motivo de inspiración de los surrealistas.

Neue Sachlichkeit. Realismo mágico

Hay muchas experiencias en países europeos que responden a estas características. Al
final de los años 70 una serie de exposiciones temáticas sobre el arte de las vanguardias
se reunieron muchas obras de los llamados realismo, entre ellas una tendencia con un
papel muy significativo en los años 20 y 30 es este realismo bastante difundido en el
arte alemán. El marco de las vanguardias depende de buscar una buena denominación y
reunir en un evento expositivo notable a los artistas bajo un epígrafe o una idea y que se
le llamo en alemán Neue Sachlichkeit. F. Roh publicó Postexpresionismo. Realismo
mágico en 1927. Hay una doble denominación, en alemán este término se traduce como
Nueva objetividad y realismo mágico al final ha venido a denominar una de las dos
corrientes que en aquella época se dividió este realismo, se hablaba de una tendencia de
tipo verista. Lo de postexpresionismo tiene su sentido porque estos artistas tienen un
pasado expresionista y dada. Énfasis en la objetividad determinaba una serie de
características de estos realismos en los cuales se quería destacar por encima de todo la
representación precisa y veraz de los objetos y los seres humanos eran sometidos a una
especia de objetivación. Si el expresionismo era espiritual y abstracto, la nueva
objetividad era veraz y pretendía ser un tipo de pintura en la cual predominase lo banal,
objetivo, frio, falto de emoción o de expresión, algunas veces esta frialdad alcanzaba un
grado casi mecánico. Hay muchas variantes en este tipo de pintura y no se puede
considerar que todas respondan a las mismas características. Después de la ofensiva
llevada a cabo por los dadaístas contra los procedimientos tradicionales de la pintura
por medio de montaje, descontextualización, fotografía… en la nueva objetividad se
procede a una recuperación de técnicas artísticas tradicionales. Algunos de ellos
recuperan técnicas artísticas que se remontan a la pintura tardogótica, hay un
tratamiento pictórico más impersonal. Hay cierta postura crítica que hace que en
algunos casos la pintura de la nueva objetividad alemana presente parentesco con
algunos modelos de realismo social. Relación con la fotografía, muy ambigua que es
común a otros movimientos de la época.

G. Grosz
Entre los artistas más destacados esta G. Grosz, antigua expresionista, uno de los padres
que se atribuye la invención del fotomontaje y uno de los impulsores de que las ideas de
estrategias de actuación artísticas de tipo dadaista eran un ara de subversión política.
Autómatas republicanos, 1920.

Fondos escenográficos. El tema del maniquí o

figura sin alma se convierte en el autómata.

Día gris, 1921.

Una de las fuentes de inspiración que se acerca a la
práctica dadá es el dibujo satírico con las deformaciones
grotescas de inspiración caricaturesca como forma de
caracterizar los tipos sociales según la teoría marxista
que caracterizaba la sociedad de clases de la época. Este
tipo de pintura con tipos de esta clase que cada uno
caracteriza un sector de la sociedad fundidos en paisajes
urbanos inspirados en la física, aparecen los mutilados
de guerra convertidos en una especia de robots
involuntarios representados con frialdad.

Pilares de la sociedad, 1926

Donde se une caricatura, montaje de forma didáctica, figuras con

rigidez, como autómatas. Espacio aplanado de origen cubista.
 El poeta Max Hermann Neisse, 1927.
El retrato como uno de sus sectores
privilegiados, cuenta con la
producción más importante. Se puede
ver como fusionan un realismo
objetivo de tipo muy poco
convencional, poco empático, incluso
frio y despiadado conseguido por una
practicas pictóricas tradicionales de
dibujo fundamentalmente, con una
espacio plástico ambiguo de
inspiración cubista.

O. Dix
Antiguo expresionista y la experiencia de la guerra lo convierte en un personaje de
visión despiadada.
Jugadores de skat, 1920.
Personajes caricaturescos donde la práctica
del montaje se traslada a la pintura y donde
de forma cruel se representan a los inválidos
y mutilados de guerra creando unos híbridos
donde se percibe una visión muy cruel y
sarcástica en la que aquella utopía maquinista
y robótica de algunas vanguardias pasadas
por el filtro irónico se convierte en una
imagen que podemos considerar de denuncia
artística.
Retrato de la periodista Sylvia von Hardem, 1926.
Iconografía de la mujer moderna y liberada, cierta
apariencia desagradable y cruel, por medio de una
técnica pictórica de tipo tradicional. Muy estudioso de
los grandes maestros alemanes del siglo XV y XVII.

La gran ciudad, 1926-1927.

Presentación de grandes frisos en forma de tríptico, que tiene un origen histórico de la

pintura gótica y primer renacimiento asociada a la pintura religiosa. Presentado de una
forma un tanto de carácter crítico y a la manera de una descripción de la ciudad de
orígenes expresionistas, con contrastes, cierta disolución, lapidación de la humanidad.
Escena de baile de jazz y a la izquierda y derecha un invalido de guerra y a la derecha
inválidos de guerra y prostitución.

M. Beckmann
Expresionista que nunca estuvo ligado a ninguno de los grandes grupos expresionistas y
entablo célebres polémicas con los expresionistas cuenta del binomio espíritu
abstracción. Era expresionista pero negaba que la realidad del mundo y los objetos
debieran de sacrificarse en aras de la acentuación de la expresión que condujo a una
pintura pura o a los elementos puros de la pintura como el color o el dibujo puedan ser
expresivos por si solos, la figura humana y el objeto debían ser el centro de atención.

La noche, 1918.
El icono más representativo de esta
perspectiva de la nueva objetividad de
la situación de conflicto y caos de final
de la guerra y la revolución
espartaquista es en primer lugar una
descripción de la violencia
revolucionaria y ciega y no justificada
por un interés superior, un grupo de
revolucionarios caracterizados con la
típica gorra de la clase trabajadora han
entrado a una buhardilla y están a punto
de asesinar a el hombre, han violado a
la mujer y van a secuestrar al niños.
Deriva del conocimiento de la pintura
histórica, el hombre torturado está en relación con la iconografía cristiana, al mismo
tiempo en una forma expresionista ha utilizado los recursos…. Para hacer la buhardilla
un espacio cerrado, aplastado y claustrofóbico en la que los objetos se suman para crear
sensación de angustia y acentuar la violencia. Este cuadro se puede considerar
expresionista.
Autorretrato sobre fondo amarillo con cigarro, 1923.
En su etapa de nueva objetividad las figuras presentan volumetría y redondez,
volumetría de sensación geometrizante, fondos neutros que acentúan el carácter de
aislamiento de la figura. Cuadros que no tienen esa dosis de subjetividad como La
noche. Uno de sus temas favoritos son los retratos y los autorretratos como muestra
de la múltiple personalidad.
La partida, 1931-1932.
Grandes trípticos de sentido simbólico y
enigmático con motivos de la mitología
clásica, iconografía de la violencia. Muchas
figuras atadas y sometidas a acciones
violentas, figuras enigmáticas como payasos.
Cateterizada por un cierto grado de
inmovilidad acentuando el enigma y lo
misterioso, cierto carácter volumétrico y
primitivo.

C. Schad
Antiguo dadaísta y expresionista.
Autorretrato con modelo, 1927.
Un tanto enigmático con camiseta transparente
delante de una figura femenina de carácter
andrógino. Realismo muy detallista y muy precisa
que denota cierta inspiración fotográfica.

