Contemporáneo II (siglo XX)

El arte del siglo XX se desarrolla en un mercado internacionalizado del arte, gestado en

el siglo XIX cuando se rompe la relación entre el artista y el cliente (se rompe el
mecenazgo del Antiguo Régimen). El artista ya no va a estar condicionado por la
opinión del comitente, sino por la del publico. Destacar el nacimiento del critico de arte
que indica a ese publico que artista es bueno o malo, aparecen a la vez publicaciones
relacionadas con la actividad critica como columnas de opinión. Todo esto llevará al
nacimiento del marketing del arte.
A partir de la segunda Guerra Mundial se han gestado mecanismos de inversión
artística, existen empresas que invierten en arte, son las llamadas inversiones de bienes
tangibles. Dentro del capitulo de las regrabaciones de impuestos, la inversión en arte se
a revelado como una buena forma para paliar el pago de éstos.
Dentro del mercado de arte están las ferias, citas anuales de carácter internacional que
suponen una eficaz difusión para los artistas. Las más consolidadas son: la Bienal de
Venecia (creada con un espirito propagandístico por Mussolini), el Documenta de
Kassel (cada cuatro años), la Feria de Brasilea, la Feria Internacional de Paris, Arco en
Madrid y la Feria de New York en EEUU.
También son muy importante las galerías de arte que se profesionalizan con las
primeras vanguardias. En la primera década del siglo pasado las propuestas de la
primera vanguardia se apoyan en contratos en exclusiva con marchantes, como por
ejemplo Ambroise Vollard. A partir de estos marchantes históricos gran parte de los
movimientos del siglo XX van a estar vinculados y obligados a ciertos marchantes.
En el siglo XX, en conclusión, los galeristas o marchantes comienzan a realizar
contratos en exclusiva con los artistas, esto supone que éstos artistas trabajen solo para
el marchante. El marchante a cambio les organiza exposiciones y vende sus obras.
El vocablo vanguardia es un término militar que viene a significar: una parte de la tropa
que avanza por delante del resto del ejercito. Este término se a utilizado para definir
propuestas artísticas que fueron premonitorias y que avanzaron con respecto a las
propuestas artísticas asumidas en ese periodo.
Dentro del siglo XX tenemos las vanguardias históricas o primeras vanguardias que se
desarrollan entre 1905 y la primera Guerra Mundial (1914-1919). El origen lo
encontramos en el impresionismo y sobre todo en el postimpresionismo. Se apartan de
la plasmación de la realidad, que en esos momentos ya lo hacia la fotografía.
En el periodo entre guerras se produce el retorno al orden. Excepto en un grupo de
artistas en Zurich que nos llevaran al surrealismo.
A partir de 1945 aparecen las segundas vanguardias, en los años 70 en arquitectura y en
los 80 en artes plásticas; comenzando la postmodernidad. En los 90 esa postmodernidad
entra en crisis y comienzan las ultimas tendencias.

1
 . FAUVISMO .

Según Argan dentro de un amplio fenómeno de expresionismos europeos; se

desarrollaran, en torno a 1905, dos movimientos paralelos conocidos como movimiento
“fauve” (con sede en París) y un movimiento conocido como expresionismo alemán.
Éste ultimo tiene su génesis en el Grupo de el puente con sede en Desden. Según Argan
van a tener como punto de partida la reacción anti-impresionista que se produce a
finales del siglo XIX en: Vincent van Gogh, Gaugin, Cézanne y Toulouse-Lautrec.

Fauvismo: movimiento pictórico francés que revolucionó el concepto del

color en el arte contemporáneo. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos
naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos,
introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh,
para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética
gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado, desprovisto de
dramatismo lumínico.

El impresionismo tiene una base muy realista, se plasma tal y como se ve en un

momento determinado. En la década de los 80 llegan las reacciones por parte de los
artistas antes dichos.
El Fauvismo surge a partir de la exposición en el Salón de Otoño de 1905. Un critico
(llamado Louis Vauxcelles) ante una escultura de bronce de Albert Marquet, inspirada
en el Donatello, rodeada de los violentos cuadros de Matisse, Maurice de Vlaminck y de
otros artistas franceses, exclamó en un periódico: “Donatello entre las fieras”. A partir
de este momento Matisse y el resto del grupo se identifico con el termino fiera porque
aludía a un tipo de pintura e la que el artista podía funcionar como un autentico animal
pictórico.
El fauvismo no fue como otros grupos de la vanguardia un movimiento unitario, no tuvo
un manifiesto y tampoco sus artistas defendieron un programa ideológico común. Delfín
Rodríguez afirma que no se trata de un verdadero movimiento de vanguardia sino de un
síntoma de la inminencia de la vanguardia. Así los “fauve” o las fieras indican la
decadencia de un sistema visual tradicional y que conduciría a la desmaterialización del
objeto artístico. Por eso Delfín Rodríguez en vez de hablar en el caso del fauvismo
como un movimiento, lo denomina como un acontecimiento que se inspira directamente
en la practica artística de finales del siglo XIX más joven y novedosa.
Hay que tener en cuenta que en 1901 se celebra en París una exposición antológica
dedicada a Vincent van Gogh, causando una gran expectación en el seno de la bohemia
de Montmartre. En 1903 fallece Gauguin en Haití, en ese mismo año su marchante
Ambroise Vollard reúne algunas de las piezas de colores estridentes, dibujos
decorativos que también suponen un ingrediente visual en el seno de los artistas más
jóvenes. En el año en el que se celebra la exposición del Salón de Otoño se hacen en
paris una exposición antológica dedicada a Gauguin.
De Vincent van Gogh el grupo “fauve” va a tomar la pincelada expresiva y pastosa,
también la materia densa y pictórica, además del gusto por las distorsiones y el gusto
por los colores primarios. De Gauguin van a asumir los ritmos decorativos, el empleo de
colores no descriptivos, los trazos serpentinos y toman por supuesto la intensidad del
pigmento.

2
Los “fauve” parten también de la pintura simbolista en el sentido de que se entiende el
arte como una verdadera necesidad interior y también conocen y utilizan los
presupuestos teóricos del divisionismo o puntillismo de Seurat y Signac.
A todo esto unimos que a partir de 1900 en Paris existe un intenso interés por las
culturas primitivas, por los pueblos de África y de Oceanía, que las exposiciones
universales habían dado a conocer en Europa. Por está razón, por ejemplo, encontramos
las numerosas representaciones de mascaras africanas. Los componentes del grupo
fueron: Matisse (considerado como el líder), Maurice de Vlaminck, André de Derain,
R.Dufi, A.Marquet y Kees Van Dongen. Tienen formaciones diferentes y la evolución
personal va a seguir caminos totalmente diferentes. El único que fue coherente desde el
principio con el fauvismo fue Maurice de Vlaminck.
Para los “fauve” el cuadro no debe de ser una mera decoración sino que debe responder
a un desencadenamiento de los emociones e instintos y por lo tanto del temperamento
del artista. Se apartan de la racionalidad académica. Mario de Micheli denomina al
fauvismo como un naturalismo subjetivo.
La pintura “fauve” se entretiene en un problema básicamente cromático los colores se
utilizan con entera libertad y van a ser vivos y estridentes. Son los colores y no el dibujo
los que van a tener el protagonismo. A diferencia del simbolismo, el color no simboliza
nada, solo busca trasladar las emociones de su artífice. Es además un color sin
claroscuros, son modelados, por lo tanto un color plano, desapareciendo cualquier
tentativa de representación tridimensional del espacio pictórico. Los colores fueron
denominados por André de Derain como auténticos cartuchos de dinamita. Es muy
frecuente que los colores sin modelado estén rodeados por una gruesa línea negra, trazo
negro delimitado que se hereda de Pont-Aven que viene a suplir la total carencia de
modelado.
Los “fauve” no renunciaron al dibujo sino al esquema de la perspectiva clásica; también
al modelado de los volúmenes (claroscuros), es decir, renuncian a los procedimientos
académicos. A pesar de que la pintura “fauve” se consideró enseguida superada y que
desde el punto de vista actual la obra de Matisse resulta decorativa y agradable, en su
momento fue una autentica afrenta a los esquemas de orden del ámbito académico. Toda
la pintura “fauve” se inspira en objetos tomados de culturas primitivas. Maurice de
Vlaminck se vanagloriaba de no haber pisado nunca el museo del Louvre. Esta actitud
de repudio de la historia del arte occidental va a ser común a casi todos los movimientos
de la vanguardia histórica.
La pintura “fauve” será de superficie rugosa y matérica, lo que refleja la sensación
brutalista y enérgica del color. Un color que busca la plasticidad, la función constructiva
del cuadro y la sensación dinámica. Además de ese singular empleo del color, la estética
“fauve” va a reforzar de manera radical la destrucción del espacio tridimensional y en
general de la espacialidad académica de la pintura.

 HENRI MATISSE 1869-1954

En el año 87 se traslada a Paris desde el sur de Francia con la intención de estudiar

derecho.

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En 1890 comienza a pintar e ingresa en el taller de Gustave Moreau 1, pintor simbolista.
En su taller Matisse siguió un método pedagógico para dejar a sus alumnos en entera
libertad para definir su propio estilo. También ingresó en la academia de Carrière.
A partir de las enseñanzas de Moreau, de su contacto inicial con el grupo de los Nabis 2
de Pont-Aven y de los impresionistas (Seurat y Signac); Matisse entenderá el cuadro no
como una imitación de la naturaleza sino como una verdadera imitación de las emoción
del artista y de su mundo interior.
En 1905 pinta durante el verano en compañía de su amigo André Derain. En este tiempo
se sacude de la imitación de los neoimpresionistas, obvia el ejemplo de Cezanne y
desarrolla un estilo muy personal que se integrará en el grupo “fauve”.

 Lujo, silencio y voluptuosidad 1904

Se percibe la influencia del neoimpresionismo de Seurat, puntillismo. Es un cuadro
realizado con toques de color. Se basan en la física óptica para generar una obra. Igual
que Seurat y Signac, Matisse abandona las condiciones atmosféricas. Además elige un
tema que nos recuerda a las bañistas de Cezanne que a su vez se inspiran en las
bacanales clásicas.

A partir del verano de 1905, Matisse abandona ese estilo puntillista y también el empleo
de colores locales de las cosas, empleando colores puros sin mezcla buscando una cierta
violencia visual en el contraste cromático. En este periodo la influencia de las mascaras
africanas es muy clara y no en vano su amigo André Derain fue un entusiasta de la
imagineria popular y de las artes africanas, colección de Derain que por cierto causó una
gran admiración de Picasso. Derain fue el primero que le regaló una mascara a Picasso.
En la exposición del Salón de Otoño de 1905 se mostraron dos cuadros, “Retrato con
línea verde” y “Mujer con sombrero”. Ambos cuadros provocaron criticas despiadadas.
Los rostros nos recuerdan a mascaras africanas, herméticos. El cuadro de la mujer con
sombrero provocó la clausura de la exposición y provocó un abucheo publico.
Con estos cuadros se produjo una gran liberación en cuanto al color, no hay claroscuro.
Cuando Matisse se defendió públicamente de la pintura mostrada dijo una famosa frase
considerada siempre como el lema por excelencia de la vanguardia: “Yo no he querido
pintar una mujer, sino un cuadro”. La pintura por tanto se aleja y libera del tema.
A partir de 1905 la obra de Matisse se libera totalmente de su herencia
postimpresionista. Utilizará colores planos (en ocasiones) e intensos, con pinceladas

1
Pintor francés nacido en París. Pintó muchos temas sacados de la literatura y la mitología, con criterios
muy imaginativos y utilizando una rica armonía de colores. La mayoría de sus trabajos más importantes
se encuentran en el Museo Nacional Gustave Moreau, ubicado en la antigua casa-estudio que tuvo el
artista en París. Como profesor de la Escuela de Bellas Artes de París contó entre su alumnado con dos
destacados compatriotas suyos: Henri Matisse y Georges Rouault.
2
Grupo de pintores franceses de la última década del siglo XIX, que usaron el cromatismo del estilo
postimpresionista junto con las evocaciones de los simbolistas. El grupo fue creado por Paul Sérusier, y
estaba formado por miembros de la Académie Julien de París, conectados por su reacción contra el
impresionismo y su adhesión a los colores planos y al sentido del dibujo de Paul Gauguin. El nombre
nabis, derivado del hebreo navi, que significa profeta o vidente, fue elegido como consecuencia de la
actitud del grupo hacia la disciplina artística, considerada casi como una doctrina religiosa. Estuvieron
muy influidos por la xilografía (grabado en madera) japonesa, por la pintura simbolista francesa y por el
movimiento prerrafaelista inglés. Los miembros más destacados del nabis, que continuaron produciendo
importantes obras de arte tras la disolución del grupo a finales del siglo XIX, fueron los pintores Pierre
Bonnard, Maurice Denis, Édouard Vuillard y el escultor Aristide Maillol.

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muy divididas, con espacialidades que no se ajustan a los espacios tridimensionales
académicos.

 Alegría de vivir 1906

Es un cuadro que parte de las bañistas de Cezanne, con un paisaje totalmente fantástico.
Posee una naturaleza no totalmente definida y muy mezclada. Hay diferentes grupos de
figuras con tamaños no proporcionados con respecto a una perspectiva clásica. Aparece
una mujer tocando un pífano, clara reminiscencia a lo clásico. Busca ritmos decorativos
donde aparecen hombres y mujeres desnudos.
No se respeta un punto de vista unitario ni tampoco las pautas normales de la
perspectiva. Vemos figuras en lateral, pero sin embargo el grupo en corro del fondo se
ve desde un punto de vista diferente. Esto ya lo hacia Cezanne.
Matisse quiere forzar la idea de unión entre la naturaleza y los seres humanos. El
tratamiento decorativo y arbitrario del color del paisaje se traslada a los personajes
(diferentes encarnaduras).
El tema de la alegría de vivir, que se abordó en el siglo XVIII con el rococó, pero
también será un tema frecuente en la pintura del XIX. Ahora en el siglo XX se
interpreta este tema clásico de una manera muy renovadora interpretando esta sociedad
idílica pero de una manera que rompe con el tópico visual no solo en la espacialidad y
en el color sino también en el dibujo.
El dibujo va a aparecer en ocasiones un boceto con líneas que no llegan a terminarse
con limites inciertos en la configuración de los planos. Es además una pintura
monumental que como a señalado Valeriano Bozal indica a un artista que ha logrado
autonomía y una verdadera conciencia pictórica.

 Ventana abierta en Collioure

Durante esos años Matisse frecuenta la localidad de Collioure, donde realiza esta obra.
Aparece una clara perdida de perspectiva del espacio, los barcos parecen estar encima
de la ventana, no hay profundidad. Sigue utilizando los colores disonantes que
contrastados logran una discordancia muy acorde además con el barbarismo del
tratamiento plástico que en muchas ocasiones procede de una clara influencia africana.

 Desnudo azul. Recuerdo de Birkra 1910

Muestra a una mujer desnuda, exhibida de manera impúdica. Tiene un tratamiento duro
del modelado pictórico. Los trazos rectos de las sombras remiten a la talla dura de las
esculturas de madera. Es además una pieza donde se alternan el trazo negro con zonas
de arrepentimiento. Esto origina figuras que se abren. Es un cuadro que aunque trate un
tema sexual, lo hace con una interpretación muy fría (azul = color anticarnal).

 Armonía en Rojo 1908-1909

Es un cuadro que como indica su titulo no tiene un tema concreto. Permite lecturas muy
diferentes. La primera lectura procede del color, unificando el espacio pictórico, de
alguna manera toma como punto de partida ese interior rojo del café de Arlés pintado
por Vicent van Gogh, reforzándose por la aparición de la silla.
Es un tema intrascendente, es una pintura sin asunto. Matisse hace un homenaje a la
pintura interior, la presencia de la silla de madera y el predominio del color rojo
constituye un homenaje a Vincent van Gogh.

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Como homenaje a Cezanne coloca diferentes objetos y frutas sobre la mesa pintados
desde diferentes puntos de vista, así la visión única deja paso a una convivencia en un
mismo cuadro de focos o puntos de visión diferente.
La hegemonía de esa tonalidad roja se rompe con la apertura en el lateral izquierdo por
una ventana en la que se divisa un paisaje, recurso muy utilizado por la pintura
flamenca, pero en este caso el paisaje es dentro de la estética Nabi.
El cuadro presenta una clara ruptura con la perspectiva clásica, los limites de la mesa y
del empapelado del fondo no son precisos. Es un espacio en el que se juega con la
ambigüedad, pues la decoración del mantel de la mesa es igual a la de la pared.

 La Danza / La Música 1910

En 1910 Matisse recibe un importante encargo procedente de Rusia de un conocido
insustrial y coleccionista moscovita llamado Schukin. El encargo constaba de dos
grandes cuadros murales dedicados a la musica y a la danza. Debían de servir para
decorar su gran mansión en Moscu.
En la danza parte de uno de los grupos aparecidos anteriormente en “La Alegría de
Vivir”, grupo de cinco personajes que configurados en un dibujo arabesco establecen
unos ritmos, rellenados exclusivamente con dos colores.
Las dos pinturas plantean la misma bidimensionalidad, ausencia de volumen, heredada
de Gauguin. Los planos se conciben como superficies saturadas de color muy luminosas
y donde se aborda el teme de la alegría de vivir en ambos cuadros. Ya por estas fechas
Matisse se identifica con una pintura intuitiva, ingenua con ritmos delicados y figuras de
diseños equilibrados.

Los primeros años de Matisse coinciden con el postimpresionismo. A partir de 1910

Matisse muestra un gran interés por las artes orientales, haciendo varios viajes al norte
de África. Del repertorio ornamental aniconico y de base geométrica de los pueblos
bereberes, selecciona ritmos decorativos, repeticiones de giros ornamentales que habían
estado presentes en Paul Gauguin.

 La Pecera 1910
A partir de los viajes que realiza, la obra de Matisse se hace más simplificada y
desinteresada por los detalles, más elemental. Se pierde el interés por el tema; cualquier
objeto, como una pecera, puede ser digno de una representación pictórica. Aquella
violencia cromática (Mujer con sombrero) va dejando paso a una paleta más armonizada
y más próxima a la estela del cubismo.

Matisse, ya desvinculado de la experiencia “fauve”, nos ofrecerá cuadros como:

 Retrato de la Mujer del Artista 1913

Podemos percibir la influencia del cubismo, con rostros convertidos en máscaras muy
simplificadas y cuerpos que pierden la gracia del arabesco para geometrizar y compactar
la estructura corporal.
 Odalisca con Magnolias 1923
Aquí se perciben las influencias orientales.
 Blusa Rumana 1940

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La evolución más tardía de Matisse pasa por dos etapas:
- Papeles recortados a modo de colage
- Cuadros con figuras y objetos enormemente sintetizados reducidos a su
mínima expresión plástica y siempre concentrándose en repertorios
procedentes de las arte primitivas o populares o bien del aporte de
culturas exóticas.

 La Tristeza del Rey 1952

Estos papeles recortados no son una novedad en su época. El colage se introduce en
torno a 1912 en el cubismo sintético por parte de Picasso y Braque, cuando incorporan a
la superficie de un cuadro un fragmento de objeto real.
Matisse en estos colages recurre a formas de evidente o claro origen orgánico,
trabajando siempre con papeles de color uniforme, aspecto éste que logra una
continuidad con respecto a las superficies planas y saturadas de su pintura anterior.

 Ícaro 1943-1944
Fue durante mucho tiempo la imagen de la Europa Unida.

 ANDRÉ DERAIN 1880-1954

Nació en 1880 en el pueblo de Chatou en el seno de una familia acomodada. Aunque

pasó un corto periodo de tiempo en el taller de Carrière, donde conoció a Matisse, su
formación puede considerarse de autodidáctica. Él consideró siempre que sus
verdaderos maestros habían sido los cuadros del Louvre.
En el verano de 1900 coincide con Maurice de Vlaminck, juntos alquilan una antigua
construcción en el puerto de Chatou y comienzan a pintar juntos hasta 1903.
En esta fase inicial la pintura de ambos va a tener una cierta afinidad con la de Matisse,
son cuadros de trazo rápido con una pincelada suelta y vigorosa, además con una idea
concisa no descriptiva que convierte a sus paisajes en estilizaciones y reducciones
formales de la realidad.
En 1904 se celebra en París una gran exposición antológica de uno de los maestros del
divisionismo o puntillismo, Paul Signac. Derain como todos los artistas jóvenes
coincide con ese entusiasmo generalizado con el divisionismo o puntillismo.

 Montañas de Collioure 1905

En 1905 se establece junto con Matisse en el puerto de Collioure. En ese verano pintan
cuadros muy similares, con el mismo sentido decorativo tanto como en línea como en
color. Son paisajes que arrancan del puntillismo pero el punto neoimpresinista se
convierte en un trazo. Lo mismo que en el puntillismo se deja visible el blanco del
lienzo.

A finales de 1905 por encargo de Vollard se traslada a Londres con el objeto de realizar
vistas del Támesis, el parlamento y del puerto de Charing Cross; pues Vollard tenia una
nítida lista de clientes en la capital británica.

 Puente de Charing Cross 1906

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En estos cuadros de Londres, André Derain conjuga dos influencias muy claras:
- La del impresionismo, vistas en concreto realizadas por Monet. Como en
los cuadros de Monet, recurre a una vista alta donde un sendero camino o
río arrancan del primer termino para perderse en el fondo.
- La del puntillismo, solo hay que ver el trazo del pincel.
La novedad que presenta Derain es un alojamiento definitivo del color local de los
objetos (árboles rojos).

 Botes en Collioure 1907

Des pues del escándalo de 1905 del Salón de Otoño, Derain se compromete de lleno con
el fauvismo teniendo en cuenta que esa estética “fauve” nunca fue homogénea. Derain
se enrola en una pintura sin perspectivas ni sombras, configurada con tintas planas
donde hay un mayor protagonismo del color sobre el dibujo en respecto a Matisse. Es
además una pintura en la que la pincelada tiene unas enormes proporciones, se busca
una síntesis dinámica a través de ella.
Entre 1906 y 1910 expone junto a Matisse y Maurice de Vlaminck pero también tomará
contacto con Picasso y el grupo de artistas de Montmartre conocido como el grupo de
Bateau-Lavoir3.
Derain comparte con Picasso y Maurice de Vlaminck su interés por la imaginería y las
mascaras africanas que sirven como modelo para una simplificación de formas que será
la piedra angular de la estética cubista.

 Londres 1906
En esta obra un barco introduce al espectador en la escena, la disposición del barco en
diagonal no es más que un intento de dar profundidad al cuadro ya que la pintura al ser
plana no lo puede conseguir.

A partir de su contacto con la obra de Picasso junto con su amigo Maurice de Vlaminck
comenzó a interesarse por la simplificación de las formas e inició una línea de
geometrización del cuerpo humano y de la naturaleza que se asemeja con el cubismo
cezaniano de Picasso y Braque en estas mismas fechas.
En torno a 1910 se instala en la localidad de Caraqués con Picasso y genera unas obras
muy cubistas que influirán mucho en el joven Dalí.
Con el estallido de la primera guerra mundial en 1914, Derain es movilizado y cuando
finaliza la guerra Derain se sitúa dentro de ese general marco de retorno al orden que
supone un regreso al realismo, un regreso muy radical que en 1921 se traslada a Roma
donde estudia los frescos romanos de Pompeya.
De regreso a París se va a dedicar en exclusiva al retrato que le reportará importantes
ingresos económicos, pero que sin embargo no logra la aceptación de la critica que le
acusa de ser un pintor tradicional . Finalmente se retirará de la pintura desanimado por
los medios de comunicación.

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Casa de los altos de Montmartre. Era un ruidoso y desvencijado edificio construido con maderas, cinc y
sucios vidrios, del que sobresalían las chimeneas de las estufas. El caserón apenas tenía luz y solo
disponía de una fuente para todos los inquilinos. En verano un verdadero horno; en invierno, un nevero.

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 MAURICE DE VLAMINCK 1876-1958

Nació en París y fue un personaje totalmente bohemio. Antes de convertirse en artista,

fue ciclista de competición y trabajaba como violinista. En buena medida fue un
autodidacta que atacó los principios de la pintura académica hasta el punto de declarar
que se sentía orgulloso de no haber pisado nunca el Louvre.
Políticamente era un anarquista que colaboraba desde 1898 con el periódico anarquista
Anarchie.
Se denominaba como un pintor popular y como un genio del suburbio. Renegaba de los
conocimientos adquiridos en escuelas y academias.
Para él la exposición antológica de Vicent van Gogh va a ser determinante porque a
partir de ese conocimiento del holandés utilizará colores primarios, pinceladas densas
que suelen compaginar junto a toques de manchas planas derivadas del puntillismo.
Si Matisse representa la faceta reflexiva del movimiento “fauve”, Maurice de Vlaminck
responde al modelo de pintar instintivo que intenta trasladar al lienzo el recuerdo
personal de sus vivencias visuales.
Él mismo afirmaba que utilizaba los colores como cartuchos de dinamita y lo mismo
que el resto del grupo su trayectoria netamente fauve llega hasta 1908 porque a partir de
esa fecha se va a inclinar a lo cezaniano (como Derain), se sumará a la estética cubista e
incluso tendrá una fase por un signo expresionista influido por Alemania.

 El Bar 1900
Trata un tema ya abordado en el expresionismo (“Bebedora de Ajenjo” de Degas), es
decir un personaje solitario aislado del mundo en medio del bullicio popular o bar.
Como el cuadro de Degas establece un dialogo entre el vaso del primer termino, la
figura del plano medio y el fondo del establecimiento. Pero que duda cabe que
Vlaminck interpreta este tema de una forma más brutalista, deforma las figuras, la mujer
tiene un aire caricaturesco que no existía en el precedente de Degas.

 Retrato de Derain 1905

Aquí se aprecia esa influencia de las mascaras africanas de rostros herméticos, rasgos
faciales minimizados o reducidos y una intención claramente naturalista.

 Restaurante en Marly-le-Roi 1905

Tiene una pincelada que intenta suplir la ausencia de volumen a través de la mancha
densa y de la propia dirección de la mancha. Incluso su renuncia a representar el color
local o verídico de las cosas, modificando los cromatismos para otorgar al cuadro un
verdadero signo de autor, le aproxima a los principios de Van Gogh.

 Circo 1905
Principios de pinceladas alargadas como con Van Gogh.

 Barcas del Sena 1906

El árbol rojo está tomado de Van Gogh.

 Chatou 1905-1906

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 KEES VAN DONGEN 1877-1968

Este holandés de nacimiento se instaló en los últimos años del siglo XIX en Montmartre
y allí desarrollará una pintura que en un primer momento coincide con los intereses de
Toulouse Lautrec. Así se va a interesar por asuntos circenses y temas de cabaret.
Hasta 1908 permanece en París y en esa fecha se traslada a Dresde (Alemania) donde se
unirá al grupo de el Puente. Esta corta fase fauve inicial sigue utilizando los temas de
circo y cabaret pero con formas deformadas, colores intensos y contrastados muy
semejantes a los utilizados por el resto del grupo.

 Liverpool light house en Rótterdam 1907

Es un cabaret, donde trata el tema de una pareja que esta a contraluz porque la
iluminación del cuadro es interna y viene dada por las luces artificiales de la calle y la
iluminación de este club.
Sin duda la figura principal nos recuerda por su rotundidad a uno de los artistas más
representados por Toulouse Lautrec. Coge algunos aspectos tomados del impresionismo
como las banderas que penden de mástiles que recuerdan a ciertos cuadros del
impresionismo clásico.

 RAOUL DUFY 1877-1953

Pertenecía a una familia muy humilde y trabajó desde niño en una empresa de
importación de café. En 1900 se inscribe en la escuela e Bellas Artes y en su fase de
aprendizaje estará influenciado por las vistas de los bulevares de Pizarro y también por
los temas típicos de Degas.
A partir de la exposición antológica de Van Gogh se libera de la receta del
impresionismo y contacta con Matisse al que le unen unos mismos intereses pictóricos.
Dufy y Matisse van a exagerar los colores, teniendo un valor lírico y personal,
buscándose la exaltación entre los colores agudos y opuestos.
Dufy relacionado con la estética fauve busca por tanto colores opuestos de gamas muy
intensas. Simplifica las formas y los temas, éstos últimos serán siempre coincidentes
(calles engalanadas con anuncios, bailes campestres, regatas, escenas de playa...).
En su fase fauvista la obra de Dufy simplifica, como la de Matisse, los volúmenes.

 Affiches en Trouville 1906

Utiliza una diagonal que penetra en el cuadro y que es un recuerdo del impresionismo
de Sisley o Pisarro.

 Regata de Cowes 1934

A partir de 1920 se consolida el estilo personal de Dufy. Un estilo muy copiado que se
fundamenta en primer lugar en un uso moderno de la acuarela. Se le considera el
inventor de la acuarela moderna. Una acuarela que explota el blanco del papel, que no
teme a los borrones sino que los utiliza como recurso y que llega a aprovechar la
saturación del soporte.

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En esta regata se ve una gran intensidad muy similar al guache. No teme a los borrones
ni a la mezcla en el soporte.
Las iconografías son normalmente de ambientación en el sur de Francia con temas
festivos (regatas, circos, deportes equinos, conciertos y también escenas de parques de
atracciones).
En estas acuarelas sintetiza al máximo las formas, dibuja con la propia acuarela y
además altera el color local de los objetos.

 Paddock 1945
 Concierto en naranja 1948
 Músicos 1950

Sus acuarelas buscan atmósferas transparentes y sin embargo renuncia a una

interpretación atmosférica, es decir, impresionista del paisaje.

. EXPRESIONISMO .

Se puede decir que un artista de sentimiento expresionista es aquel que no reproduce

literalmente lo que ve (como los realistas o los naturalistas) sino que entiende la pintura
o escultura como una necesidad interior y a través de ella transmite su personalidad.
El primero en utilizar el termino expresionismo aplicado a la cultura contemporánea fue
Worringuer cuando en 1911 utiliza dicho termino en un ensayo sobre Vincent van
Gogh, Cezanne y Matisse. Según Worringuer el expresionismo es una tendencia
consustancial al alma y estaría relacionada con el carácter espiritual tendente a la
abstracción de las culturas del norte frente a la hegemonía del orden, el equilibrio y lo
superficial de los pueblos mediterráneos. Precisamente Worringuer a principios del
siglo XX trabaja en esas tesis de determinismo cultural que se tradujeron en libros muy
leídos, como “Abstracción y Empatía” y otro como “La esencia del espíritu gótico”.
Worringuer justifica así una tendencia abstracta.
El expresionismo alemán coincide con un momento de la historia en el que la burguesía
alemana estaba emergiendo, se acentúan las ideas nacionalistas; la cultura alemana
busca en todos los campos una definición de la propia cultura del país.
En 1905 se gesta el grupo alemán del Puente que contará con precedentes inmediatos en
el noruego Munich y en James Ensor.

 EDVARD MUNCH 1863-1944

Va a proponer en su pintura, imágenes de agobio y de opresión vital con colores

frenéticos y no miméticos, en cuadros que reflejan el pánico y donde se interesa más por
los sentimientos que por los objetos.
Fue un personaje muy conocido en Alemania porque había expuesto en Berlín en 1892
causando un gran secándolo publico que se llegó a cerrar la exposición.

11
 JAMES ENSOR 1860-1949

Fue un artista que recurre a temas macabros tomados de la literatura donde crea figuras
absurdas caricaturizadas que fueron conocidas tempranamente en Alemania por
exposiciones individuales en Munich y en Berlín.

En estos mismos años triunfa la filosofía de la negación de Nietzsche.

Otra influencia significativa son las tesis de Freud. Para Freud las imágenes mentales
que bombardean la mente de una persona proceden de traumas infantiles no conscientes
y normalmente de índole sexual. Incluso Freud se había acercado al estudio de la obra
de arte cuando interpreta la obra de Leonardo da Vinci como la de una persona
traumatizada durante su infancia. Freud sostiene que la pintura espontánea es capaz de
mostrar los pensamientos y deseos ocultos.
Todo esto coincide también con la revitalización en Alemania de Van Gogh, se realizó
una exposición de este artista en Munich junto a Cezanne y Guaguin.
Paralelamente se publica en estos primeros años del siglo XX monografías muy
especializadas de artistas que sintonizan con la estética expresionista (el Bosco, el
Greco, Goya...etc). Las pinturas negras de Goya fueron muy miradas en Alemania.

 GRUPO DIE BRÜCKE (El Puente)

Se creó entorno a 1905 en la ciudad de Dresde. Aunque sus componentes (cuatro

estudiantes de arquitectura) ya se habían encontrado allí desde 1902. Esos cuatro
componentes eran: Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz
Bleyl.
Los cuatro pensaron en crear una verdadera comunidad de artistas donde pudiesen
trabajar compartiendo materiales y técnicas con un ideario común que se basaba en la
critica de la realidad. Abandonan todos ellos sus estudios de arquitectura y una vez
formado el grupo, pronto el grupo inicial se amplia por otros jóvenes como: Max
Pechstein, Otto Müller y Emil Nolde. Se dan a conocer en varias exposiciones, editan
carpetas de grabados conjuntos y publican un programa.
En el seno del grupo comienzan a surgir desavenencias. En 1911 Kirchner, Rottluff y
Heckel se trasladan a Munich y el grupo comienza a disolverse dándose por finalizado
en 1913. En Munich se formará el grupo El Jinete Azul (Der Blaue Reiter)4.
Esta idea de formar una comunidad de artistas no es nueva en el mundo contemporáneo.
Arranca de la Escuela de Barbizon5 y continua con las colonias de pintores de la
segunda mitad del siglo XIX como la Escuela de Pont-Aven y los Nabis.

4
Los miembros principales dentro del grupo fueron los rusos Wassily Kandinsky y Alexéi von
Jawlensky, los alemanes Franz Marc y August Macke, y el suizo Paul Klee. Buscaban expresar la
dimensión espiritual de la pintura, ignorada, según ellos, por los movimientos anteriores como el
impresionismo.
5
Grupo de pintores franceses que trabajaron cerca del pueblo de Barbizon, aproximadamente entre 1845
y 1870. Su temática está basada en el paisaje, los animales y las gentes de esta región. Se caracterizan por
su oposición a los convencionalismos pictóricos y al estilo preconizado por la conservadora Academia
Francesa de Bellas Artes. Sus integrantes pintaban al aire libre (aunque terminaban sus cuadros en el
estudio). Esto junto con la frescura de su gama cromática, les convirtió en precursores del impresionismo.

12
Las características del grupo Die Brücke son:
1. Las iconografías son cotidianas y normalmente de ambiente burgués y a
veces con connotaciones religiosas.
2. Se busca una critica árida de la realidad protagonizada por personajes
esperpénticos y brutales. Brutalidad que transcriben visualmente se propia
corrupción interna.
3. Se reniega de cualquier fidelidad anatómica.
4. La estética se asienta en una violencia cromática de masa pictórica dura,
colores violentos que se relacionan con la teoría de los colores de Goethe.
Los colores por encima de sus capacidades simbólicas tienen una capacidad
emotiva.
5. Utilización de planos agudos y angulosidades (sobre todo Kirchner). Esto
tiene mucho que ver con el cine expresionista, ya que influyó en él, y en
concreto con “El Gabinete del Doctor Caligari”.
Sobre el nombre de El Puente se ha especulado mucho, unos lo relacionan con el cuadro
de el Grito de Munich mientras que otros con imágenes literarias de Kafka y sobre todo
con una de sus obras donde afirma: “Solo hay una meta, lo que llamamos camino es una
vacilación y debemos tender un puente para llegar a esa meta”.
En 1906 dan a conocer el manifiesto del grupo, redactado por Kirchner, pasado a
xilografía. Un programa que no contiene ningún tipo de máxima estética, sino que es
una vaga declaración de principios artísticos subversivos.
Las bases del grupo el puente se caracterizan por una pintura de base figurativa pero no
realista. Esa realidad que interpretan, la deforman buscando un fin expresionista,
perdiendo el objeto cualquier tipo de apariencia anatómica. Los esperpénticos
personajes pintados se manifiestan a través de colores violentos empleando la gama de
los tonos ácidos. El dibujo va a ser grueso que deforma los contornos y que busca
angulosidades, formas puntiagudas, que recuerdan el cine expresionista de R. Weine.
La intención del grupo era la de unir a aquellos artistas jóvenes alemanes interesados
por una pintura que funcionase como una verdadera experiencia espiritual y emocional e
incluso intentaron vincular al grupo a artistas de otras procedencias, como Kees van
Dongen. Así en 1908 Kees van Dongen fue invitado a participar en una de las muestras
del colectivo. Las obras de Kees coincidían en temas y agresividad formal con los
intereses plásticos del colectivo.
El grupo de el puente en su intento de acercar el arte al consumidor ideó un sistema de
vinculación de los consumidores con el colectivo artístico. Así se estipuló desde el
principio de la existencia de los miembros pasivos. Estos pagaban una cuota anual (12
marcos); recibían anualmente la memoria de actividades del grupo, las famosas mappen
(carpetas de obra grafica) y disfrutaban de un descuento en la adquisición de obras. A
pesar de la originalidad del método, el grupo en su existencia solo pudo reunir 68
miembros.
Entendieron desde el principio que la obra grafica por la multiplicación de un original y
por su precio económico (inferior a una obra de caballete) podía construir un modo
excelente para acercar el arte de vanguardia al publico. El grabado fue una de las formas
de expresión más empleadas por el grupo de el puente, utilizaron la xilografía. Ellos
consideraban a la xilografía como una técnica específicamente alemana.

13
Dado que el grupo de el puente intentaba trabajar de forma colectiva, abundando en un
mayor conocimiento artísticos, las reuniones semanales que se celebraban en el estudio
de Kirchner. Básicamente consistían en un intercambio de conocimientos técnicos,
especialmente en grabado poseían unos tórculos 6 comunes, además pintaban de manera
conjunta recurriendo a modelos no profesionales. En esas reuniones se profundizó en la
técnica xilográfica, aunque también se trabajó el grabado en cobre y se trasladaron
recursos litográficos muy utilizados en Paris a comienzos de siglo. También se debatían
sobre cuestiones filosóficas y estéticas, se intercambiaban laminas que reproducción
obras de el Greco y frecuentemente hacían visitas a las colecciones del museo
etnográfico de Dresde.
En Dresde como consecuencia de la colonización alemana en África y en algunos
lugares de Oceanía se había formado una importante colección de objetos rituales y
decorativos de ámbitos extraeuropeos. Había incluso una instalación completa de un
poblado africano, vigas talladas de la isla de Palau y por supuesto las mascaras
africanas.
En esas reuniones se hablaba de lo que sucedía en París. Kirchner conocía la obra de
Henrri Matisse. En todos ellos pesaba la teoría de la deformación subjetiva de Maurice
Dennis y Vincent van Gogh. Esa deformación, teorizada por Maurice Dennis, era una
deformación cromática y formal. Consistía en una proyección subjetiva sobre los
objetos representados. Seria una deformación que correspondería a estados primitivos
de la vida psíquica. Vincent van Gogh también la aplicó en sus obras y coincidía
también esta teoría con la teorías de Ein Fün Lung. Esta ultima consistía en demostrar
que en nuestros actos y en nuestros productos el individuo hace siempre una proyección
sentimental.
En las reuniones del estudio de Kirchner se leía y debatía el texto de “Así habló o
hablaba Zaratustra” de Friedrich Nietzsche. Nietzsche trataba de explicar las causas y
consecuencias de la decadencia cultural europea. Esbozó en ese escrito la famosa teoría
del “superhombre”. El “superhombre” debía ser el verdadero motor para un cambio
radical en la cultura y en la sociedad moderna. Los miembros del grupo el puente se
identificaron con el “superhombre” de Nietzsche porque consideraban que no eran
artistas complacientes sino que buscaban una superación personal y colectiva.

1. Ernst Ludwig Kirchner 1880-1938

Se considera el iniciador de el grupo el puente, su portavoz y también el único miembro
del grupo que intentó esbozar un programa teórico.
Fue un artista muy activo en diferentes formas y técnicas. Realizó pinturas al óleo,
dibujos coloreados, sanguinas, acuarelas y muchas xilografías.
Las primeras obras de Kirchner son unas xilografías que datan de 1900 donde se
aprecian de una forma clara la influencia de Munich y Vallotton 7. Muchos historiadores
consideran a Kirchner como el principal heredero de la afirmación del “yo”
experimental manifestado por Munich y por Van Gogh en completa exposición con la
pintura alegre desinhibida, sin sentimientos, de la hegemonía impresionista que reinaba
en Alemania en los primeros años del siglo XX.

6
Prensa manual usada para estampar grabados.
7
Félix Vallotton (1865-1925), pintor y grabador francés de origen suizo que destacó por su maestría en el
arte de la xilografía y que perteneció temporalmente al grupo de los nabis.

14
En 1904 Kirchner interrumpe sus estudios de arquitectura y deseoso de encontrar un
arte que pudiese ser expresión de la vida, se adentró en la pintura como un autentico
renovador del arte alemán. En Kirchner hay una intención claramente nacionalista
porque en muchos de sus escritos Kirchner va a defender la necesidad de un arte alemán
separado de la influencia extranjera y perdiciosa de París. En este sentido Kirchner
adoptó una aptitud muy combativa contra la separación de Munich (impresionista) y
consideraba que la vía de actuación futura del arte alemán debía venir, no de la vía de la
superficialidad impresionista sino de la tradición histórico alemana de sublimación del
ego y de subjetividad.
Así las obras de Kirchner pueden coincidir con ciertos intereses del fauvismo de
Matisse o pone elementos desequilibrados, tensionados de formas oblicuas y grotescas
bien distintas de ese decorativismo armonioso de Henri Matisse. Las fuentes en las que
se apoya su programa creativo no eran otras que la línea de Rembrandt, de Munich, Van
Gogh y sobre todo la pintura medieval y renacentista alemana.
Los temas de Kirchner van a ser temas cotidianos urbanos, retratos, autorretratos,
paisajes, desnudos en el paisaje o en estudio, escenas de cabaret o circo. En estos temas
recurre a colores estridentes puros y planos, no miméticos con la realidad. Colores que
aplica con pinceladas nerviosas plenamente visibles (Van Gogh) dispuestas muchas
veces en zig-zag. El dibujo subraya ese dinamismo de los colores y porque se trata de
un dibujo irregular y nervioso y además Kirchner suele utilizar composiciones donde el
espacio comprime a los personajes e incluso utilizando un recurso cinematográfico,
picados y contrapicados.
Las obras de Kirchner parten en su caracterización femenina de las famosas vampiresas
o mujeres fatales pintadas años antes por Munch. Las mujeres de Kirchner, como
también sucedía con las mujeres de Munch, muestran una sexualidad prosaica y
decadente. El modelo que remiten era el de su novia Doris Grohse, y en muchas
composiciones aparece un hombre de raza negra llamado Sam.
A partir de 1911 la obra de Kirchner se va a pacificando y suavizando. En el estallido de
la primera guerra mundial en 1914 sufre una crisis nerviosa. Se traslada a un sanatorio
en Suiza donde su pintura se suaviza y se vuelve más placentera y hedonista. En 1938 se
suicida como Vincent van Gogh.

 Cocot de Rojo

Se ven sus típicas pinceladas, heredadas de Van Gogh y los puntos de vista del cine. Las
composiciones presentan a personajes con rostros inquietantes, deformados y
caricaturizados. Esa deformidad exterior parece indicar una deformación interna y una
aparente perdida moral y de principios.
Kirchner va a enseñar continuamente el tema de las relaciones vitales, lo mismo que los
personajes de Munch, son personajes aislados que no se comunican entre sí. Utiliza un
lenguaje plástico muy sintetizado con líneas oblicuas y diagonales con contrastes
expresivos de colores. Esas formas deformadas y sintetizadas se complementan con un
colorido sordo con gesto de rojos encendidos.
En los temas urbanos los personajes pasean aparentemente ajenos a lo que sucede al
resto de la colectividad, porque las figuras de Kirchner aportan esa soledad vital que
también tenían los personajes de Munch.

15
Entre 1905 y 1908 Kirchner dedica varias composiciones a los desnudos dentro del
estudio o en plena naturaleza. En las figuras femeninas renuncia a cualquier intención
erótica, son mujeres poco sexuales arcaicas de carnaciones duras, ratifícales con líneas
de contorno nerviosas lo que refuerza esa impresión primitiva que coincide con ese
gusto generalizado en la época por las culturas primitivas.
En estas escenas de interiores las modelos no son profesionales, sino del circulo de
amigos del grupo. Los fondos operan a la manera de Matisse, buscando ritmos
decorativos ornamentales de índole geométrica.

 Mujeres en estudio 1980

Coincide con temáticas habituales en las mismas fechas que en Francia. También hace
desnudos en el bosque, siendo un paisaje muy sintetizado con colores no miméticos. Es
una pintura atormentada formalmente y reflexiva desde el punto de vista temático.
Con el estallido de la segunda guerra mundial es llamado a filas, sufre varias crisis
nerviosas y tiene que ser ingresado en un psiquiátrico suizo. Hasta su suicidio la obra de
Kirchner se calma olvidando la violencia formal y cromática, la pintura pasa a ser una
terapia.