Muralismo mexicano
Estos artistas tenían su parte política y fueron los principales cabezas de la paranoia y la
fobia nazi. La política se convirtió en un vector significativo de la pintura moderna.
Entre los años 20 y 30 la política se vuelve omnipresente a un nivel muy superior y
destacado haciéndose de la capacidad que podía tener el arte de intervenir como forma
de expresión pública en el debate político. Es la época del ascenso del fascismo y
nazismo, revolución rusa, choque de la guerra civil española y el choque final de la
segunda guerra mundial. Aquí lo que percibimos es que lo político tiene un papel
determinante en la identidad artística y su forma.
El muralismo mexicano es un precedente bastante inmediato, hay un programa político
propiciado por José de Vasconcelos para hacer un arte público que participe en la
definición de la identidad mexicana como nación, búsqueda de un arte nacional
representativo, publico, que en lo posible que recoja las inmediaciones de la pintura de
vanguardia, fusión con el arte popular del pasado nacional histórico del país entre el
conflicto del pasado precolonial y la conquista. Y se busca elaborar arte de masas
dirigido a todo el público con una fuerte carga didáctica, ideológica, inspirada en el
pasado. Recuperación del arte precolombino fusionado con la idea de un modelo de arte
público con las grandes pinturas murales que ellos ven como modelo la floración de la
pintura mural al fresco del renacimiento italiano.
Esto da lugar a un modelo artístico que tiene su época culminante en los años 20 y 30,
pintores con modelo de inspiración del renacimiento llevando encargos públicos por
medio de las pinturas murales hechas en grandes edifico públicos a escala gigantesca
que no depende de los circuitos habituales de mercado y exposición.
J. Clemente Orozco
La trinchera. Escuela Preparatoria Nacional, México, 1926.
Aspecto expresionista.

Diego Rivera. Historia de México, de la conquista al futuro. Palacio Nacional, México.

1929-35.
Acumulación abigarrada de
personajes contando
historias continuadas como
una especia de comic con
abundante iconografía
revolucionaria.

David Alfaro Siqueiros. Retrato de la burguesía.

El más revolucionario y experimental,
cultivo técnicas como chorreados, con
aerógrafo, con detalles de tipo
expresionista y surrealista. En un lugar
tan excéntrico, fuera del centro
neurálgico de la cultura artística, se creó
una escuela pictórica propia que parecía
fusionar adecuadamente lo más aprovechable de la experimentación vanguardista y lo
más solemne y funcional de la figuración
antigua de la pintura popular. Tuvieron una gran presencia en los Estados Unidos donde
podían ser considerados unos izquierdistas peligrosos. La paradoja de esta pintura
revolucionaria está en que los pintores de la escuela americana de la pintura moderna y
el expresionismo abstracto se encontraban haciendo unos frescos de inspiración
nacional y comunista en un ambiente capitalista.
D. Rivera. Hombre en el cruce de caminos mirando con esperanza y alta visión… Lo
despidieron al representar a Lenin.

Realismo socialista
Focos más radicales de la vanguardia en la unión soviética, presencia siniestra del
realismo socialista. Realismo que constituyo un arte oficial de los regímenes comunistas
y se definió en el congreso de escritores soviéticos de Moscú en 1934. La paternidad del
realismo socialista se le atribuye al propio Stalin, el gran ideólogo fue A Zhdánov. Es
un realismo que responde a las características de popular, accesible a las masas frente a
la supuesta incomprensión del arte de vanguardias (narodnost), conciencia de clase y
representación del proletariado (klassovost), protagonismo del partido comunista
(partiynost), aplicar el socialismo (ideynost), y personajes típicos en situaciones típicas
(tipichnost). Propaganda política defendida por la sociedad JRR, no es en absoluto
realismo social, que tiene un componente crítico, este realismo tiene una característica
de alegría falsa con hombres y mujeres sobre todo jóvenes empeñadas en la
construcción del stalinismo y de los fines propuestos por el partido y mucha iconografía
a menudo de santoral del líder supremo.
A. Gerásimov

Lenin en la tribuna, 1926.

Aspecto un tanto atmosférico, vagas referencias al impresionismo.

A. Deineka.
Formo parte de esto antes de que se convirtiera en doctrina. Pintor bastante notable,
tiene un tipo de pintura que se puede relacionar con experiencias occidentales como la
nueva objetividad y este no desdeña las formas modernas aunque lo haga con
contenidos ideológicos de formación del comunismo.

La defensa de Petrogrado / Construcción de nuevas fábricas.

I. Brodsky, Lenin en el palacio Smolny, 1930.

En la época en la que era una
especie de modelo que podía ser
de inspiración incluso fuera de
sus fronteras.
En los años 30 hay una especie
de catarsis o se estableció una
dicotomía, una relación muy
problemática entre el poder
político y el arte de la vanguardia
y sobre todo el poder político
totalitario. Hay algo que suele ser
común cuando el poder político es de forma totalitario y el arte se considera un arma
ideológica, todos los demás estilos se condenan, el movimiento artístico más
conservador se convierte en el oficia, etc. es como la vuelta a un tipo de clasicismo. La
ofensiva contra los demás estilos para condenarlos era sobre todo una ofensiva de todo
lo que se había producido como arte moderno casi después del impresionismo.
Disimulando las formas vanguardistas.
En el caso alemán, o caso nazi se encuentra el episodio más conocido que es el ataque
contra el arte moderno sobre todo el expresionismo, catalogado como arte degenerado
(enfermedad mental o física) asociado a las “razas decadentes” según los nazis. Esto se
hizo de forma pública en la exposición de arte degenerado para ser motivo de burla.
A. Breker, Disposiciones 1938.
Clasicismo de inspiración griega en la gran exposición de
arte alemán con un clasicismo masivo de carácter
funerario.

Exposición internacional de París de 1937.

Lo más sobresaliente son los pabellones de la Unión Soviética y Alemania. El de la

Unión Soviética era una especie de pedestal de la estatua que representaba al obrero y la
campesina entrelazando la hoz y el martillo frente a la gran torre coronada por el águila
de Alemania. Sensación de torre que va a detener ese movimiento en avance de las
esculturas del obrero y la campesina.