 Puerta de Brandeburgo
Su pintura se asemeja a Dufy. Son escenas urbanas con perspectivas amplias y un
tratamiento ingenuo y diluido de las formas.

2. Eric Heckel
Carecía de estudios académicos y tuvo una formación autodidacta. Se ganó la vida
como grabador, convirtiéndose en un magnifico xilógrafo. Precisamente por carecer de
una formación vinculada a las academias o relacionada con el gusto impresionista
imperante, Heckel ya desde sus primeras obras va a definir una pintura desinhibida tanto
en dibujo como en el color. Una pintura donde abundan los rasgos gestuales y siempre
estará concentrada en el estudio del hombre y la mujer (bañistas, músicos, prostitutas,
bailarines, bailarinas y también filósofos).

 Retrato de hombre
En sus cuadros de retrato pintará anatomías deformadas de cabezas muy grandes y
cuerpos afilados. Cabezas melancólicas de hombres que piensan y que tienen en su
trasposición formal la impresión de objeto arcaico o de figura totémica. Funcionan
como autenticas mascaras de rasgos deformados, exagerados y caricaturizados.

 Bañistas en el bosque 1909

A pesar de basarse en las bañistas de Cezanne. Aquí renuncia a cualquier intento de
geometrización del espacio y tampoco hay ningún interés por el tratamiento lumínico y
atmosférico, como en el impresionismo. Son paisajes no naturalistas, habitados por
figuras deformadas sin ningún intento de modulo. Se percibe una factura de trazos
rápidos sin dibujo previo. En esa aplicación nerviosa de los pigmentos, la dirección de
la pincelada suple la ausencia de gradación de volumen.

16
Se aprecia la influencia mutua entre la xilografía y la pintura. Los trazos paralelos de la
brocha y las diferentes intensidades de pigmento que se consiguen, recuerdan a los
resultados de la xilografía.

3. Karl Schmidt-Rottluff 1884-1976

Fue el miembro del grupo más relacionado con la estética “fauve” francesa. Admiraba y
conocía la obra de Gauguin y por eso quizás el uso del color tiende a las tintas planas y
a las tonalidades saturadas. Por esa influencia de Gauguin muchas de sus obras
funcionaban como vidrieras. Las formas se delimitan por unos contornos negros que
generan unas áreas interiores rellenadas con colores planos. Incluso en los temas
coincide con el Gauguin tahitiano. Son figuras de aire arcaico y como en los ídolos
primitivos se destacan los elementos sexuales en una alusión a la fertilidad.
Siguiendo la estela del fauve, no solo buscó síntesis formales de las formas sino que
también elige colores complementarios para lograr un mayor realce cromático.

 Paisaje 1912

4. Emil Nolde 1867-1956

Si nombre es el sinónimo de Emil Hansen, Nolde es su ciudad natal. Era el artista de
edad más avanzada del grupo. Cuando se una en Dresde a el grupo ya contaba con una
carrera profesional que había tenido fases diversas. Así en 1899 se traslada a París, en
lugar de seguir la estela del impresionismo, tomó como punto de referencia al realismo
de Millet, de Daumier y la primera fase de Manet.
Cuando regresa a Alemania trabaja durante algún tiempo como ebanista en una fabrica
de muebles y ese conocimiento de la madera le condujo a ser uno de los renovadores del
grabado xilográfico. Por su prestigio como xilógrafo fue requerido o invitado en 1906
por Kirchner para colaborar con el grupo de el puente. Realmente su pertenencia al
grupo fue breve pero fue un paso determinante porque ejerció una especie de tutela
espiritual sobre los miembros más jóvenes.
Toda su carrera gira en torno a dos pilares básicos:

1. Estuvo obsesionado por el color, se le comparó en ese aspecto a Van Gogh.

Nolde subordinaba el color a cualquier otro elemento pictórico. Un color que él
no defiende como un color local y representativo; sino un color con más
capacidad para transmitir emociones, expresiones y cualidades simbólicas. En
este sentido la base teórica de Nolde va a influir de manera muy decisiva en las
teorías de Wassily Kandinsky.

2. Descubrimiento del arte primitivo. Como otros expresionistas y fauvistas, ve a

las artes primitivas no tanto como un repertorio superficial y decorativo sino
como un elenco de imágenes o sugerencias donde se manifiesta la comunión del
hombre con la naturaleza, donde se puede advertir un sentido panteísta de la
creación y donde las artes no sirven de adorno sino que hay un trasfondo
religioso. Por este interés primitivista en 1913 realiza un viaje al pacifico
siguiendo la trayectoria vital de Paul Gauguin.

17
  El Profeta 1912
Es una de sus obras xilográficas más conocidas. Trata un tema religioso, constante en
toda su obra, con un trasfondo simbólico. El tratamiento formal es muy simplificado y
donde se busca un cierto dramatismo con el contraste totalmente blanco y el negro
intenso de las formas irregulares y pinjantes de las partes destacadas. El rostro se
convierte en una verdadera mascara arcaica primitiva de rasgos muy básicos pero
dramáticos.

 Dejad que los niños se acerquen a mi 1910

En la pintura de caballete Nolde abordó el asunto religioso siguiendo la literatura
bíblica. Aquí interpreta un tema del nuevo testamento de una manera poco
convencional. Cristo de espaldas en la composición y el protagonismo radica en los
rostros muy simples de los niños y también en la potencia plástica que logra con los
gruesos empastes de color.

Sus desnudos femeninos antes de 1913 (el viaje al pacifico), interpretan motivos
totémicos de figuras femeninas relacionadas con la fecundidad.

 Bailarina
Al principio de su colaboración con el grupo se interesó por temas religiosos. En 1913,
siguiendo el ejemplo de Gauguin, realizará un viaje al Pacifico. En este viaje profundiza
en las referencias del arte primitivo, que se constata en temas de clara inspiración
exótica donde lo primitivo no se aborda desde un punto de vista superficial al decorativo
(como había sucedido en el “fauve”) sino donde lo primitivo trata de la madre
naturaleza y de las fuerzas primigenias de la creación. Así los temas exóticos de Nolde
fluctúan entre bailes rituales donde se acentúa el culto a la fecundidad (senos y pubis
marcados) donde la pintura se entiende como un gesto.
Hay una creación de las formas a través del color (no por el dibujo). A pesar de ese
exotismo de Nolde casi siempre se rastrean en estas piezas referencias a la historia
sagrada del cristianismo.
Esta bailarina de cuerpo deformado por el baile, esta siendo observada por dos hombres
esbozados en el fondo del cuadro. En la bailarina se pueden encontrar dos antecedentes:
- El más remoto es el de “Susana y los viejos” de Rubens, la mujer que
ajena la vista de unos ancianos picaros.
- Una referencia más cercana pueden ser “Las señoritas de Avignon” de
Picasso, igualmente observadas por varones.
En esta etapa a su regreso del Pacifico, Nolde busca en su entorno temas diferentes, que
trata de personajes ajenos a la civilización urbana y donde aún se mantienen ritos
ancestrales, como por ejemplo:
 La Gitana 1923

 GRUPO DER BLAUE REITER (El Jinete Azul)

Se funda en 1911 por Wassily Kandinsky y Franz Marc en Munich. El origen del grupo
Jinete Azul se encuentra en un grupo de jóvenes que ya en 1901 aspiran a configurar
una verdadera revolución en las artes contemporáneas.

18
En 1901 Wassily Kandinsky (considerado el padre de la abstracción) funda un colectivo
artístico llamado Phalanx (falange, concepto militar, ataque donde se ataca en
colectivo), este fundaba como una plataforma para la promoción de los creadores más
jóvenes.
En 1909 Wassily Kandinsky y otros artistas organizan una exposición en Berlín.
Paralelamente organizan la llamada nueva asociación de artistas.
En 1910 exponen juntos Wassily Kandinsky, Franz Marc y August Macke.
En 1911 se vuelve a organizar una nueva muestra de esa asociación. En esta exhibición,
una tela de Kandinsky es rechazada por su gran tamaño. Kandinsky ante este rechazo,
junto a otros artistas, se separa del grupo fundando uno nuevo llamado Jinete Azul.
Las diferencias y los puntos de encuentro con el grupo de El Puente son claros. Ambos
van a tener en común su rechazo del impresionismo, de la pintura académica y de la
sociedad autocomplaciente alemana. Sin embargo el grupo de El Puente defendía un
desencadenamiento del instinto pictórico y creativo en el lienzo, mientras que el jinete
azul va a buscar la esencia espiritual de la realidad y por lo tanto una depuración de esa
realidad.
Si en el grupo de El Puente hemos visto la orientación primitivista había resultado
determinante, en el Jinete Azul va a ofrecerse en cambio una orientación especulativa.
El Puente partía en general de una inspiración literaria, el Jinete Azul va a tener una
clara inspiración musical.
En el grupo de El Puente indagarán (a partir de 1905) en experiencias psíquicas
infantiles, mientras que en el Jinete Azul van buscando un expresionismo puro de
carácter abstracto y no referencial a nada.
Ambos grupos alemanes tuvieron en común la escasa coherencia formal de las
propuestas (cada uno hace lo que quiere) y también tuvieron en común la corta duración
temporal de su proyecto artístico. De este modo la ultima exposición del Jinete Azul
tuvo lugar en 1914. Durante la Guerra Mundial Franz Marc fallece y la guerra les aleja
de forma definitiva.
A pesar de esa corta existencia el Jinete Azul va a ser un movimiento decisivo en la
estética del siglo XX y tendrá una cierta continuidad en la Bauhaus 8, pues tanto como
Kandinsky como Paul Klee9 formarán parte del claustro de esta institución docente.
Aparte de las exposiciones que el Jinete Azul realizaba de manera periódica, va a tener
una publicación propia, una especie de almanaque llamado “El Jinete Azul”. Éste
contenía criticas y ensayos de todas las artes y contaba entre sus colaboradores con el
8
Escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura
contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Fue
fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de
Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano
inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía
responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la
artesanía utilitaria. También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte
debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño
debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de
escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y
comercial.
9
Paul Klee (1879-1940), pintor suizo, acuarelista y aguafuertista, considerado como uno de los
representantes más originales del arte moderno. Siguiendo un estilo artístico específico, creó una serie de
obras famosas por parecer imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación.

19
músico Schönberg. Contenía también ensayos de tipo filosófico y se recogían
ilustraciones de cuadros de El Puente denominados como los salvajes alemanes.
También se incluían obras de Cezanne, Matisse, Henri Rousseau 10, Vincent van Gogh;
junto con ejemplos de arte folclórico, arte popular y dibujos infantiles.
Con esta mezcla re referencias visuales, el Jinete Azul indicaba su contacto con el
universo primitivo (infantil y popular) y sobre todo su comunión con aquellas formas de
representación de forma naturalista.
La cabeza y el líder del grupo fue Kandinsky.

1. Wassily Kandinsky 1866-1940

Nace en Rusia en 1866 y fallece en 1940. Llega a Munich en 1896 procedente de Moscú
cuando ya contaba con una amplia experiencia creativa y una sólida formación teórica.
La formación de este artista era muy amplia. Estudió abogado, economía política, física,
variada formación musical y además se interesó por temas antropológicos y
etnográficos.
En 1889 realizó un viaje de investigación antropológica por el norte de Rusia y rescató
elementos de a cultura popular de Rusia. También le influyen en su primera etapa los
cuadros de Rembrandt que había copiado en el Museo del Hermitage. Antes de viajar a
Munich había conocido también obras de Van Gogh y Gauguin que se habían expuesto
en Moscú.
Estará muy influido por la música. A finales del siglo XIX tanto en Alemania como en
Rusia se venera a Richard Wagner. Kandinsky durante la representación de una opera
de Wagner se dio cuenta que la pintura podía tener la misma potencia expresiva que la
música y que además la pintura podía llegar a tener la misma fuerza que la música sin
ser mimética a la realidad.
Se traslada a Munich atraído por la rica vida cultural del lugar. Allí colabora con la
fundación del grupo Phalanx.
Entre 1900 y 1906 realiza una pintura que puede denominarse como impresionista muy
influenciada por el Jugendstil o modernismo. Los temas de esta época son temas de
mercados rusos, escenas de cuentos de hadas y paisajes. Asuntos todos ellos con una
paleta que recuerda a la impresionista pero incorporando una selección de colores que
tiene mucho que ver con el simbolismo francés. Simbolista es también la estilización de
las nubes y árboles, que recuerda a estilizaciones dadas por el grupo de Pont-Aven y de
Maurice Dennis.
En 1910 Kandinsky abandona totalmente la estela no ortodoxa del impresionismo y se
orienta como el resto de los integrantes de esa nueva asociación de artistas hacia una
estética similar a la experiencia del fauve francés y también muy próxima al ideario de
El Puente.
En 1910 Kandinsky publica un texto fundamental “De lo espiritual en el arte”. En ella
habla de que las formas y colores son unos medios capaces por sí solos de expresar la
emoción del artista. Estableciendo un paralelismo entre música y pintura, afirma que el
arte debe apoyarse exclusivamente en las formas abstractas, en el ritmo y en el
10
Henri Rousseau (1844-1910), pintor francés conocido como el Aduanero. Artista autodidacta, está
considerado uno de los pintores naïfs más notables. Sus colores fuertes, diseños planos y contenidos
imaginativos, fueron ensalzados e imitados por los pintores europeos modernos.

20
dinamismo del color. Las tesis estéticas de Kandinsky están plenamente configuradas.
Hay implícito en ese texto un rechazo por el naturalismo. Kandinsky quiere encontrar la
esencia de las cosas, lo que él denomina como la melodía interior. Defiende también lo
que se denomina la teoría de la sinestesia. Ésta para él es que tanto como las artes
visuales como la música y la coreografía pueden provocar efectos físicos y psíquicos
equivalentes. Por eso Kandinsky va a defender siempre la síntesis o unión de las artes
porque a través de la suma de experiencias visuales, auditivas y de movimiento corporal
él podía llegar a una verdadera experiencia estética.
La sinestesia significa que ante un mismo estimulo se pueden provocar en el individuo
diferentes sensaciones. Por ejemplo Kandinsky, aludiendo a su aprendizaje infantil,
cuando aplicaba el rojo le producía un sonido determinado.
Kandinsky sostenía que era posible conseguir una pintura cercana a la pureza musical
de las melodías atonales de Schönberg. La manera que puede tener la pintura de
provocar esa sinestesia es a través del color. Un color que Kandinsky entiende como el
medio más adecuado para ejercer una sensación en el alma humana.
Para Kandinsky, como para todos los expresionistas, los aspectos formales no tienen
importancia únicamente pueden llegar a ser significativos en cuanto expresan los
sentimientos del artista.
Kandinsky habla de lo que el denomina como principio de la necesidad interior, este
consiste en utilizar la pintura como una forma e transmitir sensaciones a través del
color.
Kandinsky, siguiendo la teoría de Goethe, sostenía que el color puede lograr
identificaciones que no son simbólicas sino personales.
Se dio cuenta que una propuesta abstracta puede caer en la decoración, por eso busca
que la abstracción tenga unos principios.
Kandinsky hasta la revolución rusa trabajará en el comisariado para la formación del
pueblo ruso. Decepcionado por la política cultural rusa decide regresar a Alemania. En
el año 1922 imparte clases en la Bauhaus alemana hasta que Hitler ordena su cierre. En
1933 se cierra la Bauhaus. Kandinsky se traslada a Francia hasta su muerte en 1944.
En la época de permanencia en la Bauhaus establece relación con Paul Klee y a otros
artistas que habían pertenecido al Jinete Azul, Kandinsky funda el grupo de los Cuatro
Azules. También en este periodo alemán escribe otro texto teórico titulado “Punto y
línea sobre el plano”, en el que analiza la psicología de la percepción de las formas.
En su periodo del Jinete Azul, Kandinsky defendía una pintura, todas ellas de base
abstracta, que no representaba objetos reconocibles y que sin embargo permite generar
efectos psíquicos a través de los colores. Parece ser que su primera acuarela abstracta
data de finales de 1910, en ella utiliza blancos y rojos.
Kandinsky distingue entre impresiones, improvisaciones y composiciones.
Por impresión entiende una pintura que se gesta a partir de un estimulo externo,
en esas impresiones todavía es perceptible la referencia a la naturaleza.
Una improvisación no parte de un estimulo externo y tampoco busca nada que
pueda ser referencial. De forma espontánea las improvisaciones se apartan de lo
material y buscan colores y formas expresadas de una manera inconsciente. En
estas improvisaciones utiliza la línea en ritmos que tienen sentidos musicales.
Los colores suelen ser transparentes tanto en la acuarela como al óleo que trabaja

21
 con veladura. Esa fijación por la transparencia tiene que ver con su estudio de
carácter etnográfico del vidrio popular de la zona de Baviera. Este vidrio es con
manchas, pareciendo una obra abstracta.
En Alemania se publican varios textos de carácter teórico donde se relaciona la
tendencia abstracta con el carácter espiritual de las culturas de la Europa del norte. Así
Worringuer en su “Abstracción y empatía” afirma que los pueblos germánicos desde la
edad media expresaron si espiritualidad en formas no figurativas a diferencia de las
culturas mediterráneas, siempre tendentes al naturalismo.
Otra de las formas expresivas que desarrolla teórica y prácticamente son las
composiciones. Sigue sin haber en ellas un referente en la naturaleza pero a
diferencia de las impresiones el artista trabaja de manera más racional y
meditada entrando en juego ya la intención, la razón y la meditación.
En los años 20 entra a formar parte de ese claustro de profesores de la Bauhaus. Su
pintura se geometriza sin duda muy influido por los principios pedagógicos de la
Bauhaus. Escribe en esta época “Punto y línea sobre el plano”. Conoce de cerca la
producción del neoplasticismo holandés, Doesburg se incorpora en la Bauhaus como
docente. En esta etapa la obra de Kandinsky abandona el sentido improvisado de
experiencia no racional y reflexiva, basándose en figuras geométricas. Su producción se
vuelve cromáticamente más compacta. Indaga en todas las posibilidades de
segmentación geométrica del plano. Se percibe una gran influencia del neoplasticismo
holandés. En esta segunda etapa alemana la obra más reflexiva de Kandinsky cambia de
color en las intersecciones de las formas porque busca una sensación de tercera
dimensión. Las líneas cambian de color por ejemplo al atravesar un triangulo.
En este periodo contacta claramente con las bases holandesas de la abstracción y con la
vanguardia rusa. Además aparecen en sus obras ritmos fluidos, mayor carga decorativa
y son obras que tienen mucho que ver con la obra de Miró y con la de Jean Arp.

2. Franz Marc 1880-1916

Era hijo de un paisajista de Munich. Tuvo una formación académica dentro del genero
paisajista. En 1903 viaja a Francia, donde se establece en Paris, allí se suma a la amplia
corriente impresionista y también conocerá las posibilidades de la xilografía japonesa.
Regresa a Munich. En 1910 conoce a Kandinsky, el cual le convence que el color puede
ser un medio para comunicar emociones de una forma directa. A partir de ese contacto
Marc va a iniciar una búsqueda de la potencia cromática concentrándose en una
temática del mundo animal.
Los colores aplicados a las pieles de los animales no se ajustan a la verosimilitud
naturalista. Son colores que responden a un personal simbolismo y donde aprecia muy
claramente la influencia de Gauguin. Así las formas en arabesco (juegos de líneas curva
contra curva), la síntesis de formas, planos perfectamente delimitados y el color
utilizado con un simbolismo personal; nos llevaran a los principios creativos de
Gauguin.
También influido por Kandinsky se aproximo a la pintura de base abstracta. No hizo
nunca improvisaciones pero sí ejecutó varias composiciones en las que efectuó una
síntesis de planos con ritmos geométricos que en este caso van a estar influidos por el
cubismo.

22
Desde 1913 la obra de Marc, lo mismo que la de Macke, se va a decantar a ese gusto
generalizado por el cubismo que se genera por la popularidad de Picasso y Braque. Así
ante el cuadro por ejemplo de Macke “Mujer ante un escaparate”, observamos una
geometrización de los planos y una descomposición de los haces de luz muy semejante
de la escuela cubista.

. ARQUITECTURA EXPRESIONISTA ALEMANA .

La arquitectura expresionista alemana va a recuperar las visiones de la arquitectura

utópica del siglo XVIII. La mayoría de los edificios diseñados por estos arquitectos
quedarán sobre el papel como proyectos visionarios o irrealizables de mentes
adelantadas a su momento.
Los proyectos de la arquitectura expresionista normalmente no disponían de medios
técnicos adecuados para su ejecución para el momento en el que fueron planteados.
Como sucedió en la arquitectura utópica francesa, los proyectos expresionistas
abarcaban todo tipo de edificios y también de diseños de ciudades ideales. En todo caso
es una arquitectura que en ese momento se ve como fantástica, con claros parecidos a la
escenografía del cine expresionista.
En los proyectos no había un análisis constructivo detallado. Además es una
arquitectura en las que muchas veces adecua la forma con la función.
Algunos proyectos expresionistas se llevaron acabo normalmente en edificios de
importancia secundaria y sobre todo en pabellones de exposiciones efímeros.
Toda la arquitectura expresionista se fundamenta en una critica y un rechazo del
racionalismo y busca la belleza en formas curvas y orgánicas que puedan llegar incluso
a tener reminiscencias corporales.
Como materiales utiliza normalmente el hormigón y el vidrio plano coloreado. Estos
materiales industriales generalizados en la segunda mitad del siglo XIX, pero en lugar
de utilizar estructuras metálicas como sostén de los vidrios coloreados, los edificios
serán de hormigón donde se utiliza el vidrio no solo con un fin utilitario sino que
también con una función simbólica. Así la arquitectura expresionista recupera la luz de
la concepción metafísica que se había generalizado durante el gótico alemán.
En 1914 un místico alemán llamado Scheebart había publicado un manual teórico
titulado: “Arquitectura de cristal”, donde establece una relación entre la utilización de la
luz en el gótico y en el empleo de la luz en la arquitectura contemporánea.
Las dos grandes obras que podemos destacar son el pabellón de la exposición de
Colonia de Bruno Taut y el observatorio Einstein de Mendelsohn.

 Pabellón de la exposición de Colonia

Esta exposición fue realizada para exaltar la potencia industrial alemana.
Bruno Taut plantea un edificio de planta radial levantado sobre un podio de hormigón
con una escalinata escenográfica. El cuerpo del edificio es una pantalla transparente de
vidrio cubierta por una cúpula apuntada construida con paneles de vidrio romboidal.
El predominio de las líneas curvas y las formas en continuidad, relacionan este pabellón
con el modernismo alemán.

23
En el interior había dos pisos y el eje del edificio estaba marcado por un gran orificio
central que comunicaba los dos espacios internos. La cubierta de vidrio no era
totalmente transparente sino que Bruno Taut jugó con el cromatismo del vidrio y colocó
en el interior un elemento pinjante con pequeños espejos que refractaban la luz a todo el
interior.
 Observatorio Einstein
Es un observatorio astronómico que se encarga para la ciudad alemana de Postdan y que
Mendelsohn convierte en una gran escultura de líneas curvas.
El programa de la torre Einstein es complejo, a pesar de este inconveniente Mendelsohn
consiguió un edificio totalmente unitario donde las partes no se desgajan.
Es un edificio construido íntegramente en hormigón revocado en blanco y donde se
evita el ángulo recto y la línea recta. Así la torre es una torre que aunque plantea un
volumen prismático, no tiene ángulos rectos sino formas muy fluidas tanto en el ritmo
de los vanos como en el volumen total del edificio.

. ESCULTURA EXPRESIONISTA ALEMANA .

La escultura expresionista alemana quiere recuperar las técnicas ancestrales y populares

del mundo germánico. Por eso los escultores expresionistas van a trabajar
fundamentalmente la madera y el bronce, consiguiendo superficies de factura artesanal.
Los temas de esa escultura expresionista van a ser temas figurativos donde se abordan
asuntos de carácter social muy semejantes a los de la escultura belga (Constantin
Meunier) y también muy similares a Daumier.
A parte de esa escultura de carácter social también se aborda tipos humanos
representativos de personalidades psicológicos determinados hay que situar el
“Vengador” de Barlach.

 ERNST BARLACH 1870-1939

Fue también un importante xilógrafo y dramaturgo. Trabajó otros materiales como la

madera, la terracota, el bronce y la porcelana.
Conoció y admiró la obra de Daumier y también la de Meunier, influyendo mucho en
sus obras. Después de un viaje a Rusia en 1906 se aproximó a la talla popular rusa. Fue
perseguido por los nazis. En la década delos 30 se destruyen muchas de sus obras. Tuvo
que exiliarse ante el peligro de su vida.

 El Vengador
Es una obra en la que se muestra una intención de espíritu y lo hace con un rostro muy
dramático expresionista duro que se completa con estos ritmos corporales de la túnica
que destacan el arranque violento.
La escultura de Barlach no es una escultura académica y naturalista sino que es una
escultura que deforma la realidad para obtener diferentes fines expresivos. Barlach
renuncia a las superficies pulidas del academicismo y se decanta por superficies rugosas
y mates.

24
  La Muerte
Se aprecia la influencia de la pieza titulada el Grisú de Meunier. Se trata de una
composición con múltiples puntos de vista, donde renuncia a la composición piramidal
tradicional. La fuerza del conjunto radica en la parte central donde los personajes unen
sus manos en un gesto simbólico.

 WILHELM LEHMBRUCK 1881-1919

Ofrece un expresionismo más atemperado, femenino y clásico. Normalmente utiliza

temáticas procedentes de la antigüedad protagonizadas por figuras femeninas desnudas
pero a pesar de lo clásico del tema el desarrollo formal del asunto es claramente
expresionista.
Lehmbruck desecha las proporciones clásicas y estiliza las figuras de manera
antinaturalista. Ese alargamiento y adelgazamiento tiene mucho que ver con el éxito de
la pintura del Greco en los ambientes culturales alemanes (reproducido en los
almanaques del Jinete Azul).
Otro dato expresionista de Lehmbruck es el tratamiento de las superficies. Éstas son
matizadas, irregulares, rugosas, con texturas homogéneas, bien distintas de los acabados
pulidos de la escultura tradicional.

. EXPRESIONISMO AUSTRIACO .

El expresionismo austriaco pertenece a una oleada expresionista que tiene lugar

fundamentalmente en el periodo de guerras y que coincide con la nueva objetividad
alemana. Los protagonistas de esa oleada fueron Oskar Kokoschka y Egon Schiele.

 OSKAR KOKOSCHKA 1886-1980

 La novia del viento

Es su obra más conocida. Se representa a una pareja, se trata de un autorretrato del
artista junto a su novia Alma Mahler, hija del músico Mahler.
Este tema es interpretado como un pretexto para explicar la fuerza del amor. Así el amor
opera como un torbellino místico que fusiona los cuerpos y los deja prácticamente
inconclusos.
Utiliza procedimientos expresivos semejantes a los del expresionismo alemán
(pinceladas vigorosas, colores irreales...etc). Renuncia a los modelos de la perspectiva
clásica además los contornos y cuerpos se funden en un todo en el que predominan el
pigmento sobre la línea.

 EGON SCHIELE 1890-1918

Recupera iconografías del final de la edad media y renacimiento en el ámbito austriaco

y alemán. Trata normalmente el asunto del paso del tiempo y de la fugacidad de la vida.

25
Así es muy frecuente que contraponga seres infantiles o niños con personajes ancianos
en ocasiones moribundos.
También en la obra de Schiele hay una recuperación de las formas decorativas
populares por ejemplo en los elementos textiles. Esto tiene mucho que ver también con
la revitalización de las artes populares, típico del expresionismo.
 Mujer con dos niños

. CUBISMO .

Se la ha considerado como la vanguardia por excelencia. Fue un movimiento muy

radical que aunque mantiene unos vínculos muy estrechos con la pintura del siglo XIX,
especialmente con Cézanne, va a ser un movimiento que profundizará en un arte de
concepción o creación y no de mera imitación.
El cubismo nace de las teorías de Cézanne. Éste fue el primer artista que descubrió las
potencialidades de interpretar un objetos o paisaje con puntos de vista simultáneos, por
ejemplo sus famosas bodegones. Los cubistas, por tanto, seguían la sentencia del
postimpresionista francés Paul Cézanne, afirmaba que “todas las formas de la naturaleza
parten de la esfera, el cono y el cilindro”.
La estela cezaniana llega a Pablo Ruiz Picasso y a Georges Braque, que interpretan las
bases geométricas de Cézanne, de tal manera que los planos de los objetos intercambian
sus masas pudiendo parecer más numerosos de lo que son.
El cubismo coincide además con un momento de especial renovación científica. Se
difunde en occidente las teorías de Bohr 11 y Planck12 acerca de el carácter del espacio.
Bohr, Planck y después Einstein en su teoría de la relatividad, defienden que el espacio
no es una magnitud continua sino que discontinua. Además el espacio se trasmite en
pequeños lotes de energía.
Otro de los puntos de partida de la pintura cubista va a ser la plástica negra que Picasso
conoce a través de André Derain y Maurice de Vlaminck.
Una tercera fuente de inspiración va a ser la figura de Rousseau “el aduanero”. Éste
practicaba una pintura naïf ingenua que consiguió abolir las formas tradicionales de
representación.
La base del cubismo es representar el objeto desde varios puntos de vista. Esto no
novedoso en la historia del arte, ya que esto ya se produjo en Egipto y también por
ejemplo en pinturas del románico.
Lo que hace el cubismo es representar un objeto desde varios puntos de vista, por lo
tanto la pintura deja de ser una experiencia instantánea porque lo que se registra sobre el
lienzo procede de una experiencia temporal. En el cubismo dado que el objeto es visto
desde varios puntos de vista, va a ser una experiencia inestable, secuencial en el tiempo.
Dentro del cubismo distinguimos tres etapas:

- Cubismo Cezaniano 1907-1909

11
Niels Bohr (1885-1962), físico danés, galardonado con el premio Nobel, que hizo aportaciones
fundamentales en el campo de la física nuclear y en el de la estructura atómica.
12
Max Karl Ernst Ludwig Planck (1858-1947), físico alemán, premiado con el Nobel, considerado el
creador de la teoría cuántica.

26
Picasso y Braque (binomio del cubismo) reelaboran la pintura de Cézanne.
- Cubismo Analítico 1910-1911
En este periodo la herencia de Cézanne se radicaliza, el numero de planos se multiplica
de tal manera que se hace totalmente irreconocible la figura.
Picasso y Braque utilizarán en esta etapa formatos ovalados y también alargados. La
pintura que ejecutarán será una pintura de carácter prácticamente monocromo en colores
pardos y grises. Los planos tenderán a concentrarse en el centro de la composición, a
hacerse más escasos en los extremos, es decir, hay una especie de fuerza centrípeta en el
centro.
Se rozará en ocasiones la abstracción pero no llega a producirse un verdadero propósito
abstracto.
- Cubismo Sintético 1912-1914
El número de planos se reduce, lo cual facilita la recuperación de formas alusivas a los
objetos. También hay en esta fase una recuperación del color, aparecen también
elementos de tipo lingüístico en relación con lo que se representa.
Como señala Sureda, en el Cubismo Sintético se busca la esencia de los representado.
La principal novedad del cubismo es la introducción del collage, el cual es un elemento
real introducido en un orden de representación fingida. Con el collage se rompe el
pictoricismo (se rompe con la pincelada) y fue la primera vez que la vanguardia se
aventuró en la presentación directa de un objeto dentro de un cuadro.

Los dos grandes representantes fueron Picasso y Braque, pero a partir de 1.909 el grupo
cubista fue aumentando y en 1.911 tiene lugar la primera exposición colectiva del grupo
cubista.
El núcleo original del cubismo fue lo que se llamaba el grupo de Bateau-Lavoir,
también denominado la banda de Picasso. Este grupo estaba integrado por Braque, por
el crítico Apollinaire y la millonaria americana Gertrude Stein 13.
Los artistas cubistas plantean un nuevo tipo de espectador que no es un espectador
pasivo sino que tiene que hacer un esfuerzo mental para reconocer el tema.
Las iconografías del cubismo no son novedosas, son parecidas a las de Cezanne. Así
recurren a bodegones, paisajes, naturalezas muertas y retratos sin ningún tipo de
caracterización psicológica.
El dibujo, relegado en el fauve y expresionismo, va a ser muy importante, es
geometrizado con líneas rectas y pocas líneas curvas (normalmente segmentos de arco).
En los primeros años Picasso y Braque van a recurrir a un tipo de trazo fuerte y rápido
de carácter expresivo.
El color va a ser monocorde en el cubismo analítico y en el sintético se busca una mayor
riqueza cromática pero sin lograr esa sensualidad del color del fauve, que también era la
del impresionismo.
La luz es virtual e imaginaria, se desprende del propio plano y provoca esa vibración
lumínica tan característica del cubismo.

13
Escritora estadounidense que causó un gran impacto en la cultura del siglo XX, tanto por su
personalidad como por su papel de mecenas de las artes y su propia producción literaria. Stein fue una de
las primeras mecenas de comienzos del siglo XX y colaboró de forma activa con los pintores del
movimiento cubista. Ella y su hermano figuran entre los primeros coleccionistas de la obra de Picasso,
Matisse y Braque, con quienes mantuvo una estrecha amistad.

27
El binomio Picasso-Braque tuvo una estrecha relación con los marchantes del arte. Unos
marchantes que trabajan el mercado artístico de una manera muy diferente a la del siglo
XIX. Estos marchantes eran Vollard y Kahnweiler 14. Estos dos marchantes operan con
nuevas maneras de relación con los artistas y de comercialización. Así Kahnweiler
popularizó los contratos exclusivos con los artistas. Al principio eran verbales, a partir
de 1912 ya eran escritos, donde Kahnweiler abonaba a los artistas una cantidad fija
mensual por una producción mínima independientemente de su calidad. De esa manera
el artista se libera del trabajo de promoción de su obra, produciendo en serie y
asegurándose un sueldo fijo.

 PABLO RUIZ PICASSO 1881-1973

Fue el verdadero motor del cubismo. Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881,
hijo de María Picasso López y del pintor y profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta
1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero
alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de
la madre.
El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de
10 años hizo sus primeras pinturas, estudiando en Madrid. En esta etapa juvenil hace
una pintura de base realista influida por el luminismo de Sorolla.
A los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de
Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad. Allí entrará en contacto con el
modernismo y frecuentará el ambiente del café de Els Quatre Gats15 (los cuatro gatos).

Periodo azul
Comienza hacia 1901. Tiene un fuerte sustrato modernista y también un claro
acercamiento a los principios del simbolismo francés. Le influyen en concreto los
planteamientos de Puvis de Chavannes y también muestra una cierta continuidad con
respecto a la tradición española mostrando su interés por la obra del Greco. A estos
influjos de este periodo hay que sumar la repercusión de la obra de Toulouse Lautrec y
también de la obra de Degas. Hay que señalar que entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres
viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904.
Este periodo azul se caracteriza por:
- Empleo de tonalidades azuladas y grisáceas
- Figuras solitarias tristes, melancólicas, cerradas sobre sí mismas.

14
Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979), coleccionista, marchante de arte, editor y escritor francés de
ascendencia alemana. Fue el principal impulsor de la vanguardia artística durante las primeras décadas del
siglo XX, especialmente del fauvismo y del cubismo. Hacia 1904 comenzó a coleccionar obra gráfica y
en 1907 inauguró una galería de arte en París. Ese mismo año exhibió cuadros de Pablo Picasso (quien en
1910 retrató a Kahnweiler). Entre los artistas más importantes que expusieron en su galería se encuentran
André Derain, Maurice de Vlaminck, Paul Signac, Georges Braque y Fernand Léger.
15
Els Quatre Gats, grupo español de artistas afincado en la Barcelona de finales del siglo XIX, que
adoptaron el nombre del local donde se reunían, el café Els Quatre Gats, situado en la planta baja de la
casa Martí, un edificio modernista obra del arquitecto Josep Puig i Cadafalch. El local se convirtió en el
centro artístico más importante de la ciudad, además de tertulias se realizaban también numerosas
exposiciones y actividades de carácter musical y literario.

28
 - Elimina cualquier atisbo de anécdota para concentrarse en la esencialidad
del tema propuesto.
- Los temas tienen mucho que ver con la influencia francesa.

 Bebedora de Ajenjo
Remite al conocido cuadro de Degas “La Bebedora de Ajenjo”.
Como influencia del sintetismo de Pont-Aven, se trata de una pintura en la que las
formas se delimitan con gruesas líneas negras y las tonalidades tienden a tintas planas.

Periodo Rosa
Comienza en 1905 y fue un periodo muy corto donde las composiciones sencillas
continúan como en el periodo azul; pero sin embargo aquí hay un mayor equilibrio,
mayor sentido clásico y cambia la tonalidad hacia los blancos y rosas.
Los temas dejan de tener un sentido dramático y pasan a ser asuntos tomados de los
cabaret, del circo o de los musicholl, todos ellos afines a Toulouse Lautrec y también al
modernismo catalán.
Esas tintas planas del periodo anterior dejan paso a una mayor gradación volumétrica y
el dibujo pierde grosor.

Protocubismo
Es hacia 1906 cuando podemos situar los primeros signos protocubistas de Picasso.
 Gertrude Stein 1906
Es un retrato hermético y compacto que recuerda a las mascaras africanas que Maurice
de Vlaminck le había descubierto.
En 1907 dentro de esta fase protocubista Picasso pinta uno de sus cuadros más famosos:

 Las Señoritas de Avignon

Es la obra que se consideró como el origen del cubismo. Fue una obra muy pensada y
meditada que cuenta con numerosos estudios y donde Picasso elabora por primera vez
en el arte occidental una nueva conciencia de lo bello.
Aparentemente se muestran cuatro prostitutas, de la conocida calle de Avignon de
Barcelona (calle de burdeles), y una madame que descorre las cortinas para ver como va
el negocio.
Lo mismo que había hecho Manet en su “Olimpia”, Picasso convierte al espectador en
el cliente de las prostitutas. Ellas se exhiben ante el espectador.
Este tema, que no es nuevo, tiene un origen más complicado. Un origen que conocemos
por algunos bocetos preparatorios. En ellos, ese grupo de mujeres iban acompañadas por
dos personajes masculinos. El personaje central era un marinero (cliente) que llevaba un
porrón en la mano(símbolo fálico por excelencia). Aparecía también un segundo
personaje masculino que era un personaje de medicina que lleva un manual de
enfermedades de transmisión sexual. Desde el principio Picasso concibió esta obra para
tratar el tema del burdel filosófico. Así el cuadro trataría del precio del pecado y de las
dos posturas masculinas ante la prostitución. El cualquier caso al final lo que hace es
suprimir las figuras masculinas porque esos clientes pasan a ser el espectador.

29
En la obra lo que encontramos en la versión definitiva es un grupo de mujeres
amontonadas donde hay un confrontación entre mujeres y el hombre. Las cuatro
prostitutas son observadas por una patrona que se asoma a través de unos cortinajes.
Estas mujeres impúdicamente exhibidas están muy lejos de las escenas mitológicas, los
desnudos académicos, las mujeres de Matisse o las bañistas de Cezanne; porque Picasso
aporta una ruptura total con el sentido clásico de la belleza. A pesar de que las figuras
tengan posturas similares a las bañistas de Cezanne e incluso tengan la tendencia a
geometrizar los cuerpos, aquí el referente inmediato hay que buscarlo en las mascaras
fang africanas y sobre todo en la escultura ibérica. Por estas fechas Maurice de
Vlaminck ya le había regalado algunas mascaras africanas a Picasso. Una verdadera
mascara fanf es el rostro de la patrona o madame.
Ese influjo de la plástica negra se deja sentir en las individualidades de las distintas
partes de las figuras, en el tratamiento angular de los planos siempre marcados por
líneas muy precisas y nítidas. Estos elementos eran evidentes en la escultura popular
africana porque los artistas lo hacían siguiendo el estriado de la madera. También hay
que localizar el influjo directo de las esculturas íberas prerromanas que Picasso había
conocido en una exposición antológica celebrada en el Louvre con la colección del
duque de Osuna.
Como las esculturas íberas los ojos están fijos y contorneados en negro. Las dos mujeres
centrales tienen una concepción esquemática que recuerdan las convenciones plásticas
de la escultura prerromana.
Picasso comienza en 1906 a pintarla, mismo año en el que muere Cezanne. El cuadro
inicialmente también se concibió con una calavera, sin duda en homenaje al maestro de
Aix-en-Provence (Cezanne).
También nos encontramos con una influencia del Greco que se aprecia en la nitidez de
los planos y en el particular tratamiento de la luz.
Hay que tener en cuenta que esta nueva categoría estética de lo femenino abunda en esa
línea postimpresionista de obviar la mimesis o reproducción de la realidad para ofrecer
una pintura fruto del intelecto o de la imaginación. Lo que esta claro es que Picasso en
sus deformaciones femeninas no cae en un contenido expresionista (Kirchner) sino que
Picasso lo hace con deformación plástica.
Las referencias de las mascaras responden a emblemas del salvajismo y violencia. El
espacio que plantea esta obra rechaza totalmente la perspectiva convencional. Aquí hay
un espacio que se genera exclusivamente por los cuerpos y por los intervalos entre ellos.
Todos los planos tienen la misma densidad y por supuesto como homenaje al maestro
Cezanne se alternan diferentes puntos de vista.
Con “Las señoritas de Avignon” comienza la llamada etapa negra de Picasso. Una etapa
en la que toma como referencia iconos del arte negro.
A pesar de que la historiografía actual considera a la “Las señoritas de Avignon” como
el origen del cubismo, lo cierto es que el cuadro pasó discretamente por el ambiente
artístico de París, solo fue conocido por un pequeño numero de amistades, la obra no se
expuso hasta 1916 (momento en que se le da titulo a las obra).
El cuadro comenzó a ser famoso en 1925 cuando se reproduce en la revista “La
revolución surrealista”. Lo que está claro es que esta obra marcó un giro en la obra de
Picasso. A partir de ese momento se obsesiona con la plástica negra y con todas las
manifestaciones artísticas de carácter primitivo.

30
Cubismo Analítico y Sintético
Después del periodo negro, Picasso y Braque, plantean el llamado cubismo cezaniano.
Ambos parten de las visiones alternas y la geometrización de los planos de su admirado
Cezanne. Con esos principios cezanianos abordan paisajes, retratos, bodegones y
naturalezas muertas.

 Fabrica de Horta de Ebro

Es un paisaje de naturaleza industrial. En lugar de hacer una copia de la realidad,
reinterpreta la naturaleza buscando la geometría de los objetos. Como Cezanne alterna
diferentes puntos de vista, lo que rompe con la perspectiva académica mantenida desde
el Renacimiento.

El trabajo pictórico se concentra en resolver los objetos a través de planos

independientes, que tienen su propia iluminación. En 1.910 Picasso y Braque dan un
salto importante en la evolución del cubismo y se adelantan en un tipo de pintura que se
va autodefinir como realista, es decir, no tiene base abstracta, pero no hay objetos
reconocibles dentro del cuadro. Los motivos del cubismo analítico prolongan los
asuntos del Cezannismo. Trabajan básicamente bodegones y naturalezas muertas y
también retratos. Esa vocación realista que reivindicó el crítico Apollinaire se hizo
patente cuando la llamada Escuela Cubista afirma que Curbet era el padre espiritual del
movimiento.
En todas las fases del Cubismo se crea un lenguaje, que sin dejar de tener una intención
realista, abandona el espectro de lo figurativo para convertirse en significativo. En esta
fase analítica, el cuadro se va a convertir en un objeto pictórico, deja de ser una pintura,
como había sido desde el Renacimiento, una ilusión del mundo. El número de planos se
multiplica, se hacen más intensos en la parte central y más escasos en los extremos, lo
cual les infiere una impresión de movimiento centrípeto y cada uno de los planos tienen
también una iluminación independiente. Con esa forma de iluminación, la luz
(determinante del ilusionismo pictórico tradicional) pierde ese sentido y funciona para
lograr planos brillantes y contrastes en cada uno de los planos. Es habitual en este
periodo que tanto Picasso como Braque realicen y firmen distintivamente sus obras.

 Torero
En este periodo hay una clara economía cromática, se apartan de los colores intensos de
Cezanne y la pintura se materializa con unas tonalidades grisáceas y pardas. Siguen a
Cezanne en esa concepción del dibujo como elemento prioritario de la composición,
pues cada plano está configurado por una línea de contorno que lo dibuja perfectamente.
En esta fase analítica, Braque y Picasso introducen grafías. Con ellas aportan una
lectura de carácter semántico, nos da una pista sobre la interpretación de la obra.
Además, las grafías van a tener también un protagonismo estético, ya en el Modernismo
el tema tipográfico se había convertido en una verdadera obsesión, tanto en arquitectos
como en creadores plásticos.
En esta fase analítica es frecuente en Picasso y en Braque el empleo de formatos
ovalados y también alargados. Aunque se va produciendo una progresiva
desvinculación de la herencia de Cezanne, todavía se puede rastrear esa experiencia
acerca de la relatividad de lo visto. Cezanne intentó reducir la naturaleza al cero, al
cilindro y a la esfera. Él no llegó a hacerlo, pero si abrió las puertas a maneras diferentes
de cuestionar la experiencia visual.