El expresionismo abstracto americano y el informalismo europeo

Se utiliza el término expresionismo abstracto para el arte producido como
tendencia dominante en los años 40 y 50 en Estados Unidos y el término
informalismo para el producido en Europa.
 El expresionismo abstracto americano
El termino expresionismo tiene influencias germánicas y el término informalismo es
un término inventado por un crítico. El arte americano no está en situación de
inferioridad con respecto a las experiencias innovadoras de la vanguardia artística de
Europa.
Hay una situación política y cultural marcada por los acontecimientos que se desarrollan
desde los años 30 a 40, secuencia del auge del totalitarismo, auge de los fascismos,
Guerra Civil española, holocausto, etc. Tras la guerra se desarrollan las más agudas
fases de la Guerra Fría. Acontecimientos que marcan la realidad cultural.
Como se puede conjugar el compromiso político y social del artista con su actividad
artística, el compromiso externo y el interno. Como el arte puede tener algún tipo de
valor o puede servir para algo desde la perspectiva de la vanguardia para los conflictos
sociales. El realismo social era una opción, pero se inhabilita la servidumbre al poder
político y le arte propagandístico puesto en circulación por los regímenes totalitarios. La
situación de la vanguardia se encontraba entre la utopía racionalista de la abstracción
geométrica o bien entre la introspección mas individual y subjetiva del surrealismo.
Tras la gran depresión se intenta corregir el capitalismo hasta que se sale de la guerra.
Se llevan a acabo programas sociales y laborales que buscaban dar trabajo a las grandes
masas, los artistas no llegaron a ser una excepción de esto con el Proyecto de arte
federal (forma de crear trabajo para los artistas). El muralismo era un tipo de proyección
artística considerada publica, popular, etc. de los que ya eran grandes maestros los
pintores mexicanos.
A finales de los años 30 como consecuencia de algunos motivos como los procesos de
Moscú y las purgas de los compañeros de partido de Stalin, el pacto entre la Alemania
Nazi y la Rusia Stalinista para invadir Polonia. Esto influye en el hecho de cómo se
conjuga todas estas cuestiones y artistas que tienen un carácter de vanguardia que no se
conforman con el realismo social pueden hacer conjugar de laguna manera su ideología
política y su obra artística. Para ser socialista no tienes que comulgar con el tipo de arte
soviético.
Convencimiento de que se ha producido la formación de una pintura de vanguardia
específicamente americana que debido a las circunstancias históricas y las conmociones
políticas de las guerras se ve en alguna medida como una especie de toma del testigo,
como que el arte americano está tomando el testigo de la vanguardia europea. Se
utilizan muchas imágenes que resultan en esa dirección, Rosenberg, un crítico de la
época hablo de la caída de París refiriéndose a la caída de París como foco cultural y
artístico de alcance mundial. Muchos años después en la década de los 70, otro crítico
llamado Sandler hizo la primera síntesis de alcance de este movimiento pictórico y lo
llamo el triunfo del arte americano. El termino expresionismo abstracto es el que triunfó
pero las connotaciones de que era un tipo de pintura que tomaba el relevo de la
vanguardia europea, que era genuina e independiente respondía a unas supuestas
características específicamente americanas. Este paso de testigo es el testimonio de un
cambio de hegemonía cultural.
Este grupo de artistas están un poco artificialmente unidos, se les agrupa en el nombre
de Escuela de Nueva York, acentuando el hecho del cambio de la hegemonía cultural
haciendo ver que la capital dejaba de ser París para convertirse en Nueva York.
Perspectiva multicultural. Los americanos absorbieron la vanguardia europea al mismo
tiempo que se desprendieron de una sensación de inferioridad en el plano cultural. La
difusión de las vanguardias europeas en Estados Unidos se remonta a principios del
siglo XX y tiene una notable significación en el círculo del fotógrafo Stieglitz y la
presencia de Duchamp y los dadaístas en Nueva York, esto supuso la introducción de la
absorción de las vanguardias europeas.
El verdadero punto de partida es la situación artístico-cultural y político-económica de
los años 30, donde los artistas que conformarían el expresionismo abstracto hacían sus
primeras tentativas como artistas jóvenes en una situación política y económica muy
difícil. Época de fascismos, populismos, etc. y en lo básico con unos artistas afines a los
modelos de la vanguardia artística abandonando la torre de marfil o volviendo a la
humanidad y en una situación personal que los obligaba a formar parte de los
programas públicos que estaban pensados para dar trabajo a la gente con fondos
públicos. Proyecto para artistas de Roosevelt para pintar murales en edificios públicos.
Entrenamiento en la pintura mural a gran escala con un destinatario público,
acostumbrados a las grandes dimensiones se considera el origen de una característica de
los artistas abstractos que son los cuadros de grandes dimensiones de tipo mural. No
tiene intenciones figurativas pero están representadas a grane escala.
En la izquierda socialista de carácter revolucionario (marxista) tenía como fuente de
inspiración a la Unión Soviética y esta estaba en plena época rampante del stalinismo.
La manera en que los artistas e intelectuales de izquierdas se desencantan y acaban
rechazando el comunismo por las noticias de los efectos de sangrientos que tenía y el
hecho de que el realismo socialista era todo lo contrario al pensamiento de los artistas
de vanguardias. El debate político de la época se sustancia en la revista artística Partisan
Review con una presencia del antagonista principal de Stalin que es Trostky y
manifestaba estar en contra de todo arte oficial y sobre todo del realismo socialista. Esto
hace que los artistas vayan en un proceso evolutivo en el que abandonan sus el
Manifiesto por un arte revolucionario independiente firmado por Breton, Trotsky y
Rivera hizo mucho. convicciones de hacer un arte realista. En el artículo de Partisan
Review “Avant-Garde and Kitsch” de C. Greenberg hace un principio de polaridad de la
crítica de arte de catalogar de mal gusto, esta contraposición de que el arte Kitsch se
asociaba al realismo socialismo y la vanguardia como algo liberador, porque no era un
arte de tipo oficial y era más acorde con las ideas de liberación. A lo largo de los años
30 y mediados de los 40 se produce un proceso de politización de la vanguardia
americana en forma de vanguardia independiente en tono original que se presentaba
como una especie de alternativa.
La llegada masiva de los surrealistas a Nueva York después de la caída de París, salvo
Miró. Hablar de la caída de París es hablar en términos simbólicos es hablar de la caída
del foco principal del arte moderno y esto produce una especie de desbanda
generalizada. En París ya había exiliados artistas de otros países y con el horizonte
dominante del surrealismo en una especie de apoyo público intentando evacuar a los
artistas, ya que muy pocos se quedan. La mayoría estaba como grupo organizado que
tenía sus centros de difusión a través de galerías como la Julien Levy Gallery y Art of
this Century de Peggy Guggenheim, esto contribuye a difundir de forma muy directa el
ideario surrealista. El aquella época el surrealismo, en su presencia pública mostraba
signos de agotamiento porque lo más conocido públicamente del surrealismo era la
pintura de Dalí. Fetiche del automatismo y las imágenes del subconsciente pero era
difícil ver como ese automatismo se podía representar. A través de la obra del pintor
chileno Roberto Matta se formula una variante del final del surrealismo que es uno de
los gérmenes de la pintura que van a desarrollar los artistas representativos del
expresionismo abstracto. Matta hacia unos cuadros de una cierta originalidad que
recogía características surrealistas con figuras orgánicas y mecánicas de tipo
perspectivo y formas infinitas de inspiración fantásticas y esto le sirvió a Gorky de
impulso para desarrollar una pintura que tenía la virtud de superar el complejo de
inferioridad de la falta de originalidad.
El surrealismo es muy importante, sobre todo el tema del automatismo psíquico y la
imaginería de seres antropomorfos en espacios oníricos. Aportación de Roberto
Matta contribuyeron a traspasar técnicas y procedimientos del surrealismo por medio
de un contacto directo.
Gorky jugo un papel importante, inmigrante armenio de segunda generación, es muy
significativo de su recorrido. Todos ellos tenían una actitud bastante reverencial a los
grandes maestros europeos que les hacia sentirse en una situación de inferioridad. Esto
es llamado la obsesión de la influencia. Síntesis que se va a convertir a los ojos de la
crítica en una síntesis original. Mezcla de influencias dispares donde la síntesis se
decanta para llegar a alcanzar una propuesta original. Este es el lugar en el que se
encuentra Gorky. Gorky fusiono la gestualidad, la disociación de la forma y el
contorno, la trasparencia de la pintura, los paisajes oníricos, etc. Murió antes de que el
expresionismo abstracto triunfara, es un relato un tanto heroico que simplificada de
laguna manera que es, quien es, como actúa el artista comunicando su situación en el
contexto en el cual se encuentra a través de su arte. Pero no creando una iconografía y
un arte elaborado según los dictados de un modelo organizado racionalmente sino de
una forma instintiva. Se produce una especie de acentuación entre el acto de pintar, lo
que se quiere expresar, materiales y procedimientos es lo que se convierte en expresivo.
Esto está teñido por los modelos de pensamiento de la época que es el existencialismo,
individuo solo ene l mundo sin ninguna referencia religiosa ni filosófica, cuya
importancia se deriva de su propia importancia en el mundo. En el campo artístico tiene
que ser capaz de trasmitir esa sanción de una forma directa. Hay dos cosas que
recogían; el automatismo psíquico y el enfrentamiento del artista con el material es el
punto de partida. Por esto toda esta pintura tiene como consecuencia el componente
autográfico; cada uno experimenta hasta alcanzar una formula inconfundible.
Uno de los nombres que se le dio al expresionismo abstracto es pintura americana, se
pensaba que expresaba la crudeza, el vigor y la grandeza sin someterse a las sutilezas de
lo europeo. Representativa de la libertad y usada como propaganda en la Guerra Fría.
Se intenta hacer un tipo de arte que es una vía entre la abstracción pura de tipo
geométrico con el surrealismo.
M. Schapiro describió esto como el lienzo como un campo de acción, le dio una
interpretación o giro que conecta bastante mas con el sentido liberador de esta pintura.
La pintura era el único campo en el que la individualidad se mantenía a salvo, era algo
hecho de forma totalmente libre y espontaneo. La imagen era como una firma del
artista, se podía acceder a los sentimientos y pensamientos mas íntimos del artista al
verla.
Creo una síntesis pictórica gestual, derrames de pintura, disociación de forma y
contorno (Picasso), figuras biomorficas (Miró), color saturado (Kandinsky), amebas,
paisaje de ciencia ficción (Matta), transparencia de las capas de pintura (Matisse)
Uno de los gérmenes de unas de las características más específicas del expresionismo
abstracto americano es que el cuadro se empieza a visualizar y a verbalizar por parte de
la crítica en unos términos en los cuales se traduce una acción a través de los gestos y la
trasmisión de las emociones intimas del artista al cuadro a través de los medios que el
pintor utiliza; color, forma, pincelada, línea, es decir, sin contenidos figurativos. Esto
tiene un origen expresionista, no hace falta que haya figura visible o reconocible para
que el artista pueda expresar sus sentimientos más interiores. Estas características a
medida que se iban elaborando se empezaron a identificar como una característica
específicamente americana que se identifica como propia, que es una característica que
sublima o resume la herencia del espíritu de la intelectualidad y la libertad de una forma
muy directa y con mucha fuerza. El sustrato de este arte es la forma de como un arte de
vanguardia difícil de llegar al público porque no es representación figurativa se
convierte en un símbolo del individuo y la libertad. Se convierte en un arte positivo y se
convierte en un símbolo de la libertad y el modo de vida americano y se publicita por
todo el mundo y se hacen grandes galerías de arte.
Estos artistas habían trabajado en los programas públicos de trabajo de la agencia global
WPA donde habían colaborado con artistas de izquierdas como los regionalistas y los
socialistas mexicanos, uno de ellos Pollock, tenían contacto con la vanguardia europea
que llegaba a Estados Unidos mediante el MOMA o el Museo de Arte no objetivo
(Guggenheim), por lo que el concepto de museo de arte modernos, conocían muy bien
la vanguardia europea. Sensación de que ellos antes las circunstancias que se están
viviendo.
El concepto de geometría abstracta de Mondrian no les llenaba y la idea de que el
surrealismo a través del psicoanálisis podía ser un medio de liberación. Comunidad muy
cerrada y elitista de vanguardia y tomando el principio de automatismo psíquico y las
diferentes formas de proyectarlo lo van despojando del excesiva referencia al
subconsciente, los instintos, etc. y lo simplifican bastante hasta un término en el cual
esa forma de automatismo es básicamente demostrar como al pintar el artista se está
expresando personalmente sin ninguna inmediación de una forma muy directa y a un
nivel idiosincrático, la huella inequívoca de su propia personalidad.
Clima de gran efervescencia en una forma en la cual se está marcando este modelo muy
del clima espiritual de la posguerra, se cuestiona cómo se salva el individuo en una
situación tan caótica y absurda que conduce a una catástrofe humana de dimensiones
monstruosas. Individualismo extremo que se identifica con una corriente filosófica
llamada existencialismo que está muy presente en la obra de Rosenberg y una forma de
despojar un poco de los términos que en el plano existencialista son un carácter muy
angustioso y trágico para dar un carácter más positivo, que es lo que hace Schapiro, que
parte de la idea de lienzo como campo de operación incide en el aspecto libre y de
autógrafo, que el arte otorga a un arte muy mecanizado y banal. Autografía como marca
reconocible. El expresionismo abstracto tiene unas características que se identifican con
gran facilidad, la historia de la mayoría de estos pintores es la búsqueda de un estilo
propio haciendo trazas y marcas muy reconocibles convirtiéndolas en la huella o sello
de la personalidad del artista en el lienzo. Schapiro habla del logotipo. En 1947-48
todas las características son visibles.
Presencia de una academia de The Subjects of the Artist, ellos rechazaban que su
pintura fuera un simple muestra decorativa, el expresionismo abstracto trasmite que la
idea o imagen previa no era pensada sino que surgía simultáneamente al pintar. Action
painting. Se acuño otro apartado que son los pintores de los campos cromáticos. La
pintura abstracta tiene un tipo de serialidad, cuando se llega a un tipo genuino se va
elaborando por eso tiene un motivo repetitivo y de serie.
La imagen de la pintura de vanguardia esta alcanzado su difusión pública por medio de
los medios de comunicación de masas de la época como las revistas graficas ilustradas.
Revista Life del 8 de agosto de 1949 se hace un artículo sobre Jackson Pollock, artista
como una especie de héroe trascendental. La pintura de Polloock se entiende mostrando
la acción en la que se elabora la pintura, por lo que están la famosas fotografías hechas
por Namuth en las que se ve a Pollock en su estudio trabajando

H. Hofmann
Artista alemán inmigrante, creo una escuela de enseñanza de pintura y contribuyo
mucho a difundir el tronco básico de la vanguardia europea en una síntesis de
expresionismo, cubismo, fauvismo, etc. en su metodología docente auspiciaba un
método que él llamaba “empujar y tirar” (push and pull) que viene a ser que en el
cuadro había unas cuerdas que por medio del color y la línea actuaban en ese sentido,
como un campo de acción. Se encuentra con uno de los antecedentes de la pintura
chorreada de Pollock (dripping)
Mesa con tetera, jarrón verde y flores rojas, 1936
Esta obra es indicativa del momento de los años 30 de los artistas que formaron parte de
los expresionistas abstractos estaban en una fase figurativa. Artista alemán emigrado
recientemente. Era un pintor expresionista alemán, tiene cierta relación con Kandinsky.
Ilusionismo espacial.

Fantasía, 1943
Línea serpenteante y se intuye cierto chorreo. El
principio del automatismo psíquico lo preveía. En
Miró de los años 20 también hay algunas experiencias
de este chorreo de pintura.
A. Gorky
En los años 20 y 30 estaba interesado esa ansiedad de influencia de Picasso y miró El
artista y su madre 1926-1936
Cuadro muy influenciado por Picasso. Mezcal de un
componente picassiano y mucha inquietud y presión.
Maldición de la influencia de la que eran incapaces de
salir.

The Liver is the Cock’s Comb, 1944.