31
Cuando Cezanne se obsesiona 100 veces por la montaña de Santa Victoria, está
rompiendo con el principio creativo tradicional de mostrar lo que se ve, porque Cezanne
se pregunta ¿esto es lo que veo?.
En 1.511 dentro del ambiente de Montmartre se organiza una exposición cubista en el
Salón de los Independientes. En ella se presentaron los artistas seguidores de Picasso y
Braque en la llamada Sala 41. El grupo cubista fue admitido con dificultades por la
crítica, los críticos más conservadores se mostraron indiferentes contra este proyecto y
sólo el crítico Apollinaire iniciaría una serie de estudios, ensayos y críticas a cerca de la
pintura cubista, recogidos en un libro publicado en 1.913 con el título “Los pintores
cubistas. Meditaciones estéticas”. A partir del trabajo de Apollinaire el término cubista
se generaliza y será totalmente admitido por sus integrantes. En esta fase analítica
Picasso y Braque pintaran también retratos.

 Retrato Henry Kahnweiler

Era un marchante que originó una nueva relación entre el artista y el marchante o
galerista.
En el cubismo sintético, que comienza en 1.912 hasta 1.914, se reduce el número de
planos, los motivos son los mismos (figuras, retratos, bodegones y naturalezas muertas).
Las naturalezas muertas siguen siendo neutras con objetos domésticos ordinarios,
instrumentos musicales y algunas figuras totalmente impersonales. Son objetos por lo
tanto que no tienen ningún contenido expresivo sino que funciona exclusivamente
como un problema de orden pictórico. Realmente los cubistas tienen una actitud
antisimbólica, no tienen ningún valor iconográfico, salvo excepciones como Picasso en
el Guernica.
Al reducir el numero de planos la participación activa del espectador se reduce. En el
cubismo analítico el espectador realizaba un esfuerzo para reconocer el titulo. Esa
facilidad que aparentemente se logra en el cubismo sintético, se enriquece con la
incorporación del collage.
El collage comienza en la historia del cubismo cuando Picasso coloca una rejilla en el
año 12 dentro de un cuadro. Ese gesto aparentemente ingenuo, que continuó con la
adhesión de un trozo de tela encerada, fue un acto verdaderamente radical dentro del
arte contemporáneo. Picasso y Braque introducían objetos fabricados en serie, no
manuales. Ese aporte del collage se enriqueció con la adhesión de periódicos, tickets de
metro, papeles pintados y todo tipo de fragmentos de letra impresa.
El collage convive dentro del cuadro con pintura y también con planos de pintura que
imitan el mármol, la madera o la escayola. En este sentido hay que recordar que Braque
se había formado como pintor de brocha gorda.
En el cubismo sintético nos encontramos con auténticas paradojas visuales, el
espectador sigue obligado a hacer un esfuerzo visual y mental para encontrar el
verdadero sentido del cuadro.
Esa experiencia del collage abre la válvula de la paradoja visual que con otros recursos
será utilizada dentro del movimiento surrealista.
Dentro del cubismo sintético en el que hay objetos representados de manera literal,
siguen utilizándose grafías y textos incorporados y utilizados para completar el sentido
de la obra.

32
En cuento al color, en el cubismo sintético va cobrando mayor protagonismo, tanto
Picasso como Braque hacen diferentes ensayos sobre la forma de la aplicación del color.
 Violin

En el año 12 el éxito del cubismo es casi generalizado. Aparecen experiencias

semejantes en toda Europa y l cubismo influye en la primera etapa de Piet Mondrian y
la gestación del neoplasticismo holandés.
En Italia los primeros pasos del futurismo tienen una raíz cubista y las primeras
experiencias de la vanguardia originarán un cubofuturismo.

 GEORGES BRAQUE 1882-1963

Se forma como pintor en la estela del postimpresionismo. En torno a 1905 su

vocabulario estético se aproxima a los presupuestos del fauvismo, un “fauve” que utiliza
colores arbitrarios, descompone la realidad en planos sencillos y siguiendo la herencia
de Van Gogh y Gauguin encierra los planos en gruesas líneas de contorno.
Cuando conoce a Picasso se inician en una pintura derivada de Cezanne. Juntos realizan
los paisajes de L´Estaque que fueron rechazados en los salones de otoño oficiales que
supusieron el primer acercamiento de ambos a Kahnweiler. En esos paisajes Braque se
interesa más por el color que Picasso y tienden a un dibujo matemático. Además utiliza
puntos de vista más bajos que los de Picasso.
Pos su paso por la escuela fauve, hay una mayor construcción volumétrica y se
mantienen como herencia de su etapa anterior esa pincelada paralela y largada
semejante a la de Van Gogh y a la estela fauve.
Picasso y Braque comienzan juntos los ensayos del cubismo analítico. En este periodo
las obras de ambos se confunden, realizan y firman instintivamente los lienzos, aunque
quizás Braque tenga un mayor sentido decorativo y también una concepción más
armoniosa del color y las formas.
Sin duda la faceta o periodo más representativo de Braque procede del cubismo
sintético porque Braque se había formado en su juventud como pintor de brocha gorda e
n la decoración de interiores en Normandía. Por esta razón en la obra de Braque
sintética la simulación de materiales tiene un mayor verismo que Picasso.
Sus obras incorporan elementos de collage combinados con áreas pintadas y también
con zonas de simulación matérica. En este tipo de composiciones Braque es mucho más
lírico con una mayor economía de medios y es habitual que deje el fondo del lienzo
visible o en blanco.
Los ensayos que realiza Braque pasan por imitar el veteado de la madera, la calidad fría
de mármoles o la textura de los paneles de mimbre.
A partir de Picasso y Braque entorno a 1912 se asiste en París y después en toda Europa
a un éxito absoluto del cubismo como formula pictórica. A partir de esa fecha se van a
suceder las iniciativas individuales y colectivas que tomando como referencia la base
del cubismo profundizan en diferentes investigaciones plásticas.
Así en 1912 se publica el texto “Du Cubisme” realizado por Metzinger y Gleizes. Es un
tratado en el que se interpreta la manera metafísica la base del cubismo insistiendo en

33
que el discernimiento de las formas que hace el espectador ante el cuadro lo que hace es
verificar la existencia de una imagen existente.
El llamado grupo Puteaux organiza en 1912 el llamado “Salón de la sección de oro” en
la galería La Boetié. En ese salón no expusieron ni Braque ni Picasso; pero si otras
figuras como Fernand Léger, Francis Picabia, Metzinger,...etc. También el grupo se
enriqueció con la presencia de los hermanos Duchamp. El titulo de la sección de oro no
es casual por que refleja los intereses matemáticos y científicos que tenían parte del
grupo. El término sección de oro tenia que ver con el tratado de Luca Pacioli “La divina
proporción”, al asumir la sección áurea buscaba relacionarse con un sistema de
proporciones que era aplicable a la naturaleza y al cuerpo humano.

 FERNAND LÉGER 1881-1955

Fue componente del grupo “Puteaux”.Va a ofrecer un tipo de cubismo emanado del
sintético, con más colorido que Picasso y Braque, donde los elementos que componen el
cuadro funcionan como engranajes y elementos mecánicos de tal manera que transforma
los asuntos humanos y relaciones personales en experiencias maquinistas. Esa
fascinación por la maquina también la tendrán otros autores, siendo una de las bases del
“dada”.
Así los cuadros de Léger tienen un aire autónomo compuesto por cilindros y conos que
ciertamente interpreta de una manera decorativa. Son también una amalgama de formas
tubulares y cónicas donde se utiliza un colorido brillante porque siguiendo los recursos
publicitarios combina el dibujo en blanco y negro con áreas fuertemente coloreadas en
rojo y amarillo.
En la evolución plástica de Léger la guerra marca un antes y un después. Tras la primera
guerra mundial su obra continua con un proyecto cubista más atemperado en el que las
formas tubulares dejan paso a figuras normalmente femeninas construidas con una
figuración más tradicional (retorno al orden).

 Las Tres Mujeres

 JUAN GRIS 1887-1927

Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid y estudió
allí en la Escuela de Artes y Oficios. En 1906 se traslada a París donde conocerá a
Picasso, llegando a ser el artista de la sección de oro que más relación tuvo con él.
Juntos compartieron el estudio de el Bateau-Lavoir.
Su pintura tiene mucho que ver con las obras sintéticas de Picasso y Braque. A
diferencia del binomio, Juan Gris intentará aplicar al cubismo un sistema lógico e
intelectual utilizando medidas modulares y aplicando las proporciones áureas.
Sus temas son similares a Picasso, pero Juan Gris buscará un equilibrio de volúmenes.
Con Juan Gris asistiremos a una convivencia de la particular visión espacial del
cubismo junto con un esquema procedente de la perspectiva tradicional. Por eso los
objetos los dispondrá ordenadamente en el espacio, unos más próximos y otros en el
fondo, por lo tanto continua con la operación visual de la pintura tradicional.

34
Juan Gris no desaprovecha los recursos que le aporta el cubismo sintético y se apropia
del collage de Picasso y Braque enriqueciéndolo con nuevas lecturas.

 El lavabo
En esta obra utiliza fragmentos de espejo. Esto por una parte indica la situación de un
objeto real en una obra de arte pero por otra incorpora al espectador dentro de la propia
obra de arte.

 Tablero de Ajedrez
Muestra como Juan Gris utilizó la simulación matérica pero con más sentido cromático.

Cubismo Órfico

Fue una vertiente del cubismo. Se gestó en torno a 1909 y finaliza en 1914. Fue una
modalidad cubista segregada del grupo de la sección de oro e integrada por Robert
Delaunay, Sonia Terk y Frank Kupka. Este, grupo segregado de la sección de oro, con
el planteamiento cubista iniciaron una tendencia que culmina con una experiencia
totalmente abstracta.
El nombre de cubismo órfico procede de la descripción de Apollinaire, cuando ante una
obra de Delaunay titulada “Discos Simultaneos”, Apollinaire relacionó esta pintura con
el mito de Orfeo. Orfeo según la mitología era un músico tracio encantador de criaturas,
la relación procedía en que la pintura de Delaunay se apartaba del mundo real tanto
como la música de Orfeo.

 ROBERT DELAUNAY

Comienza su experiencia cubista con una serie dedicada a la Torre Eiffel. En estos
paisajes urbanos recurre a una fragmentación cubista muy semejante a la etapa
cezaniana de Picasso y Braque, pero a diferencia del estatismo del binomio, Delaunay
busca un sentido dinámico que se muestra en el despliegue interior de los planos y en la
superposición de planos a través de los colores transparentes.
El hecho de que Delaunay trabaje la Torre Eiffel como una serie, indica la presencia de
las formulas del impresionismo (las series son típicas de ese movimiento, mismo motivo
interpretado de manera diferente).
A partir de estas experiencias y sin duda influido por las ventanas de Matisse, comenzó
la serie “Ventanas”, donde explora en una especie de mosaicos compuestos por cuadros
coloreados donde progresivamente se ira apartando de la mimesis con respecto al
objeto. Las ventanas son siempre planos trasparentes de formas geométricas donde
apenas hay dibujo. Cada plano tiene una iluminación independiente y el motivo de la
ventana irá poco a poco perdiéndose hasta llegar a ser cuadros totalmente abstractos.
En 1913 hace un salta definitivo hacia la abstracción cuando comienza sus “Discos
Simultáneos”. El término simultaneo no es casual, procede de la ley de contrastes
simultáneos de Chevreul. Está por tanto basado en un tratado óptico que explica el
origen científico de los colores y también las potencias de contraste entre ellos.

35
  Discos Simultáneos
Son cuadros totalmente abstractos, no hay una alusión a la realidad. Son considerados
las primeras piezas abstractas que se realizan en París. Se acabará expandiendo por toda
Europa, influyendo a Kandinsky y a los artistas de la Bauhaus alemana.
Estos discos cromáticos que interactúan entre ellos y que exploran las posibilidades
combinatorias de los colores servirán como referencia para el Op-Art.
Se ha querido ver en estos discos, una descomposición de los rayos de luz. En cualquier
caso son cuadros abstractos donde normalmente los colores se distribuyen en franjas
concéntricas que a su vez estas divididas en cuartos dando sensación de movimiento.

 SONIA TER

Hizo cuadros idénticos a los de su marido (Robert Delaunay), pero fue ella la que tuvo
la habilidad de trasladar esos diseños al ámbito de la creación textil. Por esta razón las
telas órficas de Sonia Ter alcanzarán un gran éxito cuando la firma Chanel incorpora
estos dibujos coloristas en telas de seda para sus camisas y vestidos.

Cubismo Purista

Tiene lugar en el periodo entre guerras, de 1918 a 1925. Sus protagonistas fueron
Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret (más conocido como el arquitecto Le Corbusier).
Ambos publican en 1918 un manifiesto titulado “Después del Cubismo”. En él se
criticaba el decorativismo en el que para ellos a caído el cubismo, propugnando un
retorno al orden y al rigor y además quieren encontrar un modelo de pintura científica
donde no halla un resquicio para la imaginación personal.
Esa necesidad de orden y lógica en la pintura coincide con lo que fue su ideario
arquitectónico (casa concebida como una maquina). Para buscar ese tipo de pintura
purista se apropian de las temáticas del cubismo tradicional, bodegones y naturalezas
muertas, objetos cotidianos que según Jeanneret no trasmiten sentimientos.
En la forma de ejecución los puristas trabajan a pintura de una manera muy dibujista,
son dibujos precisos, perfectamente delimitados con una aplicación de la pintura muy
delicada y normalmente en tintas planas con una suave gradación de trasparencia en los
bordes de los planos.
Con este purismo Ozenfant y Jeanneret pretendían eliminar los gestos expresivos, los
conatos de personalismo de algunos de los miembros de la sección de oro. Como son
obras que no quieren trasmitir sentimientos por eso no tienen nunca una pincelada
visible.

. ESCULTURA CUBISTA .

Fue Picasso el primero que se interesó por una representación tridimensional de sus
inquietudes estéticas. Los primeros trabajos están vinculados a la cerámica. Comparte

36
durante algunos meses en París el estudio de Montmartre con el pintor bilbaíno Paco
Durrio (amigo de Gauguin), éste había conocido la cerámica moderna en el taller de
Chaplet. Picasso conoce a través de Durrio las posibilidades del barro, las diferentes
policromías y aplicación del fuego.
Las primeras obras de Picasso escultóricas son síntesis formales figurativas donde se
aprecia una clara influencia de las mascaras africanas.
A partir de estas primeras obras, Picasso comienza a intervenir la escultura con otro tipo
de elementos. Así hace figuras de bronce añadiendo varillas metálicas o elementos de
papel, que llegan a funcionar como verdaderos collage escultóricos.
Si Picasso trabajó la escultura desde fechas tempranas, lo cierto es que la escultura
cubista careció de un líder y de un ideario o modelo propio. Únicamente Picasso
abordará el collage escultórico porque el resto de artistas relacionados con el grupo de
Puteaux van a trabajar con materiales tradicionales pero geometrizando las formas.
Picasso incorporará materiales de desecho en una obra escultórica, abrirá una vía para
los Mertz (dadá alemán) y también para el arte povera italiano. Esos elementos de
collage escultóricos tienen mucho que ver también con Rodin.

 ALEXANDER PORFIRIEVICH ARCHIPENKO 1887-1964

Rompió con la tradición de la escultura monumental comenzando unas obras

simplificadas de desnudos femeninos inspirados en las artes primitivas.

 El Boxeador
Es su obra más conocida, en ella los volúmenes están totalmente simplificados. Como
sucedía en el cubismo analítico, se a perdido la referencia con la realidad. Es una
escultura que funciona con volúmenes alrededor de un hueco. El hueco pasará a ser un
plano más de la obra, no es concebida como una zona no esculpida sino que es uno de
los volúmenes que configura el sentido de la pieza.
Ni Archipenko ni Duchamp Villón se aproximaron al collage escultórico, trabajaron
fundamentalmente en bronce.

 RAYMOND DUCHAMP-VILLON 1876-1918

 El Caballo
Es su obra más conocida. Muestra el movimiento del caballo preparado para dar un
salto. Pero Duchamp Billón convierte al animal en un robot autómata que utiliza para
estudiar la potencialidad del movimiento. El caballo trata de energías apunto de
expansionarse con fuerzas concentradas en la figura agachada del caballo. La
concepción de la escultura como una potencialidad del movimiento tiene claras
similitudes con los presupuestos del futurismo italiano.

. FUTURISMO .

37
A pesar de nacer en el seno de la cultura del norte de Italia, su manifiesto aparece en
París en 1909 en un suplemento del Fígaro titulado “El manifiesto del Futurismo”. Fue
redactado por el poeta Filippo Tommaso Marinetti inaugurando la cadena o sucesión de
manifiestos y ensayos teóricos que dieron identidad al futurismo.
Se desarrolla en Italia, concretamente en el norte del país, coincidiendo con el gran
desarrollo económico de la zona de Milán. Coincide con la aparición de los primeros
aviones, automóviles y cinematógrafos.
Desde el punto de vista cultural el ambiente filosófico que predomina en la Italia del
norte esta fuertemente influido por la filosofía de Nietzsche. Marinetti se apropia de la
teoría del superhombre de Nietzsche, identificando a los artitas como esa raza superior
provista de genio y capaz de cambiar al mundo.
La teoría del futurismo gira entorno a el ideario de Filippo Tommaso Marinetti, fue un
poeta que nace en Alejandría y que publica en 1909 el manifiesto de “El Futurisme” en
el Fígaro, que se convertiría en el punto de arranque de este movimiento italiano y que
se extenderá al ámbito francés y que también impregnará los inicios de la vanguardia
rusa. En ese primer manifiesto, pedía la abolición del culto al pasado, animaba a los
artistas a crear un arte actual basado en la velocidad y en la maquina. De hecho a
Marinetti se le considera como el primer agente provocador moderno y también como el
padre de los performance16 y los happening17. Además de su obra literaria, propuso una
película titulada “Vida Futurista” donde se recogía diferentes secuencias de cómo
duerme o camina un futurista. En 1917 escribió un ballet de un solo acto en el que la
bailarina ejecutaba la danza de la ametralladora y la del aviador. Llegó a crear un teatro
de variedades, con el propósito de envolver al espectador en una vorágine de
sensaciones auditivas con ruidos ensordecedores, bombardeo de imágenes junto a
chistes vulgares, carcajadas soeces y cuerpos desnudos en gestos provocativos. Criticó
todo el arte del pasado, consideraba bombardear Venecia, destruir todos los museos y
academias italianas, decía que Leonardo y su Gioconda le daba diarrea.
Para Marinetti la tecnología moderna había creado una especie de “superhombre”, este
“superhombre” no podía verse saciado con una cultura y unas artes tradicionales sino
que necesitaba con nuevas artes de expresión siempre relacionadas con la velocidad y la
maquina.
El futurismo es una vanguardia de corta vida.
A partir del texto publicado en “Le Fígaro” artistas de muy diferentes movimientos se
suman a las ideas de Marinetti y juntos colaboran en la primera exposición futurista
celebrada en Milán en 1910. El éxito se consolida en 1912 cuando se hace en París una
exposición dedicada al futurismo italiano.

16
Término que describe una práctica artística que consiste en “representar” ante un público y en directo
una obra de arte, o en considerar simplemente el evento que constituye esta representación como una obra
de arte en sí misma. Es, por lo tanto, la realización de una acción en el transcurso de la cual el artista
asocia generalmente diferentes formas de expresión, tales como la danza, la música, el teatro o el cine,
para realizar una puesta en escena en la que a menudo se incluye una parte de improvisación.
17
Forma de arte de acción posterior a la II Guerra Mundial que requiere de la participación activa del
público. El desarrollo de un happening está planificado por el artista en sus líneas básicas, pero todo lo
demás está condicionado por la propia situación y se halla a merced tanto del comportamiento espontáneo
de los actores como del azar. Por el contrario, durante una performance el desarrollo está más o menos
prefijado; el artista actúa ante un público no participativo. En cualquier caso, los conceptos happening y
performance no siempre están nítidamente diferenciados.

38
El movimiento se agota con el estallido de la primera guerra mundial. Mueren en el
frente el pintor Boccioni y el arquitecto Sant´Elia. Después de la guerra Marinetti va a
intentar resucitarlo dando lugar al Segundo Futurismo, tendencia poco novedosa y
amanerada en las formas anteriores.
El hecho de que la guerra disgregue al propio grupo futurista no deja de ser una
paradoja, porque Marinetti y el resto de los futuristas dentro de un nacionalismo ciego
habían contemplado la guerra como una forma de depuración social.
Hay que señalar que el futurismo fue el primer movimiento de vanguardia que nació de
una consigna ideológica y un programa.
Después de la guerra Marinetti fue amigo personal de Mussolini, éste tomó de Marinetti
el desprecio por las mujeres, el patriotismo y la glorificación de la guerra. De hecho
cuando Mussolini funda el Fastio en 1915, Marinetti ingresa en el partido fascista
italiano.
Muchas veces se a relacionado al futurismo con el movimiento “dada”, ciertamente
tienen puntos en común porque ambos adoptan una postura anarquista y sobre todo
sentían un profundo respeto por el materialismo e idealismo decimonónico.
El Futurismo inventó las veladas provocadoras y las bofetadas al buen gusta público.
Fue además el primer movimiento de la vanguardia que buscaba una modernidad
completa y sus manifestaciones incluían la literatura, la música, el cine, el teatro, la
política, el vestido y la cocina futurista entre otros. Pos eso el futurismo cuenta con un
acerbo programático muy intenso que comienza con el manifiesto de la pintura futurista
que redacta Umberto Boccioni en 1910 y que firma Carlo Carrà, Balla, Russolo y
Severini. En dicho manifiesto se hablaba de destruir el arte del pasado, despreciar la
imitación y revelarse contra el buen gusto.
En 1911, ese planteamiento de la pintura se amplia con el manifiesto técnico de la
pintura futurista. En 1912 se publica el manifiesto de la escultura futurista, también ve
la luz el manifiesto fotodinamismo futurista, y se publican en 1911 también los
manifiestos músicos futuristas y en 1912 el manifiesto técnico de la literatura futurista,
manifiesto del vestido futurista, manifiesto de la cocina futurista y el manifiesto de la
reconstrucción futurista del universo.
Se publican también textos contra Venecia, contra Montmartre y destaca el texto
titulado bombardeemos las academias, último reducto pacifista. Todos estos
manifiestos fueron publicados en la revista La Voce que se va a convertir en la
publicación portavoz del ideario del grupo, se llega incluso a fundar un periódico
titulado La Italia futurista.

 MÚSICA FUTURISTA
El aporte teórico de la música futurista lo redacta el músico Pratella junto con el
también pintor, Luigi Russolo. En los manifiestos de la música futuristas se aboga
porque los estudiantes de música abandonen los conservatorios, pero sobre todo
incorporaron como sonidos musicales ruidos producidos por máquinas.
Creían necesario que el ruido, elemento común en la vida, debía trasladarse al arte de la
música, por eso Russolo llegó a clasificar los ruidos existentes en seis familias
fundamentales y construyó instrumentos nuevos que reproducían sonidos procedentes
de las máquinas. Esos instrumentos los llamó intrarumori.
En 1914, en un concierto de Pratella y Russolo en Milán, ejecutaron su música con

39
ruidos de zumbadores, crujidores, chirriadores,...etc. Tras este concierto, hicieron varios
en Londres y en Paris. Esas experiencias de nuevos instrumentos tendrán gran
incidencia en la música de Jhon Cage y en la música electrónica.

 LITERATURA FUTURISTA
Marinetti hace un discurso telegráfico, incoherente, sin conexión sintáctica donde hay
una libertad total ortográfica y como ejemplo tenemos el texto Las palabras en libertad.

 PINTURA FUTURISTA
Como todos los planteamientos de la vanguardia pretende romper con la tradición de la
pintura académica, quieren hacer un proyecto estético nuevo, radical, identificado con la
sociedad industrial, con la máquina, con la energía y con la violencia. Para llevar a cabo
esta auténtica revolución visual, el futurismo quiere representar el movimiento, pero no
sólo de un objeto que se mueve (que no seria novedoso) sino el movimiento mismo,
porque los futuristas en el plano teórico defienden la plasmación de la sensación
dinámica, es decir, la fuerza interna de cada objeto incluyendo los inanimados y el
efecto que ese movimiento provoca en el espacio circundante.
Esa sensación dinámica no es netamente científica sino que se trata de una impresión
emocional y, por lo tanto, subjetiva. Los futuristas van a distinguir entre dos tipos de
movimientos: el absoluto y el relativo. El movimiento absoluto es el objeto que se
mueve mientras que el relativo es el movimiento que surge de la transformación que
sufre el objeto al moverse tanto en su entorno móvil como inmóvil. Para plantear el
movimiento relativo toman como punto de referencia técnica soluciones
neoimpresionistas y el aporte fotográfico y la estela del cubismo.
La pintura futurista bebe directamente del cubismo, porque cuando busca dar una
sensación visual de movimiento recurre a una interpenetración de planos que se
entienden como herencia del cubismo. Los futuristas toman del cubismo analítico dos
aspectos que no habían sido abordados en la pintura tradicional: la idea de tiempo y el
movimiento.
Lo mismo que los cubistas, los futuristas no representan un objeto sino el proceso visual
de contemplación de ese objeto, como una secuencia temporal. Hay además un efecto
simultáneo de la memoria y la visión, recordando lo que has visto.
La diferencia fundamental con el cubismo es que éste había alejado de la pintura la
emotividad, sin embargo, los futuristas hacen una proyección sentimental del sujeto con
el objeto, y eso se traslada al espectador.
Uno de los elementos cubistas que incorpora el futurismo es la tendencia a un mayor
número de planos en la parte central y que escasean en los extremos, dando así por
ejemplo la impresión de una energía centralizada que se dispersa en los extremos,
llegando incluso más allá de los limites físicos de la obra. Como continuidad del
cubismo también podemos señalar la fusión de los objetos con el entorno, espacio y
objeto forman un todo (esto aparecía en las señoritas de Avignon).
Otra influencia que constituye la base del futurismo, procede del neoimpresionismo que
es el divisionismo o puntillismo. Como tendencia propia del postimpresionismo, habían
intentado dotar a la pintura de una base científica mediante la descomposición de la luz
y el color. Así las facturas del futurismo tienen mucho que ver con el divisionismo
neoimpresionista porque lo rebautizan con el término de complementarismo congénito,

40
y entienden por ello a una pintura de pinceladas dinámicas, colores puros aplicados en
moteados, pinceladas que en la direccionalidad del gesto subrayan el análisis de la
energía y el sentido del movimiento.
El futurismo coincide también con avances en el ámbito de la ciencia médica, en la
primera década del siglo XX se generalizan los rayos X como método de diagnóstico y
que permiten la visión interior de cuerpos opacos. Esos rayos x parece que influyeron en
los inicios del cubismo y también están en la base de la experiencia futurista.
En el ámbito de la fotografía podemos citar las experiencias fotográficas de Marey y
Muybridge que comenzaron a realizar secuencias fotográficas llamadas
cronofotografías, donde los imágenes secuenciaban un movimiento determinado. Estas
experiencias son la base del cinematógrafo y eran un elemento muy popular en la
Europa de comienzos del siglo XX con plaquetas rectangulares o circulares que se
movían en un visor expuesto a la luz directa.

 HUMBERTO BOCCIONI 1882-1916

Falleció al caer de su caballo durante un ejercicio de caballería en Verona, falleció por

tanto como militar en la misma guerra que él y Marinetti habían ensalzado como la
higiene del mundo.
Su formación inicial procede del impresionismo enriquecido por su contacto en 1906
con el círculo del expresionismo alemán. Teorizó acerca de la pintura futurista, defiende
una pintura que no se concrete con el objeto sino en la experiencia de un movimiento y
en el entorno del objeto modificado por el movimiento e inicia una iconografía que será
característica de todos los pintores futuristas, basada en elementos de la cultura
moderna, ámbitos ciudadanos, personajes que pasean, escenas de trabajo y de vida
nocturna.

 Tumulto en una galería de Milán 1909

Fue realizada con el toque puntillista del neoimpresionismo donde se advierte el interés
por las masas humanas en movimiento. En esta fase el movimiento se concentra en el
centro del cuadro y en su etapa futurista se van a expandir hacia fuera del cuadro.

 La ciudad se expansiona
Es una obra ya considerada futurista. Esta protagonizada por caballos, de planos
interrelacionados, y pincelada alargada que sigue la direccionalidad del movimiento.
Los colores usados aquí proceden de la receta del neoimpresionismo porque emplea
tonos complementarios para lograr mayor realce cromático.

 Dinamismo de un ciclista 1913

Las formas deshechas de “La ciudad se expansiona” dejan lugar aquí a planos
geométricos que están muy próximos a las intenciones del cubismo analítico.

 Dinamismo de un futbolista 1913

Va en la misma línea de intentar materializar el movimiento de una figura junto con las
variaciones que se producen en el espacio circundante. A diferencia del cubismo
analítico, el mantenimiento de esa pintura de toque deshecho y color dividido mantienen

41
un efecto de vibración óptica mas rico que los ejemplos del cubismo.

 Serie dedicada a los estados de animo

Aquí hace una secuencia del movimiento humano entrecortado por una serie de líneas
de fuerza verticales donde las formas caminan como auténticos espectros. Esta serie se
aparta de la asepsia del cubismo buscando un lenguaje emotivo en el que se puede
sumar el aspecto científico de una pintura que secuencia el movimiento junto con la
subjetividad de su interpretación plástica.

 GIACOMO BALLA 1871-1958

Sus primeras obras están dentro de la tendencia del luminismo italiano. En torno a
1909-1910 colaboró con Humberto Boccioni en la redacción de los manifiestos del
futurismo y realiza composiciones relacionadas con ese interés por el movimiento pero
donde se preocupa, en mayor medida, por los efectos lumínicos.
Emplea una pincelada en forma de flecha que remarca las líneas de energía del
movimiento. Estos aspectos se pueden apreciar en:

 El vuelo o bandada de vencejos

Aparecen los diferentes instantes del movimiento de un ave y las modificaciones que
esa energía ha producido en el entorno.

 Vuelo del moscardón

 Mano del violinista

 Dinamismo de perro con correa

Es su obra más conocida. Aparecen los pies de una señora, un perro salchicha y una
correa que se mueve. Hay un estudio perfecto de carácter fotográfico de una escena
totalmente trivial.

A partir de 1913 su pintura se desenvuelve en un lenguaje totalmente abstracto.

Aquellas inquietudes lumínicas manifestadas anteriormente, dejan paso a unos cuadros
llamados “Penetraciones iriscentes”, donde a la manera del orfismo de Delaunay y
Sonia Ter, realiza versiones abstractas del espectro lumínico (no a base de círculos si no
de formas romboidales). En este periodo, Balla se aparta de Boccioni con el que
mantiene discrepancias teóricas.

 GINO SEVERINI 1883-1966

Fue el artista mas cosmopolita del futurismo italiano. Había vivido en París desde 1906
y conocía la impronta del puntillismo y sobre todo el efecto del cubismo. Cuando
regresó a Milán, deseoso de trasladar a Italia la renovación pictórica que se habia
iniciado en París, se integra en el grupo de futuristas con los que no tenía ninguna
relación de carácter estético.
Sus temas son muy diferentes al resto del grupo. Hasta la primera guerra mundial,

42
trabajó fundamentalmente en el tema de las bailarinas, muchas de ellas caracterizadas
como andaluzas.
Las primeras obras futuristas de Severini son piezas donde descompone el movimiento
en elementos tubulares que recuerdan a Fernand Léger y que se materializan en unas
coloraciones azules influidas por la etapa azul de Picasso.

 Bailarinas 1913
En su etapa posterior a la guerra, continúa con el tema de las bailarinas incorporando
una factura muy deshecha, con pequeños puntos, planos enérgicos concentrados en el
centro y que se expanden llegando incluso a irrumpir en el marco.

 LUIGI RUSSOLO

Su obra pictórica, porque era músico, son piezas que se interesan por el movimiento y
por la deformación del objeto al realizarlo y como el movimiento modifica también el
espacio circundante.

 Dinamismo de un automóvil

 Movimiento de una dama

Es una pieza que influirá en el “Desnudo bajando una escalera” de Marcel Duchamp.

 La música
Por su vocación musical intentó trasladar en varias ocasiones en una impresión visual
los sonidos musicales. Por esta razón dedicó una serie completa a la música, música que
se convierte en máscaras de colores intensos que generan melodías y que configuran
una serie de espectro sonoro alrededor del individuo.

 Carlo Carrà 1881-1966

Se va a sumar junto con Giorgio de Chirico a la experiencia de la pintura metafísica

pero tiene un contacto anterior con el futurismo que se materializa en varios cuadros
donde combina pintura con el collage.

 Manifestación Intervensionista 1914

Es su obra más conocida donde utiliza frases y eslóganes de carácter patriótico referidos
al ejército, junto con inscripciones pintadas.
Tanto los collages como las tiras pintadas se disponen de manera radical, profundizando
en la idea futurista de la energía en expansión y a su vez remitiéndose al estallido de una
bomba.
En esta pieza vemos que es la primera vez en al ámbito italiano donde se utiliza la
pintura como una forma de agitación propagandística. Carrà tiene puntos de contacto
con lo que será la cartelística de la vanguardia rusa y también con el cartelismo
comercial que se inicia en estos años.

43
 ESCULTURA FUTURISTA

El problema escultórico va a ser intentar trasladar un principio o voluntad de

movimiento a un objeto escultórico que es en principio estático. A pesar de que
Bocccioni en el manifiesto de escultura futurista reclama una renovación a ultranza va a
elegir temas muy convencionales (bodegones y figuras) y también un procedimiento
técnico (bronce a la cera perdida) que es también tradicional.
Boccioni expresa su idea de la escultura futurista en ese manifiesto técnico de 1912. En
él defiende una obra que expresa la dinámica interna de los objetos, que indique la
energía interna de los personajes y de las cosas y que de la impresión de algo que no
tiene unos limites precisos. En el tratado de escultura futurista teoriza el concepto de
escultura ambiente, ya planteada por Rodin.

 Desarrollo de una botella en el espacio 1912

Es una obra de Boccioni. Aparentemente estamos ante un bodegón compuesto por una
mesa, una botella, un vaso y un plato. El bodegón en principio es estático pero Boccioni
intenta ofrecer a través de una exfoliación de los planos formas estáticas que se abren y
que interactúan entre sí. Así los planos de estos elementos se despliegan y reflejan para
revelar como si de una visión de rayos x se tratara tanto su masa como su volumen
interior.
En la base de esta obra encontramos una preocupación cubista. En el cubismo analítico
se habían planteado problemas de acerca de cómo se conocen las cosas, por eso
Boccioni nos ofrece en un mismo objeto una visión sintética de diferentes visiones
parciales, como hacia Cezanne. Además intenta convertir a los objetos opacos en
objetos trasparentes porque lo mismo que en una visión de rayos x los objetos de este
bodegón nos muestran su interior.
Boccioni concibió este bodegón como un verdadero altorrelieve porque a pesar de
tratarse de una obra exenta esta hecha para su vista de frente sin contemplar ningún tipo
de visión lateral.

 Formas únicas de continuidad en el espacio 1913

Es su obra quizá más conocida. Toma como punto de partida la escultura clásica porque
muchas piezas de la estatuaria grecorromana carecían de brazos.
Es una pieza que no llegó a ser fundida en bronce pero que le obsesionó en sus últimos
años porque intentaba representar no a un hombre que anda sino el movimiento mismo
del hombre. Lo hace basándose en una figura humana asexuada sin brazos ni rostro
donde el cuerpo y el vestido están fundidos y donde gran parte de la superficie corporal
se trasforma en planos triangulares que convierten al hombre en una especie de figura
aerodinámica indicando la impenetración del individuo en el espacio.
Con esta obra Boccioni pretendía conseguir una verdadera escultura ambiente, que
impregnase el espacio.

 ARQUITECTURA FUTURISTA

Fue protagonizada por el arquitecto Antonio Sant'Elia. En 1914 publica el manifiesto de

arquitectura futurista. En él Sant'Elia continua la línea teórica radical expuesta por
Marinetti y por Boccioni, reclamando a los arquitectos jóvenes diseños actuales y

44
acomodados a las necesidades de la sociedad industrial. Elaboró una teoría en la que
defendía que los cascos históricos son totalmente inadecuados para la vida moderna y
había que derribarlos.
En 1916 fallece en el frente como soldado y después de la primera guerra mundial
algunos arquitectos relacionados con el fascismo italiano van a recuperar sus ideas.
No llegó a ver ejecutado ninguno de sus proyectos. Son los diseños utópicos de un
visionario que crea ciudades de ciencia ficción donde aparecen rascacielos, pasarelas
mecánicas en las calles, calles cubiertas por elementos de cristal, carreteras y vías de
tren y metro incorporadas en los edificios. Es una arquitectura donde se concibe
vivienda colectiva, con ascensores a la vista, calles en diferentes niveles y es una
arquitectura de hormigón visto y desornamentada adaptada a las necesidades de la vida
moderna y que siempre debe incorporar todos los avances de la ciencia y de la técnica.
Su arquitectura va a ser reivindicada por la arquitectura High-Tech, inglesa y
anglosajona, con un gran interés tecnológico protagonizado en Europa por Norman
Foster.

. LA VANGUARDIA RUSA .

En el ámbito ruso hubo un cambio brusco y rápido del academicismo al lenguaje más
radical de la vanguardia. En la Rusia prerrevolucionaria existía un ambiente artístico
favorable a la introducción de nuevos lenguajes creativos. Así en Moscú, San
Petersburgo y Kiev habían nacido en los últimos años del siglo XIX diferentes
publicaciones relacionadas con el arte, que incorporaban reproducciones y artículos
diversos sobre lo que estaba sucediendo en la Europa occidental. Una de esas
publicaciones llamada “El Mundo del Arte” introdujo en Rusia la estética Navi y el
simbolismo literario de Moureau. En la publicación “El toisón de oro” se reprodujeron
desde 1905 piezas francesas y alemanas de estética fauve. Además en estas localidades
se había desarrollado un mercado del arte muy sólido. Así hay un gobierno moderno en
Rusia liderado por el galerista Zolotoe que lleva a Moscú lotes de pintura de vanguardia
occidental. También hay en esta Rusia prerrevolucionaria un coleccionismo de
vanguardia.
La vanguardia rusa comienza a experimentar profundos cambios con estéticas modernas
a partir de 1912, estas novedades no se van a limitar exclusivamente al ámbito
moscovita ya que tanto como San Petersburgo como Kiev se van a configurar como
auténticos centros activos de producción plástica de vanguardia. En ese ambiente
cultural se produce un brusco paso de la pintura realista académica a un lenguaje de
vanguardia radical.
La vanguardia ruso coincide con un interés generalizado por las artes populares rusas.
Así prácticamente todos los artistas rescatarán las xilografías populares, los iconos y
también se mostraran interesados por las decoraciones infantiles.
El primer síntoma de cambio estético en Rusia se produce en el denominado
rayonismo18, protagonizado por el matrimonio Larionov y Goncharova. Estos autores
18
Movimiento artístico ruso creado por el pintor Mijaíl Larionov alrededor de 1910 y reconocido como
una de las primeras manifestaciones del arte abstracto. Las obras presentan una abstracción a base de
formas agudas entrecruzadas y sistemáticamente cortadas, que denotan un interés por movimientos como
el cubismo, el futurismo o el orfismo. Sin embargo, el principio que defiende el rayonismo le es

45
comienzan en 1912 a exponer unas obras que ellos denominaran como rayonistas,
llegan a publicar incluso un manifiesto del rayonismo en el que defienden una pintura
influida por el orfismo de Delaunay y también por el futurismo italiano. Esas obras
rayonistas del matrimonio se caracterizan por composiciones abstractas formadas por el
cruce de rayos de luz que emergen de superficies y que se disuelven de forma
cambiante.
Las obras rayonistas buscan transparencia que coincide con la intervención del orfismo
de Delaunay. Larionov y Goncharova fueron unos personajes muy peculiares, trabajaron
para los ballets rusos diseñando escenarios y figurines, paseaban por Moscú con los ojos
pintados de flores y la cara atravesada por signos algebraicos y signos rayonistas.
Coinciden con las actitudes publicas realizadas unos años antes por el futurismo
italiano.

 Natalia Goncharova 1881-1962

Las primeras obras de Natalia Goncharova son obras inicialmente influidas por el
ámbito ruso donde incorporan motivos de los iconos y bordados populares. A partir de
esa experiencia de formas populares se interesa por las premisas del futurismo italiano.

 Ciclista 1912
Es una composición secuenciada donde la figura está en movimiento. Tiene mucho que
ver con el futurismo, aquí Goncharova incorpora elementos rusos como grafías del
alfabeto ruso y también introduce motivos de muñecas y bordados rusos.

En una segunda fase ya rayonista se tratan de obras con rayos de luz y de apariencia
cristalina que recuerda la descomposición lumínica de los cristales de cuarzo, siendo
una producción totalmente abstracta.

 Mijaíl Larionov

 Soldado a caballo
En una primera fase se interesa por asuntos del arte folclórico ruso y hace
composiciones voluntariamente toscas que recuerdan a dibujos infantiles,
composiciones bidimensionales con un colorido muy rico que emula el cromatismo
intenso de las artes populares rusas.

En la fase rayonista Larionov desecha cualquier vinculo visible con la realidad. Es una
pintura no conceptual que supone una vía distinta del modelo abstracto iniciado pocos
años antes por Kandinsky.

A partir del rayonismo se suceden en Rusia las experiencias de vanguardia que buscan
totalmente propio: basado en el descubrimiento científico de la radiactividad y de los rayos ultravioletas,
propone plasmar la percepción de los rayos que emanan del objeto y la propagación rápida y simultánea
de la luz. El color se convierte en el tema central de la obra; los rayos, dispuestos en la tela con longitud e
intensidad variables, sugieren un universo irreal, regido únicamente por las leyes cromáticas y dinámicas.
Sin embargo, gran número de pinturas rayonistas siguen siendo figurativas. El movimiento perderá fuerza
con la llegada de la I Guerra Mundial, pero su influencia ha sido esencial en la evolución del arte
contemporáneo.

46
un lenguaje abstracto desentendido del academicismo. En esas búsquedas de un
vocabulario de vanguardia destacan Kazimir Maliévich.

 Kazimir Maliévich 1878-1935

Nació en Kiev. Formado a finales del siglo XIX en la Academia de su ciudad natal, tuvo
una primera etapa de experimentación en lo que él denomino como cubofuturismo.

 Afilador de cuchillos
Pertenece a ese cubofuturismo. Combina las formas tubulares de Léger con el interés
por el movimiento tomado de la experiencia futurista. A diferencia del cubismo y del
futurismo, aporta en este periodo una riqueza cromática que le aproxima al ámbito de
las artes populares rusas que conocía perfectamente.
En 1913 Maliévich renuncia al cubofuturismo y se decanta hacia una pintura en la que
no hay una representación de la realidad ni de cualquier tipo de objeto.

 Cuadrado negro sobre fondo blanco

En esta fase Maliévich apuesta por una creación que no tenga ningún tipo de
implicación utilitaria. Es una abstracción geométrica con formas elementales o simples
donde solamente se opera con la línea recta y colores planos reducidos de manera muy
extrema. Por tanto la propuesta de Maliévich supone un alejamiento del mundo visible,
el suprematismo aspira a ser una elaboración mental, una visión interior en la que se
supera incluso el sentimiento de las cosas para trasladarse a un mundo totalmente
elemental de formas planas.
En 1915 Maliévich, junto al poder ideológico de la revolución rusa de Maiakovski 19,
publica el manifiesto del suprematismo y en 1920 colabora en la redacción del texto
titulado “El suprematismo como el mundo de la no representación”.
Maliévich al principio fue recibido en el ambiente prerrevolucionario ruso como el líder
de una autentica revolución supraestructural en el nuevo modo económico
revolucionario. A pesar de que al principio las tesis de Maliévich y los constructivistas
fueran bien recibidas por la revolución, enseguida las autoridades soviéticas se dieron
cuenta de que el arte difundido por estos artistas de vanguardia no era comprendido por
el gran publico y por eso fueron obligados en algunos casos a cambiar de estilo. Así a
mediados de los 20, Maliévich rechaza el suprematismo y vuelve a una pintura de temas
populares dentro del realismo socialista que impone Lenin.
Cuando fallece Maliévich es enterrado en el cementerio de Kiev y su tumba quedó
19
Poeta y comediógrafo ruso, una de las grandes figuras de la poesía rusa revolucionaria. Comenzó su
actividad política durante el periodo zarista, lo cual le llevó a la cárcel, donde empezó a escribir poesía.
Tras el triunfo de la Revolución Rusa, se convirtió en portavoz cultural del nuevo régimen bolchevique.
Utilizó una gran variedad de técnicas destinadas a atraer a las masas, que iban desde el lenguaje llano, a
veces hasta vulgar, hasta nuevas formas poéticas. Durante la década de los años veinte, Maiakovski se
entregó por completo al servicio de la Revolución viajando por Europa, participando en congresos y
conferencias, creando material de propaganda, desde carteles o pósteres hasta poemas y guiones
cinematográficos y recitando sus versos por toda Rusia. Sin embargo, su obra poética va más allá de una
poesía revolucionaria, y aunque rechazó el simbolismo, buscó una nueva poesía llena de sensaciones y
efectos auditivos. Maiakovski se quitó la vida de un disparo y las causas han sido muy debatidas;
seguramente influirían tanto motivos personales como ciertas críticas que se vertían contra él acusándole
de individualista.