Titulo raro de tipo expresionista. Dentro de una apariencia de creación de imágenes que
tienen un toque mas o menos surrealista se observa ese proceso de fusión de influencias
muy variadas que aparecen en la obra de Gorky. Hay imágenes, formas que no son
geométricas sino difusas y libres y remiten a modelos biomorficos. Esas formas parecen
que están flotando en un espacio racional de perspectiva. El color esta bastante diluido,
tanto que casi tiene una cualidad trasparente, da la impresión de que esas formas de
color y líneas tienen un cierto carácter libre y de automatismo. Apariencia de
espontaneidad, aunque sus cuadros

Agonía
no estén hechos de esta forma. La apariencia es abstracta pero no es abstracción del
todo.

Pollock
Era un artista figurativo bajo la influencia de su maestro Benton, pintaba cuadros de los
grandes mitos de la América profunda (Camino del Oeste 1934-1938) y su pintura
manifestaba una especie de dinamismo relacionado por el Greco tardío. Obras hechas a
la técnica del dripping, poniendo los cuadros en el suelo, una técnica que no era nueva.
Famosas fotos y películas en las que se ve a Pollock en acción. Hace una actuación
delante del cuadro y deposita en el los suficientes trazos de pintura para ver que eso ha
sido el resultado el efecto de considerar el cuadro como un campo de acción. Se
publicita a través de unas fotografías y una película. Lo que importa no es el resultado
final sino el proceso (en una postura poco habitual poniéndose encima del lienzo o
directamente entrando, usando pintura industrial y utilizando elementos azarosos como
arena, colillas, etc.). En sus declaraciones dice que no hay una idea preconcebida,
porque cuando está en su pintura no es consciente de lo que esta haciendo. Es como una
especie de performance.

Camino del Oeste, 1934-1938.

Formaba parte del Proyecto para artista de pintar en edificios públicos. Formaba parte
de una corriente de regionalismo (escena americana). Pintura de la América profunda y
 rural. De tipo abigarrado con sensación
dinámica. Forma de representación que
podemos llamar expresionista de tipo
figurativo.

Mural, 1943

Cuadro muy grande encargado por el Guggenheim. Los artistas abstractos estaban
convencidos de que había que superar la pintura de caballete y optar por los grades
formatos. Superar las limitaciones de la pintura de caballete. La elección de los grandes
formatos era una forma expresar directamente cosas o ideas que eran complejas por
medios relativamente simples o limitados. Es un cuadro en el que esta esbozando lo que
será celebrado como una de sus principales aportaciones. Omisión del color y el dibujo
y la figura y el fondo. Especie de tapiz en el que destaca que parece haber sido hecho
por un proceder de tipo rítmico y una especie de organización del cuadro en una pauta
en una maraña de capas de pintura que cubren de forma uniforme toda la superficie del
cuadro.

Número 1, 1948
Marañas de trazos de pintura que se denominan siguiendo una costumbre típica de los
pintores abstractos de carácter serial, como las partituras musicales y que en algunos
casos se les dan títulos metafóricos de resonancias naturalistas.

Autumn Rythm (Number 30, 1950.

Fórmula mágica de expresión directa por los medios de la pintura sin recurrir a la figura
ni el objeto. Es el prototipo de pintores de acción. Estos cuadros necesitan de una
explicación. Si los cuadros son grandes y los motivos son simples la mejor forma de
contemplarlos es acercándose para quedar envuelto.

Postes azules, 1952.

Los procedimientos daban lugar a la posibilidad de desarrollar diferentes variaciones,
pero era fácil que se agotases. Son inconfundibles y consiguen ese ideal del
individualismo artístico porque se reconoce la pintura a simple vista. Al mismo tiempo
tienen una limitación, porque solo se puede desarrollar un conjunto serial.

Retrato y un sueño, 1953.

Llega un momento en el que Pollock dice que las imágenes resurgen. Se ven dos
estadios, a ala izquierda unas marañas de tinta negra de elaboración gestual y a la
derecha lo mismo pero retocado para hacer que las imágenes resurjan. Pollock
murió poco después en un accidente de automóvil y quedo mitificado.

W. de Kooning
Pintor que no había nacido en América, holandés, se asentó en Estados Unidos bastante
joven, también trabajaba en un sentido figurativo y desarrollaba obras que tenían una
síntesis de cierta figuración de aspecto clasicista con el espacio plano basado en los
campos de color. Tipo de pintura que empezaba a mostrar una cierta originalidad. Fue
de los pocos que no se deshizo del
todo de una imagen figurativa.

Figura sentada (varón clásico), 1939.

Se englobaría en el sector mas
gestual de la pintura americana
(pintura de acción). Abstracción colorista que tiende a contenerse dentro de ciertos
marcos de tipo geométrico. En esta figura sentada nos recuerda que estaba en una fase
figurativa que mezclaba ciertas resonancias del clasicismo de ascendencia picassiana y
hacía hincapié en la superficie plana del cuadro.

Naturaleza muerta (Ángeles rosados), 1945.

Establecimiento de dos ramas de pintores;
pintores de acción o gestuales (asociado a la
rapidez y a la intuición) y la rama que tenía
un carácter mas pasivo o contemplativo (arte
como vehículo de una trasformación,
experiencia íntima con cierto carácter
revelador). La pintura de acción esta
ejemplarizada por Pollock y Kooning.
Kooning llega a Estados Unidos formado y
se establece allí como una de las grandes
figuras del expresionismo abstracto (Escuela
de Nueva York). Utiliza formatos grandes sin
recurrir al dripping ni a colocar los cuadros
en el suelo. Es bastante más tradicional
comparado con Pollock.
Los trazos delimitan formas que dejan
restos
de elementos figurativos, con fragmentos de tipo anatómico. Hay cierta obsesión por lo
metamórfico de Picasso. Tiene una estructura organizada con un cierto aspecto rítmico
con una forma de intentar evitar las distinciones rígidas entre figuras y fondo.

Pintura, 1948.
Excavation, 1950.
Contrapunto rítmico, característica
casi ambiental. Las formas siguen
teniendo resonancias de
fragmentos anatómicos y todo
indica que es el resultado de una
acción determinada. Hay unas
formas oscilando como si
estuviesen registrando el estado de
ánimo. Suele recurrir mucho a
metáforas relacionadas con
instrumentos de registro
(electrocardiógrafo, sismógrafo,
etc.)

Mujer I, 1954
Forma de trabajar que está ceñida con la
recuperación de la figura. Figura como proceso
gestual. Hace una serie de mujeres que enlaza
un poco con la antigua tradición expresionista,
con la deformación y lo grotesco.
Figuras grotescas, terroríficas, algunas las
asocian con la manía por las imágenes
primordiales del arquetipo (psicoanálisis) y las
imágenes publicitarias.

Puerta hacia el río, 1960.

Hay algunas resonancias figurativas o
paisajísticas.
R. Motherwell
At five in the afternoon, 1949.
Su cuadro más famoso, formas
producidas en una serie.
Critica a la guerra civil española-

F. Kline
Mahoning, 1956.
 Pintura de fondos blancos con
brochazos negros esta
relacionado con la pintura
oriental y la caligrafía china.

C. Still, 1948-C
Lo que destaca aquí es el cromatismo, campos
cromáticos bastante dominantes. La fórmula de Still es
bastante conocida, grandes superficies de color que
aparecen rasgadas por otros colores que parecen a
introducir elementos de tensión.
C.Still, 1948-E
Resonancias bíblicas. La Pintura no es un asunto
decorativo, sino que trasmite unas emociones y unos
valores. Dependiendo del color que se utilice se
pueden deducir determinadas intenciones emotivas.

C.Still, 1957-D, Numero 1.