47
marcada por un gran cuadrado negro sobre una losa blanca.
Maliévich creía que el mundo exterior no tenia ninguna utilidad para el artista, era para
él un camino estéril intentar reproducir lo ya conocido y experimentado porque lo que
Maliévich defiende es una pintura que provoque nuevas experiencias, perspectivas
elementales o nuevas formas de ver.
Su obra más radical es su “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1913, y sobre todo:

 Cuadrado blanco sobre fondo blanco

Es un cuadrado blanco suspendido en un fondo blanco con una ligera modificación de la
textura y de intensidad de blanco para distinguir figuras y fondo.
El origen del cuadrado está en una opera futurista llamada “Victoria sobre el sol” en la
que Maliévich escenificó la captura del sol y el final de su tiranía sobre los ritmos de la
vida humana con una forma cuadrada suspendida de un espacio igualmente blanco.
El cuadrado es la forma más elemental, al suprimir el color, elimina cualquier conato de
simbolismo cromático y por lo tanto lo que hace Maliévich es desarrollar a través de su
propuesta abstracta es una especie de misticismo religioso con una operación
estrictamente mental.
Los años de suprematismo radical en Maliévich se agotan en sí mismos, a partir de
entonces se introduce en un suprematismo más barroco donde superpone las formas que
da sensación de espacialidad, también va progresivamente incorporando nuevos colores
y enriqueciendo su propuesta suprematista con formas geométricas de carácter
ornamental que se convierten en autenticas cenefas decorativas.

El Constructivismo fue el ultimo movimiento moderno ruso. Fue de corta duración,

defendía un arte con un propósito social. En el constructivismo el artista como
integrante de un proyecto revolucionario desde el punto de vista cultural, debe
subordinar su individualidad al bien común, es decir, el artista constructivista debe
contribuir a construir un nuevo orden que haga posible la utopía socialista. Esta base
ideológica del constructivismo se opone a Maliévich y a Kandinsky, ya que estos
pensaban que el arte es una experiencia personal y no publica.
El constructivismo nace en el ambiente de renovación cultural que defendía la
revolución bolchevique. Dentro de los primeros años de la revolución jugó un papel
determinante Lunacharsky, fue el comisario de educación de Lenin. Se comprometió a
defender un arte que no tuviese nada que ver con el arte del pasado y del capitalismo,
que fuese además un arte que colaborase en propaganda y en la agitación social, un arte
barato, no elitista y al servicio del pueblo. Por eso Lunacharsky buscó la participación
de los principales artistas de la vanguardia rusa para el diseño de carteles, carrozas,
espectáculos teatrales, diseños para desfiles, ropa deportiva...etc. Para permitir esa
popularización del arte Lunacharsky ideó los llamados Rosta, que eran carteles para la
agitación del pueblo y series de cromos infantiles donde se proponían diseños
totalmente novedosos. También fundó la famosa escuela de arte Vitebsk, dirigida por
Chagall con un claustro de profesores integrado entre otros por Maliévich y por
Lissitzky. También creó un centro de educación artística en Moscú llamado Vkhutemas
que fue una replica de la Bauhaus alemana con modernos métodos pedagógicos y que se
consideró como el centro artístico más avanzado del mundo.
El Constructivismo por este apoyo político y social fue sin duda el lenguaje artístico por
excelencia de la vanguardia rusa. Su creador fue Vladímir Tatlin.

48
 Vladímir Tatlin 1885-1953

Se formó como pintor de iconos, fue también marinero y carpintero y en el año 12 y 13

viajó a Paris donde conoce la obra de Picasso. De Picasso admira sus esculturas con
formas ensambladas y cuando regresa a Rusia intenta llevar hasta sus ultimas
consecuencias la lección de Picasso.
Tatlin plantea un arte que no tenga recursos ilusorios, que experimente con materiales
reales en un espacio real. Con Maiakovski organizó el llamado Leg que era el frente
revolucionario de la izquierda de las artes, un grupo de intelectuales y artistas
comprometidos en la creación de un nuevo modelo cultural revolucionario que fuese útil
a la sociedad y que llegase a todos los aspectos de la vida cotidiana.

 Monumento a la tercera internacional

Es su obra más conocida. Surge en 1919 del comisariado del pueblo para la educación,
en el proyecto se exigía un edificio que representase la ideología de la internacional
socialista sin recurrir a herencias del pasado zarista. Lo que propone Tatlin es una torre
inclinada de 400 metros de alto que debía ser un autentico emblema de la capacidad
técnica del hombre moderno para crear formas nuevas, por eso la bandera que ondeaba
sobre el ultimo cuerpo de la torre exhibía el lema de “los ingenieros crean nuevas
formas”.
La torre se concibió por Tatlin como una metáfora del cambio dialéctico y dinámico de
la sociedad y por eso esta gran torre en forma de espiral abierta, compuesta por una
estructura metálica, tenia en su interior tres recintos transparentes superpuestos. El
inferior alojaría al consejo legislativo de la tercera internacional y giraría sobre sí
mismo 1 grado cada 24 horas lo que suponía una rotación completa al año. El segundo
nivel, dedicado a usos científicos, tenia forma piramidal y rotaria una vez al mes. El
tercer cuerpo, con forma de cilindro perfecto, daría una vuelta completa al día
funcionando como un centro de información. El edificio se coronaria con una cúpula de
media naranja igualmente realizada en hierro y vidrio.
Nunca llegó a ser realizado. No era solo un monumento sino que era también un edificio
utilitario y además propagandístico. Es un magnifico exponente del compromiso del arte
constructivista con la política y la sociedad de la época.

Dentro de la obra de Tatlin hay que hacer referencia a sus llamados:

 Contrarelieves
Parten del colage cubista; emplea materiales como cristales, maderas, laminas
metálicas...etc. Materiales en definitiva de desecho industrial baratos y asequibles a todo
el mundo.
La idea de los contrarelieves es investigar las propiedades de los materiales
componiendo formas geométricas totalmente abstractas buscando un arte que no fuera
mimético en la naturaleza (como el zarista) y que además no necesitasen de materiales
costosos.

 El Lissitzky 1890-1941

49
Actúa de puente entre la vanguardia rusa y las propuestas de La Bauhaus alemana.
Lissitzky se traslada a la Bauhaus donde colabora con el claustro de profesores en ese
intento de renovación de la pedagogía del arte moderno.
Las creaciones características van a ser los denominados Proun (espacios de
demostración), son una reelaboración de las composiciones suprematistas de Maliévich
conviviendo sus formas geométricas básicas en tercera dimensión. Los Proun se
convierten en perspectivas axonométricas que tienen mucho que ver con los diseños
arquitectónicos porque investigan las relaciones de los cuerpos geométricos con
volumen en el espacio. Estos espacios de demostración tienen en toda sus facetas un
proceso creativo original. Cada Proun nace de una inicial correspondiente entre dos
formas y a partir de esa investigación primaria va añadiendo nuevos elementos siempre
concibiéndolos desde un espacio tridimensional. Los Proun de Lissitzky coinciden
claramente con las investigaciones paralelas de La Bauhaus alemana.

 Alexandr Mijáilovich Rodchenko 1891-1959

Intenta parodiar el suprematismo de Maliévich, creando un cuadro negro sobre fondo

negro. Sus obras coinciden básicamente con los intereses de los contrarelieves de Tatlin
es decir el empleo de materiales de origen utilitario aplicados sin un afán mimético y
buscando la relación social de sus creaciones.
Fue además uno de los precursores del arte ambiental, ya que junto a Tatlin y Yabulov
decoró el café Pintoresco y lo hicieron con elementos suspendidos del techo que se han
considerado siempre como el antecedente directo de los móviles de Calder.
En este ambiente se desarrolló su actividad

 Liubov Popova 1889-1924

Pintora y diseñadora rusa que realizó diseños textiles. Creó obras próximas al
suprematismo de Maliévich donde trabaja con las interacciones de formas geométricas y
también con interacciones de color.

 Naum Gabo y Antón Pevsner

Publican el famoso manifiesto del realismo donde preconizaban la utilización de formas

artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales
de lo que se conocería como constructivismo, además defienden que el arte posee un
valor absoluto propio independientemente de la sociedad que se ha gestado. Por tanto
este movimiento se opone a las directrices utilitarias y materialistas de Tatlin, por eso en
1920 se da como extinguido el grupo constructivista a pesar de que se mantengan hasta
el año 21. En ese año Lenin comienza con una nueva política económica que conducirá
a un programa artístico que regresa a la figuración y al arte fácilmente comprensible.

. NEOPLASTICISMO HOLANDÉS .

50
Es un movimiento que nace en Leiden en Holanda en 1917, es también conocido con el
nombre De Stijl20, que era el titulo de la revista que se convirtió en el vehículo de
propaganda de este estilo.
Con el neoplasticismo los Países Bajos se convirtieron en un centro prolífico de la
vanguardia. Las bases del neoplasticismo son muy sencillas; buscan formaciones
ordenadas, sencillas, regulares donde predomina la línea y el ángulo recto, donde no hay
emoción, se utilizan principalmente colores primarios (rojo, amarillo y azul) y colores
neutros (negro y blanco). Responde a un modelo de abstracción pura donde se intenta
suprimir cualquier recuerdo de pincelada emocional, los colores son compactos, puros,
lisos, y para evitar que el más mínimo aspecto del cuadro revele una cierta
intencionalidad del artista, Piet Mondrian llega a dibujar sus retículas negras con cinta
adhesiva utilizadas en las reparaciones eléctricas.
Vamos a encontrar varias bases o fundamentos que explican esta tendencia artística. En
primer lugar en Piet Mondrian se observa claramente la influencia de la teosofía, porque
Mondrian perteneció y fue miembro activo de la sociedad teosófica holandesa. La
teosofía fue muy popular y defendía una línea de pensamiento basada en un rechazo de
la realidad material a favor de una realidad espiritual. En esta pintura fría intenta
construir un lenguaje plástico supracional, un lenguaje librado del individualismo y que
pueda funcionar de una forma mística como un medio de clasificación espiritual.
 Manzano de Piet Mondrian (el fauvista y el cubista)

La música va a ser también un elemento de gran influencia en Mondrian, en primer

lugar por su consideración del arte, porque como ya había teorizado Kandinsky, la
música no reproducía los sonidos de la naturaleza y sin embargo a través de las reglas
armónicas, era capaz de reproducir una satisfacción estética.
Piet Mondrian en 1927 publica un ensayo, Jazz y Neoplasticismo, en el que considera al
jazz como un elemento de renovación cultural, capaz de generar una nueva sociedad de
la misma manera que la arquitectura y la pintura neoplástica podía llegar a conducir a
una nueva sociedad. Las vanguardias históricas aspiran a cambiar el mundo.
En la década de los años 20, Mondrian dedicó una serie de composiciones al ritmo del
Fox-Trot y también al Bugy-bugy con idea de marcar el ritmo, tanto en pintura como en
la vida, se podía materializar en las artes visuales y en la música. Para Mondrian el jazz,
con sus ritmos repetidos, reproducía el ritmo moderno de la máquina e incluso se
figuraba que esos ritmos tenían que ver incluso con el latido del corazón.
La pintura que proponen Theo Van Doesburg y Piet Mondrian es una pintura
desentendida de todo, sin narración, abunda en la necesidad de suprimir la decoración y
buscar superficies planas, siguen la línea de Adolf Loos21.
Al igual que el resto de movimientos, el neoplasticismo tuvo su propio aparato teórico,
el primer manifiesto se publicó en 1918 y en él se alude a la necesidad de buscar un
vocabulario de formas universal que superase las escuelas locales. Tanto Piet Mondrian
20
En holandés, “el estilo”. Revista y movimiento fundados por los pintores Theo van Doesburg y Piet
Mondrian en el año 1917. El nombre también se aplica a los artistas y arquitectos asociados con esta
corriente, así como al estilo que ellos crearon.
21
Arquitecto austriaco, uno de los pioneros del movimiento moderno en la arquitectura. En Dresde y en
Estados Unidos antes de establecerse en Viena. Recibió la influencia racionalista de la Escuela de
Chicago y reaccionó contra la superficialidad del estilo Art Nouveau, de moda en su época. Su fuerte
crítica quedó plasmada en el conocido ensayo Ornamento y delito y en la casa Steiner, un edificio cúbico
liso, despojado de todo adorno, que fue una de las primeras viviendas construidas en hormigón armado.

51
como Theo Van Doesburg redactaron posteriormente otros manifiestos titulados El
Elementarismo y Hacia una construcción colectiva. Textos en los que defienden al
movimiento neoplasticista como la única variante moderna que ha sido capaz de
articular un arte universal que podría aplicarse a todas las artes. En este sentido, el
neoplasticismo coincide con las investigaciones de Seurat y Signac, las Arts and Crafts 22
en el siglo XIX e incluso con la investigación metódica del cubismo.

 Piet Mondrian 1872-1944

La pintura de Mondrian, siempre partiendo de esa organización plana de retículas

asimétricas, con colores compactos y elementales, bebe directamente del ideario
teosófico del teósofo holandés Schoenmaekers. Esas ideas teosóficas se materializan en
una pintura de fuerte carga mística porque según estas teorías, los colores tienen un
contenido espiritual:
o Azul: reflexión, religión
o Amarillo: capacidad intelectual, remite al común intelecto superior
o Rojo: sensualidad, ira, soberbia y avaricia
o Verde: espiritualidades egoístas, materiales, con personalidades apegadas a
la tierra.
El rojo, el amarillo y el azul van a ser los colores básicos de la obra de Mondrian, evita
siempre el verde porque, al igual que hizo Kandinsky, Mondrian lo considera
procedente de la naturaleza y que remite a ella.
En cuento a las líneas el misticismo teosófico indicaban dos energías básicas en el
universo, una vertical masculina que se identificaba con energías ascendentes y con un
valor espiritual superior, y una horizontal femenina fértil pero incapaz de elevarse
espiritualmente.
Sus composiciones parecen ser un traslado visual de estas ideas teosóficas, líneas
horizontales y verticales, colores primarios y asimetrías voluntarias para evitar caer en
la mera ornamentación.
Se produjo un cambio importante a partir de la década de los años 30 con motivo de su
viaje a Estados Unidos y su contacto con el jazz. A partir de ahí, la influencia de la
música en Mondrian es cada vez más patente, suprime las retículas y organiza las
composiciones en pequeños cuadrados asimétricos que funcionan como los neumas de
la música gregoriana. Cada cuadrado remite a un tono y en conjunto transcriben los
ritmos.
En estos años, a pesar de haberse enfrentado a Theo Van Doesburg por haber
introducido la diagonal en la pintura, él mismo emplea el rombo, incluso formatos en
rombo. Esta es la única evolución de la pintura de Mondrian.

22
Tendencia artística de la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la artesanía y las artes
aplicadas durante una época de creciente producción en serie. Este movimiento surgió en 1861, cuando el
diseñador inglés William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, & Faulkner. Argumentando que la
verdadera base del arte residía en la artesanía, Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de
los productos hechos a máquina, dedicando su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y
mobiliario hecho a mano.

52
 Theo van Doesburg 1883-1931

Fue el principal difusor de los principios del Stijl en Europa por sus continuos viajes a
Francia y a Alemania, divulgando el ideario del grupo.
Entre 1917 y 1918 su pintura es idéntica a la de Mondrian, llegan incluso a confundirse.
Fue un teórico que interpretó el neoplasticismo sin la base teosófica de Mondrian
porque las formas reticulares de Theo Van Doesburg se analizan a partir de las
relaciones matemáticas. Dentro del grupo había varios arquitectos y matemáticos que
influyeron en Theo a la hora de establecer sistemas de proporciones, concatenaciones de
fórmulas que siempre se van a fundamentar en proporciones aritméticas y geométricas.

 La Vaca 1917
Sus primeras obras abstractas, son formas geométricas planas que flotan en un espacio
blanco al modo de las piezas suprematistas de Malevich.
En una fase posterior Theo utiliza las retículas asimétricas de Mondrian y a partir del
año 24 convierte esas retículas cuadradas en formas romboidales. En 1924 publica Los
fundamentos del arte nuevo, donde defiende la diagonal como un medio para lograr una
mayor expresividad dentro del cuadro. Theo se desengañó tempranamente de la
aparente asepsia del arte neoplasticista e introdujo la diagonal como una forma de
introducir a la pintura en una irracionalidad romántica.

. LA BAUHAUS ALEMANA .

Bauhaus significa “casa en construcción”. Fue una escuela creada en Weimar, uniendo
la escuela superior de bellas artes y la escuela de artes y oficios de Sajonia en 1919. El
primer director fue Walter Gropius y el objetivo era fusionar diseño y producción como
un verdadero campo de experimentación formal.
Siguiendo el ideario decimonónico de las Arts and Crafts, persiguen una fusión entre el
arte y la industria, artes que siempre van a estar lideradas por la arquitectura. De esta
manera la Bauhaus desarrolla la idea Wagneriana de arte total y pretende aproximar la
arquitectura y el arte al pueblo, aspiración en la que coincide con las prestaciones del
constructivismo ruso. En la Bauhause no hubo un estilo uniforme, confluirán en ella
artistas impresionistas, suprematistas, constructivistas y neoplasticistas.
En 1919 Walter Gropius redacta el programa de La Bauhaus donde afirma que el fin
ultimo de cualquier actividad artística es siempre la arquitectura. También en ese texto
se defiende la vuelta al valor del artesanado, buscando unos métodos pedagógicos
donde se recuperan las figuras de aprendices y maestros.
El claustro de profesores fue muy prestigioso: Kandinsky, Paul Klee...etc.
La enseñanza de la arquitectura y otras artes tenia un curso preliminar llamado Vorkurs,
era obligatorio y duraba unos tres meses en los que el estudiante independientemente de
los estudios que quisiera realizar debía de seguir son el objeto de liberar su instinto
creativo. Se utilizaron unos métodos muy modernos, dejaban a los alumnos realizar
formas de distintos colores, tamaños y texturas, para que sin formas previas las
combinasen siguiendo sus instintos. Este método fue ejecutado por Johannes Itten (que
dirigía el Vorkurs).

53
Hubo un proceso de racionalización desde una inicial herencia expresionista hasta un
empleo de formas elementales, siempre poniendo énfasis en el respeto por el material de
trabajo.
En 1924 la Bauhaus de Weimar se cerró y tuvo que trasladarse a Dessau. En 1930 la
dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, que trasladó la
Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus
obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a
Estados Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la
arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo
arquitectónico conocido como International Style23.

 Paul Klee 1879-1940

Nació en Suiza y tuvo contactos con el grupo alemán Der Blaue Reiter (el jinete azul).
En 1914 viaja a Túnez con Maque. Después de la Primera Guerra Mundial se traslada a
Munich y en 1921 se incorpora a la Bauhaus, primero en Weimar y posteriormente en
Dessau. En 1932, antes del cierre de la Bauhaus, su casa y su estudio fueron saqueados
por los nazis, por esto decide regresar a Suiza donde fallecerá en 1940.
Paul klee no era un teosofista pero sí fue un pintor muy influido por el pensamiento
metafísico e idealista alemán. Esa fascinación metafísica de Klee cuajará en el texto “El
ojo que piensa” que redacta precisamente cuando trabaja en La Bauhaus como profesor.
En ese texto hace lo mismo que Kandinsky, elabora una teoría de equivalencias entre
formas y colores visuales y experiencias psíquicas o estados espirituales. Lo mismo que
Kandinsky, valora el arte infantil y fue un apasionado igualmente de la música y de la
microbotánica.
Las claves de su pintura pasa por un interés por lograr ritmos en la pintura, formas
desplegadas, yuxtapuestas y como el objetivo primordial en todas sus etapas es siempre
llegar a armonizar lo objetivo con lo subjetivo.
Paul Klee es capaz de aunar referencias figurativas y formas abstractas en un mismo
cuadro. Su pintura es siempre una pintura armónica y equilibrada tanto en formas como
colores.

 Zoo

23
En arquitectura, corriente aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca una ruptura
radical con las formas compositivas tradicionales. El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de
los nuevos materiales industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano
en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la
ausencia de decoración en las fachadas y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de
acero. Los interiores tienden, por lo general, a ser luminosos y diáfanos. Aunque los orígenes de este
movimiento pueden buscarse ya a finales del siglo XIX, sus mejores ejemplos se construyeron a partir de
la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe, J. J. P. Oud y Le
Corbusier. El término International Style comenzó a generalizarse en Estados Unidos tras la exposición
de arquitectura moderna celebrada en 1932 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con motivo de
la cual Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson escribieron el libro International Style: Architecture
since 1922. También se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente en Europa meridional),
mientras que el funcionalismo se aplicó a la arquitectura preocupada por el diseño de edificios con
criterios estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos. Pese a que tras la II Guerra Mundial hubo
aún importantes construcciones dentro de este estilo, las últimas décadas del siglo XX han estado
dominadas por otros movimientos críticos, herederos en cualquier caso del movimiento moderno.

54
Es un buen ejemplo de esa pintura en la que llega a una pacifica cohabitación de fondo
totalmente abstracto con elementos figurativos y perfectamente reconocibles. Son
formas figurativas muy rudimentales porque se inspiran directamente en las direcciones
de los pueblos beréberes de Túnez.

 Luna llena
A partir de su ingreso en la Bauhaus su obra se hace más reflexiva, con un carácter más
conceptual y en ocasiones estas descripciones coinciden con los presupuestos del
surrealismo contemporáneo. Con el surrealismo, le aproxima al interés por el arte
primitivo por el mundo de los sueños, los mitos retomados y también por la
comprensión y entendimiento del arte como una verdadera escritura. Por eso en la
década de los veinte y treinta, Paul Klee utiliza flechas, señales, letras flotantes, signos
ortográficos, notas musicales y todo ese complejo universo signico se incorpora en
piezas que tienen que ver con formulaciones ornamentales de carácter popular.

. DADAÍSMO .

El dadá es un movimiento que se gesta en el ambiente cultural europeo desengañado por

el estallido de la primera guerra mundial. Parece que la palabra Dadá fue una palabra
encontrada al azar en el diccionario larousse que tenía significados muy diversos
dependiendo de las lenguas.
Nace en Zurcí, Suiza, en un momento en el que se aglutinan en esa ciudad desertores de
la primera guerra mundial y refugiados de diferentes nacionalidades. El personaje que
aglutinó la experiencia del dadá fue el poeta rumano Tristan Tzara, también formaron
parte de ese grupo dadá los escritores alemanes Hugo Ball, Richard Huelsemberg y
Hans Arp.
En 1916 fundan el Cabaret Voltaire donde se celebran reuniones, veladas poéticas y
muestras artísticas en las que convivían las artes plásticas, la música, el teatro y la
poesía. Los miembros del cabaret, consideraban que los artistas coetáneos habían
producido un arte y un pensamiento artístico que no había impedido la guerra.
La experiencia dadá enseguida se trasladó a otros lugares europeos e incluso a Estados
Unidos. Inicialmente dos artistas parisinos, Duchamp y Francis Picabia, se identifican
con el nuevo ismo, se crea un foco activo del dadá en París, Berlín, Colonia, Hannover y
Barcelona. En Nueva York, varios artistas con Duchamp y Picabia a la cabeza, exponen
en 1913, a esa primera exposición le suceden otras en el Armony Show. En esas
exposiciones, se acogen los primeros ready-made de Duchamp y también cuadros y
montajes fotográficos donde se muestran fascinados por las máquinas, por la mecánica,
pero no con la visión optimista del futurismo, sino con una interpretación totalmente
estética.
El dadá enseguida entra en decadencia por problemas entre miembros del grupo. La
facción mas activa liderada por André Breton, publica en 1924 el primer manifiesto del
surrealismo que supuso el fin de la experiencia Dadá.
En cuanto al apoyo teórico, a diferencia de otros ismos, los escritos del dadá son
antimanifiestos, asociaciones libres de ideas, sin ningún órden lógico y que en realidad
no tratan de convencer a nadie. Llegaron a publicar un almanaque titulado Cabaret

55
Voltaire en el que colaboran miembros del grupo de Zurich y también artistas de otras
inquietudes estéticas como Kandinsky o el propio Picasso.
El dadá no se limita sólo al carácter plástico, los artistas del dadá experimentaron con
montajes de todo tipo, con máscaras, indumentarias y también con exposiciones
relacionadas con los ruidos.
Características:
- No fue un estilo, no implicaba una manera única de entender el arte sino que
en el seno del dadá se gestó una actitud artística que supuso llevar la
vanguardia hasta sus últimas consecuencias. Cada artista hacia lo que le
parecía.
- Los artistas del Dadá, como los expresionistas alemanes, defendían la libertad
del artista, la espontaneidad, la contradicción, poniendo en entredicho la
cultura artística occidental secular porque el dadá llega a una actitud de anti-
arte, abandonando el objeto artístico.
- Frente al cubismo o las tendencias de la abstracción geométrica, el dadá
desprecia cualquier tipo de método, cualquier análisis, se opone al
decorativismo del Fau y a la subjetividad del expresionismo alemán.
- Como primer punto de arranque de lo que será el surrealismo, los dada son los
primeros que investigan en las posibilidades del azar. Por ejemplo, para la
creación literaria recortaban palabras y sílabas de un periódico, las introducían
en una bolsa y las sacaban y pegaban. En otras artes plásticas, ese azar, es más
claro, por ejemplo con las composiciones de Hans Arp, trasladan la
disposición de papeles rotos, caídos en el suelo y también en el seno del
dadaísmo van a realizarse diferentes experiencias que tienen que ver con la
intervención del azar en las fotografías, de tal manera que los papeles
fotográficos son expuestos a una interposición casi casual de elementos u
objetos que dejan su impronta en el papel fotográfico, son las llamadas
schalografías de Christian Schad, semejantes a los radiogramas de Man Ray.
- Los artistas persiguen un arte que deje de ser un objeto elitista en el que el
espectador debe jugar un papel fundamental para entender el significado de las
obras, porque en el dadá se entiende que el espectador no debe tener una
relación pasiva con el objeto artístico sino muy al contrario, debe participar
completando el sentido de la obra, manipulando el objeto, es decir,
descubriendo un ámbito de sugerencias estéticas y mentales.

 Marcel Duchamp 1887-1968

Nació en el seno de una familia acomodada muy vinculada con el arte, de hecho, tuvo
varios hermanos artistas como Raymond Duchamp24 y Jacques Villon25.
24
Escultor francés, uno de los maestros del movimiento moderno de principios del siglo XX. En 1910
comenzó a desarrollar un estilo cada vez más geométrico y abstracto; su busto de Baudelaire (1911,
Museo Nacional de Arte Moderno, París) es de una simplificación absoluta en sus óvalos y líneas puras.
Su famosa escultura Caballo (1914, Museo Nacional de Arte Moderno), medio animal y medio máquina,
constituye una abstracción de gran osadía que ejerció gran influencia en escultores posteriores. Era
hermano del artista dadá Marcel Duchamp y del pintor Jacques Villon (Gaston Duchamp, 1875-1963).
25
Pintor e impresor francés, hermano de los artistas Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon y
Suzanne Duchamp-Crotti. Villon fue bautizado como Gaston Emile Duchamp en 1875. En 1894, después

56
Comenzó realizando una pintura muy cercana a las propuestas del cubismo y del
futurismo.
En 1912, junto con Picabia y su esposa, acude a ver la representación teatral de la pieza
titulada “Impresiones de África” de Raimond Roussel. Esa pieza teatral colocaba en el
escenario máquinas de apariencia humanoide junto con actores reales. Los textos de
dicha obra de teatro no tenían coherencia, no narraban una historia con nudo y
desenlace y además los diálogos eran absurdos, estaban inspirados en los equívocos de
palabras homófonas. A partir de dicha obra teatral, Duchamp comienza a trabajar en el
“Gran vidrio”.
En 1913 realiza el primer ready-made y en esas fechas se define ya como un
“respirador”. Al describirse como tal, Duchamp incorpora un tipo de experiencia de lo
visual y entra en el territorio de lo que el denominó “intrafino”, que es el perfume
corporal de cada persona, la sociedad imperceptible.
Se considera el creador de los ready-made, objeto de uso cotidiano descontextualizado
que se convierte por voluntad del artista en un objeto de arte. Parece que el primer
ready-made fue Rueda de bicicleta sobre taburete. En estos ready-made desmitifica al
objeto artístico, lo descontextualiza dándole un título determinado y el arte deja de
concretarse a través de un trabajo artesanal y pasa a ser un trabajo de índole intelectual y
poética. Por ello los ready-made abren al arte del siglo XX la vía conceptual. Son
objetos que no son bellos, no son significativos, ni pretenden ser testimonio de la
historia, de la sociedad, ni tampoco se idean como una proyección de sentimientos. Son
objetos comunes, insignificantes que, clasificados en un contexto determinado, pueden
considerarse como arte. Plantean además una relación íntima entre el objeto y el
espectador, son objetos que se conciben para ser manipulados de manera activa por el
espectador, y son objetos que, en la “Obra abierta” de Humberto Eco, tienen lecturas
personales.
En 1915 Duchamp se traslada a Nueva York, huye de París desengañado por la escasa
aceptación que tuvo su Desnudo bajando la escalera. En Nueva York, Duchamp se
encontró con un ambiente cultural idóneo para sus propuestas porque era una ciudad
ajena a la tradición artística europea y donde el ambiente competitivo de la vanguardia
parisina no había llegado. Allí expuso este cuadro con éxito, y formó parte de la
Sociedad de Artistas Independientes, institución son ánimo de lucro, de carácter
privado, y que organizaba exposiciones sin ninguna intención comercial. Estas
exposiciones fueron el primer eslabón para el conocimiento de la vanguardia europea en
Estados Unidos. En el seno de estas exposiciones, en 1917 presentó un urinario
masculino firmado con el seudónimo de R. Mutt con el título de La fuente. Duchamp
formaba parte del comité organizador pero la obra no fue admitida lo que dio lugar a un
debate público que estimuló el ambiente artístico de Nueva York. Algunos vieron en
esta obra alusiones figurativas a una madona o a un buda, otros destacaron su límpida
belleza y, con el gesto radical de Duchamp de escoger un urinario, girarlo 45 grados y
de terminar la escuela secundaria en su Normandía natal, se estableció en París con su hermano
Raymond, quien comenzó estudiando medicina pero acabó convirtiéndose en escultor. Gaston (que había
adoptado el seudónimo de Jacques Villon como tributo al poeta medieval francés François Villon),
abandonó sus estudios de derecho para trabajar en el estudio de Fernand Cormon (en Montmartre) donde
había estudiado Henri de Toulouse-Lautrec. Comenzó como dibujante e ilustrador para varios periódicos
y revistas antes de establecerse en Puteaux, lejos de los distritos de moda de Montmartre y Montparnasse,
con el fin de dedicar más tiempo a la pintura. Su aislamiento y sus escasas pretensiones determinaron que
su obra permaneciera prácticamente en el anonimato, hasta su descubrimiento y promoción por parte del
galerista Louis Carré a finales de la década de 1940; para entonces Villon había producido más de 700
cuadros y un número considerable de grabados.

57
darle un título, lo que estaba haciendo uno de los gestos mas radicales de la vanguardia.
Después de la polemica de “La Fuente”, Duchamp realiza otros Ready-made, como
“Pala de nieve previsión de un brazo partido”.
En 1919 plantea el ready-made malogrado en el que envió a su hermana a París un
manual de geometría para que lo colgase de la ventana y fuese el viento el que fuese
pasando y eligiendo las páginas del libro. También envió a su hermana una ampolla de
cristal para que le recogiera aire de París, cuando fue de nuevo enviada a Nueva York,
fue expuesta con el título de “Aire de París”.
En 1919 presenta una obra muy polémica llamada “LHOOQ” . Las siglas leidas en
fraces vienen a decir “ella tiene un culo caliente o cachondo”. La ambigüedad aplicada a
la figura de la gioconda, a la que ha incorporado bigote y perilla, supone un atentado a
un icono de la cultura occidental. Al incorporar a una figura femenina elementos
masculinos, aborda también un tema especialmente debatido en la historiografía de fines
del siglo XIX y comienzos del XX, la supuesta homosexualidad de Leonardo da Vinci,
que fue destacada y estudiada por Freud cuando explicó la pintura de Leonardo como la
de un hombre acomplejado, que no había asumido su propia sexualidad y que había
sentido un odio por todo lo femenino.
En el tema de la ambigüedad sexual se creó un alterego propio llamado Rrose Selavy,
esta leído en francés remite a una frase que dice que Eros es la vida. Es una parte de una
estrofa poética de unos versos de Gertrude Stein. La identidad la asume cuando se
disfraza de mujer. Cuando asume esta identidad de Rrose Selavy, no está ofreciendo la
imagen de un travestido sino que pretende lograr un instrumento intelectual para
proyectar ciertas dimensiones de su creación artística que solamente determinadas cosas
según él puede hacer una mujer.
Duchamp comienza a trabajar en 1915 en la elaboración del “Gran vidrio”; su título
completo es La casada desnudada por los solteros. Es una obra que le ocupa durante
muchos años y sólo dará por terminada cuando en 1923 el Gran vidrio sufre una caída
accidental que provoca la conexión entre los dos paneles que constituye la obra. Es un
gran panel de cristal grueso, separado por dos áreas diferentes: la inferior donde se
desarrolla el ámbito de los solteros, y la superior donde está la gran casada. Estos
elementos están realizados con finos hilos de plomo para contonear las figuras y las
superficies generadas por esos contornos están rellenadas de pintura al óleo. Durante los
años de su elaboración, Duchamp fue pegando el polvo adherido a los cristales y en el
piso inferior, los solteros están aludidos mediante unos mecanismos extraños referidos a
actividades masturbatorias. Todos estos engranajes mecánicos tienen mucho que ver
con las figuras de las representaciones teatrales de Raymond Roussel.
Estos artilugios denominados máquina solipsista y aparato conjuntivo deberían
funcionar para generar una especie de gas amoroso que llegaría al panel superior donde
descansa una forma estable, alargada, ahuecada con un aparato sexual convertido
también en un engranaje mecánico que sería estimulado por esos efluvios amorosos
emitidos por los solteros. Esta temática amorosa del gran vidrio no deja de ser una
parodia mecanizando el deseo sexual en la vida moderna. La aparición de engranajes
mecánicos no es privativa de Duchamp, prácticamente todos los integrantes del Dadá
parodian las relaciones humanas convirtiéndolas en artilugios mecánicos. La temática
del Gran Vidrio no deja de ser una parodia mecanizando el deseo sexual en la vida
moderna.
Duchamp se obsesionó acerca de la manera en la que debía finalizar el gran vidrio
porque los efluvios amorosos de los solteros eran virtuales y no había una conexión

58
entre los dos paneles. En un descuido, el gran vidrio se cae y genera unas grietas
superficiales que conectan el ámbito masculino inferior y el femenino superior. Por lo
tanto, en la finalización de la pieza operó el azar objetivo.
Desde 1935 hasta 1941 trabajó en lo que se ha denominado “el museo portátil de
Duchamp”. Este es un estuche de cartón cuyo interior se desplegaba y donde Duchamp
quiso hacer una miniatura de sus obras mas importantes de manera que fuese un
pequeño museo antológico de su obra.
La última obra en la que trabajó es “Étant donné”, un montaje subtitulado también
como Dados, La cascada y Gas de luz. Trabajó en esta obra secretamente entre 1946 y
1966. En 1966 lo presentó en una habitación del museo de Philadelphia y cuando el
espectador entraba se encontraba con un muro, una puerta, un arco de ladrillo y un
portalón regular traído de Carraquesh. En el portalón hay un agujero producido por una
grieta. Como el espectador no ve nada, la luz se filtra por las grietas y el espectador se
encuentra con una mujer desnuda, desparramada sobre un lecho de ramas que sostiene
una lámpara de gas en medio de un paisaje montañosos con una cascada al fondo. Este
panel está pintado y es una interpretación que denominaríamos hiperrealista con un
contenido surrealista.
Duchamp de nuevo relaciona el ámbito masculino con la feminidad de la mujer, por eso
se ha relacionado siempre a Étant donné con el gran vidrio porque mientras que en el
gran vidrio lo hace en vertical, aquí es en horizontal. Se aproximó a los montajes
ambientales tan propios de la estética posterior a la segunda guerra mundial.

 Francis Picabia 1879-1953

De origen francés por parte de madre y cubano-español por parte de padre, tuvo una
gran fortuna familiar y fue un hombre muy cosmopolita. Dedicó casi toda su vida a
favorecer y financiar acciones artísticas novedosas y sobre todo a poner en solfa a las
instituciones culturales.
Las primeras obras de Picabia estaban dentro de la estela del cubismo, pero en el año
1910 conoce a Duchamp y sobre todo entabla relación amistosa con el escritor Alfred
Jarry que escribió en 1902 la famosa obra Ubu rey. Esta era un relato fantástico del
poder mecánico, cuenta la historia de supermacho que gana la carrera entre París y
Siberia. Ganar la carrera le hace conseguir el amor de su amada y el contacto entre
ambos se materializa a través de cargas eléctricas.
Con Duchamp y Jarry de pilares, Picabia comienza a hacer una pintura donde parodia
las relaciones humanas como artilugios mecánicos. En todas sus obras, esos elementos
mecánicos que se refieren a situaciones humanas abordan asuntos sexuales e incluso
amorales.

 Udnie o muchacha norteamericana

Es una de sus primeras obras conocidas. Es una pintura en la que parte del cubismo y
del futurismo con planos geometrizados, mas concentración de planos en el centro, pero
ya comienza a incorporar elementos mecánicos.

 Niño carburador 1917

En estas obras, Picabia da unas explicaciones mecánicas que son imposibles pero que

59
tienen que ver con libros de física o también explicaciones de mecánica básica. Toda
esta suerte de elementos llevan leyendas supuestamente explicativas pero que no tienen
nada que ver con una interpretación verídica del funcionamiento mecánico. Aquí las
leyendas aportan una nota poética, totalmente incongruente con respecto a la imagen.

 Una niña nacida de su madre

 Man Ray 1890-1976

Fue uno de los artistas mas influyentes en el ambiente artístico de Nueva York. Su
nombre real era Immanuel Rudniztky, pero adoptó el nombre de Man Ray en homenaje
a los rayos X, uno de los descubrimientos mas populares de la época.
Trabajó en diferentes actividades artísticas. Se formó en el centro Ferrer de Nueva
York, una institución docente de carácter anarquista que dejaba en total libertad la
creatividad de los alumnos. Formó parte de una comunidad libertaria de artistas
instalada en New Jersey.
Su actividad mas importante fue la fotografía. Además de esta, trabajó en los objetos
imposibles que suponían una revisión de la ready-made de Duchamp y también hizo
cuadros de caballete con seres mecánicos similares a losa artilugios de Picabia.

 Rayogramas
Consiste en la colocación de objetos y papeles cortados sobre papel emulsionado
sometido a la acción de luz. Hace muchos montajes fotográficos con el aspecto de
collage en blanco y negro. Utiliza recursos propios del arte publicitario con frases
sencillas de tipografía grande y con un contenido sorprendente y ambiguo con respecto
a la imagen.
En cuanto a los ready-made de Man Ray, son objetos imposibles a los que manipula
hasta hacerlos imposibles y luego les suele dar un título que obliga al espectador a
reconocer una idea o una historia. Por ejemplo, la plancha con púas la titula Regalo.
También realizó pintura, como por ejemplo pintura al óleo de formas simplificadas con
aparatos mecánicos llenos de líquido que se transmite por los vasos, La volatinera.

. DADÁ ALEMÁN .

En 1919, una vez terminada la guerra, el grupo fundacional del Dadá suizo de Zurich se
disgrega y uno de sus integrantes alemán, Huelsenberk, regresa a Alemania y organiza
veladas dadá en Berlín. La primera de estas veladas tiene lugar en 1920 y enseguida se
suman a esos gestos artísticos, a los que se suman artistas como Raoul Hausmann.

 Raoul Hausmann

Las obras de Haussmann funcionan como collages donde se mezclan recortes, anuncios,
textos, fotografías y fotomontajes. Todos estos elementos se mezclan de manera
inconcluente como mensajes. Los dadaístas berlineses se denominaron como

60
montadores. Ideológicamente eran de izquierdas, frente al partido nacional socialista de
Hitler.

 Homenaje a Tatlin

 El espíritu de nuestro tiempo

En ambas obras, mezcla zonas pintadas con zonas de collage e imágenes reconocibles
con otras de significado oculto. El homenaje a Tatlin viene a ser una alabanza del
espíritu mecanicista del artista que confió en la tecnología al servicio del pueblo.

Dentro del dadá alemán también destaca el foco de Colonia. En Colonia, en 1920 se
asentaron Hans Arp y Max Ernst. Arp había participado intensamente en la actividad de
Zurich y ambos contribuyen a consolidar en Alemania la experiencia del dadá, aunque
ambos forman parte del conjunto surrealista. Ambos favorecieron la edición corta de un
panfleto político, titulado “El ventilador”, donde mostraban su desprecio por los
políticos alemanes y reclamaban un órden político liderado por los artistas. En este foco
de Colonia se investigaron diferentes procedimientos artísticos: el frotage por ejemplo,
que consistía en obtener imágenes a partir de la colocación de un papel sobre una
superficie rugosa y sobre dicho papel frotaban los pigmentos con diferente presión,
dejando ver una imagen azarosa sobre la que el artista no intervenía.
También investigaron otro proceso, el fotogaga, asociaciones de imágenes mediante
signos tomados del inconsciente para crear en el espectador asociaciones libres de ideas.
La vía del fotogaga será explotada por Ernst en la experiencia surrealista.
Dentro del dadá de Hannover, el artista mas importante fue K. Schwitters.

 Kurt Schwitters 1887-1948

Desarrolló su profesión fuera de cualquier grupo de la vanguardia. Fabricó un tipo de

obras denominadas como Merz, en los cuales empleaba materiales de desecho como
trozo de madera, recortes de lata, plumas, fragmentos de periódicos...etc. Aunque el
procedimiento de los merz parezca similar a los collages de Picasso y Braque, son
formas de expresión diferentes porque el collage cubista complementaba la pintura
mientras que los merz sólo se componen de estos materiales.
La palabra merz procedía de un fragmento de un anuncio publicitario en uno de sus
cuadros. Con este procedimiento de los merz, Schwitters hizo todo tipo de
composiciones, obras de caballete que denominó como merzbild y su propia casa
destruida por los bombardeos de la segunda guerra mundial y que él llamaba Merzbau.
Esta casa estaba realizada con materiales de desecho. No era una obra de
experimentación aislada, sino que toda la vivienda era una instalación distribuida en
celdas y que denominó la catedral de la desdicha erótica.
En la Merzbau, dedicó espacios a otros miembros representativos de la vanguardia
como Mondrian o Arp y creó ambientes como la cueva del crimen sexual, la región
industrial, la gruta del amor, la cueva de los héroes desestimados, la gruta de Goethe y
también la caverna de los Nibelungos. En todos estos ambientes, utilizó materiales de
desecho y recurrió a diferentes sensaciones, también olfativas, auditivas y táctiles. La
luz siempre creaba un efecto teatral, de espacios irregulares y semanalmente reponía en
su Merzbau musgo, hojarasca, cenizas...etc.

61
Con el dadá finaliza una experiencia artística muy radical en la vanguardia europea. El
dadá, pese a la dispersión geográfica, al trasladarse a Zurich se localizó finalmente en
París donde coinciden Picabia, Ernst, Man Ray y sobre todo André Breton y Louis
Aragon.
En París, el grupo de los antiguos dadaístas y de los literatos surrealistas publican la
revista Literature, que será el germen del surrealismo. En 1919-1920 el dadá se
considera agotado y la mayor parte de los dadaístas se integran en el surrealismo.

. PINTURA METAFÍSICA .