Cuadros de superficie grande, se
imponen físicamente y siguen
teniendo rastros de la actuación,
deja una huella.
B.Newman
Rechaza la pintura geométrica por ser demasiado fría. Se empeña en considerar que sus
cuadros no son meras decoraciones abstractas, sino que están cargados de contenido. Su
principal aportación escrita es un artículo llamada “The Sublime is Now” con un sentido
romántico, considerado algo como trágico. Absoluta reducción a lo mínimo, tiene obras
inconfundibles. Cuadros de grandes dimensiones con superficies monocromáticas y el
único suceso que ocurre dentro del cuadro son unas franjas verticales llamadas zip.
Cuadros pintados cuidadosamente con un campo de color saturado, coloca una cinta
adhesiva mientras pinta el fondo y luego esa franja la pinta de otro color.

La muerte de Euclides, 1947.

Es origen de su pintura. Viene a
decir la muerte de la geometría.

Onement I, 1948.
Es su forma de expresión típica, cuadro pintado de rojo con una
franja con huella de la pincelada en un color anaranjado.
Vir Heroicus Sublimis, 1950.

Paredes de color saturado divididas de forma más o menos rítmicas por una serie de
zips. Ambigüedades por la ultima franja a la derecha es del mismo tamaño que la de la
izquierda. Exige que sus cuadros sean contemplados de determinada manera.

M.Rothko
Necesita pocos elementos grandes y simples para expresar pensamientos. Lo grande no
es pomposo ni grandioso sino muy intimo y humano. Cuadro como una especie de
revelación.

Nº9, 1948.
colorido suave y envolvente con un cierto grado
de trasparencia, que da sensación atmosférica. El
modelo no esta totalmente terminado y las formas
flotando en espacios etéreos recuerdan a las
figuras biomorficas del surrealismo.

United (Blue, yellow, Green on red), 1954.

 Rectángulos de color difusos entre ellos,
sin estar perfectamente delimitados. Dan
la sensación de estar flotando, reacción
óptica de indefinición. Acentúa mucho la
idea de que los cuadros no son agradables
decoraciones sino unos iconos
instrumentos de la contemplación con un
carácter místico.
Rechaza hacer cuadros como decoración.
Todas y cada una de sus obras son
representativas de un estado de ánimo.
Conforme el estado anímico van variando
aparece algo más sombría.

Sin título, 1969.

Capilla de Houston, 1964-1967.

Es una capilla para todas las
confesiones de forma octogonal. Es
un espacio para la meditación
Cuadros sombríos con una
iluminación de la sala muy pobre.
A. Gorky
En el ámbito de los años 40 está muy en consonancia con el espíritu bohemio y rebelde,
se suicidó. Parte de las formas biomorficas como amebas u organismos colocadas en
unos espacios de apariencia indefinida en un anclaje de tipo perspectivo desarrollo
cuadros llenos de estas formas que se entrelazan entre si hasta el punto de que hay una
continuidad visible en la elaboración de esas formas, que lagunas están delimitas por
líneas, algunas las podemos asociar con formas vivas pero que están construidas a base
de un proceder bastante gestual. Estas formas biomorficas tienen su precedente en la
pintura de Miró, al igual que las formas caligráficas.

Formas figurativas que remiten a un tipo de primitivismo que llevan a la idea de que en
nuestra mente surgen unas imágenes que no sabemos cómo llegan ahí y que tienen un
carácter primigenio. Eran bastante adeptos al psicoanálisis y muchos de ellos eran
afines a la visión del psicoanálisis propuesta por Jung del inconsciente colectivo y no
individual.

A. Gottlieb

Mascarada, 1945.
La relación con el subconsciente no la relacionaría con el
modelo freudiano. En el año 47 tuvo lugar una
exposición de la imagen ideográfica. Se deslumbra de
una manera u otros signos que pueden identificarse en el
subconsciente con imágenes míticas, arquetipos
 Informalismo
Equivalente del expresionismo abstracto en Europa. Hay una serie de denominaciones
para este tipo de pintura que denomina un rasgo característico que tiene, pero
genéricamente se utiliza el término arte informal. Gran triunfo de la pintura abstracta. El
termino arte informal viene de Art informel de Jean Paulhan.
Michel Tapié, critico francés de la época acuño el termino Art autre (arte otro). El
termino informal no era nuevo, viene de lo informe. Arte abstracto gestual.
Pintura matérica o matter painting trata de que el elemento mas destacado es la materia
o la pintura tratada como materia. Evocación de los materiales.
Tachismo viene de la palabra francesa tache, que es manchar como gesto expresivo de
la marca.
El punto de partida se desarrolla inmediatamente después de la Segunda Guerra mundial
en torno a tres artistas, dados a conocer en una galería en el año 45 (posguerra) y es una
expresión artística que esta teñida por un componente existencialista muy fuerte y que
de alguna manera responde a esa idea que expresa la pregunta que se hizo Adorno; es
posible el arte después del holocausto. Clima trágico, dramático, angustiado y
angustioso. Sus primeros representantes, Fautrier y Dubuffet a los que se une un alemán
llamado

J. Dubuffet
Volenté de puissance, 1948
El informalismo en Francia tiene presencia después de
la 2ª Guerra Mundial. Arte informal, nombre dado por
un crítico llamado Tapie. Hay otras denominaciones
como arte otro, abstracción lírica, pintura matérica,
porque una de la características más significativa es
que utilizan la pintura con mucha pasta. Al final se
acaba convirtiendo en la corriente artística dominante
mundial. En algunos casos tiene alguna propuesta con
intención política.
Formas primitivas infantiles, la pasta con referencias culinarias, etc.
En Francia hay unas exposiciones a cargo de Dubuffet y otro pintor que viene a ser la
señal de que el arte de
vanguardia despierta después de la Guerra y la ocupación alemana. En consonancia con
ello las manifestaciones de estos artistas se interpretan en clave existencialista que es la
corriente intelectual hegemónica en Francia y resto de Europa en los años 40 y 50, todo
es muy angustiado, individualista, búsqueda del sentido de la vida. La versión o lo que
se percibe es un arte de aspecto expresivo o expresionista.
En el caso de Dubuffet se puede ver que son pinturas que parten de la materia espesa
que se identifica metafóricamente con el lodo y con esa actividad infantil de jugar con
esos materiales y dejar marcas o formar como exponente de la personalidad. Muchas de
estas pinturas oscilan entre lo abstracto y lo figurativo, hay figuras antropomorfas que
se pueden percibir, otras son de sentido más metafórico. Por otro lado toda esa forma de
tratar ese material espeso en el cual la huella de como se ha manipulado ese material es
muy tangible y donde hay ralladuras, huellas, se relacionan también con marcas de tipo
primitivo, tanto del ámbito histórico como en el ámbito del primitivismo y lo no
civilizado, no culto de los márgenes de la civilización.
Se formó la compañía del Art Brut, que era una forma de recuperar tendencias de
artistas de vanguardias como el expresionismo o el surrealismo. Ene l caso de Dubuffet
se puede permitir un poco este tipo de pintura con materia, colores brillantes, a medias
entre lo infantil y caricaturesco.
Presento una exposición llamada Hautes pâtes, impulsores de una idea llamada Art Brut
(arte bruto, feo). Reivindicación del arte de aquellos que no estaban sometidos a la
convenciones sociales y culturales. No tenían formación artística, la fuente de
inspiración era el arte de los niños y los enfermos mentales. Impacto de la obra de un
psiquiatra llamado Prinzhom sobre las pinturas de los enfermos mentales, el cual
recogía una idea de la asociación del genio artístico y la locura.
Constituyeron el origen del informalismo sobre todo en una pintura con una base
eminentemente matérica. Lo que importaba y destacaba era el tratamiento de la pasta
pictórica muy gruesa que no solo se retaba con procedimiento habituales como el
pincel, sino que se le añadían espátulas, cuchillos, los dedos, etc. para potenciar los
valores de la pintura como materia (mezclaban la pintura con otras cosas). Se dejaban
huellas que eran representativas de lo expresivo.
Las cabezas de rehenes llevaban a algo muy esencial como el barro o lodo, lo informe.