Se desarrolla en Italia antes y durante la primera guerra mundial, y es una pintura

focalizada en la obra de Giorgio de Chirico y en la segunda producción de Carlo Carrá.
Bebe del futurismo en su exaltación de la máquina, y tiene préstamos de los asuntos
futuristas de Picabia y Duchamp, pero los cuadros metafísicos suponen una
recuperación de la realidad visual del renacimiento y además buscan incorporar eleentos
del mundo clásico.
En la pintura metafísica se proponen imágenes de paisajes urbanos de atmósfera,
habitados por seres inmóviles que conviven con esculturas clásicas, donde los edificios
arrojan sombras arbitrarias y alargadas, es una pintura de contenido ambiguo sin
intención narrativa. Aunque la pintura metafísica parta en buena medida del futurismo,
se interesan por asuntos diferentes. El futurismo había defendido el movimiento,
mientras que Chirico propone un espacio congelado.
Si el futurismo proclamaba una renovación radical, la pintura metafísica propone un
diálogo con la historia. Es una pintura donde se mezclan los espacios recordados con el
ámbito de los sueños. Son espacios de nostalgia y melancolía con luces extrañas y
donde, a pesar de retratarse edificios, plazas y esculturas reales, se logra una atmósfera
de irrealidad.

 Giorgio de Chirico 1888-1978

Es considerado el lider del movimiento. Nace en Grecia, pero se educó en Alemania

donde tuvo influencia de la pintura alemana del siglo XIX. Se establece más tarde en
París donde conoció las novedades de la vanguardia. Allí conoce a Apollinaire quien le
presenta a Picasso, Derain y Brancusi.
En 1915 es movilizado por el estallido de la guerra, sufre su primera crisis nerviosa y es
enviado a Ferrara como voluntario en la reserva. Allí funda junto con Carrá (futurista) la
escuela metafísica. Tres años mas tarde, en 1918, Carrá publica un libro titulado Pintura
metafísica que lleva a la ruptura y enemistad entre ambos artistas porque Chirico
consideró que Carrá se autoconcedía el mérito de fundar esta tendencia plástica.
En la pintura metafísica se intenta conciliar un lenguaje moderno con la herencia del
pasado histórico italiano, por eso en las obras de Chirico y Carrá aparecen escenarios
urbanos parcialmente reconocibles, habitados por seres extraños e inmóviles que
conviven con esculturas clásicas, monumentos históricos y también con vestigios
industriales.

62
  Musas Inquietantes 1917
Es una de sus obras más conocidas. Plantea un espacio donde aparecen en primer
término unas formas antropomorfas con cuerpo de columna clásica, torso escultórico y
cabeza de maniquí. Esos maniquíes de naturaleza híbrida e inertes, comparten su
carácter de musas con una escultura clásica que se divisa en un segundo plano y que
indica esa fusión entre un lenguaje moderno y la pervivencia del mundo antiguo. Ese
diálogo pasado-presente aparece en el fondo dominado por el palacio Extense de Ferrara
junto con las chimeneas de un recinto industrial. Vuelve a haber una convivencia entre
el pasado y los vestigios de la cultura actual.
La extraña mezcla de elementos se traslada también a la iluminación, no es ambiental,
no procede de un foco único y arroja sombras alargadas. Esta curiosa estética y
planteamiento pictórico de la pintura metafísica con espacios detenidos en el tiempo, sin
atmósfera, sin movimiento, tendrá gran influencia primero en el surrealismo y después
en el precisionismo norteamericano de Edward Hopper26.
André Breton, teórico del surrealismo, puso algunos de los títulos de las obras de
Chirico y consideró su obra como precursora de las investigaciones de realidad y sueño
que iniciarán el surrealismo.
La producción de Chirico y Carrá será muy valorada por la revista Valor Plastici, una
publicación que en periodo de entreguerras defiende un retorno al orden, y un regreso a
la inspiración clásica, partiendo de un escenario cubista.
Los seres que pueblan las obras de Chirico y Carrá, son esculturas clásicas y esculturas
ecuestres o maniquíes todas ellas inmersas en un ambiente de incomunicación.
 Torre Rosada
 Plaza de Italia
Al fondo aparece un ferrocarril echando humo. En ocasiones Carrñá y Chirico
introducen siluetas humanas de sombras muy alargadas sin rasgos definidos y
totalmente inertes.

 Carlo Carrá

 Musa Metafísica
El paso de la pintura metafísica por Carrá suspende una trayectoria futurista y se
prolonga hasta el año 1919 por el enfrentamiento personal entre Chirico y él. Aparece
en esta obra de nuevo un maniquí, que simboliza incomunicación y estatismo, todo ello
identificado como una jugadora de tenis. Es un espacio que deriva de la espacialidad
renacentista pero que no es euclidiano. Rodea a la figura de elementos incongruentes
como un mapa de Europa cambiado, planos de unos edificios modernos y formas
geométricas coloreadas que no desarrollan un discurso narrativo coherente.

. SURREALISMO .

26
Pintor estadounidense cuya obra marcó un hito en la historia del realismo americano pues logró plasmar
en su arte esa sensibilidad particular del siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el
aislamiento, la soledad y la melancolía.

63
Es un movimiento que supone el ultimo ismo de las primeras vanguardias, porque el
surrealismo grabita en Paris en torno a 1922, aunque el germen inicial se encuentra en
un grupo de literatos liderados por André Breton que, con sede en Paris, comienzan a
reivindicar una fusión entre el arte y la vida sacando a la luz el inconsciente. Ese grupo
de literatos, liderados por Breton, suman un nuevo componente pictórico en 1921
cuando se incorpora el pintor dadaísta Max Ernst.
En 1922, ese grupo teoriza sus pretensiones en la revista Literature, que después
conducirá en 1924 a la edición de la revista La revolución surrealista que se convertirá
en el órgano portavoz oficial del grupo. Además de esa revista, también se editará en el
seno del grupo la revista Minotauro.
Las bases artísticas del surrealismo en las artes plásticas están en la experiencia del dadá
y su combate contra la cultura burguesa, y en el mundo onírico y ambiguo de la
experiencia metafísica italiana.
El líder del grupo fue André Bretón y es él el que en 1924 publica el primer manifiesto
del surrealismo donde define un ideario artístico que suponga un automatismo psíquico
que se desembarace de la moral, de la razón y del concepto de belleza tradicional. En
ese primer manifiesto, Bretón proclamaba la libertad interpretativa de cada artista de esa
ley del inconsciente.
Ideológicamente, Bretón y los demás estuvieron muy próximos al ideario comunista,
como eran defensores acérrimos de la libertad creativa, soñaban con una sociedad sin
clases e incluso sin estado. Bretón reclamaba una libertad del espíritu que nunca se
construiría sin una libertad social. En 1926, Bretón, Louis Aragon y Paul Élvard se
afilian al partido comunista francés y en el 30, la revista que conforma el ideario del
grupo, se transforma y pasa a titularse El surrealismo al servicio de la revolución.
Los tres consideran que para lograr un mundo mejor, era necesario fundar una nueva
estética y no era factible hacerlo dentro de una sociedad capitalista, que había llevado a
la guerra. Los surrealistas adoptaron el modelo bolchevique. Siendo marxistas
convencidos, criticaron la hegemonía dogmática de Stalin porque por encima de
cualquier principio político, ellos creían en la autonomía del pensamiento y del arte.
En 1930 Bretón escribe el segundo manifiesto del surrealismo y en él busca una
conciliación entre el materialismo dialéctico y el psicoanálisis freudiano, y este escrito
dará lugar a una serie de enfrentamientos en el seno del partido comunista francés. En
esas mismas fechas, los surrealistas estaban comenzando a dividirse, Louis Aragon
comienza el segundo manifiesto surrealista, critica a Trotsky y considera el psicoanálisis
como un método de interpretación personal elitista. En 1929 se incorpora Salvador Dalí
el grupo y este carece de este ideario de izquierdas y de alguna manera, con su
incorporación, se desvirtúa ese idea de revolución social y cultural que tuvo el
surrealismo originariamente, pasa a una interpretación personal de Dalí.

 André Breton

La figura de André Bretón es fundamental para entender el surrealismo. Nació en

Normandía en 1896 en el seno de una familia burguesa. Su primera obra literaria está
orientada hacia el simbolismo. Con la guerra de 1914 fue llamado a filas pero por sus
ideas, enseguida fue retirado del frente. En la retaguardia, trabajó en el manicomio y allí
conoció a un médico llamado Banniot, que era un seguidor de las tesis del psicoanálisis

64
de Freud. En esos años, Bretón se aproxima a la literatura de Alfred Baudelaire,
Rimbaud , Conde de Lautréamont, y sobre todo a las tesis psicoanalistas de Freud.
En 1919 publica su primer libro de poemas donde inventa la escritura automática (sin
sintaxis ni ortografía) y, entre 1920 y 1924, se esfuerza por conseguir una ideología
común para el grupo de escritores y artistas que en París quieren obtener nuevos
estímulos creativos partiendo del inconsciente. En este ideario de Bretón y por lo tanto
del surrealismo, se habla de un YO reprimido que debe aflorar al exterior obviando a los
aspectos racionales y proclama la hegemonía de la imaginación y del inconsciente. Esa
imaginación desatada y surrealista atenta contra la moral, la narración tradicional y se
sustenta en unos precedentes inmediatos. La primera apoyatura del surrealismo es el
Marqués de Sade, que fue un renovador literario de la moral y un modelo de vida
irracional en la época, especialmente desde el punto de vista sexual.
También influye Baudelaire con sus Flores del mal, con ella había intentado descubrir
poéticamente el lado mas misterioso de la vida cotidiana. En esas apoyaturas, hay que
situar al escritor francés Harry, quién propone unas atmósferas literarias burlescas,
irónicas, donde se buscan situaciones ambiguas que caen en lo cómico.
Rimbaud con esa sublimación del mal que suponía el desencadenamiento de los mas
bajos instintos humanos, tiene mucho que ver con la exaltación del inconsciente del
surrealismo. Los cantos de Maldoror del Conde de Lautremont fueron proclamados por
los surrealistas como su Biblia literaria. En ellos, se describen estados humanos de
asfixia, situaciones irreales, conductas vergonzosas y lo hace mezclando la memoria de
lo real con la ilusoria o sueño.
La apoyatura mas importante del surrealismo van a ser los escritos de Freud. Esa
influencia del psicoanálisis fue reconocida por Bretón. El método psicoanalista de Freud
suponía una terapia psiquiátrica en la que el paciente en estados hipnóticos, desvela sus
deseos más profundos, sus insatisfacciones y sus traumas infantiles. No recurre, como
método de diagnóstico, a la realidad revelada por el paciente sino que explora el
inconsciente desentrañando los sueños. Ese desvelamiento del inconsciente teorizado
por Freud, se traduce en el surrealismo en experiencias donde los artistas intentan
apartarse de modelos racionales para adentrarse en el desencadenamiento del
inconsciente, o bien buscando procedimientos creativos en los que intervenga el azar.
Hay que señalar el interés de los cadáveres exquisitos. En ellos se presupone una
creación colectiva en la que cada artista elabora una parte de un dibujo sin conocer las
formas realizadas por el resto del grupo. Lo que sale es un disparate fruto del azar.
El surrealismo tiene unos antecedentes puramente pictóricos que hay que rastrear en la
pintura del Bosco, los grabados de Piranessi e incluso en la obra negra de Goya. Como
antecedentes inmediatos, hay que situar al expresionismo, futurismo, dadá y la pintura
metafísica. El expresionismo daba importancia capital a la emoción, al subjetivismo, a
la representación del yo interior, que coincide con ese espíritu surrealista que proyecta
el individuo a través del inconsciente. El futurismo no tiene nada que ver desde la
estética, pero coinciden en sus actitudes polémicas y en el compromiso político
(futuristas con el nacionalismo y surrealistas con la izquierda). También los futuristas y
surrealistas coinciden en la utopía de que el arte podía contribuir a cambiar la sociedad
(esto lo creen todas las primeras vanguardias).
Otro de los motores es el dadá, que tenía una idea de libertad total desde el punto de
vista creativo, valoraba el azar y la arbitrariedad. No resulta extraño que muchos artistas
del dadá se incorporaran al surrealismo, es el caso de Ernst, Picabia o Bretón. La
diferencia fundamental entre el dadá y el surrealismo es que el dadá tenía una actitud

65
nihilista que suponía una decepción con respecto a la posibilidad del arte de cambiar un
mundo degradado. El surrealismo mantiene una actitud optimista porque creían que la
renovación artística que proponían podía cambiar al hombre y a la sociedad. De la
pintura metafísica toman el sentido atemporal de las obras, los ambientes misteriosos y
el tratamiento irreal de los objetos reales.
A partir del primer manifiesto del surrealismo, se gesta en París el grupo surrealista que
se extiende a toda Europa. Se considera que finaliza con el estallido de la segunda
guerra mundial. A pesar de que los surrealistas mantenían una ideología común, no
coincidían artísticamente ni en los temas tratados ni en la forma de representación.
Algunos, como Dalí, Magritte o Deluaux desarrollaban un arte con una factura
considerada como hiperrealista, mientras que otros como Miró o Tanguy utilizan formas
biomórficas que no tienen una voluntad realista.

 Max Ernst

Había formado parte del foco del dadá alemán. Conoció la obra de Picabia y Duchamp y
tiene una fase inicial anterior a su filiación al surrealismo que tiene clara influencia de
esos artefactos de Picabia que se traducían en imágenes con motores, tubas...etc, que
explicaban un hecho humano. A partir de su ingreso en el grupo surrealista de París,
comenzó a trabajar en dos líneas artísticas:
1. Suponía un ensayo sobre las posibilidades del azar y para ello utilizó un
método coincidente con el de Óscar Domínguez. Ese método es una versión
del frotage y se denominó decalcomanía sin objeto preconcebido: consistía
en apretar dos superficies con pigmentos, normalmente óleos, de tal manera
que las formas saliesen arbitrariamente. Una vez separadas, el artista
intentaba buscar un sentido y lo que hacía era trabajar los fondos de esas
manchas y retocarlas.
2. Empleo de recortes de revistas ilustradas intervenidas para dar un nuevo
sentido a las imágenes. Esas imágenes modificadas por Ernst pasan a tener
además un contenido contradictorio y cómico y también crítico con la
sociedad burguesa.

 Sueño de una joven que quería ingresar en las carmelitas

Ernst llegó a publicar una novela que era una novela de imágenes, sin texto, titulada una
semana de bondad. Partía de imágenes de novelas amorosas de finales del siglo XIX,
que modificada incorporando dibujos propios y otras imágenes recortadas. El desarrollo
de la novela parece tener una cierta coherencia a priori, porque las figuras del drama son
las mismas, pero es en realidad un libro sin argumento y cada imagen plantea
asociaciones libres de elementos.
 Bailamos
 Cola de Pescado
 Niños amenazados por un ruiseñor
Esas experiencias en collage se introdujeron también en su obra de caballete, porque
Ernst hace una libre asociación de elementos figurativos incorporando materiales
extrapictóricos.

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Su obra de caballete que tiene que ver con la pintura metafísica italiana, con espacios
imposibles, donde elementos irreconocibles se asocian a otras formas dando lugar a una
visión contradictoria de la composición. Muchas veces, Max Ernst utiliza, como Chirico
sombras alargadas y, como los metafísicos, renuncia al movimiento.

 Santa Cecilia
Es la patrona de la música y parece que toca una especie de piano que no tiene teclas ni
cuerdas, las cuerdas del piano aparecen dispuestas en otro lugar.

La obra de Enst dentro del surrealismo se considera la visión mas completa de la

experiencia surrealista, porque investiga los ámbitos del azar y la inconsciencia.

 Ives Tanguy 1900-1955

Se suma al surrealismo en 1923 cuando contempla una obra de Chirico que era, en esos
momentos, el artista mas admirado por Bretón. A partir de ahí, su producción logra un
estilo personal donde representa escenarios desolados de apariencia sideral, habitados
por figuras filiformes y formas con aspecto de ameba que parecen desarrollos celulares
microscópicos. Todos esos escenarios de Tanguy proyectan sombras de forma y
orientación arbitraria, su pintura no tiene ninguna voluntad narrativa. Desarrolla un
ámbito de lo no visible y esas formas muchas veces incorporan elementos reconocibles
como clavos, cuerdas o bastones.
Su obra será fundamental en el desarrollo del surrealismo español. Los escenarios
desolados, no ilusionistas, con formas biomórficas de sombras alargadas tienen mucho
que ver con Dalí y también con la primera fase surrealista de Miró.

Otro de los focos más activos del surrealismo se encuentra en los Paises Bajos.

 René Magritte 1898-1967

Nació en Bélgica y comenzó como pintor publicitario, entra en contacto con la obra de
Chirico y conoce a Ernst personalmente. En 1927 se instala en París y se suma al grupo
surrealista. En 1929 se instala en Cadaqués con Miró y Dalí y en 1930 regresa a
Bruselas, ciudad en la que reside hasta su muerte en 1967, a excepción de los tres años
de ocupación alemana.
Su pintura es figurativa, no realista que nada tiene que ver con el automatismo psíquico.
Propone una pintura con figuras y elementos reconocibles, objetos cotidianos que
presenta con una intención poética y sobre todo misteriosa.

 El asesino acecha
Utiliza una serie de iconografías recurrentes, muy conocidas en el ámbito popular
porque considera que la pintura en un lenguaje y las semejanzas que puedan hallarse
entre un objeto y la idea, no tienen un sentido unívoco, sino que es el espectador el que
pede lograr una asociación mental de los contenidos de las imágenes.
Es frecuente en su obra la representación de seres con traje negro y bombín que toma de
la literatura de los cómics y sobre todo, de las aventuras de Fantomas. Se inspira en los

67
diccionarios de imágenes infantiles, cómics y en el cine de suspense. Hace una pintura
muy académica, como Dalí, donde los elementos confunden la interpretación del
cuadro.

 Espejo falso
En esta obra el iris humano se abre y se convierte en un celaje, de una manera muy
poética.

 La violación

 La condición humana
Aquí trata de lo representado y de lo natural.

 Cascabeles rosas ciclo desgarrado

En ocasiones hace asociaciones libres con los propios objetos que nos hace pensar y
buscar un significado.

 Paul Delvaux

Continúa una pintura académica, pero buscando también elementos que supongan una
modificación de una lectura habitual del cuadro. Es frecuente en su obra que relacione
figuras desnudas de apariencia antigua que conviven con seres contemporáneos con
traje y bombín. Esas figuras individualmente se pueden relacionar con divinidades
antiguas (como Ceres o Flora), pero dispuestas en escenarios imposibles y con otros
seres contrarios, logran un efecto de irrealidad.

 Salvador Dalí 1904-1989

Está dentro de ese surrealismo académico y figurativo (no realista) que se basa en un
perfecto dominio de la técnica pictórica. Nace en Figueras en 1904. En sus Confesiones
inconfesables dice que al nacer se le dio el nombre de su hermano muerto. Era hijo de
uan familia muy acomodada y desde muy temprano mostró excepcionales dotes para la
pintura. A los 14 años ya dominaba la técnica impresionista y en esos mismos años
entra en contacto con el movimiento cubista. A los 15 años, escribe en revistas de arte
sobre pintura del renacimiento y comienza a trabajar en la escuela municipal de grabado
de Figueras.
A pesar de la oposición de su padre, entró en la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando porque quería adquirir las tecnicas de los maestros del pasado. Su periodo en
Madrid fue muy fructífero y coincidió en la residencia de estudiantes con Luis Buñuel,
Aragonés Tozudo, Lorca, Rafael Alberti y Eugenia Montes. Cuando regresa a Figueras
lleva una vida extravagante, lee y asume los escritos de Freud, y colabora con algunos
proyectos de Lorca.

 Muchacha en la ventana o Joven de espaldas

Cuadro ilusionista de una factura académica muy perfecta, con elementos comunes en
su obra, personajes situados de espaldas y el mar de Cadaqués.

68
En 1926 hizo su primer viaje a París donde conoce a los artistas protagonistas de la
vanguardia. Estrecha su relación con Picasso y viaja Bélgica para conocer la pintura
flamenca y cuando regresa a Madrid, Dalí comienza a teorizar sobre el método
paranoico crítico. Este método se apoya en un artículo publicado por el psiquiatra
seguidor de Freud Charle Lacon en la revista El surrealismo al servicio de la
revolución. Ese investigador desarrolla una clasificación de las diferentes obsesiones.
Basándose en esa artículo, Dalí cree que la pintura funciona como una manera de sacar
a la luz las paranoias que subyacen en su personalidad. Dalí es consciente de lo que le
sucede, lo conoce y lo asume y el elenco de imágenes que desarrolla en su obra
transmiten sus obsesiones: masturbación, miedo al contacto físico con mujeres, obsesión
por la muerte y la putrefacción, castración y sobre todo su obsesión por la impotencia.
Entre los años 20 y 30 colabora con Luis Buñuel primero en El perro andaluz y después
en La edad de oro.

 El gran masturbador
Aparece una figura con la nariz puntiaguda que se sostiene de manera inestable. Esa
figura está en un escenario que recuerda a Tanguy (desolado). Esta obra está asociada
con otros elementos que van a ser constantes en su obra como las langostas, la cola,
piedras que están sostenidas por elementos flexibles, referencia a la felación, al sistema
venos...etc.

 Persistencia de la memoria o Relojes blandos

Tuvo gran éxito en EE.UU, de hecho, fue comprada y llevada allí. Aparece una cala de
Cadaqués y las formas compactas de los relojes se convierten en volúmenes flexibles y
desparramados, aludiendo a la dilatación del tiempo.

 El ángelus de Millet
Trabaja en él entre 1932 y 1935, es uno de los cuadros que más le interesó a lo largo de
su vida. Transforma las figuras compactas de Millet en una especie de rocas angulosas
atravesadas por otras formas. Dalí comenzará a interesarse por la temática religiosa.

 Asunta Cuspularia
 Ultima cena
 Crucifixión

 Joan Miró 1893-1983

Era hijo de una familia de artesanos, ebanistas y herreros. Sus primeros pasos en el
aprendizaje artístico estuvieron dirigidos por el paisajista Modesto Urgell. También
estudió en la escuela de la lonja de Barcelona y disfrutó de estancias estivales en
Montroig, donde entra en contacto con Francesco Gali que le aproximó a un método de
trabajo muy novedoso dentro de la pedagogía creativa, porque Gali obligaba a Miró a
conocer un objeto con los ojos vendados y a partir de esa sensación táctil dibujaba su
imagen.
En 1915 continúa con sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Sant Juc (la
misma que Gaudí) y durante los años siguientes contacta con el grupo de artistas de

69
vanguardia que en Barcelona fundan la revista “391”, una publicación dentro de la
estela del dadá.
En 1919 Miró se traslada a París y allí conecta con el grupo de los antiguos dadá y se
aproxima al surrealismo en 1922 . Influido por la técnica del automatismo psíquico, a
partir de 1921 Miró produce una pintura con elementos arcaicos elementales que
suponen una exteriorización de sus estímulos visuales y mentales.
En 1921-1922 hace su primera obra dentro de ese estilo espontáneo e ingenuo que le
caracterizará a lo largo de su carrera artística.

 La Masía
Es una especie de inventario de las propiedades y objetos que se localizaban en la masía
paterna de Montroig, pero lo hace sin respetar un punto de vista naturalista, una
iluminación verista, porque la masía es una síntesis mental, no naturalista, de los objetos
y espacios que viven y que recuerda de Montroig. Es además una composición en la
que, en la línea de la pintura metafísica, suprime cualquier tipo de sensación de
movimiento, personajes detenidos, congelados, alterna diferentes puntos de vista y cada
objeto representado posee una carga conmovedora y subjetiva.
Cuando se expuso en París, algunos críticos la compararon con la producción de Enric
Rousseau el aduanero, porque interpretaban la pintura de Miró con una carga naif. Hay
por tanto puntos de contacto entre Miró y Rousseau porque ambos presentan escenarios
ideales, imaginados o recordados.
Ya se aprecia en la masía la iconografía característica de Miró a lo largo de carrera
como por ejemplo la luna, el perro que ladra, la escalera...etc.
A principios de la década de 1920 el lenguaje personal de Miró va adquiriendo su
propio lenguaje tal como se puede ver en:

 El cazador
Todavía mantiene dependencia de los estímulos del mundo exterior pero de forma
menos mimética y referencial. Sus obras tienen una intención menos descriptiva. En
este obra aparece un ojo, una escopeta con una llama, formas cónicas y circulares que,
en conjunto, indican una secuencia narrativa de un hombre que acaba de cazar.
Para dale mayor ambigüedad a la lectura del cuadro, Miró introduce la palabra SARD
que se interpreta como la abreviatura de sardina y que también se ha relacionado con la
palabra sardana.

 El carnaval del arlequín 1924

Lo pinta en París. Es un cuadro muy influido por la pintura del Bosco porque expone
diferentes grupos de seres y expone su situación personal de penuria económica en estos
años parisinos, intentando plasmar todas las alucinaciones que el hambre le producía y
así el cuadro muestra todo tipo de insectos, artilugios, pentagramas, formas solares...etc,
que rompen con el espíritu narrativo anterior. El único elemento biográfico en esta obra
es la ventana abierta en la que se divisa una forma apuntada que remite a la torre Eiffel.
Como hacía el Bosco, la composición se desarrolla es un espacio cotidiano pero todos
los objetos son irreales.

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Entre 1927 y 1928 viaja a los Países Bajos y descubre cuadros de maestros holandeses
del siglo XVII, muy descriptivos, detallados, donde los pintores se entretenían en las
calidades matéricas de los objetos comunes.

 Interior Holandés 1
Tema que toma como punto de referencia la obra de Sorgh “Tocador de laúd”. Miró
modifica el tamaño del laúd convirtiéndose en el apoyo del personaje. Aparece también
un gato que juega con un ovillo debajo de una mesa, hay una ventana abierta a los
canales holandeses pero siempre desvirtuando el espacio, jugando con la alteración de
tamaños y la deformación de los volúmenes.

A partir de 1929 su obra entra en un periodo de investigación formal, se interesa por

técnicas de la pintura medieval, realiza collages, construirá objetos con madera de
deshecho, clavos y grapas, y a partir de 1930 su obra deja de ser tan descriptiva y
minuciosa, pasa a ser una obra depurada, muy colorista, donde utiliza una serie de
elementos o símbolos personales como la paloma, el sol, la luna, la escalera...etc, que
flotan de manera ingrávida sobre fondos planos.
Dentro de su producción madura suele trabajar en series temáticas dedicadas a
diferentes asuntos.

 Serie de constelaciones
La termina cuando está por ultimo en Mallorca. En este serie el papel tiene un peso
fundamental. Siguiendo las enseñanzas del maestro Galí busca sensaciones táctiles y por
eso moja y rasca la superficie del papel para conseguir un efecto rugoso.
Trabajó también en sus últimos años con tapices, cerámicas, esculturas y colaboró
incluso con proyectos arquitectónicos.

. PERIODO DE ENTREGUERRAS .

En este periodo se produce el llamado retorno al orden, que supone un regreso a la

historia y una ralentización de las novedades creativas que se habían impuesto en los
años inmediatos a la primera guerra mundial. En ese periodo y años anteriores, París se
había convertido en el principal centro de atracción de la vida artística internacional. En
Montmartre se instalaron creadores de prácticamente todas las nacionalidades con
discursos creativos y personales pero siempre novedosos en respecto a la tradición
académica.
En París se instalaron Amedeo Modigliani, Chain Sutin, Marc Chagall o también
artistas japoneses como Fohujita o el propio muralista mexicano Diego Ribera. Todos
estos artistas que no se pueden incluir dentro de un grupo de vanguardia determinado
concuerdan con una interpretación deformada de la realidad donde tiene cabida la
intuición, el sueño y la memoria.
Esta escuela de París forma un puente independiente entre la deformación decorativa del
fauve y las propuestas surrealistas de los años 30.

 Georges Rouault

71
Fue discípulo de Gustave Moreau, allí entendió el arte como un vehículo de expresión
personal. Era un hombre fuertemente cristiano y es de las primeras figuras que en París
comienza un ataque frontal hacia la pura visibilidad del impresionismo.
La pintura simplificadora de colores transparentes de su pintura se a relacionado con el
espíritu fauve e incluso se le a puesto en relación con el expresionismo alemán. Con
ambos movimientos tiene puntos de contacto. Con el expresionismo le une una visión
deformada de la realidad, temas de prostitución, circo y mendigos, pero a diferencia del
expresionismo, Rouault cree en la posibilidad de una regeneración de la humanidad por
el cristianismo.

 El payaso
Su pintura es muy simplificada, de planos de color uniformes, colores transparentes,
inspirados en los efectos de las vidrieras policromadas medievales.

Tuvo una estrecha relación con el marchante Vollard, para él hizo docenas de cuadros,
además éste le procuró encargos para la ilustración de libros que solventaban sus
penurias económicas.

 Amedeo Modigliani 1884-1920

Nació en la Toscana en el seno de una familia judía. Cuando era un niño padeció una
tuberculosis infantil que le produjo un daño irreparable en los pulmones. Se formó en
Italia como pintor y escultor dentro de una tendencia general de carácter impresionista
que era la de los Macchiaioli italianos.
Se traslada a París intentando desarrollar una carrera profesional como escultor, allí
entra en el taller de Constantin Brancusi, escultor que ejemplifica la línea orgánica de la
escultura moderna y que está muy influido por la estatuaria africana.
Decepcionado por los escasos avances que hace en el campo de la escultura se orienta
como pintor. Creará una pintura protagonizada por figuras femeninas, cuadros donde se
olvida la tridimensionalidad, son figuras bidimensionales, sintéticas, esquemáticas, con
tabiques nasales alargados, ojos inacabados, sentido de la elegancia que preludian el art
déco, líneas de contorno muy expresivas, y las figuras tienen un aire melancólico que
singulariza dentro de un estilo personal no imitado.
Algunos autores lo ponen en relación con la etapa azul de Picasso y con el ejemplo de la
esquematización de las formas de Brancusi. Son obras de composiciones nítidas y
decorativas, la protagonista habitual de los cuadros fue Jeanne Hébuterne, amante del
artista que se suicida a la muerte de Modigliani.

 Desnudo acostado

 Retrato

 Chaïm Soutine 1893-1943

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Desarrolló una obra personal de base figurativa. Es un artista de Lituania que reside en
París y que llevó una vida bohemia. Colaboró con algunas exposiciones de signo
expresionista celebradas en Alemania.
Está dentro de esa tendencia europea de la primera mitad del siglo XX interesada por
los valores expresivos de las formas y el color con pinceladas vigorosas, colores
contrastados que rebelan una sensibilidad agitada. Muchas veces su pintura parte de
conocidos cuadros de la historia del arte.
Era un hombre inseguro y violento. En 1923 tuvo la suerte que un conocido
coleccionista americano le adquiriese un centenar de obras lo que le permitió un
deshago económico.

 Marc Chagall

Es un pintor que aglutina o amalgama recursos de la pintura tradicional junto a

procedimientos relacionados con las vanguardias históricas.
Mezcla impresionismo, fauvismo, expresionismo, espacios cubistas, junto con un aporte
que procede de la luminosidad y primitivismo del arte sacro popular ruso. Se le puede
poner en relación también con la pintura naif e incluso durante una etapa de su vida esas
asociaciones de elementos contradictorios con un sentido o interpretación ambigua le
ponen en relación con los principios del surrealismo.

 Aniversario 1923
El protagonismo flota en el espacio desvirtuado y configurado por diferentes puntos de
vista con un simbolismo subjetivo y de carácter onírico.

 A mi mujer
Por influencia de las artes populares rusas, sus cuadros a parte de esa factura
transparente, son composiciones muy abigarradas de elementos donde las secuencias
narrativas se superponen, se mezcla realidad y memoria y además hay una tendencia a
llenar toda la superficie del cuadro. Aquí aparecen diferentes momentos de la relación
conyugal junto a otros elementos que se refieren a diferentes elementos vivénciales.
El sentido religioso va a estar implícito en todas sus obras.

. ART DÉCO .

Después de la primera guerra mundial se desarrolla el llamado “estilo 1925” o conocido

como Art Déco. Se relaciona con la celebración en ese año la exposición de artes
decorativas de París. Es un estilo que abarca la arquitectura, todas las artes decorativas
(joyería, mobiliario, orfebrería...etc), cine, fotografía, publicidad, el teatro, la moda y los
espectáculos musicales.

73
El origen del art déco hay que vincularlo con el movimiento de las Arts And Crafs y
William Morris y también con el modernismo europeo. Es un estilo decorativo, elegante
y de consumo que se caracteriza por su gusto por lo exótico, por los prestamos de
culturas primitivas, de tal manera que recoge elementos tomados de la cultura egipcia,
azteca y maya, y también se relaciona con el inicio de la moda del “prêt à porter” 27 de
consumo masivo.
En las artes decorativas, que perdura hasta la segunda guerra mundial, tiene que ver con
importantes establecimientos comerciales como Harrods en Londres, La Fayette de
París y la galería del Louvre, y también con ciertas revistas que se convierten en
autenticas divulgadoras de ese gusto masivo del art déco, como “Domus”, “La Gacete
du Bon Ton”, “The Studio” y “Harper´s Bazar”.

En el periodo de entreguerras sucede en Italia una recuperación de los modelos

anteriores. En Italia en el periodo de entreguerras nos encontramos con tres tendencias,
que son casi antagónicas, por un lado tenemos a los artistas relacionados con el “Valori
Plastici” (revista italiana en la que colaboran pintores metafísicos como Chirico y
Carrá, aunque el motor de la revista fue Morandi). La obra de Morandi es una obra que
regresa a los primeros momentos del Cubismo Cezaniano y tiene mucho que ver, sin
duda, con el purísimo de Le Corbusier, porque son composiciones de bodegones muy
depurados, estilizados, sobrios de color y forma, donde se abunda en el sentido estático
y en la geometría de las formas.
La otra tendencia italiana es el llamado “Novecento”, que nace en Milán en 1.922
organizada por la conservadora y crítica de arte Margarita Sarfatti, que fue quien
organiza la primera muestra del Novecento, inaugurada por el propio Musolini. Los
artistas del Novecento daban una auténtica revisión de la modernidad y buscan modelos
en el Renacimiento Italiano, por lo que defienden un lenguaje a los modelos clasicistas.
En el periodo de entreguerras se intenta una revitalización del futurismo. Este segundo
futurismo va a insistir en el tema de la velocidad y la máquina. Siguiendo la estela del
primer futurismo se redactan nuevos manifiestos, como el de “La aeropintura futuris”
de 1.922.
En Alemania en el periodo de entreguerras sucede también un regreso a la corriente
figurativa. Los artistas que mantienen una línea personal emanada del expresionismo se
aglutinan en 1.925 en una exposición titulada “Nueva Objetividad”, título propuesto por
el crítico alemán Hart Laub. Esta nueva objetividad alemana coincide también con el
auge del nacional socialismo., porque en el año 23 Hitler publica “Meinka”. La llamada
nueva objetividad alemana está muy relacionada con el llamado “Grupo de Noviembre”,
que estaba compuesto por arquitectos y artistas plásticos que en una línea ideológica
semejante a La Bauhaus, buscaban una unificación de las manifestaciones artísticas en
beneficio de la sociedad.
La objetividad alemana, dentro de un estilo figurativo pero no realista, mantiene un
carácter de crítica social que profundiza en la estela del expresionismo anterior.
Abordaba, por tanto, aspectos de la sórdida realidad alemana y se adentra en asuntos de

27
Sistema de fabricación y venta de moda realizada en serie, con diversas tallas estipuladas. Se trata de
una expresión francesa que significa ‘listo para llevar’, a menudo empleada por oposición al clásico
sistema de la moda haut couture o alta costura, donde cada prenda se cosía a medida en el propio taller.
De hecho, el prêt-à-porter significó la plena incorporación del diseño industrial al mundo de la moda,
donde introdujo o reforzó conceptos como la economía de producción, funcionalidad o consumo.

74
denuncia social. Los principales intérpretes fueron George Grosz (Berlín), Otto Dix
(Dresde) y Max Beckmann (instalado en Paris y después residente en Berlín).

 George Grosz 1893-1959

Su biografía muestra su estrecha vinculación con los lenguajes de la vanguardia

europea. Formó parte del grupo del dadá berlinés, conoció y copio la obra del futurismo
italiano. Con el auge del social nacionalismo de Hitler se exilió a EE.UU. Su obra fue
prohibida en Alemania hasta el año 1946. Sus temas son corrosivos, desgarrados,
críticos e incluso irónicos, que tratan de ofrecer una imagen colectiva de la
desintegración moral de la sociedad alemana.

 Metrópolis 1916
Propone un paisaje urbano donde mezcla elementos realistas con notas fantásticas,
personas amontonadas que corren enfebrecidas sin que se conozca la causa de esa
histeria. La escena y los personajes están iluminados por una luz propia que procede de
la iluminación eléctrica. El espacio está conseguido al modo postcubista. Toda la obra
tiene un trabajo minucioso de todos los elementos, rescatando el trabajo metódico de la
pintura histórico alemana.

 Otto Dix 1891-1969

Participa como soldado en la primera Guerra Mundial. Trata el tema de la guerra como
el mejor ejemplo de la nacionalidad humana y como el hombre se puede convertir en
una bestia.

 Max Beckmann 1884-1950

Estudió en Roma y Paris y residió en la capital del Sena. Cuando regresa a Alemania se
instala en Berlín. De todos los artistas de la nueva objetividad alemana, Beckmann es el
que presenta unas críticas a la sociedad alemana más directas, abordando temas de
actualidad.

 La noche
Hace referencia a la brutalidad de esos registros violentos y criminales que se realizaban
en Alemania por parte de los jóvenes fanáticos vinculados a Hitler. En esos asaltos
nocturnos a familias de la burguesía judía alemana eran frecuentes, no públicos, los
actos de sadismo, violaciones de mujeres y niñas y los asesinatos colectivos. Las
escenas de Beckmann son de una crueldad que no ocultan ninguna de las brutalidades
que se estaban cometiendo en Alemania. La angustia psicológica de los personajes se
traslada incluso al espacio que es agobiante y estrecho, que provoca una tensión entre
fondo y figura.
Tanto Hitler como sus sucesores consideran que el control del arte puede ser útil para
conseguir la vertebración de una entidad nacional socialista alemana. En 1.937 Hitler
organiza la famosa exposición de arte degenerado, en donde se exhibían cuadros

75
realizados por enfermos mentales junto con cuadros de artistas de la vanguardia. En
otras salas también se mostraban retratos, paisajes y escenas costumbristas, que incidían
en la famosa máxima Hitleriana de iglesias, hijos y hogar. Toda esta exposición
pretendía evidenciar la inferioridad del arte moderno, transmitir que no era moral y que
exaltaba el feísmo. Comenzó la confiscación de cuadros y la quema también de obras,
se cerraron escuelas de arte. A los profesores se les despojó de sus cátedras y se les
prohibía exponer e incluso pintar.
Algunos de estos artistas consiguieron exiliarse y aquellos que continuaron en
Alemania, bien se sometieron al criterio del realismo nazi o bien fueron recluidos y
asesinados en campos de concentración.
En EE.UU. comienza una tendencia igualmente figurativa semejante a la nueva
objetividad alemana, pero en ese contenido crítico que tenían los alemanes. Las visiones
del llamado precisionismo norte americano agrupan a todas las tendencias figurativas
que se desarrollaron en el norte de América después del crac de 1.929. La pintura del
precisionismo americano tiene mucho que ver con la literatura de Juhn Dos Pasos y
William Faulkner. La pintura precisionista con esa base figurativa se interesa por el
individuo convertido en un arquetipo social de persona desengañada solitaria. Es una
pintura en la que eliminan detalles anecdóticos con formas simplificadoras y cuadros de
apariencia limpia.

 Edward Hopper 1882-1967

Retrata la incomunicación de la burguesía norteamericana, el pintor se convierte en una

especie de voyeur que penetra en la intimidad doméstica de las familias. Son cuadros
sin narración, con personajes rígidos, no individualizados, con una factura elegante y
tonalidades planas.

 Hoki Room
Está basado en el cuadro de Munich, “Pubertad”. Se trata de una mujer desnuda en la
habitación de un hotel que medita sobre su existencia y en el cuadro se aborda en la
soledad del individuo incapaz de una comunicación efectiva con otras personas.

Hopper realizó también paisajes de la costa este americana, de movimiento y atmósfera

congelada, en composiciones en las que el vacío juega un papel primordial.

 Giorgia O’Keeffe

Tuvo un ideario estético más avanzado que Hopper. Trata de temas florales inspirados
en las decoraciones de los indios de Nuevo México y aborda el asunto de los grandes
rascacielos neoyorquinos. Los rascacielos configuran espacios agobiantes, muchas
veces inestables, con planos geométricos de colores planos. Tanto en los motivos
florales como en los rascacielos, Giorgia O’Keeffe busca atmósferas limpias, contornos
precisos, muy semejantes a las facturas de Hopper.

. ESCULTURA: Propuestas individuales hasta 1945 .

76
Los orígenes de la renovación escultórica del siglo XX están en el cambio de siglo, del
siglo XIX al XX, y se localiza en Rodin Bernardo Rosso y Maillol. Con la base de estos
artistas, la escultura del siglo XX se mueve en dos campos:
- Encontramos una escultura vinculada a los grupos de la vanguardia.
- Encontramos también propuestas individuales con un lenguaje de
vanguardia, pero que no asumen ningún movimiento en concreto.
Dentro de las propuestas individuales tenemos:

 Alberto Giacometti 1901-1966

Es un artista suizo que se instaló por mucho tiempo en Paris, perteneció durante algún
tiempo al grupo sindicalista de Bretón y gran parte de los historiadores le influyen
dentro de dicho movimiento. Toda su producción compleja tiene que ver con un estudio
acerca del movimiento. Sus primeras obras conocidas son estructuras de madera o metal
que contienen en su interior estructuras suspendidas realizadas en madera. Estas “Jaulas
Abiertas” estudian la relación entre espacio interior y exterior, se aproximan a las
posibilidades de los movimientos pendulares, interés por el movimiento en el que
coincide con las preocupaciones de Calder. Después de finalizado el conflicto bélico
mundial, él da un giro en su producción escultórica y comienza sus famosas esculturas
de hombres alargados, extremadamente estilizados, de superficies rugosas y que
siempre indagan en la potencialidad del movimiento. Estos “Esqueletos en el Espacio”
parece que tienen tres referencias cruzadas: se le relaciona con el conocimiento por
parte de la opinión pública de las imágenes de campos de concentración alemanes, se le
relaciona con la filosofía existencialista de Sartre y Simon de Bubuard, con los que
Alberto Giacomelti tuvo una estrechísima relación personal, y por último también se le
relaciona con Picasso porque en los años 30 Picasso comenzó sus famosas estatuillas de
palo en las que tomó como punto de referencia los exvotos de la cultura ibérica y de las
tumbas etruscas.

 Constantin Brancusi 1876-1957

Era un rumano que trabajó como carpintero y ebanista. Se instala en Paris donde
residirá toda su vida. Cuando llega a Paris, Brancusin recibe la influencia directa de una
escultura liderada por el ejemplo de Rodin. De Rodin toma la importancia del
modelado, la fragmentación y, sobre todo, el sentido de superficie de la escultura.
Aunque Brancusin rechaza ese pazos emocional de Rodin y sus superficies
atormentadas. Va a ser el padre de la llamada tendencia orgánica dentro de la escultura
contemporánea. Se trata de formas semiabstractas donde la realidad está totalmente
esquematizada, con formas redondeadas y buscando un efecto de depuración táctil de
las superficies. Éstas siempre son lisas y pulidas porque no busca la representación de
las cosas visibles sino de la esencia de las cosas. Apartándose del ejemplo de Rodin, a
partir de 1.907 Constantine Brancusin preconiza la talla directa, el contacto físico del
escultor con la materia, tomando como partida a la escultura ar4caica y, sobre todo, a las
fuentes del arte africano. A su muerte Brancusin dejó al gobierno francés una gran parte
de su obra y también todo lo que contenía su estudio.

77
No pertenece a un ismo concreto, aunque tenga puntos de contacto con el esfuerzo
simplificador de gran parte de las vanguardias.

 Columna sin Fin 1918

Es su obra más conocida. Es una obra de gran influencia dentro de la escultura
contemporánea. Consiste en una estructura que parte de un rombo o pedestal y que
mediante la suma de diferentes formas en altura, se eleva en vertical como una auténtica
encarnación de un “axis mundi”. Se sustenta en el concepto de infinito, es una
repetición seriada de elementos rítmicos y que tuvo distintas interpretaciones y
versiones en madera, hierro y yeso.
Constantine Brancusin era teofoso y con esta obra pretendió elaborar una auténtica
escalera hacía el cielo basándose en distintas interpretaciones rituales de pueblos
primitivos. Así, una estructura escultórica elevada hacía el cielo tiene que ver con la
interpretación de árbol de la vida o de escalera celeste que aparece en el mundo mágico
de muchas culturas primitivas (zigerat).
La obra no se limitó al ámbito del periodo de entreguerras sino que fue la obra tomada
como referencia por el minimalismo americano.

 El Origen del Mundo (Huevo)

Es un buen ejemplo de depuración de las formas. También ejemplifica la forma de
trabajo Brancusin, que en todos los materiales pule las superficies, busca una auténtica
depuración, de tal manera que reflejen en la superficie la luz y el entorno.
Brancusin preconiza la talla directa, parte de formas de la naturaleza que sintetiza y
depura. Trabaja prácticamente en todos los materiales. En sus años iniciales, de
formación como carpintero, se interesa por la madera que talla directamente, pero en el
transcurso de su carrera investiga otros materiales (mármol, bronce y piedra caliza).
 Leda
 Princesa
Se caracteriza por formas redondeadas, pulidas, que huyen de la geometría.

 Hermanos Pevsner y Gabo

Redactaron el manifiesto realista en los años 20, que se oponía a las tesis del
constructivismo, que vinculaba la actividad creativa con las necesidades del pueblo
ruso. En ese manifiesto los dos hermanos reivindican el espacio y el tiempo como
únicos conceptos escultóricos, precisamente por esa oposición a las tesis soviéticas en el
año 21 ambos abandonan Moscú y se instalan en Paris, para posteriormente instalarse en
EE.UU. La obra de los dos hermanos trabaja en fuego de relleno y vacío, con las
posibilidades de la luz y la sombra. A partir de su radicación vital en EE.UU. trabajan
con materiales plásticos que les permiten investigar a cerca del carácter etéreo de la
materia y efectos de transparencias.

 Pablo Gargallo 1981-1934

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Es un artista que trabaja prácticamente en exclusiva la chapa metálica. En Paris se
vinculó a la estela del cubismo y su obra fusiona la síntesis geométrica del cubismo con
la elegancia del Art Decó.

 El Profeta 1934
Utiliza la chapa metálica y donde estudia las posibilidades del hueco o del vacío como
elemento configurador de toda composición.

 Julio González 1876-1942

Tiene una línea semejante al anterior. También trabaja la chapa metálica. Se forma con
su padre en el arte de la forja y después trabaja como soldador en unos talleres
industriales de Barcelona. Su capacitación técnica para el trabajo de la soldadura llegó
incluso a Picasso, quien en 1.930 le pide ayuda para trabajar en materiales metálicos. A
partir de esa relación con Picasso, se aproxima a la estela del cubismo y de Picasso. La
etapa creativa más conocida de Julio González está en la década de los años 30.

 Monserrat
Es una obra que se expone en el Pabellón de la República Española de Paris, que es el
mismo que exponía “El Guernica”. Es una obra de carga figurativa que representa a una
mujer del pueblo que lucha contra el fascismo.

 Mujer Peinándose ante el Espejo

Es una obra extraña dentro de su producción, porque las referencias figurativas tan
claras en sus obras, aquí se atenúan. Es una obra vinculada a los procedimientos de
Picasso porque tiene que ver con el Cubismo y también coincide con la interpretación
de lo femenino del surrealismo. Así, la mujer se ha convertido en una especie de
“mantis religiosa” o insecto mecánico. Esta idea de mujer peligrosa no sólo está en el
surrealismo sino también en el Picasso de entreguerras. Es una obra que consiste en una
concatenación de piezas metálicas soldadas, donde puede reconocerse algún elemento.
Es una obra que igual que en el cubismo sintético, hay una energía central que
desprende energías secundarias hacía los extremos.

 Alexander Calder 1898-1976

Nació en Norteamérica, pero se instala muy joven en Paris. Tuvo una relación bastante
estrecha con el círculo surrealista parisino. Fue un gran aficionado al cine y colaboró
incluso con algunas de las propuestas más radicales del cine surrealista. Ese interés por
el movimiento lleva a que en el año 32 hace esculturas en movimiento, bautizadas por
Duchamp como móviles. Éstos consisten en estructuras metálicas unidas entre sí
reguladas y estudiadas en función de los pesos y que llevan suspendidas formas
biomorfas de colores planos, que recuerdan a las formas utilizadas por miró y por
Tangui. Normalmente esas formas son inicialmente de hojalata pintada, pero hasta el
año 70 incorpora diferentes materiales, cumpliendo así la estructura básica de los
móviles.

79
Al tratarse de formas suspendidas del techo con poco techo y de carácter inestable, con
el más leve movimiento de aire los móviles de Calder generan un movimiento rítmico y
lento que evoca la ondulación de los escenarios marítimos.
Los móviles de Calder están estudiados para permitir una transmisión permanente de
impulsos. Calder diseña incluso móviles con motor incorporado para asegurar el
movimiento constante de estas pequeñas estructuras que flotan en el espacio.
La obra de Calder está en el origen de las propuestas de arte cinético que se desarrollan
después de la 2ª Guerra Mundial.
En el año 37, Calder trabaja en España haciéndose cargo de un proyecto de fuente de
mercurio con destino al Pabellón de España en la famosa Exposición de Paris. Esa
fuente está hoy reconstruida en la Fundación Miró de Barcelona y estudia las
posibilidades de un líquido que es el más pesado relacionado con el entorno. También
hizo otro tipo de esculturas llamadas Stan Vil que en lugar de prever un movimiento del
techo asume un vástago central fijado al suelo con formas que emergen de él, que tienen
movimiento por el viento o motor.

 Henry Moore / Barbara Hepworth

Formaran parte de una agrupación británica llamada “Unit One”. Ésta reclamaba el
protagonismo de la forma, el diseño y la imaginación sobre cualquier otro tipo de
componente artístico. En Unit One había un deseo de transformación artística, pero sin
buscar una hegemonía estilística, por eso, en el seno de Unit One algunos artistas como
B. Hepwoth tenderán a una vía abstracta mientras que otros como H. Moore se
inclinaran por una tendencia más figurativa.

Henry Moore 1898-1986

Es una artista de gran carga figurativa, pero a partir de los años 30 realiza obras con una
experiencia abstracta. En general, su obra tiene que ver con la vía abierta por Brancusi y
por Arp, es decir, una vía de escultura orgánica, que juega con concavidades y
convexidades que establece una armonía entre espacios vacíos y llenos integrados en
una estructura unitaria. Su fuente de inspiración es básicamente la naturaleza, pero hay
también referencias a la escultura del pasado (grupos familiares etruscos, arte
precolombino e incluso Miguel Ángel).
Sus obras más famosas son figuras femeninas reclinadas y gripos familiares. En estos
últimos toma como referencia los grupos funerarios etruscos, que reinterpreta con un
lenguaje moderno y simplificando las formas, depurando los espacios.
Dos obras ejemplo.
Hasta el año 45, muy influido por Brancusi, trabaja materiales que favorecen la talla
directa como la madera, la piedra e incluso el barro. A partir del año 45 utilizará en
cambio materiales metálicos (bronce, aluminio) más demandados por el mercado. Las
figuras femeninas tienen mucho que ver con su viaje mexicano, que tienen que ver con
esculturas precolombinas que reinterpreta de una manera simplificando las formas.
Siempre son figuras femeninas porque quiere representar uno de los mitos más
frecuentes en las culturas antiguas, que es la fertilidad.

80
Henry Moore llegará a trabajar con piedras erosionadas e incluso hueso corroído y otros
materiales en los que apenas interviene en su talla.

Barbara Hepworth 1903-1975

Desarrolla un trabajo que preconiza la talla directa, pero su obra se decanta a una opción
más figurativa con formas erectas, muchas veces perforadas que evocan las estelas
funerarias medievales.
Fue la mujer más importante del arte contemporáneo británico. Lo mismo que Henry
Moore comenzó trabajando la madera y la piedra (materiales tradicionales) con lo que
conseguía superficies rugosas para pasar a trabajar a partir del año 45 con materiales
metálicos (bronce). Es frecuente que Bárbara trabaje en series donde esa especie de
estelas abstractas se asocien a parejas o conjuntos de estelas creando una especie de
espacios mágicos que tienen que ver con las ruinas de Stonehenge.

. EXPRESIONISMO ABSTRACTO.

Después de la segunda guerra mundial se produjo un importante cambio en el mercado

artístico internacional. La posición hegemónica, que en el ámbito de las artes plásticas
había tenido París, se sustituye por Nueva York, una ciudad que contaba con un
coleccionismo importante y que había mantenido estrechos contactos con la vanguardia
histórica. Desde 1913 con la famosa exposición del Armony Show de Nueva York,
comenzaron las muestras de arte de vanguardia europea en la capital neoyorkina. En
EE.UU en 1939 se establecen artistas de la talla de Duchamp y sobre todo un conjunto
muy amplio de creadores relacionados con el surrealismo como Bretón, M.Ernst y
Chagall, además de otros artistas como Mondrian; incluso expone con gran éxito el
propio Picasso. Después de la segunda guerra mundial en Nueva York aparecen una
serie de galerías y de clubs de artistas que serán la base para la gestación de la llamada
Escuela de Nueva York. En 1935 se había formado la A.A.A (American abstract artist)
que fue fundada por Ad. Reinhandt y Joseph Albers. Esta celebra exposiciones hasta
1939 y va a defender una línea creativa totalmente abstracta y relacionada con la
vanguardia europea. Fue el primer intento norteamericano de contraponerse a la
figuración derivada del éxito del precisionismo norteamericano.
En 1942 Peggy Guggenheim28 abre la llamada Art of this century, en esa galería se va a
seguir una política exhibitiva donde se alternan creadores europeos con propuestas
americanas de jóvenes artistas relacionados con el llamado expresionismo abstracto.
Además en estos años un artista alemán afincado en Nueva York llamado H.Hoffman
abre su propia escuela de arte defendiendo todas las posibilidades de la pintura abstracta
y sobre todo la idea del arte por el arte. En esos mismos años, la zona del Greenwich
Village se convierte en una copia de Montmartre porque va a ser el lugar donde
convivan los talleres de artistas americanos con estudios de artista europeos. Va a ser
28
Coleccionista de arte estadounidense. Nació en Nueva York, ciudad en la que completó sus estudios. En
1920 se trasladó a París, donde trabó amistad con los escritores y artistas de la vanguardia. En 1938
inauguró una galería de arte moderno en Gran Bretaña y empezó a coleccionar pinturas. En 1942 abrió
otra galería, llamada Arte de Nuestro Siglo, en Nueva York; más tarde se hizo mecenas de muchos
artistas importantes, entre los que destacan Jackson Pollock, Hans Hofmann y su marido, Max Ernst. En
1946 regresó a Europa y trasladó su colección a un palacio en Venecia, creando así una de las pocas
colecciones de arte europeas en las que se mostraban obras estadounidenses. Permaneció en Venecia
hasta su muerte.

81
también el lugar donde se abren determinados clubs como el llamado The Club
(localizado en la 8th)que fue creado por el propio W. De Kooning y F.Kline. The Club
organizó mesas redondas, exposiciones y debates.
En esta clima cultural neoyorkino que desplaza la importancia de París como centro de
atracción artística, nace en la década de los 40 el llamado Expresionismo abstracto
americano que designa mas un proceso que un estilo homogéneo y será denominado
también como la primera generación de la Escuela de Nueva York. Este expresionismo
nace del interés de los jóvenes creadores de este país por crear un arte diferente de lo
que había sido la pintura del precisionismo norteamericano y además una pintura que
fuese autónoma de Europa. Tuvo dos tendencias:
1. La pintura muy gestual e improvisada de Jackson Pollock, Motherwell, Kline y
W.de Kooning y que llega a su máxima expresión con el llamado Dripping de
Pollock.
2. La pintura de los campos de color, opción mas reflexiva donde se buscan
contenidos trascendentales, se trabaja con amplias superficies de color que
llegan a absorber al espectador. Esta se desarrolló con Barnett Newman,
Clyfford Still y Mark Rothko.
Ambas son tendencias claramente abstractas y utilizan en muchas ocasiones la técnica
que van a denominar como All over que consiste en cubrir la superficie del lienzo de
una manera uniforme dando la impresión de que la obra quiere expandirse mas allá de
los límites físicos del cuadro. En ambas tendencias se aprecia una influencia distinta.
Dentro de la pintura gestual hay que señalar la filiación con el automatismo psíquico o
surrealismo, mientras que en la pintura de los campos de color hay una fuerte impronta
de las teorías trascendentales derivadas de Kandinsky, enseñadas en la Bauhaus alemana
y que continuarán con la fundación en Chicago de la New Bauhaus.
El expresionismo norteamericano nace en la década de los 40, fue un movimiento muy
aplaudido por la crítica y se consideró como el primer movimiento auténticamente
autóctono. Entra en crisis en la década de los 60 cuando irrumpe en el panorama de las
artes plásticas occidentales el arte Pop. El término expresionismo abstracto fue utilizado
por primera vez en 1946 por el crítico R. Coates para definir una tendencia creativa de
gran intensidad plástica y que renunciaba a la realidad de la abstracción europea. En
esos años de formación del movimiento, el crítico Greenberg era el personaje mas
influyente de EE.UU, hasta los años 70 aupó el éxito del movimiento, organizando
grandes exposiciones e iniciando campañas publicitarias en todos los medios de
comunicación.
Dentro del movimiento a veces se habla de la Escuela de Nueva York confundiendo
ambos términos. Lo cierto es que el expresionismo abstracto fue la primera generación
de la Escuela de Nueva York, ciudad que en la segunda mitad del siglo XX va a ser el
foco de atracción del mercado y de las propuestas del arte de vanguardia.
En el expresionismo abstracto norteamericano la tendencia de pintura de acción o
Action painting es una pintura que propone grandes formatos que, siguiendo la estela
del automatismo psíquico surrealista, idea un arte en el que es tan importante el proceso
como el resultado. La esencia de este arte tan gestual no está solo en el resultado sino en
el diálogo que se establece entre el material y al artista. Todos los integrantes de esta
modalidad estuvieron muy atraídos, a excepción de Motherwell, por el arte primitivo
especialmente por la manifestaciones rituales de las indios americanos. De hecho
Greenberg cuando justificaba teóricamente la importancia del Action painting como

82
lenguaje autónomo, lo vincula con esas pinturas rituales de los indios navajos de Nuevo
México que se realizaban en el suelo y esta filiación autóctona producía, según
Greenberg, un arte especial americano y desvinculado de los modelos europeos.
Al utilizar una técnica directa, la mayoría de los artistas no hacían bocetos previos sino
que los cuadros se van a configurar como un conjunto de gestos derivados del azar, sin
ningún tipo de control mental, donde el artista realiza un diálogo con la materia y donde
durante el proceso de creación del cuadro se van tomando decisiones.
Técnicamente aportó novedades con respecto a la pintura anterior, primero aumenta la
escala de los lienzos, este aumento de escala busca llenar todo el campo visual del
espectador para lograr un mayor impacto emocional. La utilización de esos formatos
enormes obliga a un modo de trabajo diferente, el artista abandona el caballete y el
trabajo vertical para abordar la pintura en horizontal. También cambian los útiles de
trabajo, el lugar de pinceles utilizan brochas de pintura decorativa y también recipientes
horadados (lastas con agujeros). En cuanto a los pigmentos, emplean pigmentos muy
líquidos que permiten aplicaciones gestuales mas cómodas y se abandona totalmente el
óleo y los artistas utilizan sobre todo acrílicos de acabado plástico y esmaltes. Además,
tanto el esmalte como la pintura acrílica permiten superposiciones de capas con mayores
garantías de permeabilidad. En todos ellos hay un uso constante del negro, en algunos
casos buscando el poder expresivo de las tonalidades oscuras y en otros casos
investigando las posibilidades del contraste del blanco y del negro en un estilo
caligráfico.

 Hans Hofmann 1880-1966

Artista alemán que estudió arte en Alemania y residió en París entre 1904 y 1914. Allí
conoce a Picasso, Matisse y a Braque y durante un tiempo se aproxima al orfismo de
Delaunay. Emigra a EE.UU en 1932 y en 1934 funda su propia academia de pintura
Academia Hans Hofmann y en esos años comienza a ensayar acerca de las posibilidades
de un chorreo gestual de pigmentos sobre soportes, influido por el automatismo
psíquico del surrealismo. Junto con Willem de Kooning y Pollock van a ser los pilares
del Action painting. Se enemistó con Pollock cuando Greenberg atribuye la autoría del
dripping exclusivamente a Pollock. La pintura de Hofmann se asienta en la fuerza
expresiva del color, utiliza grandes formatos, aplica los pigmentos en brochazos amplios
y a diferencia de Pollock, su obra mantiene en muchas ocasiones una cierta
reminiscencia figurativa.

 William Baziotes

Artista americano que llegó a nueva York en 1923 y donde comparte estudio con el
surrealista latinoamericano Roberto Mata, y por esa vía se introduce en una pintura
gestual liberada de la excesiva intelectualización de la abstracción europea. Se trata de
una pintura de tonalidades claras, transparentes, con formas biomórficas que flotan en
campos fluidos y que se diferencia de la pintura de Kooning o Pollock por que estos
tienden a contraste cromáticos muy acentuados. Baziotes hace una pintura de
tonalidades armónicas y donde la sensación acuática se mantiene a lo largo de toda su
trayectoria.

83
  Aquatic 1921

 Dusk 1958

 Willem de Kooning 1904-1997

Nació en los Países Bajos y en 1926 llegó a EE.UU de modo ilegal; se casó en 1943 con
la también pintora Elian de Kooning y expone individualmente por primera vez en la
galería de Peggy Gugenheim en 1948. Willem de Kooning va a estar muy influido por
los surrealistas europeos que llegan a Nueva York por estos años.
Busca un tipo de pintura en la que no se llegue nunca a abandonar del todo la figuración
con formas muy simplificadas, de pastosidad voluminosa, en planos que colisionan
entre sí y con una clara herencia del cubismo.

 Womans 1950-51
Las series de woman tiene que ver con las señoritas de Avignon de Picasso, que se
expusieron en Nueva York por estas fechas, y esa supresión del modelado, la
integración de las figuras con los fondos, la eliminación de la perspectiva y sobre todo
el tema de la mujer arcaica como objeto de culto (característico de Picasso), están en las
raíces de las woman de Willem de Kooning. Las Woman son formas dislocadas con
pinceladas barridas de color, que buscan la captación de la expresividad subjetiva, son
realmente seres monstruoso e inquietantes y progresivamente Kooning va a
desmaterializar a sus woman en un fondo, porque a partir del año 1955 regresa a la
abstracción pura. Es interesante señalar que el procedimiento creativo de Kooning
difiere de las formas creativas de otros miembros del action painting porque de kooning
comienza distribuyendo sobre el lienzo una serie de letras que operan como guías para
la posterior intervención pictórica de los pigmentos. Su procedimiento posterior a partir
del año 55 va a ser de base abstracta, pero donde subyace ciertas evocaciones de paisaje.

 Mahoming

 Mark Tobey 1890-1976

Nació en Wisconsin, fue profesor de arte oriental, en 1934 realizó un viaje a China y
Japón y vive durante un mes en un monasterio Zen. Conoce de primera mano la mística
zen y a su regreso a EE.UU se integra en una secta, la secta BAHAI de origen oriental
de carácter universalista y que tiene un ideario optimista. Al regreso de su viaje
comienza sus famosas escrituras blancas, se tratan de chorreos de formas filiformes
sobre soportes blancos, se originan composiciones laberínticas y son cuadros inspirados
en esa dicotomía espiritual entre el principio femenino y el masculino del ying-yang.

 Sumi 1961

 Jackson Pollock 1912-1956

Se formó con Thomas Benton, un artista figurativo que trabajaba temas de costumbres

84
campesinas del medio oeste americano. Fue amigo del muralista mejicano David Alfaro
Siqueiros, éste trabajaba con aerógrafos y pulverizadores que tienen relación con el
dripping. Esa amistad probablemente le haya influido (Pollock nunca lo reconoció)
primero en el empleo de los grandes formatos que utiliza y también en el chorreo de
pintura sobre un soporte.
Pronto tuvo problemas con el alcohol, se sometió a diversas curas de desintoxicación y
en esos recintos psiquiátricos conoció de cerca las tesis psiquiátricas de Jung 29. Realizó
su primera exposición individual en 1943 y a partir de 1947 comienza con el
procedimiento del dripping que sustituye al pincel y hay un goteo con brocha o con una
lata perforada sobre el lienzo; ese goteo desborda el lienzo lo que hace que el espectador
llegue a concebir la obra como una parte de un conjunto infinito. Estos grandísimos
lienzos eran posteriormente cortados por el artista. En el dripping de Pollock, el artista
camina dentro del cuadro, reflexiona y ejecuta simultáneamente, y el proceso de
creación toma tanta importancia en su arte como el resultado, de ahí su obsesión porque
lo filmaran.
El origen del dripping para unos procede de su trabajo con Siqueiros para otros tiene
que ver con el magisterio de Hofmann que años antes había ensayado con pintura
goteada. Pollock afirmó que el origen del dripping fue casual cuando derramó un bote
de pintura de modo accidental en su estudio y fue el crítico Greenberg el que aportó una
de las tesis sobre el origen del dripping mas admitidas por la historiografía del arte
cuando lo vinculó con las pinturas rituales de los indios de Nuevo Méjico, que
derramaban tierras coloreadas que esparcían cuando salía el sol y destruían cuando
llegaba la noche.

 Eyes in the heat

Muchas veces los grandes formatos de Pollock se han relacionado con las pinturas de
gran tamaño de Picasso y Matisse, obras k estaban en New york y que eran muy
conocidas por los artistas neoyorkinos. Es importante señalar la importancia del
Guernica de Picasso, obra que influyó sobre manera en gran parte d estos artistas.
Pollock copio varias veces el Guernica. Desde el punto de vista teórico Pollock
relaciona esos grandes formatos no solo con la influencia de Picasso sino también con
las grandes extensiones del Far West norteamericano.
Estuvo muy relacionado con la galería de Peggi Guggemheim y al critico Greenberg
que fue uno de sus principales valedores.
Las composiciones de Pollock son una especie de intrincada red de formas lineales
retorcidas que tienen su origen en algunas formas de la escritura automática del
surrealismo, remiten a signos de Klee, a gestos infantiles de Miró y sobre todo tienen
que ver con la valoración del azar dentro del Dadá
En las grandes obras de Pollock se utiliza un procedimiento que el mismo denomino
“All over field”, obras que no tienen una composición tradicional, no existe un centro
de atención sino que la pintura fluye libremente, forma una especie de continuo
plástico que llega incluso a prolongarse mas allá de los limites físicos de la obra .
En torno a 1947, desaparece en su obra las reminiscencias figurativas porque a partir
de estas fechas aborda el lienzo sin ninguna idea preconcebida, trabaja con un
29
Psiquiatra y psicoanalista suizo, fundador de la escuela analítica de la psicología. Jung realizó una
variación sobre la obra de Sigmund Freud y el psicoanálisis, interpretando los problemas mentales como
un modo patológico de procurar la autorrealización personal y espiritual.

85
procedimiento creativo muy semejante al automatismo psíquico y que en muchas
ocasiones se ha denominado automatismo pictórico.
A partir d 1950-52, reduce prácticamente su paleta al blanco y el negro y van
apareciendo de nuevo algunas indicaciones figurativas. A partir de esas fechas la obra
de Pollock es casi un trasunto de su vida, abandona las clínicas de desintoxicación e
inicia un proceso autodestructivo. Se va a trasladar a una pintura muy sombría y
donde aparecen ciertas alusiones figurativas. En sus tanteos pseudofigurativos como
buen conocedor de la psiquiatría de Jung, trabaja ciertos mitos o arquetipos humaos
descritos por Jung que el conocía a través de sus tratamientos psiquiátricos.
Si en la base del surrealismo se encontraban las tesis psiquiatritas de Freud, la tesis de
Jung gestan también en la base del expresionismo abstracto y de forma muy singular
en Pollock. Jung defendía que las causas que configuraban la personalidad humana no
se encontraban únicamente en los traumas y neurosis individuales, Jung dice que cada
personalidad humana tiene unos arquetipos universales (Pasifae, la loba) donde cada
uno se ve reconocido, la obra donde cada individuo puede llegar a reconocerse. Esas
bases son los que Pollock intenta trasladar a esa modalidad de su pintura que tiene
ciertas evocaciones figurativas.
Su pintura es de gran formato pero por motivos comerciales en muchas ocasiones
fragmentó las grandes lienzos. Lienzos que recibía un chorreo de pigmentos,
trabajando en horizontal una pintura muy matérica por la adición de sucesivas capas
de color pero a diferencia de los artistas de los campos de color, Pollock no renuncia a
intitular sus obras, buscando evocaciones figurativas.

PINTURA DE LOS CAMPOS DE COLOR

Dentro de la escuela de Nueva York y coincidiendo cronológicamente con la pintura

de action painting, un grupo de artistas neoyorkinos desarrolla una vía alternativa
denominada pintura de los campos de color que va a tener un carácter diferente porque
a pesar de que después de la segunda guerra mundial el expresionismo abstracto en su
faceta de acción o el informalismo en Europa, parecían ser los lenguajes por
excelencia de la postguerra, existieron también otras opciones .plásticas que
reivindicaban la geometría, el orden y la reflexión dentro de una pintura abstracta.
Esa pintura de los campos de color sin duda procede de la estela de la abstracción
geométrica Europea y fue precisamente la Bauhause la institución que se va a
convertir en el puente geográfico y cronológico entre Europa y Nueva York.
Así Josef Albers trabaja en Black Mountain Collegue y László Moholy-Nagy se
incorpora a la llamada new bauhause de Chicago.
También hay que recordar que en 1940 se instala en Nueva York el propio Piet
Mondrian teniendo en cuenta que no va a ser docente en Nueva York pero si va a
mantener unos interesantes contactos personales con los jóvenes artistas neoyorkinos.
Los artistas de los campos del color (primera generación de la escuela Nueva York)
esta tendencia que se gesta entre 1947-52, también llamadas “Intent painter” estuvo
encumbrada por: Clifford Still, Mark Rothko y Bainett Newman.
Como su nombre indica la pintura de los campos del color utiliza campos de color
unificados, se pierde con respecto al “action painting” la categoría del dibujo de tal

86
manera que se dibuja con el pincel y se crean grandes superficies de color distribuidas
en bandas (Newman) o en ventanas (Rothko).
Es una pintura abstracta donde se suprime cualquier referencia a la historia y a la
naturaleza. Coinciden también en un procedimiento “all over” con ese efecto de
infinitud. Utilizan también grandes formatos con la intención de llevar todo el campo
visual al espectador y además pretendían que su pintura generase espacios obsesivos
de cierto carácter religioso. De ahí procede la importancia que va a otorgar esos
artistas a los espacios expositivos, prefieren espacios pequeños, con luces en
penumbra como si el espectador verdaderamente penetrase en un lugar místico. Todos
los artistas de los campos del color buscan una pintura que tenga un carácter
trascendental y son lectores ávidos de la estética de los sublime de Edmund Burke.
Conciben la belleza no sólo como un objeto que produce placer sino como un objeto,
experiencia que puede llegar a ser sobrecogedora.
El expresionismo abstracto y la pintura de los campos del color se separan a fines de
1947-48, pues hasta la fecha todos estos pintores trabajaron de manera muy similar
dentro de una herencia general del automatismo psíquico surrealista.
Así el expresionismo abstracto primaba la originalidad de cada obra , en cambio la
pintura de los campos del color repite insistentemente un mismo formato, color, tema
con el carácter seriado que sin duda influirá en el desarrollo del posterior “minimal
art”.

 Ad Reinhardt 1913-1967

Aunque no fue estrictamente un miembro de los campos del color, este artista va a
desarrollar una línea teórica reivindicadora de la pintura sencilla de índole geométrico
donde la sublimación de la personalidad y de la inconsciencia estaba totalmente
descartada. Así publica en 1957 publica sus “12 reglas para una nueva pintura” y en
este texto se muestra enfrentado al expresionismo abstracto porque busca una pintura
que no tenga textura donde no haya huella del automatismo, donde no se vea la
impronta del pincel y además donde no exista caligrafía.
Desde el punto de vista practico desarrolla una pintura abstracta heredada de la de
Malévich donde hay ligerísimas gradaciones tonales que obligan al espectador a
encontrar en el cuadro unas determinadas formas geométricas. Es una pintura por tanto
desprovista de color desprovista de cualidades matéricas y que abandona cualquier
conato de gestualidad.

 Mark Rothko 1903-1970

Nació en Rusia y emigra con su familia en 1913 a Estados Unidos. Fue un estudiante
muy brillante y recibió una beca estatal para estudiar en la prestigiosa universidad de
Yale, donde no se encuentra a gusto pero asiste a las clases de dibujo que impartía el
artista Max Weber dentro de la liga de estudiantes de arte.
A principios de la década de los 40, se inicia en la pintura experimentando como toda su
generación dentro del automatismo psíquico surrealista. En torno a 1947 va a comenzar
una pintura con grandes manchas de color evanescentes, luminosos con efectos
acuarelados donde se evoca un cierto sentido de atmósfera. Esos cuadros se conciben

87
como auténticos espacios de reflexión y concentración y siempre habló de su pintura en
términos religiosos. No resulta extraño por tanto que se hayan comparado estos grandes
cuadros de Mark Rothko con los paisajes del alemán Friedrich.
Hay una relación muy estrecha de la pintura de Rothko con la de Matisse que a fines
de la década de los 40 descubre la “Habitación roja” en el MOMA neoyorkino Obra
descrita por Rothko como una obra en la que uno se empapa por completo de si
mismo. Hay una clarísima filiación de la pintura de Rothko con las “ventanas abiertas”
de Matisse por lo que Rothko introduce siempre en sus composiciones , espacios
horadados dentro del cuadro que recuerdan ese proceso de abstracción formal de las
ventanas abiertas de Collioure de Matisse. La pintura de Rothko procede de un
procedimiento técnico totalmente original: aborda los lienzos sin preparación previa,
aplica una primera capa de color homogénea donde mezcla los pigmentos con cola y a
posteriori aplica un óleo muy diluido a veces mezclado con pigmentos al agua como la
acuarela o el guache. Es una pintura muy trasparente, ese efecto se consigue, y da la
expresión de una pintura exhalada del propio lienzo.
Un aspecto interesante en la obra de Rothko que le diferencia de los pintores de action
painting es k Rothko nunca titula sus cuadros; únicamente coloca un número y el año
de ejecución, a posteriori los marchantes y los museos les han dado títulos
descriptivos para poder individualizar cada pieza dentro de una serie.
Hay un aspecto interesante que es su interés por intervenir en el espacio expositivo.
Rothko trabajó fundamentalmente con el marchante Sidney Manis que fue el autentico
valedor de las pinturas de los campos del color. En esas exposiciones individuales en
la galería de Sidney Manis, Rothko, buscaba que sus lienzos llenasen completamente
los muros, obligó a Manis a tabicar el espacio interior porque sus cuadros debían verse
a un espacio de 45cm. También le exigía que la exposición estuviese a media luz con
el objeto de crear una ambientación mística que según él se adecuaba a la
comprensión perfecta de su obra.
Rothko fue muy reacio a hablar de su pintura; en los pocos comentarios que se han
recogido sobre su forma de pensar del arte afirma que su pintura debe plantearse
prácticamente en exclusiva como un espacio de concentración y de dilatación de las
superficies y de dilatación en el plano de fondo. Y hay unas superficies dilatadas que
son las franjas horizontales concentradas en los cuadrados abiertos donde
efectivamente se contrae la superficie.
En 1958 Rothko recibe un importante encargo para decorar el restaurante “Four
Seasons” que estaba localizado en el Seagram Building construido por Mies Van der
Rohe. Comienza trabajando en 7 murales con planos abiertos interiores, los interpreta
con un fondo muy oscuro prácticamente negro con planos interiores a tonos rojizos
pero cuando un día acude al restaurante Four Season y aprecia el carácter vulgar de la
clientela se niega a entregar la obra que hoy esta en una fundación japonesa. A pesar
de ese carácter huraño, poco amigo de la publicidad y de las apariciones Rothko se fue
convirtiendo en uno de los artistas mas famosos y en 1961 fue invitado por el propio
John Fitzgerald Kennedy a la sesión inaugural del congreso americano.
Entre 1964 y 1961 recibe el encargo para la ejecución de murales para el comedor de
la universidad de Harvard. Edificio que había sido proyectado por el arquitecto
español Sert que representaba en Estados unidos la continuidad del movimiento
moderno. Para Harvard realizó un tríptico y dos grandes cuadros de caballete.

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En los últimos años de su vida Rothko recibe el encargo para realizar la decoración
interior de la capilla ecuménica de la universidad católica de Houston. Cuando recibe
el encargo Rothko no solo se plantea la decoración interior sino que diseña el edificio,
enfrentándose con los arquitectos originales. Rothko idea un edificio de planta
centralizada (remite a los martíria y baptisterios cristianos), muy sobrio exteriormente
con una parte frontal abierta a un estanque y en ese estanque se coloca una escultura
de Barnett Newman. Busca en el interior una luz cenital, renuncia a la iluminación
eléctrica y en la capilla lo que realiza es una pintura muy hermética con lienzos
monocromos con colores muy acuosos, sutiles de negro y gris a excepción del tríptico
central que tiene un encendido color sangre y que por supuesto alude a la muerte de
Cristo.
En 1693 Rothko firma un contrato en exclusiva con la galería Malborough. Rothko se
suicida en 1970 poco tiempo después fallece su exmujer y la Malborough se convierte
en la tutora de sus hijos.

 Ocre y rojo sobre rojo

 Nº 15

 Nº 61 / Oxido y azul

 Nº 8 / Franja Blanca

 Barnett Newman 1905-1970

Es neoyorkino, junto con Rothko , Moderwell y Baziotes fundó un grupo llamado

“Subject for artists” (temas para el artista), que organizaba conferencias, ciclos
temáticos y que además publicaba una revista llamada “Tiger´s eye”. En esa
publicación se defendía el lenguaje contemporáneo se abogaba por una estética
abstracta acorde con la sociedad contemporánea.
Como todos ellos Newman comenzó su obra deudora del automatismo psíquico pero
en torno a 1947 y 1948, se adentro a la pintura de gran formato con color uniforme
interrumpido por bandas verticales u horizontales que el denomino como “Zips” y que
van a tener grosores y tonalidades diferentes. Esas bandas de color provocan una
ilusión óptica de acercamiento o retranqueo de los planos que constituyen, y es que
Newman buscaba un tipo de pintura que provocara emoción en el espectador, creía en
el valor sensual de la pintura y experimentó con colores muy intensos pero sin utilizar
efectos de trasparencia siendo colores muy compactos.

 Vir Heroicus Sublimis

 Yellow painting

 Clyfford Still 1904-1980

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Era oriundo de Dakota del norte, estudió en varias universidades y fue docente
universitario varios años. Marca otra tendencia dentro de los campos del color que es
la pintura que se interesa por efectos textuales.
Como Rothko y Newman, Still abandona el automatismo psíquico en tomo a 1947 y
comienza una pintura con grandes manchas de color uniforme de contornos erizados,
siempre se plantea bandas irregulares de sentido vertical, con una idea ascendente de
las formas que tienen una intencionalidad mística.
Still se consideraba un continuador de Gauguin, para él, el maestro francés había
conseguido desembarazarse de las decadentes influencias europeas para conseguir un
nivel de experiencia primitiva. A diferencia de Gauguin, y aunque Still quiera
convertirse en un nuevo primitivo del arte, nunca va a utilizar el color en función de
sus cualidades simbólicas.
En algunos de sus escritos Still comparaba a sus grandes lienzos con las bastas
extensiones del Far west norteamericano y llegó a autodefinirse como un nuevo
pionero. Es muy importante en Still el trabajo de las texturas poque son texturas
ásperas de materialidad gruesa.

 1959

 1951

 Robert Motherwell 1915-1991

Artista a medio camino entre la expresión espontánea del subconsciente y la

elementalidad del color de la pintura de los campos del color. Además de pintor fue
un teórico del arte, licenciado y doctor por la universidad de Harvard y en su tesis
doctoral estudio por primera vez el papel del color en Delacroix..
Dirigió una serie de monografías sobre artistas contemporáneos tituladas “Docum de
arte moderno”. Mantuvo un estrecho contacto con los artistas europeos exiliados y
sintió durante toda su vida una profunda admiración por Picasso y por Miró. De ahí
derivó su interés por todo lo español.
Las primeras obra de Robert Motherwell como pintor fueron precisamente collages en
la línea del cubismo sintético con formas biomórficas de colores elementales de Miró.
A diferencia del resto de los miembros de la escuela de Nueva York, Motherwell creía
verdaderamente que tanto las formas como los colores tienen intrínsecas unas
propiedades simbólicas. En esta teoría, para fundamentarla se apoya en la tesis de las
correspondencias de Vaudelaire y también en las teorías sinestésicas de las artes de
Kandisky. Por eso, desde el punto de vista teórico niega la posibilidad de una
abstracción pura porque tanto los colores como las formas acaban inevitablemente
remitiendo a una fenomenología concreta.
En esa misma línea Motherwell define a la pintura como una suerte o metáfora de la
vida donde se establece una relación ambigua contradictoria e inevitable entre la vida y
la muerte por eso en las obras de Motherwell encontramos dos procedimientos creativos
diferentes. Mezcla la intelectualizacion de los campos del color con fondos
fragmentados en planos y sobre ese plano de reflexión desarrolla una pintura gestual,
improvisada elaborada con brochas rápidas, con chorreos de los pigmentos en vertical.

90
  Elegia de la Republica Española 1970
Es una de sus series más conocidas, compuesta por más de 200 obras, donde el negro
tiene el protagonismo. Son pinturas siempre de gran formato que remite a tamaño y
color del Guernica de Picasso. Esta serie dedicada a la guerra civil, incorpora formas
alusivas al águila o a la paloma que aparecían en el repertorio iconográfico de Miro y
Picasso. Motherwell tuvo una trayectoria creativa que compaginaba su actividad como
teórico y organizador con la ejecución como pintor de caballete.

. INFORMALISMO EUROPEO .

La ocupación nazi de Paris en 1940 tuvo unas consecuencias nefastas para la actividad
creativa y expositiva del viejo continente. Se cerraron galerías de arte, fueron
confiscadas piezas y colecciones y a pesar de ese clima de represión creativa en 1941
algunos artistas franceses organizaron de manera semiclandestína en la “Galería Brawn”
de París una muestra titulada “Abstracción de tradición francesa”, con la intención de
oponerse a la consideración de arte degenerado de la modernidad. Después de la guerra
se va recuperando la creación y también los vehículos expositivos se van reabriendo
(galerías) y el informalismo tiene mucho que ver con la crisis cultural de las posguerra
europea.
El ultimo informalismo surge a partir de una exposición en 1951 titulada “Significados
de lo informal”, al año siguiente Michel Tapié organiza una nueva edición en la que
participan artistas europeos como Jean Fautrier o Jean Dubuffet...etc, junto con otros
creadores de Estados Unidos activos en el seno del expresionismo abstracto
norteamericano. De esa manera Tapie venia a revindicar un tipo de arte en el que la
forma no es tan determinante porque lo que adquiere verdadero protagonismo va a ser el
acto creativo espontáneo. También el propio Tapié lo denominó como un arte distinto
con el término informal, no se esta indicando un arte que sublima las formas sino un
abandono de las formas clásicas donde se pierden la geometría de la abstracción
geométrica europea. Y donde se recupera una nueva noción de belleza y misticismo.
Ese informalismo también se ha denominado “Tachismo”, “Abstracción lírica” y
también “Art autre”.
Como el caso de expresionismo abstracto norteamericano, el abstracto europeo parte
del surrealismo, la improvisación psíquica y también de la intervención del azar
(Dadá). Como en el caso norteamericano, el informalismo plantea una pintura gestual
reflexiva. También es una pintura muy interesada por efectos matéricos, es una pintura
muy viviencial que parte de una experiencia personal y que está dentro de una línea
muy expresiva.

 Jean Fautrier 1898-1964

Antes del estallido de la segunda guerra mundial, hacia una pintura expresionista muy
cercana a los planteamientos de Kirchner y también relacionada con la nueva
objetividad alemana. Cuando los alemanes llegaron a Paris, él era un activista político
que fue arrestado por la GESTAPO y hasta la liberación de Paris pasó por diferentes
cárceles y campos de concentración alemanes.

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Su pintura posterior a 1945 revela su experiencia bélica y a fines de 1945 expone en la
galería de Rene Drouin de Paris y allí comienza a mostrar sus “Rehenes” y que él
denomina como ideogramas patéticos. Se trata de formas de una vaga alusión
figurativa, con pigmentos moldeadores donde trata de representar el dolor universal, la
muerte y la destrucción.
Trabaja los cuadros con una masa donde aglutina cemento, yeso y pigmentos que
aplica sobre un soporte a través de espátulas. Una vez en el soporte con la ayuda de las
espátulas y de sus manos moldea esas masas coloreadas .
Su pintura es aparentemente liberada de una forma preconcebida, donde no hay a
priori una utilización simbólica del color, son formas atormentadas, desgarradas, con
cualidades matéricas muy intensas.

 Head of a Hestage

 Jean Dubuffet 1901-1985

Comenzó con una pintura de caballete que venia a ser una continuidad con respecto a la
herencia del cubismo. En 1924 abandona esa actividad pictórica y se traslada a Buenos
Aires donde trabaja como diseñador industrial e incluso se dedica empresarialmente a
las explotaciones vinícolas. Regresa a Francia durante la ocupación en 1942. A partir de
1945 comenzó a trabajar con técnicas originales mezclando arena, tierra junto con
sustancias pigmentantes de esa manera conseguía una base pictórica gruesa y áspera que
él trabajaba incidiendo el dibujo dentro de esa superficie o bien rascando la superficie.
Las iconografías no son prioritariamente abstractas, sus formas son una especie de
graffitis habitados por monstruos, caricaturas humanas, mujeres deformadas, por lo
cual su fuente de inspiración fueron los dibujos realizados por niños, por personas
incultas y sobre todo las de los enfermos mentales utilizadas para informes
psiquiátricos
Autodetermino su pintura como «art brut» (arte bruto). En 1946 comienza a publicar
sus cuadernos de arte bruto donde reivindicaba los valores salvajes de los niños y los
locos, defendía un arte antidecorativo alejado de la noción tradicional de la belleza. En
1948 fundo la compañía de arte bruto “Compagnie del art brut” integrada por 60
artistas que seguían las ideas de Dubuffet.
Las obras de Dubuffet son muy matéricas, donde se valoran las cualidades táctiles. A lo
largo de su bastísima obra profesional incorporo a los lienzos elementos muy
heterogéneos e incluso insólitos. Como por ejemplo fragmentos de muros deteriorados y
enmohecidos o collages con alas de mariposa y de mosca. Realizó esculturas con cartón
y carbón. Buscaba lo que denominaba como “la poesía inadvertida de los objetos
cotidianos” (polvo, alas de las moscas).
En cuanto a la compañia de arte bruto hay que señalar que fue una manifestación de
carácter contracultural de artistas que voluntariamente se apartan del mercado en la
línea programática muy semejante a las tesis defendidas por Schwitters en sus merz al
considerar que el arte no puede comprarse ni venderse, solo apreciarse.

 L´oiseau bleu

 Madame Mouche

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  Supervielle

 Chatine aux hautes chairs

 Dhotel nuance d´abricot

 La bouture, janvier

 Hans Hartung 1904-1989

Se radica muy joven en Paris donde conoce a Roberto González, hijo del escultor
español Julio González, a través de esa relación mantendrá una relación estrecha con
España. Su obra la desarrolla en España pero esta vinculada al informalismo al
francés. Presenta imágenes atormentadas, gestos dinámicos muy amplios con la
confrontación visual entre las franjas negras y el fondo blanco.

 Alberto Burri 1915-1995

Se le ha considerado el padre espiritual de lo que será el arte póvera italiano. Después

de la segunda guerra mundial hace una pintura donde emplea materiales muy
heterogéneos, normalmente telas de saco y arpilleras remendadas. Esa intervención de
restauración de los materiales se relaciona con su trabajo como oficial médico durante la
segunda guerra mundial porque Burri afirma que su obra esta basada en la curación o
restauración del daño matérico. Además trabaja con maderas quemadas, chapas
soldadas en una línea semejante a los merz de Schwiters.

 Large wood piece 659

 Composición

 Lucio Fontana 1899-1969

Hijo de inmigrantes italianos a la Republica Argentina. Trabaja las propiedades de la

materia de manera muy singular con respecto al resto de informalistas: rasga, perfora,
orada los soportes, normalmente telas monocromas y con esa perforación del soporte,
primero elabora un rechazo conceptual a la pintura de caballete tradicional y segundo
trabaja con un sentido de profundidad real y no fingido.
En 1946 publica su famoso “Manifiesto blanco” donde declara que lo importante del
arte no son las ideas sino exclusivamente el ámbito de las percepciones y de las
sensaciones, para él el camino del arte actualmente debe dirigirse hacia el estudio de
la materia del color e incluso del sonido, porque Fontana emprendió el camino de
investigación plástica que le lleva a incorporar luces eléctricas y sonido.

Estuvo muy vinculado al arte cinético latino-americano y en algunas de sus obras

realiza indagaciones sobre el movimiento. Titula todas sus obras como “Concepto
espacial”.