J. Fautrier, Cabeza de rehén nº22, 1944

Experiencia traumática de las torturas y matanzas
de la guerra mientras estaba oculto en un hospital
psiquiátrico. Tratamiento de la materia
manipulada con muestras de una tortura. No era
testigo presencial del horro de la muerte a gran
escala y con una absoluta falta de sensibilidad
hacia el ser humano se pregunta cuáles son los límites del horror y del sufrimiento, si lo
hace de forma figurativa puede llegar a ser espectacular y por eso es mejor hacerlo de
forma abstracta. Froma de rendir tributo a esa idea extraña de lo absolutamente
inexpresable como el horror de la guerra.

J. Dubuffet, La judía, 1943

El signo distintivo es el tratamiento de la materia muy
peculiar y expresiva que no establece unas fronteras muy
claras entre figuración y abstracción y que da sensación de
algo muy angustioso.

Wols, Bird, 1949

Después de la guerra se les unió un inmigrante alemán,
personaje bastante novelesco golpeado por una existencia
marginal pasada por el alcoholismo y hace pintura de tipo
surrealista. Partiendo de la trasfiguración de figuras en
fondos abstractos encontramos también una
concordancia con esta línea de Dubuffet y Fautrier
pero con un proceder pictórico de carácter más gestual
y expresionista. Carácter como más violento.

Dubuffet, La Métafisyx, 1950

Siempre hay una
relación entre
abstracción y
figuración. Utilizan el
grafiti
descontextualizado en
las calles de París.
Siempre con un tono
primitivista, infantil y
 con un punto caricaturesco que se percibe en la
metafísica.

Dubuffet, La vaca de la nariz sutil, 1954

Dubuffet, Substance d’astre, Matériologies, 1959

Importante serie de materiologías,
con tonos apagados y va en el
camino de sugerencias de tipo
metafórico. Muestran una especie
de galaxia o sistemas estelares,
cuerpos que se expanden en un
espacio a través de la
manipulación dela materia
pictórica.

Hartung, Sin título, 1955/ Sin título 1960

 Artistas con un sello muy personal, individualizando
algún elemento muy concreto de la pintura. Por
ejemplo los cuadros de este artista alemán los dos sin
título se basan sobre todo en unos brochazos de
apariencia muy espontanea que se supone que están
hechos en una sesión única sujeta a una inspiración
repentina y que tiene concomitancia metafórica con la
caligrafía y la marca. Brochazos hechos con un
proceder textual y tiene la etiqueta de “tachismo”.

G. Mathieu, Mathieu de Alsacia va Ramsey Abbey, 1951

Hay parecido con el expresionismo abstracto de Pollock sobre todo que tiene mucho
espectáculo. La especialidad de este artista son cuadros como estos en grandes
dimensiones que en el acto de pintar hay que utilizar todo el cuerpo en su conjunto y
muchas veces se hacían en contextos de espectáculo. Los hacía en un tiempo reducido y
carca al público, gastaba grandes cantidades de pintura. Es de tipo gestual.

H. Michaux, Composición, c.1960

Pintura de manchas y de
expresión caligráfica. Es
un escritor y pintor francés
que tiene muchos
ingredientes mezclados en
este mundo que es la
inspiración psicoanalítica a
través del automatismo de
tipo freudiano. Pintura de
tintas muy diluidas que
recuerdan bastante a uno
de los recursos habituales de las terapias psiquiátricas. Tenía gran admiración por la
cultura oriental de tintas
diluidas con pinceles de pelo largo que está asociada con la caligrafía. Otro componente
muy típico y que comparte con los surrealistas son los paraísos artificiales ligados al
consumo de sustancias estupefacientes.
P. Soulages, Pintura, 10 Junio 1958
Tachista
P. Heron, Cadmio con Violeta, escarlata, esmeralda, limón y veneciano, 1969
De origen matissiano y se puede comparar con los pintores cromáticos del
expresionismo abstracto americano.
E. Vedova, Visión cosimica 1952
Pintor italiano
A. Burri, Arpillera y rojo, 1954
Utilizo telas de embalaje y añadía cortes y
cosidos, quemados, plásticos, etc. pintor
italiano

Grupo cobra y la Internacional

Situacionista
Formaron parte de la confluencia que dio
lugar a la Internacional Situacionista en el año
1957 y 1972. Artista de inspiración de línea.
Cobra (Acrónico Copenhague, Bruselas y
Ámsterdam). Grupo neo dadaísta. El dadaísmo resurgió con mucha fuerza, se llama
letrista porque su medio de expresión eran las letras en un recuerdo de la pretensión
dadaísta de romper las cadenas lógicas del lenguaje y convertirlo en un material
disponible para la expresión. El movimiento
internacional para una Bauhaus imaginista. En cobra
hay un componente similar al arte bruto.
K. Appel, Niño interrogativo, 1949
Color estridente y saturado de inspiración
expresionista, recurren a figuras toscas de tipo
primitivo o infantil, muchas veces en forma de talla
tosca en madera que era algo que los expresionistas
habían cultivado para darle una apariencia entre infantil y primitiva. Rechazo hacia las
pretensiones del surrealismo y de los medios de los que se valían para acceder al
inconsciente.
El movimiento internacional para una Bauhaus imaginista buscan una línea
experimental pero no ligada a lo tecnológico. Es un grupo situado en una época de
recuperación económica de Europa y están en la época del capitalismo consumista.
Intento de intervención social de los artistas en el núcleo de esa
nueva situación que es la sociedad capitalista tardía marcada por el consumo. Para ellos
el arte es una de las estrategias fundamentales de destacar los valores imaginativos y
transformar la sociedad y muchas de sus estrategias como es la deriva o el desvío o
disciplinas como la psicogeografia están en las bases de los movimientos
revolucionarios juveniles estudiantiles de los años 60. En algunos casos plantean cómo
se puede subvertir la sociedad a través de unas prácticas artísticas que pongan a punto
las contradicciones de la sociedad capitalista avanzada basada en el consumo y por lo
tanto uno de sus focos la subversión del arte como producto de consumo.

G. Pinot-Gallizio, Rotolo de pittura industriale, 1958

Enormes rollos de pinturas realizados industrialmente
que estaban pensados como elementos transformadores
del espacio urbano y vital. Al ser rollos sin fin de pintura
es una técnica conceptual del valor del arte como
producto en una sociedad consumista.

A. Jorn, París de noche, 1959

 Proceso dialectico de desvalorización. Se dedicaba a
comprar cuadros sin ningún valor de gusto dudoso en los
mercadillos y posteriormente los repintaba con técnicas de
tipo de abstracción gestual con distintos añadidos y
recuerdan a las estrategias dadaístas.

A. Jorn, L’avangarde se rend pas, 1962

Cuadro de apariencia romántica de una niña al que le
ha pintado un bigote.