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  Concepto espacial 1962

 Concepto espacial 1952

 Concepto espacial 1958

 Concepto espacial 1960

. POP ART .

En la segunda mitad de la década de los años 50 se van a alzar en la Escuela de Nueva

York varias voces en contra de la hegemonía del expresionismo abstracto, en ese grupo
de detractores encontramos artistas que defienden la pintura como un hecho puramente
visual. Los artistas proponen una pintura desprovista de energía subjetiva y va a ser la
línea de lo que se desarrollará en la llamada abstracción post pictórica. Otros van a
recuperar una vía abierta por Marcell Duchamp en el Dadá: la primera generación del
pop con Robert Rauschemberg y Jasper Johns es el new dadá.
El término de pop art nace en Inglaterra cuando en 1955 un crítico llamado Alloway, el
referirse al pop británico describe un tipo de piezas inspiradas en la cultura popular
urbana. Ese término penetra en el ambiente norteamericano y en 1963 se realiza una
gran exposición en el museo Guggenheim de Nueva York con Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Wesselmann y Oldenbrug. En esta exposición se considera que el arte
abstracto en una opción anticuada y se bautiza a los participantes de esa muestra como
artistas pop tomando como referencia el artículo de Alloway.
El arte pop se caracteriza por una reivindicación de la cultura popular de masas, con el
pop el objeto de consumo de convierte en el tema del arte, incorpora imágenes muy
populares (coca cola por ejemplo) y las incorpora en el ámbito de las Bellas Artes. El
pop nació en EE.UU en pleno boom económico con gran protagonismo de los mass
media, de hecho los temas del pop se extraen de revistas, carteles publicitarios, cómics y
de las imágenes mas conocidas del Star system de Hollywood, estrellas del rock and
roll, las iconografías comerciales y, en general, toda la cultura urbana.
El pop de alguna manera defiende que los objetos de consumo hacen mas interesante y
hermosa nuestra existencia, de hecho, algunos historiadores han querido ver en el arte
pop una especie de subproducto de un estilo de vida, la de la sociedad de consumo
americana de los años 50 y 60. El pop comparte con la sociedad de consumo su carácter
desechable, es una pintura que no necesita volver a mirarse, de la misma manera que los
productos de consumo no son reutilizados. No es casual que el pop coincida con el auge
del desarrollo del diseño industrial en EE.UU, la llamada era Mcluhan, los publicitarios
americanos se dan cuenta que el mensaje publicitario no debe ir orientado
exclusivamente a loar las cualidades del producto sino que el mensaje debe penetrar en
los mecanismos conscientes e inconscientes del posible comprador. Mcluhan popularizó
un famoso eslogan publicitario “el medio es el mensaje”.
Los creadores del pop incorporan muchos aspectos tomados de la publicidad, emplean
imágenes procesadas de las revistas, de los carteles, disfrutan con los temas de la
sociedad de consumo porque todos los tópicos de la publicidad de esos años se
incorporan en el pop americano.Se explota la sensualidad femenina y la virilidad
masculina (Elvis Presley y Marilyn Monroe).

94
En cuanto a las técnicas, el pop utiliza colores chillones, una factura impersonal donde
la pincelada no es visible, se interesa por la reproducción mecánica, por la seriación, es
un arte despersonalizado que llega a su cenit con la obra de Andy Warhol, cuando se
basa en imágenes fotográficas que traslada al lienzo por medio de estarcidos. Proclamó
“quiero ser una máquina”, se esta oponiendo a la subjetividad del expresionismo
abstracto y además intentaba eliminar cualquier tipo de idea en la que el arte se
relaciona con una actividad manual, con una artesanía.
Los antecedentes mas remotos del pop hay que buscarlos en los collages del cubismo
sintético, también dentro del futurismo y también tienen un punto de filiación con el
dadá, las raíces de los ready-made de Duchamp están en los primeros pasos de pop
americano, es la primera generación o new dadá, que estuvo integrada por Robert
Rauschenberg y Jasper johns y la segunda generación, ya plenamente pop, integrada por
Andy Warhol, Rosenquist, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, Segal y Oldenbrug.
A diferencia del dadá, el pop en sus dos generaciones no llega atener una postura
nihilista sino que disfruta de los temas y aplaude la sociedad de consumo. Los artistas
pop no son críticos con la sociedad, adoptan una postura rebelde ante los
convencionalismos éticos, están absolutamente fascinados por los logros de la sociedad
de consumo.
El pop norteamericano se quiso ver como una reacción contra los excesos de
sublimación del expresionismo abstracto, comienzan a trabajar de manera independiente
y sólo tras la exposición de 1963 se les homogeniza bajo el término de pop. Antes de
esa fecha, a los artistas pop se les determinaba como pintores de la vida corriente,
nuevos realistas, neosurrealistas porque para la crítica esta pintura aséptica relacionada
con la sociedad consumista suponía una ruptura radical con el expresionismo abstracto.
El pop se relaciona con la sociedad de bienestar conseguida en América después de la
segunda guerra mundial, una sociedad consumista, muy marcada en su hábitos de
consumo por la publicidad, sociedad que enseguida va a disfrutar y consumir los
productos del pop. Dentro del pop americano vamos a distinguir dos generaciones:
- Primera o New Dadá: integrada por Rauschenberg y Jasper Johns.
- Segunda generación: integrada por Andy Warhol, Roy Lichtenstein, T.
Wesselmann, C. Oldenbrug, G. Segal y James Rosenquist.

PRIMERA GENERACIÓN NEW DADÁ

La primera generación o New Dadá establece un vínculo con respecto a la herencia del
dadá, centra su punto de atención en el objeto, reelaborado, releído, que explota la
ambigüedad del dadaísmo. Esta generación tuvo un carácter mas pictórico que la
segunda, que estará mucho mas influida por el ámbito de la publicidad, sin embargo
ambas tienen en común el empleo de imágenes cotidianas y la diferencia fundamental es
que la generación del new dadá integrará objetos perfectamente reconocibles para crear
una confusión entre el objeto representado y el real. Además en el new dadá estuvieron
muy influidos por las teorías de Allan Kaprow y Jhon Cage, artistas que se van a
distanciar de los lenguajes artísticos convencionales organizando ambientes y
happenings. Las tesis de Kaprow y Cage coinciden en encontrar valores estéticos en las
cosas comunes, por eso esas experiencias de arte de acción tienen claros puntos en
común con la línea de trabajo de Jasper Johns y Rauschenberg, por esto no resulta

95
casual que participen en obras teatrales y happenings organizados desde el Black
Mountain College.

 Robert Rauschenberg 1925

En los años 50 adquiere una cierta popularidad gracias unos cuadros-objeto donde,
remitiendo a los merz de Kurt Schwitters incorpora un collage de diferentes elementos,
algunos materiales de deshecho, fotografías y zonas intervenidas pictóricamente. Esos
tipos de collage fueron denominados por él mismo como Combine paintings, donde
hace convivir elementos prefabricados ya hechos con gestualidad pictórica de carácter
subjetivo que sin duda son una herencia directa del expresionismo abstracto contra el
que se rebela. Esa rebeldía contra el expresionismo abstracto la demuestra cuando en
1953 presenta una obra que es un dibujo de Willem de Kooning; con este gesto en el
año 53 estaba haciendo un acto realmente polémico muy semejante a la fuente de
Duchamp.

 Combine paintings
Herederas de los mertz de Kurt Schwiters y de los collage del cubismo. Incorporan
objetos de uso cotidiano, imágenes, a los que enriquece con una pintura gestual heredera
del expresionismo abstracto americano. Estos integran el collage, la foto, elementos
tridimensionales y pintura.
Para él, el arte tenía una base filosófica e ideologica, por ello fundó junto a Klüver una
institución (EAT) donde se pretendía hacer una relación entre la práctica artística y las
novedades tecnológicas industriales.
Están en la línea del new dadá porque, como heredero de los ready-made, incorpora
objetos cotidianos mezclados con zonas de pintura. Así logra una ambigüedad muy
semejante a la del collage, porque ambas zonas presentan un mismo nivel de existencia.
Robert Rauschenberg se opone a la apariencia normal de las cosas, explora la
ambigüedad conceptual del dadá, teniendo en cuenta que los new dadá no llegan a esa
actitud antiarte del dadá europeo.

 Estructura de paralepipedo sobre cojín

 Jasper Johns 1930

En 1954 llegó a Nueva York donde comienza con una producción próxima al
expresionismo abstracto. Coincidió con Rauschenberg y juntos se enrolan en una
tendencia pop muy próxima al dadá y radicalmente opuesta al exp. Abstracto. Su obra
es muy diferente a la de Rauschenberg porque Johns no incorpora objetos cotidianos
sino que hace réplicas de objetos comunes. Sus obras no tienen un mensaje o contenido,
suponen una reflexión acerca de la ilusión por ello utiliza imágenes estandarizadas de
artículos comerciales o iconos de la cultura americana como el dólar o la bandera.

 Dianas

 Banderas Americanas

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Es su obra más conocida que es una copia de un objeto real. Hay también un juego en la
relación con el espectador porque en esos iconos tan conocidos el espectador busca un
significado concreto y el autor sólo está interesado en crear una superficie. Cuando se
apropia de imágenes tan conocidas, Jasper Johns quiere evitar lecturas; en algunas de
sus obras se puede intuir una cierta crítica a una sociedad de consumo que manifiesta
cierta tendencia a masificarse.

A diferencia de los artistas pop de la segunda generación, ambos se interesan por

efectos texturales y por el trabajo de la materia pictórica.

SEGUNDA GENERACIÓN

 Andy Warhol 1928-1987

Admiraba a las estrellas de Hollywood, afirmó que quería ser una máquina que llegase a
producir objetos industriales y no cuadros con el sentido manual y de artesanía. Quería
eliminar la idea de obra de autor o de hecho a mano. A mediados de los años 60 se
dedicó al cine underground con películas de temas escandalosos (orgias y drogas) y
también cintas con escenas voluntariamente torpes, pues la cámara era fija.
En sus cuadros, la técnica es generalmente de pintura acrílica sobre lienzo y también
trabaja en serigrafías realizadas a partir de fotos que traslada a los soportes mediante
estarcidos. Esos procedimientos no los hacía sólo Warhol sino también las personas que
trabajaban en su factoría.
Sus temas tienen que ver con el star system de Hollywood, la cultura de consumo y la
comida rápida.
Sus cuadros tienen un sentido morboso, por ejemplo una serie dedicada a Marylin
Monroe que sacó tras la muerte de esta, también las series que dedicó a rostros de
delincuentes (condenados a la silla electrica) y una serie a Jackie Kennedy. Las
imágenes que usa las distribuye de forma repetida con el mismo color o con ligeras
variaciones. En esas seriaciones, lo que hace es por una parte anular cualquier sello de
originalidad que pudiera tener la imagen, imágenes que se colocan de forma regular de
la misma manera que los objetos de consumo se disponen en los estantes de los grandes
almacenes. Por otro lado, con esa repetición acentúa el vacío estético y moral que tiene
cada imagen. Jugó con imágenes comerciales muy populares, se apropió de la asepsia y
la elementalidad cromática de los diseños publicitarios. Todas las series son de
envoltorios y nunca de contenidos. Todos los iconos tradicionales tiene que ver con la
sociedad de consumo, el American way of life, y la supremacía económica de EE.UU.

 Sopa Campbell´s

 Serie dedicada al dólar

Habla de la supremacía mundial del dollar. Cambió los retratos de Lincoln y
Washington y el espectador no se da cuenta, al tratarse de un icono muy conocido no lo
explora visualmente.

 Serie flores

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Al final de su vida su obra se dulcifica, se aparta de la repetición sistemática y trabaja en
esta serie donde parte de imágenes fotográficas que traslada al lienzo mediante
serigrafías; aporta un color plano y en cada serie hay una variación cromática. Esta serie
no tuvo gran éxito mientras él vivió pero sí tras su muerte.

 Roy Lichtenstein 1923-1997

Su primera producción eran cuadros dentro de la experiencia del expresionismo

abstracto americano, pero donde ya incorporaba pequeños personajes tomados de walt
disney. Entró en contacto con la experiencia del arte de acción y colaboró en
happenings con Segal y Dine.
Su obra está muy próxima al cómic, utiliza como recurso la trama tipográficas de
imprenta, los puntos Bendei, que tienen su origen en el sistema inventado a finales del
siglo XIX por Benjamín Day. El método consistía en un sombreado realizado a través
de puntos que empleó en la revista Harper´s Bazar. Uso de película lisa por un lado y
con relieve de puntos por el otro. La parte en relieve se entinta, se coloca sobre el dibujo
y se puede ver porque la película es transparente. Lo que quiso fue trasladar el método
bendei al lienzo. Al principio intentó emular puntos bendei utilizando una placa
metálica de aluminio agujereada que entintaba con un cepillo; posteriormente consiguió
los puntos mediante fricción y finalmente acabó trabajando con telas metálicas
agujereadas que le permitían conseguir los puntos tanto en positivo como en negativo
emulando también el ámbito de los cómics.
Utilizó las mismas tintas que en la imprenta, recurrió a la cuatricomía de amarillo, rojo,
azul y negro sobre blanco. En sus cuadros aisla una imagen de cómic manteniendo los
ballons (globos diálogo), normalmente son escenas banales aunque también utiliza
momentos de cierto drama psicológico en el que el espectador no conoce como ha
llegado el personaje a esa situación ni tampoco su desenlace, en cualquier caso, al
aumentar esas cartelas de cómic, las monumentaliza y engrandece su contenido. Muchas
veces esa técnica bendei se ha comparado con el neoimpresionismo de Seurat y Signac.
En cualquier caso, lo que logra es un efecto muy similar al que logra Warhol,
impersonal con un efecto de procedimiento industrial.

 Chica ahogándose

 Pinceladas verdes y amarillas 1966

 Tom Wesselmann

Es otro de los artistas pop no dadá y muy relacionado con la sociedad de consumo. Nace
en 1931, se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario
y como objeto de consumo de la mujer elige las partes mas sensuales como piernas,
labios..., y mezcla esas imágenes con otras de objetos cotidianos. Aunque hizo mucha
pintura de caballete, trabajó sobre todo los montajes, las instalaciones donde incorpora
pintura de caballete y objetos reales y recrean espacios habituales de la burguesía
americana.

 Gran desnudo americano

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  Naturaleza muerta

 George Segal 1924-2000

Fue un granjero, pintor y escultor que trabajaba con personajes de tamaño real
conseguidos mediante modelos vivos, personajes que siempre conservan el blanco de la
escayola y esa blancura les da un efecto fantasmagórico. Las primeras obras de Segal
fueron esos personajes instalados dentro de escaparates donde el espectador se convierte
en una especie de voyeur que irrumpe en la vida cotidiana de la clase media americana.

 Retrato de Janis con pintura de Mondrian

 Claes Oldenburg 1929

Estocolmo 1929. Se trasladó muy joven a EE.UU, intervino en muchas experiencias de

arte de acción pero su fama vino dada por la ejecución de objetos en vinilo, plexiglas y
otro tipo de materiales poliméricos para representar objetos cotidianos y alterados de
escala. Al trabajar con estos materiales plásticos provoca un efecto de blancura que
tiene mucho que ver con la estela del surrealismo, y en este sentido, su obra hay que
relacionar con las formas blandas de Tanguy y los relojes blandos de Dalí.

 Hamburguesa en el suelo

 Pinza grande

 Teléfono público blando

 Tarta

POP BRITÁNICO

El origen del pop está en Inglaterra, allí se crea en 1952 el Independent group integrado
por artistas plásticos, arquitectos, escritores y críticos de arte que se reunían en el ICA
(instituto de arte contemporáneo de Londres) para debatir asuntos relacionados con el
arte popular, el cine, los medio de comunicación de masas y la publicidad. En el seno de
esas conferencias, debates y exposiciones se fue gestando un gusto por los elementos
culturales procedentes de la civilización industrial y sobre todo, por las imágenes que
estaba produciendo la cultura del capitalismo.
En 1953 se organizó la exposición Paralelo entre la vida y el arte, una exposición en la
que se exhibían fotografías de revistas como Vogue, Live..., dibujos infantiles, obras
originales y reproducciones de piezas de Dubuffet y Pollock. El montaje de esa
exposición fue muy singular porque los objetos mostrados se colocan en el techo y las
paredes sin respetar ninguna regla tradicional museográfica.
En 1956 tuvo lugar “This is tomorrow” donde participaron doce grupos creativos
integrados por un pintor, un escultor y un arquitecto. Cada equipo planteó una
instalación diferente y en todas ellas se incorporaban elementos de propaganda

99
industrial y objetos de consumo para mostrar los comportamientos estereotipados de los
individuos y la falta de moral del diseño. El cartel de la exposición fue hecho por
Richard Hamilton.
Dentro del pop británico se distinguen tres generaciones:
1. Los padres del pop londinense con Richard Hamilton, E. Paolozzi y Alloway.
2. Integrada por R. Smith y Peter Blake.
3. Integrada por Ronald Kitaj, Hockney, Allen Jones y Peter Philips.
El primer grupo tiene su origen en la segunda mitad de la década de los 40 porque ya en
1947 Paolozzi y Hamilton estaban trabajando con imágenes recortadas de revistas y
comics y pegadas sobre soportes al modo de collages.

 Yo era el juguetito de un hombre rico 1947

Obra de Paolozzi. En esa pieza aparecen ya todas las características del arte pop. El
título hace alusión a la sociedad de consumo y las imágenes recortadas que se
incorporan son la coca-cola, la palabra pop, un poster...etc.

 ¿Qué es exactamente lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes?

En “this is tomorrow” la obra de Hamilton era el poster principal, era en realidad un
fotomontaje y un collage que supone una sátira de la sociedad de consumo y que se
realiza a partir de imágenes de anuncios. A través del collage Hamilton consigue un
espacio virtual que respondería a un interior doméstico de la clase media donde la
televisión ocupa un papel importante, sobre la mesa una lata de jamón cocido, un
magnetófono, una aspiradora, un emblema de Ford, un escultista que lleva un caramelo
con la palabra pop, un fragmento de un cómic, una calle, sofás de diseño...etc.
Esta obra que se concibió como cartel para la exposición supone una lectura irónica de
los objetos cotidianos y tiene todas las características de los objetos de consumo y
también del arte pop.

 Ronald Kitas

Formado en el Royal Collage of Art. Su pintura vinculada con la figuración,

desvinculada de la asepsia del Pop, tiene carácter autobiográfico, recurren a iconos de la
pintura moderna, se vinculó con la galeria Malboroug. Hizo temas de carácter literario y
figuraciones complejas donde muestra relación con el grupo Cobra.

 David Hockney

Mostró su homosexualidad. Su pintura es también de base figurativa, durante su

estancia en Inglaterra recurre a temas de carácter homosexual abordados con
normalidad. Se instaló en el sur de California abandonando estas iconografías gays para
adentrarse en pintura acrilica basada en instantáneas fotográficas.

 Dos hombres en la ducha

 Gran chapuzón

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Limpieza de formas que recuerda a Hopper. Combina dos formas pictóricas diferentes:
limpieza de trazo y gestos que evocan al actino painting para imitar el agua salpicando.

 Marisol

Trabaja los “ensamblage” donde hace estructuras tridimensionales donde trata la

sociedad de consumo.

 Allen Jones 1937

Explota el cuerpo femenino para hacer pintura de caballete y esculturas mueble donde la
mujer es reclamo sexual. Recurre a “partes femeninas de alta definición” (piernas con
tacones de aguja, panties, ropa sado...etc.

 Silla y mesa

 Wet Seal

. NUEVO REALISMO FRANCÉS .

 Yves Klein 1928-1962

Mientras que en Nueva York se da a conocer el Pop y consolidado ya el británico, en

Francia se consolida el llamado Realismo Francés. El primer manifiesto se pública en
1961 con Yves Klein a la cabeza. Habrá un segundo manifiesto “40º por encima del
dadá”. A la muerte de Yves Klein en el 62 el grupo comienza a desintegrarse aunque
todos los artistas seguidores mantendrán una trayectoria personal que continua en la
actualidad.
Yves Klein fue muy polifacético, fue músico de jazz, judoca profesional, miembro de la
rosa cruz y además artista. Por su actividad como judoca conoce muy bien la mística
oriental, especialmente el Zen, aspecto que le influyó en la idea de alejarse del arte.
Yves patentó su famoso IKB (Internacional Kevin Blue), es una tonalidad azul
monocroma que aplicaba a cuadros, esculturas y todo tipo de objetos. El azul para el
significaba la huida del espacio material, era una huida espiritual hacia lo inmaterial.
Sin duda los cuadros monocromos tienen mucho que ver con las pinturas monocromas
de Ad Reinhardt, Frank Stella y en general con las bases teóricas y programáticas de la
pintura simultanea al arte minimalista conocida como abstracción pictórica.
Dentro de su trayectoria lo más notable son sus “Pinceles vivientes”, son la
organización de un grupo de muchachas desnudas que se embadurnan en pintura azul y
que después dejan su huella en un soporte, de esta manera se consiguen las llamadas
antropometrías. Realmente estos pinceles serán un antecedente de lo que serán las
experiencias de acción (hapening) porque es un acto propagado y ejecutado por
personas ajenas a artista. Mientras las mujeres se imprimían sobre el lienzo había una
orquesta de músicos que tocaba una sinfonía monótona.

101
El IKB lo usó para proyectos relacionados con ciencia ficción y arquitectura utópica.
Utilizó también lanzallamas en la ejecución de cuadros y también utilizó el
procedimiento de exponer pintura fresca a la acción de la lluvia de tal manera que la
lluvia arrastraba los pigmentos. Esa serie de cuadros son las llamadas Cosmogonías.
Sin duda Yves fue uno de los últimos herederos del dadá. Estuvo muy interesado pr las
ciencias ocultas y el budismo Zen. En el año 58 plantea en una galería de París un acto
provocado, que consiguió con una exposición de vacío, no había nada en ella.
En el año 59 puso a la venta lo que el denominó como “Zonas de insensibilidad
pictórica inmaterial”, los compradores pagaban en pan de oro (no en moneda
corriente) y él tiraba ese pan de oro al Sena mientras que el comprador quemaba el
recibo.

 Arman Fernández 1928

Nació en Niza. Colaboró en ese primer manifiesto del Nuevo Realismo francés. En toda
su trayectoria analiza nuevas formas de percibir la realidad. Explora todas las cualidades
de objetos comunes. Se basa en un proceso que él denomina como acumulaciones.
Consisten en la acumulación de objetos, lo que quieren transmitir es que en medio de
ese caos desaparece el valor individual de cada objeto.

 Acumulación de jarras

 Torso con guantes y manos de plastico

 Papelera de Jim Dire

Son una serie que son unas cilíndricas de plástico donde aparecen los desperdicios de un
individuo. Comienza haciendo la papelera de sus amigos artistas.

 Topollino

 Violons

 Cesar Baldacini 1921-1998

Nació en Marsella. En lugar de acumulaciones, él trabajó en las llamadas
comprensiones. El punto de partida es un desguace de coches. Trabaja también con
escalas contradictorias, especialmente en escultura publica de carácter monumental.

 Comprensiones

 Pouce / Pulgar

 Christo Javacheff 1935

Es de origen búlgaro que contrae matrimonio con la artista Jeanne Claude (que es su
manager personal). Sus obras más famosas son sus empaquetados de monumentos
públicos, fragmentos de paisaje.

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A principios de los 60 dentro del nuevo realismo francés comienza a empaquetar
objetos comunes. Imitando a los empaquetados de los grandes almacenes. Con el
empaquetado pretendían transformar un objetos utilitario en un tema estético, hay una
transformación del objeto que se ve parcialmente, hay teatralidad que coincide con la
filosofía de venta de los grandes almacenes occidentales. Sus empaquetados ocultan el
objeto, pero siempre muestra sus formas básicas.

 Empaquetado del Reichtag

 Cortina en el gran cañón Colorado

. LA NUEVA FIGURACIÓN .

El término designa a artistas de diferentes tendencias, dentro de una general

recuperación figurativa. Dentro de la nueva figuración hay propuestas que acentúan el
subjetivismo que asumen las tesis del informalismo europeo. También encontramos
ecos del arte pop. En principio, la nueva figuración se opone a los principios del
expresionismo abstracto norteamericano y del informalismo, pero la nueva figuración se
apropió de la subjetividad del artista defendida por ambos movimientos.

GRUPO COBRA

Fue uno de los grupos mas importantes. Fundado en 1948 por artistas como Asger Jorn,
Pierre Alechinsky, Carl Henning, Karel Appel y Corneille. La palabra COBRA procede
de las letras Copenhague, Bruselas y Ámsterdam donde los miembros del grupo tenían
sus estudios. Posteriormente abrieron estudios en París y Nueva York.

Recuperó la idea de trabajo colectivo, el grupo pretende que las obras de arte pierdan el
carácter de individualidad, por eso ejecutan en colectivo las obras y las firman
indistintavamente. Los miembros se consideran descendientes de el grupo de el puente,
porque cultivan una pintura expresiva que recupera el primitivismo y lo infantil.
Defienden el libre desencadenamiento del inconsciente. Intentan librarse de las ataduras
del intelecto. Sus trabajos, muy poco reflexivos e inmediatos, pero siempre con base
figurativa.
En 1948 el grupo publicó el manifiesto Reflex donde defienden el trabajo colectivo, el
sentido comunitario de la creación. Van a protagonizar la inspiración primitiva, se
inspiran en lenguajes infantiles siguiendo al expresionismo europeo. Defendieron, al
igual que el action painting, que la pintura deja de tener ese aura de imagen especial
debido al genio del artista.

Al igual que los expresionistas abstractos americanos, quería liberar de la censura de la

razón al subconsciente con procedimientos espontáneos. Las bases creativas del grupo
Cobra están cerca de experiencias de happenings pero no excluyen la figuración sino
que investigan en torno a ella.

 Karel Appel 1921

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Es el miembro más destacado. Nació en Ámsterdam. Sus obras, al igual que Dubuffet,
se reclaman estar inspiradas en niños y dementes. Su obra tiene una gran materialidad,
usa pigmentos muy densos. A pesar de la inocencia de los temas, sus composiciones
tienen un aire expresivo, violento, semejante al arte de Dubuffet o del expresionismo
alemán.

 Tres cabezas

 Francis Bacon 1909-1992

Nace en Dublín y se establece pronto en Londres donde trabaja como decorador de

interiores. Se inició como pintor en 1930 y llegó a exponer sus obras juveniles.Su
primera pintura está muy dirigida por la estela del surrealismo, línea que no le convence
y deja de pintar, destruyendo sus obras.
Trabaja normalmente con materiales tradicionales, como el óleo. Fue un artista que
también ensayó en la renovación del collage puesto que introdujo en algunas de sus
piezas documentos fotográficos en una línea muy semejante a la de Rochemberg.
En 1953 presentó en una galería sus obras colgadas del techo, dividiendo el espacio. Su
obra está incluida dentro de un expresionismo opresivo y angustioso que discurre por el
tratamiento trágico de la existencia humana. Declinaba cualquier tipo de transcendencia
espiritual de sus obras. Es siempre una pintur figurativa con una gran carga subjetiva.
Son figuras aisladas, angustiadas y desesperadas, esto que emana de las figuras se
interpreta a través de manchas retorcidas, pastosa y en ocasiones aparecen seres
viscosos y deformes, creando una particular mitología.

 Tres estudios para figuras en la base de la crucifixión

A partir de esta reaparición con esta obra, seguido de otras, Bacon se va a convertir en
el autor mas polémico de la post-guerra inglesa, y también en uno de los más conocidos
en el comercio del arte. Esta obra tiene un resultado violento pero no trata ningún acto
violento. Es un tríptico (habitual en él) y está en la línea del grito de Munch, es la
expresión de una fuerza primitiva de angustia percibida mas a nivel psicológico que
visual. Utiliza un fondo ilógico de fuerte color rojo anaranjado (Cristo) para evitar
cualquier intento de localizar en la realidad la escena.
Aparecen tres seres híbridos de naturalezas diversas, seres mitológicos que él mismo a
creado. Los tres gritan de manera angustiosa. Funciona como seres primitivos
conscientes de su angustia. El espacio se percibe como en el grito de Munich de manera
psicológica.
Consigue una escena violenta sin recurrir a lo sangriento. Los titulos evitan una
información precisa con respecto a la ilustración, esto es frecuente en sus obras.

 Retrato de Inocencio X de Velazquez

Es su serie más conocida. No escoge el icono conocido del papa Inocencio por el interés
del personaje, ni se interesa por su psicología particular, lo que le interesa es el icono
del Papa como un icono que manipula y erosiona. El Papa está siempre encerrado en
una especie de estructuras aereas que parecen cercarle y aislarse del mundo material. El
rostro está siempre gritando pero ese sonido no se traslada al espacio por estar aislado
en esa especie de jaula (Giacometti).

104
En esta serie Bacon ensaya con un efecto fotografico movido, las formas son diluidas.
Las jaulas pueden tener características diferentes, son siempre cajas de perspectiva que
enjaulan a los personajes, los aislan del entorno. Es muy frecuente en él los prestamos
conscientes de la pintura anterior. También es frecuente un tipo de iconografas donde
trata el cuerpo masculino como un animal y con aspecto erótico.

 Tres estudios de Lucian Freud

 Dos figuras

 Balthus 1908-2001

Nace EN París en el seno de una familia aristocratica polaca. Fue un pintor autodidacta
que se formó en el Louvre copiando cuadros de los grandes maestros. Su hermano
Pierre fue un conocido ilustrador y también escritor de novelas. Fue amigo de Pit
Bonard y Andre Derein. Fue protegido por el poeta y critico Rilke.
Fue admirado por sus amigos Picasso y Federico Fellini, que le admiraban por su
erotismo anticonvencional. Balthus trataba el tema de las lolitas, niñas preadolescentes
que despiertan su condición sexual, aparecen representadas en posturas poco elegantes
que de una manera clara se insinuan porque están tomando conciencia de su propia
feminidad.
Cuando era joven hizo ilustraciones para la novela de E. Bronte “Cumbres borrascosas”,
va a ser frecuente en sus obras la aparición de personajes de esta novela.
Sus temas se van a enfrentar contra el puritanismo europeo, su obra se venderá en un
principio en unos circuitos reducidos como intelectuales y amigos íntimos.

 Falda Blanca

 Rey de los gatos

Nos presenta a una figura sentada sobre fondo neutro muy Velazqueño, aparece con un
gato (de proporcionres anormales). Se asocia el gato con el erotismo o sensualidad, y
también al libro de las mil y una noches, que el había realizado para una editorial
francesa.
 Thérèse soñando 1938
Donde aparece otro gato, con una niña-mujer que nos recuerda a Alicia en el País de las
Maravillas (texto que él ilustró). Guarda relación también con la publicidad del
momento, anuncios de niñas en posturas poco convencionales presentando jabones.
 La habitación 1952
Se inspira en la Pesadilla de Fussli. Es frecuente en su madurez la aparición de
personajes extraños dentro de un espacio convencional. Por ejemplo el enano que está
donde la persiana.
 Los días felices 1945
Está basada en “Cumbres borrascosas”. Aparece una joven sentada en postura
insinuante y un personaje masculino atiza el fuego. Se establece en el cuerpo de la joven
los dos puntos de luz: la ventana y el fuego. La figura masculina se había inspirado en el

105
Héroe violento de cumbres borrascosas (con el que el propio Balthus se identificaba).
Asocia el fuego con una potencia destructiva. Son dos historias diferentes que no se
cruzan:
a. La joven que a través del espejo busca su propia identidad.
b. Hombre-fuego-autodestrucción.
Es una pintura académica recrea ambientes de una calma inquietante. Muy admirado
por los surrealistas (Magritte).

 La salida de la bañera 1957

En el año 61 se le nombra director de la Academia francesa. Sus personajes femeninos

parecen haber crecido, el color se hace más liviano y se aprecia el interés por oriente.
Esto se produce a causa de contraer matrimonio con la japonesa Setsuko con la que se
casa en el año 67.

 Habitación turca 1963

A partir de su relación con Setsuko comienza su interés por la cultura oriental; ella
posará en la mayoría de sus composiciones, en estas piezas no existe un tema narrativo.

. OPTICAL ART Y CINÉTICO .

En la época de los 50 comienza en Europa y casi paralelamente en EE.UU. el

movimiento conocido como Op-Art ó Arte Óptico. Arranca desde 1955, fecha en la que
se celebra una exposición en la Galería Denise de París con el título “El Movimiento”,
es un movimiento paralelo al minimal art y la abstracción postpictórica. Se caracteriza
por la introducción de un movimiento virtual a diferencia del cinético que va a ser real.
Las obras del op art son obras tridimensionales que investigan en la infalibilidad del ojo
humano. Son composiciones de carácter estático que calculadas matemáticamente
pueden producir efectos de vibración, de desplazamiento, es decir de deformación. Es
un arte abstracto puramente formal, exacto y de contenido perceptual. Tiene este arte
una cualidad dinámica que provoca una sensación ilusoria de movimiento en el
espectador. Es un arte ilusionista pero que pone en duda los procesos normales de visión
y percepción.
El término se acuñó en EEUU en 1964, cuando fue portada de la revista “Life” un
cuadro de Vasarely y en números posteriores se describió de forma muy detallada el
proceso creativo del movimiento y las bases de la teoría de la Gestalt.
En 1965 se celebró en Nueva York una gran exposición titulada “El ojo sensible” que
supuso el reconocimiento a nivel mundial de esta tendencia. Enseguida el arte op llegó
al diseño popular en textiles.
Podríamos encontrar un antecedente remoto en el impresionismo que intenta captar la
instantaneidad, otros antecedente podrían ser las tesis postimpresionistas de Seurat y
Signac, el futurismo, el orfismo, ilusiones ópticas de Duchamp, Manray, la vanguardia
rusa, la Bauhaus, los móviles de calder y también la figura de Joseph Alvers que
impartió docencia en el Black Montaine Collage y en su base teórica aborda la

106
inestabilidad y estabilidad del color y sobre todo la percepción cambiante y relativa que
tiene el color y de la forma del ojo humano.
El op art propone un lenguaje que es susceptible de tener varias lecturas por eso exige
una participación activa del espectador. En el primer momento del arte op se realizaban
obras de caballete plana y bidimensionales con juegos de movimiento conseguidos a
través de un sistema regular que se interrumpía de diferentes maneras.
En un principio comienzan trabajando en blanco y negro, pero poco a poco se irá
introduciendo el color con una interpretación plana y progresivamente el arte op llegará
a abordar estructuras en 3D donde se producen ciertos efectos ópticos. Aunque en
EE.UU. hubo algunas manifestaciones de op art y fue muy popular desde el punto de
vista del diseño, el centro de op art va a estar en Europa y Sudamérica. En Europa
destacó el grupo Cero alemán, grupo 57 español (Ibarrola en su primera etapa), grupo
Nule en Holanda, grupo GRAV (Grupo de Investigación de Arte Visual). Este ultimo
fue muy activo en experiencias en la calle interpretadas con un sentido lúdico. El arte op
tuvo una gran repercusión en América del sur.

 Tinko 1956

 Fisiocromías 1990

 Victor Vasarely 1908-1997

Se considera como un pintor francés de origen húngaro. En Budapest se forma en la

escuela Mühely, muy similar a la Bauhaus alemana. Se instala en París donde reside
prácticamente durante toda su vida. Allí realiza una actividad como tratadista que se
concretó con la redacción del llamado“Manifiesto Amarillo” presentado en 1955 con
motivo de la Documental Kassel. En ese manifiesto, aboga por una intervención activa
del espectador, según él no tiene que comprender la obra sino experimentarla y formar
parte de ella.
Denominó a sus piezas como arte cinético, en el sentido de que estaban relacionadas
con una ilusión de movimiento o de carácter virtual. Actualmente entendemos como
arte cinético otro tipo de propuestas en las que implica un movimiento de carácter real.
Defendió un arte no propagandístico que abogaba por una pintura de sensaciones, en
donde los sistemas regulares se interrumpiesen para provocar sensación de
desplazamiento ó abombamiento. Se transformaban de manera virtual superficies
planas, creando una ilusión mucho antes de la aparición de los ordenadores.
Comenzó a pintar a los 30 años, pasó por el simbolismo, por el surrealismo y abandonó
lo que el denomino como rutas falsas hasta manifestarse y trabajar en una línea
abstracta y geométrica. En París comienza a trabajar como artista de publicidad y a
partir de 1944 se dedicará al arte. En 1946 realizó su primera exposición individual de
obras figurativas, con un gesto simbolista. Entorno a 1955 opina que prácticamente lo
ha hecho todo y por ello s adentra en la pintura sensitiva o perceptiva, ensaya también
en obras tridimensionales, realiza la decoración mural a Malevich en la Universidad de
Caracas. Trabajó como realizador cinematográfico, “Precinetismo” y “Los Múltiples”.
Además del manifiesto amarillo publica también varios textos como sus notas brutas y
en esa faceta teórica en la estela de lo que había sido el ideario de la Bauhaus va a
defender una integración de todas las artes buscando un sentido totalizador de la

107
creación. Como moderno heredero de la Bauhaus aboga por un arte no elitista que
estuviese integrado en el sentido domestico y urbano. Su obra suele basarse en el
cuadrado y el circulo que forman sistemas regulares en proporciones duplas. Al
principio utilizó blanco y negro pero progresivamente se fue adentrando en el color y
también experimentó con el relieve.
Pública varios textos como sus notas brutas, en la estela de lo que había sido va a
defender una interacción de todas las artes buscando un sentido totalizador de la
creación. Arte no elitista, próximo al pueblo, entorno doméstico.
En el 1978 se funda la Fundación Vasarely en Provenze, y el Museo Pécs en Hungría.
Aunque se le considera el padre del op art, también a sido uno de los predecesores del
computer art.

 Vona Stri

 Cebras

 Struck

 Bridget Riley 1931

Es una artista más intuitiva que Vasarely, menos racional. En el año 65 formó parte de
la muestra en el MOMA de Nueva York. A partir de esa exposición se dio a conocer en
el mercado americano. El sector textil va a utilizar sus obras de caballete para realizar
sus diseños y aplicarlas a la moda. Recurre a un tipo de obras que provocan sensaciones
de vibración, lo hace a través de un vocabulario simple de formas abstractas y de
colores sencillos. En ellas estudia progresiones formales, relaciones de color y todas las
posibilidades de las estructuras repetidas. Lo que hace en sus piezas es lo que se
denomina en la Gestalt como una perturbación de un sistema estable. Ese sistema es
interrumpido pero no se elimina, simplemente se modifica. La perturbación puede
hacerse de varias maneras, puede haber modificaciones en el tamaño del modulo y la
forma, otra puede ser la degradación de tonos muy suaves como si se debiese a la acción
de la luz. Lo que hay es un juego o combinación entre la estabilidad del modulo y la
inestabilidad de la perturbación incorporada. Así Briget Rily ofrece una pintura
puramente de sensaciones. Es una pintura que solo produce sensaciones visuales de
carácter abstracto y, a diferencia de lo que sucede con Victor Vasarely, es una
consecuencia de experiencias personales, porque según ella a partir de su infancia se
formó en ella una sensibilidad muy acusada hacia los fenómenos producidos por la
naturaleza. En su juventud estudió las teorías del impresionismo, analizó los efectos del
color y la luz en el paisaje, conocía las técnicas del divisionismo y futurismo y lo que
pretende es que en estructuras regulares introducir variables y condicionantes que
rompan con la estabilidad de las formas abstractas.

 Blaze 1

 Descending

 Arrest 1

 Orphean

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  Zambezi

 Yaacov Agam 1928

Nació en Israel, llega a París en el 53y residió también en Nueva York. Trabaja en
planchas de plástico de plexiglás o bien con relieves de aluminio pintado y ondulado.
En ambos materiales hace obras transformables y dinámicas, se mueven. Por tanto su
producción hay que incluirla dentro del arte cinético porque en el Op Art lo que hay es
una ilusión de movimiento.
El origen del arte cinético hay que buscarlo en el futurismo, en los móviles de
Calder...etc. En estos años van a comenzar cuatro tipos de experiencias cinéticas:
1. Obras que se mueven realmente, se mueven con bovinas magnéticas, muelles
eléctricos, utilizando imanes...etc.
2. Aquellas obras que implican un movimiento del espectador.
3. Obras que implican la luz, porque, ésta va a provocar con sus destellos
cambiantes en las formas y el espacio circundante.
4. Obras que implican la participación activa del espectador, es él el que las mueve.
Este ultimo tipo es donde se inserta la obra de Yaacov Agam. Las planchas de plexiglás
las mueve el espectador generando composiciones distintas.

 Takis

Su obra prevé unos espacios cerrados donde incorpora imanes o bovinas imantadas con
elementos metálicos que al incluirse dentro de esos campos magnéticos provocan un
movimiento constante.
Dentro de esa experiencia de arte cinético hay que destacar la existencia de un foco
artístico suramericano (Argentina y Venezuela). A partir de la estancia de Vasarely en
Caracas, algunos artistas venezolanos comienzan a interesarse por un vocabulario
totalmente novedoso. Destacan Carlos Cruz Diez y Jesús Rafael Soto.

 Carlos Cruz Diez 1932

Comenzó su actividad de pintura en el realismo social. En 1955 se instala en España

hasta que en el año 60 fija su residencia en París. Trabaja en una línea de reflexión
teórica y practica sobre lo que el denomina como el arte de ver. Para él la pintura es y a
sido siempre una forma visual. Sus obras fueron las llamadas fisiocromías, son piezas
que tienen un ligero relieve de planos coloreados que en función del movimiento del
espectador alteran su forma e incluso color. Estas fisiocromías utilizan mecanismos
gestalticos y también emplean otras teorías sobre el color. De tal manera que él sabe
como unos colores se contaminan a otros. Por eso estas piezas proponen unas formas y
unos colores en continua alteración en función de la posibilidad cambiante del
espectador.

109
A partir del año 65 intenta experimentar sobre una coloración del espacio y lo hizo con
sus llamadas “Transcromías aleatorias” y las “Cabinas de cromosaturación”. Estas
ultimas producían sensaciones físicas y psicológicas en el espectador, de las que sacó
sus propias conclusiones. En las transcromias suponían también una coloración del
espacio valiéndose de láminas de plexiglás suspendidas del techo para delimitar
espacios coloreados. Trabaja con espacialidades totalmente manipulables, en definitiva.
Trabajó en varios proyectos de cromoambientación en el metro de París.

 Jesús Rafael Soto 1923

Se instala en París en el año 50, allí trabaja con Vasarely. Su primera obra estaba muy
próxima a Vasarely, en el sentido de que eran obras basadas en la repetición de unidades
idénticas. Para él lo importante no era el elemento que repetía sino la impresión del
conjunto.
Comenzó a experimentar con sistemas superpuestos realizados sobre plexiglás
ligeramente separadas. A partir del año 53 comienza con sus famosos planos virtuales
donde lo que hay es un sistema o dos superpuestos regulares. Coloca delante de ellos
varillas, objetos que en función de la colocación del espectador rompe de diferente
manera el sistema moare regular. Basándose en teorías Gestalticas, esas varillas generan
una orla de actividad visual que desintegra el sistema moare. Son en blanco y negro,
como esculturas, con puntos repetidos que solo por esas varillas consiguen el efecto
inestable.
También realizó los llamados “Penetrables”, consistían en formas de plexiglás
suspendidas del techo.

. ABSTRACCIÓN POSTPICTORICA Y MINIMALISMO .

El término postictórico alude y está basado en los cinco conceptos de Wölfflin. Ésta
tendencia intenta ser una pintura que sufre el ilusionismo, la gestualidad, coincidiendo
con el auge del Pop en Estados Unidos. Es una tendencia abstracta puramente
formalista. Reivindica un arte que no sea opinable, ni valorable que no fuera ni
expresivo ni inexpresivo, se reduce a la bidimensionalidad de la tela, rechaza cualquier
conato de composición (entiende la superficie de la tela como un campo).
Los integrantes de la abstracción postpictórica eliminan los elementos místicos, el color
no tiene una voluntad subjetiva sino que se emplean en su estricto sentido perspectivo.
Tienen una cierta relación con el Pop por ejemplo de las técnicas frías, tiene relación
con el campo de color por el empleo de los grandes formatos.
Los antecedentes hay que buscarlos en Barnett Newman, Josef Albers y Ad Reinhardt.
Podemos distinguir dos manifestaciones de la abstracción postpictórica:
- El Hard-Edge: Leon Polk, Ellsworth Kelly
- La Stained Colour Fied: Morris Louis, Kenneth Noland y Frank Stella. Son
lienzos impregnados de color, convirtiéndose en soporte.

110
 Josef Albers 1888-1976

Trabaja en la Bauhaus alemana, tuvo contactos con la vanguardia parisina, se instala en

New York. Va a tener un estrecho contacto con París especialmente con el grupo
abstracción y creación. Se interesó por las teorías Gestalticas, amplió con una base
empírica las tesis de la Gestalt, estudiando todo tipo de ilusiones ópticas relacionadas
con el color, sobre todo en la forma de cómo los colores se afectan unos a otros. Fue
considerado como uno de los pintores de arranque del Op Art.