La vuelta de la imagen y el objeto. Neodadaísmo, Pop Art,

Hiperrealismo
Se habla de Neodadaísmo e incluso de neo vanguardia, en los años 50 se recuperan las
cosas olvidadas por el triunfo de surrealismo que era tan plural y heterogéneo y al
mismo tiempo tan fecundo que los artistas de vanguardia ante un cierto hastió
producido por ese exceso de expresión individual de carácter trágico o existencial del
expresionismo abstracto o el informalismo, antes la situación de la cultura de masas
conecta con esta corriente situacionista, que es de inspiración marxista.
Peter Bürger: Teoría de la vanguardia (1974)
El artista de la primera mitad del siglo XX fue Picasso y el de la segunda mitad del siglo
XX fue Duchamp, entendió que esta recuperación de las practicas dadaístas se basaba
en intentar romper las barreras de lo que separaba el arte cotidiano eran vacías y una
repetición de los hechos originales.
Neodadaísmo
Hostilidad hacia el expresionismo abstracto. En EEUU hay un grupo de artistas
representados por Rouschenberg y J. Johns que se les etiqueta como neo dadaístas,
rechazo hacia el expresionismo abstracto a través de la elaboración de obras en la que
prima la impersonalidad, la banalidad y la repetición y la copia de los gestos exaltados y
expresivos como una cosa realmente vacía.

R. Rauchenberg, White Paintings, Stable Gallery, 1953

Pinturas totalmente blancas que
representan el vacío absoluto, se colocan
para representar las sobras.

Rauschenberg, Dibujo de Kooning borrado, 1953

Borro un dibujo

R. Rauschemberg J. Cge, Automobile Tire Print, 1953

Huella física sobre la huella psíquica que representaba el expresionista abstracto.

Rauschemberg, Bed, 1955

Mezcló la estrategia dadaísta de
utilización de residuos con la pintura
gestual del expresionismo abstracto. Le
añadían objetos encontrados como una
cabra disecada que introdujo en una
huella de automóvil en Monogram.

Rauschenberg, retroactive I, 1964

Serigrafía, chorreados que abrían paso a través de la
iconografía de masa que en esos años se empezaba a
conocer como pop art.
J. Johns, Bandera 1954-1955 y Un dos tres bandera
Precedente del pop porque utiliza
imágenes banales procedentes de la
cultura popular y de masas. La bandera
americana es un símbolo que de ser tan
repetida se convierte en banal y al
mismo tiempo se puede decir que basado
en líneas y planos de color y estrellas es
un diseño abstracto y geométrico. La
bandera se sitúa como una especie de
símbolo vacío que dé es absolutamente
contraria al expresionismo abstracto.
Utilizo estos cuadros de apariencia banal una técnica pictórica que es la encáustica en la
que domina la cera y es una técnica muy lenta en contraste con el óleo que es una
técnica rápida.
J. Johns. Diana con cuatro caras/

J. Johns, Jubilee, 1959

Cuadro hecho aparentemente de forma gestual

pero con un proceso lento, absolutamente
monocromática se cortocircuita ene l momento
en que Johns escribe en la pintura los nombres
de los colores como choque con la realidad
óptica que percibe.
J. Johns, Periscope, 1963
Introduce signos que proceden de actos mecánicos,
critica continua a los presupuestos del expresionismo
abstracto. Pinceladas en gris cobre la denominación
de los colores, en la f

J. Johns, Device
J. Johns, Painted Bronze, 1960
Estrategias neo dadaístas, dándole una vuelta a las
estrategias dadaístas. Esta escultura que son latas de
cerveza es una vuelta de tuerca del ready made porque
son conceptos paradójicos introducidos en estrategias
neo dadaístas como el ready made hecho a mano. Las
latas de cerveza no son latas de cerveza sino esculturas
de bronce pintadas haciendo una crítica al producto
cotidiano y la utilización de los productos cotidianos del
ready made.

Independent Group
Grupo de artistas británicos que se consideran los predecesores del pop arte y y
desarrollaron gran parte de su actividad en el Institute of Contemporary Arts (ICA). Se
puede clasificar ene l campo de la pintura pero es más un movimiento intelectual.
Reflexionaban sobre una línea que tiene un poco de concomitancia con algunas
actividades de la vanguardia que son las relaciones entre el arte, el diseño de los
productos industriales, la ciencia y la geología, se convirtió en fundamental y añadieron
la relación de los productos de la cultura popular a través del collage sobre todo primero
del cubismo y de las variantes dadaísta, introdujo el arte de vanguardia en el arte
elevado.
Con el modelo omnipresente de la cultura popular americana a través del cine, revistas
ilustradas, televisión, todos los distintos componentes de producción de imágenes de la
cultura popular hizo esto que en principio fuese una fuente de inspiración se empezaba
a convertir en el componente principal. Empezó el desplazamiento, tendencia de arte
elevado de vanguardia se empieza a llamar Pop Art, el concepto de Pop como popular
acuñado en principio usado para la baja cultura y ahora reconvertido en cultura elevada.
Se manifestación en una serie de exposiciones, la más importante la Growth y Form
(1951) y This is Tomorrow (1956).
Inspiración y relación con las máquinas y productos industriales y la forma en como
esto va a cambiar la cultura y la civilización, creo una vez que se empieza a centrar en
una absorción de las imágenes de la cultura populares a través de las estrategias
dadaístas que sobre todo vienen del collage y el ready made pero con un componente
que es la iconografía de la cultura popular.

E. Paolozzi, I was a Rich Man’s Plaything, 1948

Aparece la palabra pop en un bocadillo. Modo de
representación inspirado en el collage con imágenes de la
cultura popular

This is Tomorrow
Aparecen la fotografía de Marilyn Monroe o escenas procedentes de comics o
marcianos de la serie b de Hollywood de los año 50. Hechos de forma efímera.
R. Hamilton ¿Qué es lo que hace los hogares de
hoy tan diferentes, tan atractivos? 1956 Cubierta
del tratado de la exposición de This is Tomorrow.
Collage en el que reconstruye imaginativamente
un hogar moderno con los consiguientes dadaístas
atributos de las imágenes de la sociedad de masas.
Parentescos con los collage. Ciertos componentes
fetichistas se perciben de manera específica y esto
se puede observar en que a veces experimento de
forma fetichista ciertos elementos procedentes de
los objetos de consumo.
 Añadiendo la seña de identidad del espíritu pop que
es el carácter desprejuiciado, no dramático,
integral, como una especie de representación sobre una tierra de una arcadia feliz.

Funk Art
Surge en EEUU a finales de los 50 a través de una forma de tipo dadaísta, variante de
collage tridimensionales llamado ensamblaje. Hubo en el Moma una exposición de
collage tridimensionales. Carca desagradable de la cultura de masas que hace el arte
pop, sin tanta fascinación por los productos e imágenes de la cultura de masa sino más
interesados por objetos escabrosos y desagradables. Con el tiempo se llamara el
underground. Variante de las construcciones con elementos procedentes de los
desperdicios pero no de las imágenes de la comunicación de masa, sino del desperdicio
y reciclaje.

B. Conne, Child, 1959

Niño en una trona, representación oblicua o indirecta de la silla eléctrica

B. Conner, Black Dahlia

 Saco o media con medias y alude a un famoso asesinato

E. Kienholz, the Psycho.Vendetta Case, 1960

Mundo de lo abyecto
espectacularizado en una línea más
directa. Caja que se abre y hay que
mirar por un visor.
E. Kienholz, Memorial de guerra portátil
Busca hacer una contraposición entre la
guerra y la cotidianidad publica americana
mezclando es una reconstrucción de la
famosa fotografía con una escena típica de
una cafetería americana.