 Ad Reinhardt
En la década de los 50 hizo unas pinturas aparentemente monocromas que eran
totalmente irreproducibles. Su obra es simple pero muy meditada y difícil de hacer. La
forma no existe en sí misma. Será un pionero del menos es más de Van De Rohe, ya que
elimina cualquier conato de pincelada gestual.

Hard-Edge
Este termino fue utilizado por el historiador del arte Langsner en el 58 para definir la
obra de cuatro artistas abstractos norteamericanos. Éste término sería posteriormente
utilizado por el critico Lorens Alogüei en 1966 para describir el trabajo de pintores
geométricos abstractos norteamericanos caracterizados por una voluntaria economía de
formas, sentido compacto de superficie, colore planos y saturados. También los
denomina como arte sistémico. A diferencia de la otra modalidad plantea un pigmento
adherido al soporte.

 Ellsworth Kelly
Nació en el estado de Nueva York. Se instala en París donde conoce a Brancusi, Picabia
y Hans Art. En el 54 regresa a Estados Unidos. El punto de partida de su pintura tiene
origen en la producción de Helen Frankenthaler, artista que unos años antes comenzó a
trabajar con lienzos grandes pintados monocromamente de colores saturados. La
diferencia entre ambos es que ella popularizó la técnica que denominó Sonk Stain que
consistía en empapar los lienzos sin imprimación previa en pigmentos muy diluidos que
teñían el soporte poroso del lienzo. Helen fue el precedente de la tendencia Hard-Edge
de Ellsworth Kelly y fue también el antecedente del Stained Colour Fied.
Kelly trabajará con paneles individuales con colores uniformes que coloca uno al lado
de otro. Fue además el primer artista que comenzó a emplear lo llamados lienzos
multimórficos, soportes diferentes. Ese trabajo provoca unos limite totalmente netos.
Busca agresivos contrastes cromáticos, utiliza las teorías de la Gestalt para analizar
como un color contamina a otro, como un color se contrae y otros se expanden. En el
año 69 hizo el mural de la UNESCO de París. Hizo también para Barcelona una
escultura para el 78, y realizó también el monumento del holocausto de Washington.

 Morris Louis 1912-1962

Nació en Baltimor en una familia de emigrantes rusos. Desde el 54 y su contacto con
Helen Frankenthaler comenzó a trabajar en técnicas de teñido de soporte hasta tal punto

111
que él mismo se definió como un teñidor. Teñía los soportes sin imprimar, los colores
son acrílicos muy diluidos, la pintura se derramaba sobre lunas gruesas de algodón en
capas sucesivas, en lo que el denominaba como velos. El color no se superpone a la tela
como con Kelly, sino que aquí se integra en la tela. El color por tanto pasa a ser una
parte integrante del soporte y nunca desaparece la trama de la tela, a causa de la pintura
tan diluida.
Sus obras más famosas tienen un falso trabajo de veladuras, añadiendo capas sucesivas
de pigmento acrílico de secado rápido que le proporcionaba un proceso fácil de
ejecución. En el año 60 trabaja en una ambiciosa serie conocida como Beta. Se trata de
bandas irregulares de color que recorren diagonalmente los bordes de la tela y donde se
aprecia una herencia de esa liberación fluida de la pintura precedida del action painting.

 Beta Ni

 Iris 1954

 Num

 Vau

 Sin titulo A

 Kenneth Noland 1924

Nació en Carolina del Norte. Adoptó la técnica del teñido y trabajará también en series
empleando un único motivo con interpretaciones diferentes. A diferencia de Morris
Louis, las superficies de color de Noland están separadas por bandas o líneas muy
estrechas casi imperceptibles donde mantiene sin teñir el soporte de la tela. De esa
manera se consigue una perfecta delimitación de las bandas de color en una línea
semejante a Frank Stella. Noland va a trabajar en lienzos multimorficos muy atrevidos
(elípticos, romboidales, poliédricos...etc). Va a ser uno de los primeros artistas que
trabaje no solo el frente de la obra sino que también los bordes del bastidor.
Comienza trabajando con la serie Dianas, en el que el punto de partida son las dianas de
Jasper Johns (New Dadá). La diana utiliza círculos concéntricos pero no son formas que
tengan una preferencia simbólica o espiritual, sino que se eligen como un pretexto para
investigar el color, las pulsiones cromáticas del entro afuera. Suele plantea cada pulsión
de color, se consigue a través de un teñido, entre color y color deja un espacio sin teñir.
En el año 90 vuelve a realizar una serie de Dianas pero trabajando de manera diferente.
Estas son más pequeñas y elimina prácticamente el teñido. En estas nuevas dianas
ensaya con texturas, pintura gruesa, seguirá manteniendo teñidos en los círculos más
exteriores, contrastando la trasparencia del teñido con las pinturas más gruesas y opacas.

 This

 Nobid

 Serie de Amantes
Agudiza los ángulos agudos recurriendo a proporciones de 2x8 pies, utiliza formas en V
que descienden desde la parte alta del cuadro. Reivindica una simetría bilateral.

112
Renuncia a una concepción cuadrilateral. Se interesa por las formas piramidales, formas
que el encuentra como herederas del renacimiento y por que además la pirámide le
permite establecer una direccionalidad de energía cromática.

 Frank Stella
Participó en los 60 en una exposición realizada en el MOMA titulada “16 Americanos”.
En esa exposición se dio a conocer con unas telas de franjas negras pintadas sobre
madera, aluminio y cobre. Pocos años más tarde pintaría en color negro otros soportes
aparentemente no artísticos porque para él la pintura una cosa, no era solo algo
destinado a colgar de una pared. A partir de esa comprensión de la pintura como un
objeto, se adentra en una experiencia plástica próxima al minimalismo. Se le considera
próximo al minimalismo por su labor como teórico, donde expresó máximas aplicables
a la escuela minimal. Decía: “En mi pintura lo que ves es lo que ven”. Ni el espectador
ni el artista pueden ir por detrás de lo que se hace en su época, esto era un pensamiento
de él.
Su pintura es de geometría regular donde parte de una elaboración de formas
geométricas simétricas. Se puede incluso apreciar algún coqueteo con el arte Pop. De
hecho algunas pinturas de bandas simétricas parecen inspiradas en las banderas de
Jasper Johns. Utiliza colores brillantes, compactos y saturados (acrílicos) muy
semejantes a la cartelística de los mass-media y a las tonalidades del Pop. Se le vincula
también al orfismo. Son diseños rectilíneos, simétricos, pintura que se mueve en un
ámbito norteamericano. A diferencia de otras propuestas, su obra madura cae en una
cierta complejidad plástica que es denominada como Minimalismo barroco por los
críticos. En algunas formas u obras se pu8eden apreciar que tiene influencias de la
música Jazz, Tuvo contactos personales con el músico de jazz Morton. Algunas formas
recuerdan a los ritmos sincopados del Jazz.

 Pintura Negra

 Hyena Stomp

 Ossipee

El Minimalismo nace a mediados de los 60. Fue denominado también, estructuras

primarias, pintura sistematica, cold art, serial art, ABC art, arte procesual y a veces
también se utiliza el termino arte en proceso, que en realida este ultimo designa más
bien a una tendencia postminimalista. El término minimalismo fue usado por primera
vez por Richard Wolheim en 1965 como reacción al expresionismo abstracto. A partir
de esa denominación, el término comienza a usarse y los artistas decían que era una
denominación demasiado simplista. El minimal art fue una reacción contra el peso del
expresionismo abstracto. Los antecedentes del minimal art están en el suprematismo de
Malièvich en el sentido que se trata de un arte sin contenidos, sin propósitos utilitarios,
endefinitiva sin función ideológica. También la vanguardia rusa, el neoplasticismo
holandés, las superficies monocromas de Klein, Lucio Fontana, Ad Reindhardt, algunas
obras de Stella y los campos de color de Newman.

Caracteristicas

113
Trabajaba prioritariamente en tres dimensiones, con partes idénticas, formas repetidas,
superficies neutras y con una percepción sobre la narración. Había una construcción de
objetos tridimensionales que reaccionaban contra el ilusionismo visual de la pintura de
caballete.
El minimalismo elimina la relación entre fondo y figura de tal manera que el espacio
real pasa a ser tan importante como el representado. Utiliza materiales industriales,
como acero laminado, tubos de neón, ladrillos refractarios, placas de cobre..., no existe
modelado, hay una secuencia sencilla de unidades idénticas. La simultaneidad del
cubismo la sustituyen por el principio gestáltico de la instantaneidad. No importa tanto
la composición como la escala, la superficie, la forma utilizada y sobre todo la relación
de las obras con el entorno.
Están guiados por el principio de menos es más de Mies van der Rohe, conseguir lo
máximo a través del mínimo número de elementos. El objeto es y seguirá siendo
siempre un objeto, es por tanto un arte seduccionista, pulcro, de acabados asépticos, se
le ha relacionado con la limpieza de la clase norteamericana y también tiene analogías
con la asepsia de las facturas del arte pop.
Son obras indivisibles.
Todos los minimalistas rechazan la pintura de caballete; la vía que eligen es la de la
creación de objetos tridimensionales, al incorporar la obra de arte dentro de un espacio
real. Respecto a los materiales, rechazan los tradicionales como mármol, piedra,
barro...ect, uno de los aspectos mas importantes y que abre la vía las vías para el arte
conceptual.
La separación entra la forma y la función ha originado problemas, de hecho los objetos
se ejecutan partiendo de planos que pueden ser usados muchas veces para otras obras
idénticas, carácter enciclopédico y que mantiene la idea de carácter irrepudiable de las
obras del museo. Llegan a decir que es un fraude, que es una cultura diferente de objetos
múltiples.
El minimalismo quiere romper con esa idea de que la obra de arte es el punto de
convergencia entre dos entidades diferentes, por una parte la obra que crea el artista y
por la otra la interpretación del espectador. Quiere separarse de esa doctrina, la
contemplación se centra en la propia obra, en el espacio que crea y modifica y en su
campo visual de la interpretación.
Emplean formas geométricas sencillas dispuestas unas tras otras provocando una
inmediatez perceptiva. Además, aunque contradice la composición tradicional, estos
módulos en realidad están vinculados con la fabricación en serie, por lo tanto el
minimalismo entra dentro de una forma del capitalismo, dentro del mercado.
Principales artistas:
1. Donald Judd
2. Carl André
3. Robert Morris
4. Richard Serra
5. Bruce Naunan
6. Dan Flavin

114
 Donald Judd 1928-1994

Estudió filosofía y luego historia del arte, a principios de los años 60 abandona la
pintura de caballete porque para él el espacio real tenía mas poder que los pigmentos
pictóricos en una superficie plana. Con el abandono de la pintura expone por primera
vez en 1963 en la Galería de Leo Castelli, galerista al que estará vinculado siempre. En
1965 publicó el ensayo “objetos específicos” que era básicamente una declaración de
intereses, y se quiso ver como el manifiesto del minimalismo.
Fue el primer artista considerado como minimalista, reaccionando contra éste término y
prefirió llamar a su obras “Objetos especificos”. Fue uno de los primeros que usó los
almacenes industriales como vivienda o galería.
A partir de la década de los 80 el color tiene mayor interés en sus obras, son obras que
emplean el módulo secuencial de una cosa tras otra. No busca un movimiento dentro el
espacio sino únicamente el movimiento del espacio real. Emplea acero, hierro, latón
pulido, aglomerado de madera...etc. Su obra supone una despersonalización del arte, sus
composiciones derivan de progresiones geométricas de carácter geométrico o
empleando la secuencia de Fibonacci.
Repudiaba que a su obra la denominasen como escultura porque tenía una connotación
manual. Su obra consistía en la repetición de elementos iguales, son sistemas seriados
donde incorpora el espacio real en la pared y se forma un juego de positivo y negativo.
Desafia al espectador al considerar los conceptos de aburrimiento, repetición o
monotonia.
Entre 1982-1986 realizó 100 obras de aluminio dispuestas en dos filas en la sala
principal de la fundación Chinati. Cada pareja de cubos está relacionada con la
secuencia arquitectónica marcada por los vanos y aunque cada pieza tiene las mismas
dimensiones, la regularidad de los cubos origina una perspectiva, unas lineas fugadas
desde todos los puntos de vista.

 Carl André

Trabajó como oficial del servicio de inteligencia de EEUU, como periodista y conductor
de trenes, además de cómo artista plástico, también hizo varias intrusiones dentro de la
poesía. Se caracteriza por el empleo de materiales sencillos como ladrillos, metal,
madera, apilándolos siguiendo patrones muy elementales. Chan well, 1964, remite a la
columna sin fin de Brancusi, aplicación de madera.
Muy importante es su serie de 1966 denominada Equivalent, donde realiza esculturas de
suelo que están concebidas para ser pisadas, sin pedestal, como hizo Rodin en los
burgueses de Calais. Lo mismo que Donald Judd elimina cualquier tratamiento
epidérmico de los materiales, defiende el color de las materias y su envejecimiento.

 Robert Morris

Realizó una tesis sobre Brancusi. Sus obras se tratan de formas triangulares apuntadas
sin ninguna referencia o detalle, sin ningún discurso narrativo. Se ayuda de los ángulos

115
de las esquinas. Tras estas experiencias con esquinas y triángulos realizó sus laberintos
donde trabaja con materiales industriales y obliga al espectador a cambiar de dirección.
A finales de la década de los 60-70 Morris y Serra van a liderar una reacción contra la
asepsia y carácter rígido de lo minimalista, es lo que se conoce como Procces Art, que
es una denominación de un movimiento dentro del post minimalismo que pasa a
concentrarse en los procesos de descomposición y deforma los materiales. En ésta línea
estaria el Arte suave: (sujt art) que lo inaugura Morris en los años 60. Usa de nuevo el
rosa para las esquinas, con claras referencias al cuerpo humano. Responde a lo que él
denomino como antiformas, se trata de formas que caen por su propio peso y cada obra
es diferente. Se aproximó con esto al land art.

 Sol Le Witt

Nace en 1928 y comienza a exponer a mediados del siglo XX. En casi todas las obras
utiliza la palabra estructura, emplea elementos simples, básicos, dentro de una estructura
en forma de caja. El objeto no es mas que el resultado final de una idea, lo importante es
la persona que lo ideó no la que lo ejecutó. La obra pierde en formalidad. En su obra
hay simplicidad y complejidad, además consigue una dialéctica entre suntuosidad y
austeridad. Estuvo también vinculado a las matemáticas, toda su obra se puede explicar
con reglas matemáticas. También estuvo vinculado al arte conceptual, en el año 68 hay
una acción cuando fabrica un cubo de metal, lo entierra en la casa Vusers, por tanto,
también está vinculado a los origenes del land art.

 Wall drawns
Dibujos en la pared, ejecutados por los ayudantes de su estudio. Él no trabaja
directamente los materiales.

 49 variaciones sobre tres clases de cubos

Funciona con una logica matemática, investiga las posibles variaciones. El elemento
singular no tiene importancia, lo que importa es el conjunto.

 Cubos modulares
Sintió pasión por las matemáticas y prácticamente toda su obra se puede explicar con
formulas matemáticas.

 Richard Serra

En el año 1965 se instala en París y luego se vuelve a Nueva York definitivamente.

Vivió también durante un tiempo en Italia. El primer periodo de su producción tiene que
ver con el arte procesual. En ésta etapa trabaja con troncos de madera, plomo derretido
láminas de goma vulcanizada. En este empleo de materiales quizá tenga que ver su
estancia en Italia. Se le relaciona con el arte povera.

 Serie Belts (cinturones)

116
Es de éste primer periodo. Son tiras de goma vulcanizadas que intervienen con luces de
neón. Como el arte povera, emplea materiales no tradicionales de desecho o de resto
industrial.
A partir de 1970 comenzó una línea mucho más minimalista con materiales de
ejecución industrial y obras de escala gigantesca pensadas para el lugar que ocupan.
Según él cada sitio tiene una ideología y sus obras tratan de expresar esa ideología.
Trabaja en un ámbito de elación con la arquitectura.
Obliga a que el espectador participe de la obra, le obliga a dirigirse hacia una dirección.
Se trata de estructuras que de alguna manera atentan contra las leyes de la física.

 Serpiente. Museo Guggenheim Bilbao

Las espirales centrales a veces se desmontan por necesidades expositivas. Son chapas
metálicas.

Dentro de la vertiente del arte en proceso hay que situar la película que hizo en 1969,
una película repetitiva de tres minutos titulada “Mono cogiendo plomo”, idea
minimalista, pulsión de una mano cogiendo plomo.
En el mismo sentido arrojó plomo derretido en la pared de la galería neoyorquina de
Leo Castelli. Lo arrojó formando bandas en el ángulo entresuelo y techo, es una
secuencia repetida de materiales que cambiaban de estado (liquido, gas y por ultimo
sólido).

 Dan Flavin 1933-1996

Se formó en la escuela de Hans Hofman y comenzó a trabajar con tubos fluorescentes

en torno al año 63. No busca una creación de entornos, son que busca una habitación de
los espacios. Lo que hizo fue romper con las convenciones de la escultura tradicional.
Utiliza una luz que sirve en muchos colores para provocar una alteración espacial.
Se le considera el puente entre el pop y el minimalismo. Las luces de neón han sido
utilizadas en la cultura de los mass-media. El vocabulario de tubos en esquina, en
paralelo, formando triángulos...etc, suponen una reestructuración del espacio.

 Homenaje a William of Ockham

Fragmenta un espacio cúbico en dos espacios distintos, no solamente por los tubos
fluorescentes sino también por los reflejos de esas luces en el entorno. Es muy frecuente
e su obra elaborar homenajes a los que él considera los mejores del arte moderno.

 Monumento a Tatlin
Muestra el interés por unir el arte y el constructivismo. Utiliza el término monumento
de manera irónica, todo lo contrario a los tubos de neón.

 Bruce Nauman

Fue muy activo en acciones conceptuales. Nace en Indiana, estudio matemáticas, física
y arte en Wisconsi. Desde el año 79 reside en México. Utilizó también los tubos de neón
y dentro de esa creación de ambientes, busca con la luz estudiar la capacidad de

117
adaptación de nuestros sentidos, estudia nuestras pautas de comportamiento y busca
sensaciones corporales y psíquicas turbadoras. Obliga a los espectadores a pasar por
estrechos corredores que tienen luces agobiantes y en muchos casos la pulsión lumínica
sigue el ritmo de los latidos del corazón.

 Corredor con luz rosa y amarilla

. ARTE CONCEPTUAL .

Nació en EEUU y Gran Bretaña y pronto se extendió por todo el mundo. En todas las
manifestaciones el arte conceptual abandona el concepto de obra de arte como original,
para pasar a poner énfasis en las ideas. El origen está en Marcel Duchamp, porque con
sus ready-made abandona una vía en la que se relacionaba el objeto artístico con unos
valores artesanales. Después de la segunda guerra mundial se rescata esa
desmaterialización de la obra de arte, por ejemplo en el gesto de Rochenberg al
emborronar una obra de Willem de Kooning.
El término arte concepto fue una denominación acuñada en el 63 por un artista del
grupo fluxus llamado Henry Flynt para designar el tipo de actividad artística que hacían
otros fluxus como Yoko Ono, George Brecht y George Macionas. Por arte conceptual
Henry Flynt designa un arte que se definía así mismo y cuyo material básico era el
propio arte. Desde entonces entendemos por arte conceptual una serie de tendencias que
se sitúan entre 1965 y 1975 que desplazan el sentido del objeto artístico que pasa a
residir en los conceptos. Tiene mucho que ver con la corriente más reflexiva del
minimal, en concreto con Robert Morris.
Hubo cuatro factores de contexto que explican el nacimiento del arte conceptual:
1. Triunfo de la filosofía analítica en las universidades anglosajonas, desarrollo
de la semiótica y la lingüística.
2. Coincide con un periodo de agitación política y creciente conciencia social.
3. El arte conceptual se produce en un momento en el que el arte de occidente
se había ensayado con todo tipo de técnicas y soportes de los que se
aprovechará el arte conceptual.
4. Dentro de ese clima de conciencia social los artistas conceptuales van a ser
artistas contra-sistema artístico.
El arte conceptual presenta una versatibilidad sorprendente. No se puede hablar de un
artista de referencia y además dentro de todo el arte conceptual tienen el mismo peso le
génesis de la idea como la participación del espectador. También se le denominó como
un arte idea, concepto idea o arte proyecto. Dentro de la alternativa conceptual vamos a
distinguir básicamente dos experiencias:
o El conceptual lingüístico
o El arte de acción

Conceptual Lingüístico

Es la línea más purista del conceptual. Identifica los mecanismos artísticos con los del

118
lenguaje. No hay un objeto artístico. El lenguaje pasa a ser la materia del arte. Está
vinculado con el grupo Art and Lenguaje fundado por Terry Atkinson y publicó su
propia revista. Joseph Kosuth colaboró con el grupo y publicó su primer ensayo, en él
desprecia todo elemento de índole estética, porque para él la experiencia del arte debía
ser mental. Lo fundamental del arte no eran los objetos sino las ideas que los objetos
realizan o ilustran. Tomando como punto de referencia los mecanismos del lenguaje
entendiendo que el arte es un lenguaje que define y construye mentalmente los objetos
que nombran. Así cada obra de arte repite la obra de arte, es una manifestación de su
propia definición, es una tautología porque es una representación de las intervenciones
del artista. Nos informa de que una obra es arte, lo que en ultima instancia significa la
definición de arte. En esta línea formula la teoría de Art as idea as idea, en esta tesis
quería conciliar el pensamiento de Duchamp con las tesis filosóficas de Ludwig
Wittgenstein, quien defendía que las palabras no podían describir lo visible ni las
experiencias del ser humano, solo remiten al lenguaje. Se apoya en el positivismo de
Viena que a su vez apoyaban sus hipótesis, afirmaban que una tautología no tiene
condición de verdad porque es incondicionalmente verdadera.
En el plano de creación plástica, el objetivo del arte como el lenguaje sufra las formas
convencionales, rompen con la fenomenología del arte y lanza la idea-arte con todas las
interpretaciones posibles.

 Joseph Kosuth

Joseph Kosuth entiende el arte como tautología, una obra de arte es una propuesta de
una idea, presentada en un contexto artístico, no proporciona ningún tipo de
información y pasa a ser una figura retórica que consiste en repetir una idea en términos
distintos. Por tanto el arte cambia de discurso. Es imposible hablar de arte sin referirse a
arte. Es la primera vez en la que se habla de comunicación y dentro del espectro de los
metalenguajes como centro de interés artístico. Además Joseph Kosuth es el primer
artista que plantea una de las cuestiones que será un eje importante en la llamada
postmodernidad que es la muerte del arte. Joseph Kosuth no cree que lo propiamente
artístico sea el objeto, sino la idea. El objeto no añade nada nuevo a la idea es más la
limita. Por esto denomina a las obras residuos físicos, a pesar de estas intenciones nunca
renuncio al objeto artístico. En ningún caso él habla de estilo que aborda un viejo
problema que es la pregunta de ¿Qué es el arte?.

 1, 2, 3 sillas
Se muestra una silla real, una foto de la silla y la definición de silla. En el montaje
original había un bote de pintura y una etiqueta donde se leía “difuntos”. En estas
instalaciones plantea tres niveles de interpretaciones, el espectador debia participar de
manera analítica. Plantea además un desarrollo temporal, pasado (la foto de la silla),
presente (la silla real) y atemporal (la definición de silla).
En otras obras plantea un mensaje lingüístico donde juega con los mecanismos de
comprensión lingüística. En muchas ocasiones incorpora pasajes y palabras con luces de
neón, textos tachados y aclaraciones sobre textos impresos.

Arte en acción

Es un tipo de arte efímero, en el que la documentación de cada acción pasa a tener

119
categoría de obra de arte original. Diferenciamos entre:
o Hapening: termino empleado por primera vez en 1958 por Allan Kaprow para
definir una serie de acciones que dentro de un contexto artístico alcanzaban una
categoría distinta. Allan lo hizo para definir un tipo de representaciones en las
que el espectador participa en la acción. Originalmente se entiende como una
forma de eliminar los limites entre el arte y la vida. Se destruye el objeto
artístico, es el artista el que tienen l protagonismo. Se trata de acciones hechas en
espacios extraartisticos, sin prejuicios morales, mezclan tres medios plásticos
(visual, teatral y musical). Carece de una estructura lógica, pueden ser flashes de
ideas. En el Hapening todo nace de una idea general que puede cambiar en el
transcurso de la acción. Son como una especie de puzzle de sensaciones
diferentes. Se produce una eliminación entre artista y publico, porque en los
hapening la participación del público es crucial. Originalmente se oponía a la
comercialización del arte a la manera tradicional por eso muchos artistas se
opusieron a los hapenings por encargo. Su teoría es tan diversa como su practica.
La temática de los hapening es muy variada: social, político, poético, de la vida
cotidiana, denuncia de la situación de la mujer, prejuicios sociales...etc. El
antecedente está en los ready-made de Duchamp. Nace también en las
experiencias surrealistas, la Bauhaus, el precedente más directo es Pollock.
o Performance: en la practica muchas veces se utilizan los dos términos (hapening
y performance) indistintivamente. En el performance el público no participa de
la acción. Tiene una programación programada, los contenidos son variados
como el hapening. Dentro del performance ubicamos también el body art, donde
tampoco interviene el público.

 Joseph Beuys 1921-1986

Participó en la segunda guerra mundial, experiencia que explica gran parte de sus
inquietudes artísticas porque en el avión en el que viajaba en 1943 sufrió un accidente
en Crimea. Sobrevivió gracias a los cuidados de unos pastores nómadas que le cubrieron
el cuerpo de grasa y le calentaron con mantas de fieltro. En 1961 consigue la plaza de
profesor de escultura en la Academia de Bellas artes de Düsseldorf.
Él cree que el arte debe de dejar de ser decorativo únicamente y debe transformarse en
lo denominado la trasformación de un muerto enfermo, es decir contribuir a cambiar el
mundo.
Estará muy influido por:
a. Historia Alemana
b. Chavanismo
c. Antroposofía
d. Los animales
En su definición incluye lo que denomina como escultura social, que es una
performance o hapening donde el papel del público pasa a jugar un rol importante.
En 1965 hizo su exposición de “Cómo se explican los cuadros a una liebre muerta”:
lo que hacía era convertirse en una escultura viviente. Cubría su casa con miel y polvo

120
de oro y en sus brazos cogía a una liebre muerta a la que le explicaba los cuadros en una
sala. La gente lo contemplaba desde las ventanas. En esta acción aparecen algunos
elementos significativos de su arte: como la cabeza tiene lo que el denomina como
“pensamiento miel” habla de la expansión de las ideas, como buen conocedor de la
tradición iconográfica del cristianismo, coge a la liebre como si se tratase de la virgen y
el niño.
Sin duda su creación más famosa fue: “I like America and america likes me” fue
realizada en Chicago en la Galería de René. Llegó al aeropuerto envuelto en fieltro y fue
conducido por una ambulancia a la galería y permaneció durante 3 días junto a un
coyote denominado Little John. Se defendió de el animal por una gran manta de fieltro y
tenía un callado imitando la indumentaria de los pastores tártaros que lo habían cuidado
en el 63. Acumuló pedazos de periódicos y al final de esa convivencia ambos se
acostumbraron y terminaron abrazados. Volvió en ambulancia sin pisar el suelo
americano destino a Alemania. Quería atacar su repulsa hacia las condiciones en las que
vivian los indios en reservas, por ello usó un coyote (animal totémico salvaje y sagrado
para los indios). En su renuncia a pisar suelo norteamericano hay una critica al gobierno
americano en relación con la guerra de Vietnan.

 John Cage 1912-1992

En el 1930 viaja a Europa, se dedica a la pintura pero cuando regresa a los EEUU
prefiere la música. En 1942 se establece en Nueva Cork y se convierte en una de las
figuras de referencia de la vanguardia Newyorkina. Se relacionó con Max Ernst,
Duchamp y Jasper Johns..
En 1963 se da a conocer en el MOMA con el coreógrafo Merce Cunningham, ambos en
el Black Mountain Collage establecen una relación fructífera de colaboración mutua.
En el Black Montaine Collage comenzaron a realizarse acciones donde había una
interpretación musical al piano, un baile improvisado y pinturas de Ruber Rochenberg,
la lectura de poesía de Richardson y por supuesto ritmos de los ambientes cotidianos por
parte de J. Cage. Esta acción es totalmente opuesta a la idea del arte total de Wagner,
porque ofrece diferentes niveles de lecturas con una desunidad deliberada que intentaba
perseverar la libertad perceptiva del espectador.
Comenzó a experimentar en la idea de que cualquier tono ó sonido repetido al azar
puede ser música. Una de sus acciones más famosas son dos pianos intervenidos en los
que coloca distintos objetos en las cuerdas. Las composiciones de Cage trata siempre
del azar. Trató las partituras como si fuesen composiciones visuales. Se enfrentó a la
música tradicional con un discurso coherente investigando sonidos, situaciones,
silencios y ruidos tomados de la calle. En el Black Montaine Collage intentaba que sus
alumnos olvidasen sus prejuicios musicales y escuchasen los sonidos que les rodeaban.
As formulas de composición reflejan la subetividad del artista. Consiste en emplear
progresiones fortuitas con combinaciones aleatorias de unos sonidos dados, “todo es
música y todo es arte, solo hay que mirar y escuchar”.
El proyecto Organ 2 no fue en realidad efectuado por Cage, sino por sus discípulos
siguiendo las indicaciones del maestro. Comenzó hace 2 años en una ciudad alemana,
descanso de 17 meses de silencio y tras ellos se tocaron las 3 primeras rutas la duración

121
total es de 600 años, se realiza con un órgano manipulado, no exige la presencia de una
persona.

 John Latham

En 1966 sacó de la biblioteca una colección de ensayos de Grinberg, titulado “arte y

cultura”, esa obra había desarmado teóricamente una defensa acérrima de la
subjetividad del expresionismo abstracto. Latham organiza una fiesta en su casa y
animaba a la gente a arrancar las hojas y masticarlas, el resultado fue una masa que se
mezcló con ácido sulfúrico y levadura, esa preparación burbujeó y fermentó durante 1
año. Recibió una carta de la biblioteca para devolver el libro, echó una parte de esa
masa en un recipiente, lo etiquetó con el titulo “Arte y Cultura” y lo devolvió a la
biblioteca. Al día siguiente fue expulsado de la escuela de arte. Ahora los utensilios
utilizados en esta acción están en el MOMA. La acción era oponerse al formalismo y el
materialismo abstracto, Gilbert había identificado el futuro arte como el futuro de la
pintura.

 Allan Kaprow

 18 happening en 6 partes 1959

Previamente envió invitaciones al público advirtiéndoles que se convertirían en parte de

los happenings; junto a esa invitación había fragmentos de plástico, trozos de papel,
figuras recortadas, maderas, etc. El desván de la Galería Rouber fue modificado
mediante paneles de plástico creando 3 salas independientes, una sala de canto en la que
los intérpretes entraban y salían, espejos por todas partes, los espectadores recibían
instrucciones de que tenían que hacer dentro. La idea de este acción tiene mucho que
ver con las tesis difundidas por J. Cage, se trata de acciones simultáneas y donde el
espectador es el que prioriza una de ellas.

. GRUPO FLUXUS .

Es un movimiento entre 1968-1973, se organizó en Alemania reviviendo el espíritu

Dadá (actitud anti-arte) ,van en contra de la tradición artística, sin duda, es el punto de
referencia del grupo Fluxus.
El punto de partida de este grupo son los cursos impartidos por John Cage en los verano
del 1956-1959 en la escuela de arte de Nueva York, algunos de esos discípulos fueron
George Brecht y Allam Kaprow.
En 1958 Allan Kaprow viajó a Darmstadt para asistir a la Feria Internacional de
Nuevos Músicos y allí contactó con creadores europeos también interesados por una
renovación artística y musical, el grupo se enriquece con nuevos miembros como
George Maciunas (artista neoyorquino que llegó a Alemania como miembro del ejército
y abre una galería de arte en el año 1962). En 1962 se unen al grupo Fluxus:
Christiansen, R. Fillou, W. Vostell, D. Higgins, Endre Tot, Saito y Yoko Ono.

122
  Diferencias con el Happening:
Fluxus es una palabra latina que significa flujo, cambio permanente. Se diferencia del
happening en que no supone una participación activa del público, pero en Fluxus
siempre se realiza un debate con el público acerca de las repercusiones y el interés de la
obra. Además, si la experiencia del happening eran acciones de gran complejidad y
larga duración corporal, las acciones del fluxus van a ser muy sencillas y cortas.
Se introduce un diálogo con el público sobre la acción. Requiere una actitud reflexiva,
porque nos bombardean con estímulos muy diferentes, es muy importante además el
papel que ejerce la música. Supone una renovación de las artes escénicas y plásticas.
Realizaron acciones pero también experimentan con objetos al modo de elementos
cotidianos, muchas veces cajas donde se recogían experiencias de uso personal,
histórico, vivencias, se abandona un tipo de arte de carácter decorativo, y se apuesta por
un arte que haya que leer, que usar y que de alguna manera habla de la experiencia de la
vida.
Como señala Simon Marchan Cid, fluxus no tiene objetivos estéticos, sino de denuncia
social, a priori, se opone a la idea de la mercantilización del arte, se opone contra la
superación entre arte y vida porque para ellos todo es arte.
Según Valeriano Bozal, coincide de una manera con los cambios políticos cubanos, con
el desenlace de la guerra de Vietnam, es decir un momento intelectual en Occidente
donde se deslumbra una cierta esperanza de libertad del hombre.

 George Brecht

Trabaja con cajones. La vida cotidiana está resumida a través de los objetos. Sus cajas
tienen un carácter muy poético que nos recuerda al Museo de Duchamp ó a la Caja de
Pandora.

 Wolf Vostell

Fue muy activo en experiencias de acción, sobre todo en grandes instalaciones donde
incorpora artilugios domésticos. Nació en Colonia en 1932. En 1958 viaja a España y se
casa con Mercedes Guardado, tendrá por tanto una relación estrecha con la provincia
extremeña, a su muerte se le dedica una sala expositiva. Tiene un museo en Cáceres
monográfico que es el único museo en España dedicado a un artista de acción.
En 1961 promueve un proyecto estético “Arte=vida, vida=arte todo hombre es una obra
de arte”
En 1962 se incorpora al grupo Fluxus, su obra es de un marcado carácter político,
denuncia sobre la mujer, trató temas de carácter ecológico, usa materiales de la sociedad
industrial. Se ha vinculado la forma de trabajar de este artista con el arte Povera por el
uso de la basura.
En el año 63 Vostell presenta en Nueva York una instalación titulada “6 de colages
electrónicas” que consistían en seis televisiones con imágenes rayadas.

 Fandango 1974

123
Es una obra clave siendo una de sus acciones más famosas. Incorpora algunos
elementos propios de su poetica creativa, como la musica de violin, piezas de desecho
industrial, cuerpos humanos...etc.

Ampliación de Fandango: Para 2 violines, operario y modelo. 14 minutos.

El primer violín, solo, interpreta en décollage, la Partita Nº 2, en Re menor, de Bach, 14 minutos. Cada página de la
partitura dura un minuto. Las partes negras de la partitura (cintas adhesivas) significan pausas.

El segundo violín está cubierto parcialmente de carne, lo que, de modo inevitable, dificulta la interpretación musical.
14 minutos de improvisación en cada una de las pausas del primer violín. Imitación y tautología del ruido que
produce el operario con el disco cortador automático.

El operario, durante 14 minutos, y con intervalos corta mediante un disco, en una puerta grande de automóvil, un
rectángulo del tamaño del violín.

El modelo desnudo golpea la pared, durante 14 minutos, con un pesado martillo. El agujero abierto en la pared sirve
para introducir en él su rostro al llegar el minuto decimocuarto.

Al comienzo de la segunda mitad del minuto decimocuarto, la persona portadora del segundo violín se dirige a la
portezuela del coche e introduce el violín, con la carne, en la abertura. Luego, sobre el violín y el modelo, se forma
una X con cinta adhesiva.

Fin.

 Nan June Paik

Coreano, estudió historia del arte en Tokio y se fue a Colonia para estudiar musicología.
Allí es donde conoce a John Cage y comienza en 1962 a trabajar con las exposiciones
de Fluxus.
Sus instalaciones son a base de pianos y televisiones donde altera el funcionamiento de
los tubos catódicos de tal modo que distorsiona las imágenes, por más que el publico
manipule sus clavijas. Se le ha considerado como uno de los precursores del computer
art y el arte en video. En esa primera fase manipula los objetos más reverenciados en un
seno burgués como sería el piano ó la televisión.
También realizó durante muchos años varias performance con su amiga Charlotte
Moorman (violonchelista), en los cuales ella aparece tocando el violonchelo pero muy
particular porque está tocando un objeto formado por aparatos de televisión.
Mas recientemente trabaja con instalaciones en continuo movimiento, muchas veces
enriquecidas con tubos de neón. También trabaja en unos robots ó totems robotizados
construidos por monitores de ordenador y aeronáuticos que están manipulados para que
puedan moverse, emitir sonidos y responder a acciones primarias.

 Yoko Ono

124
Una de sus primeras acciones fue Cut piece 1967, la realizó en Tokio y más tarde en
Londres. Se presentaba al público y los espectadores cortaban parte de su ropa. Tenía
una gran carga como mujer objeto.

. BODY ART .

Se entiende por aquellos procesos artísticos en los que el cuerpo del artista forma parte
de la obra. Las experiencias de body art normalmente tratan de autoagresión, violencia y
tienen mucho que ver con el exhibicionismo. Está vinculado con el happening y los
performance, sin embargo es una acción privada, para público cerrado donde se graba y
luego se expone.
Esta tendencia está vinculada con la revistas neoyorquina “Avalanche” y a la francesa
“Artitude”, recogieron temas del Body Art, también del Land Art y del Hapenning.
Dentro del arte de acción, es el único que cuenta con un manifiesto redactado por F.
Phuchart donde defiende una creación artística donde el cuerpo se convierte en el
material y procedimiento artístico.
El body art se relaciona con el éxito del Yoga y el Budismo porque son capaces de
canalizar el dolor.

 Vito Acconci

Se hacía daño, se arañaba y se rasgaba, dejando constancia fotográfica y visual.

 Orlan

Francesa. Se expone a cirugías anuales para emularse como la Venus de Boticelli, Diana
de Rubens...etc. Se opera con anestesia local y se retransmite en directo a las galerías de
arte; se puede mantener un diálogo con Orlan durante la operación. Todo está
perfectamente esterilizado y diseñado por Paco Rabanne, a veces se acompaña de
músicos y bailarines. Las paredes están cubiertas con la imagen de su transformación.

Ella se define como una artista de arte carnal, repite en sus videos “Yo soy el otro”. En
el transcurso de la operación va leyendo pasajes de una psicoanalista llamada Luccioni,
el texto “La Rube” que trata sobre la identidad.

. ACCIONISMO VIENES .

Fue un grupo integrado por cuatro artistas que se constituyen en Viena en el año 65.
Son: Herman Nitsch, Günter Brus, Rudolf Schwarzkogler y Muehl. Este grupo creía que
el cuerpo humano podía ser degradado, mancillado y destruido por puro placer estético.
Se reunían en el castillo de Prinzendorf. En el año 68 hicieron una acción colectiva en la
universidad de Viena que les llevó a un exilio de Nitsch. Defendían lo que ellos

125
denominaban como Arte total, una especie de orgías, sangre, exposición de vísceras,
exaltación de órganos genitales...etc. Además de esa degradación corporal, es un
atentado a los iconos de la cultura cristiana. Günter Brus simulaba que tenia el cráneo
roto, con escayola y maquillaje. Schwarzkogler se autocastró y finalmente se suicidó.

. ARTE POVERA .

El término povera se usó en 1967 en la exposición celebrada en Venecia para indicar el

amplio uso de materiales aparentemente no artísticos, pobres, humildes y
descontextualizados que habían sido empleados con un fin artístico. Es una
manifestación de arte objetual donde cada material se utiliza respetando sus
características físicas. Se trata por tanto de una estética del desperdicio que tiene unos
orígenes próximos en las papeleras de Jim Dine.
Siguiendo la vía de Duchamp propone una estética anticonvencional realmente
novedosa y sin significación alguna; se defiende una concepción antropológica de los
objetos artísticos y, si bien el arte pop y el minimalismo tenían una estética fría, en el
povera se tiene en cuenta la energía de los materiales.
Nace en la época de los años 60, con centro en Italia y muy vinculado a la cultura
hippie, los acontecimientos de mayo franceses y la cultura undergraund. Rechaza las
nuevas tecnologías, se olvida de los iconos y la influencia de los mass-media,
regresando a una concepción artística de carácter intimista y personal.

 Mario Merz

Nace en Milán, se inició en la década de los 50 en una pintura muy similar a la estética
cubista de Picasso. En 1966 deja la pintura y se dedica a la construcción con objetos
poco ortodoxos (botellas de vidrio, paraguas, tubos de neón...etc). En 1968 crea su
primer Iglú, forma muy repetida en su producción. Es una forma semiesférica surgida
de un desarrollo circular. Como todos los poveristi parte de la naturaleza para encontrar
energía elemental. Hizo iglús en todo tipo de materiales, en estos se crea una
espacialidad interior y una exterior que reflexiona sobre lo habitado y un espacio
exterior que trata del entorno social porque Merz fue un artista muy comprometido y
prácticamente todos los exteriores de los iglús no responden a soluciones formalistas
sino que marca un compromiso político.

 Iglú de Giap 1968

Lo presenta en el 69 en Nueca York en plena guerra de Vietnan, hay una clara
referencia al conflicto bélico. Estructura metálica recubierta de sacos de plástico
rellenos de tierra (aludiendo al sistema de trincheras propio de las guerras), en su
interior se crea el espacio personal de protección. Normalmente son obras acompañadas
de tubos de neón, como modernos graffitis que explican la base de su obra. En ésta
aparece la palabra Giap, nombre de uno de los generales de Vietnan que decía: “si el
enemigo se concentra pierde terreno, si se dispersa pierde fuerza”.
Trabajo también con periódicos usados, lechuzas y ciervos muertos, madera...etc. Son
normalmente obras acompañadas con tubos de neón que explican el sentido de la obra.

126
En sus últimos años realizó las famosas espirales de neón, funcionan como un traslado
bidimensional de los iglús. Es un proyecto que tienen un sentido distinto al iglú debido
a que sus fuerzas están concentradas y en las espirales están dispersas. Están realizadas
siguiendo la secuencia de Leonardo Fibonacci. En esas formas en espiral donde hay un
núcleo que se expansiona, se está utilizando una línea curva que desde los orígenes de la
civilización indica el infinito.

 Jannis Kounellis

Nació en Grecia pero se trasladó a Roma. Desde el punto de vista teórico fue un artista
muy radical. Desde una perspectiva marxista defiende que al arte no es legítimo de la
sociedad contemporánea, es un verdadero engaño, se ha convertido en un valor de
trueque en el sentido capitalista, un arte en el que se emplean los materiales por su carga
histórica. Es muy frecuente en él la introducción de discursos de carácter histórico,
alusiones alegóricas y de carácter mitológico.
En 1969 presentó en Roma Doce caballos vivos, denunciaba el arte público estratificado
que dignificaba a sus dirigentes (estatuas ecuestres). Lo más célebre en él son sus
muros, fragmentos de muros reales, planos con historias que manifiestan un presente y
que se han trasladado desde construcciones.

 Gilberto Zorio

Tuvo una vertiente vinculada al arte de acción. Una de sus acciones mas famosas la hizo
grabando la palabra odio en su frente y en las paredes de la galería donde expuso. En
todas sus vertientes se le considera como continuador de la poesía de Rimbaud. Quiere
materializar la energía de las palabras; cuando se tatúa odio pretende crear antipatía en
el espectador. Elige la forma de estrella como forma para tratar energías modernas que
se alteran en los extremos. Las estrellas se realizan con todo tipo de materiales. Elige la
forma de estrella como una forma de tratar energías interiores que se dispersan en los
extremos.

 Luciano Fabrio

Lo mas característico son sus mapas de Italia hechos con todo tipo de materiales. Habla
de la historia de Italia de la misma manera que realiza varios montajes interpretando su
propia anatomía como la del homo cuadratus de Leonardo da Vinci.

 Giuseppe Penone

Su obra, especialmente la de los primeros años, está muy próxima al lan art. Por
ejemplo cuando hace una incisión en un árbol de 22 años para contar sus anillos.
Delimita su perfil con 22 plomos y cada año añade un nuevo plomo. A su muerte tiene
previsto que encima de ese árbol se levante un pararrayos. Su obra es muy
autobiográfica, tienen mucho que ver con sus vivencias infantiles. Realiza tabién
instalaciones con patatas, nabos...etc. Realizó también varias instalaciones denominadas

127
“Precisiones”, donde incide en la trasparencia de energías entre el hombre y la
naturaleza, embadurnando su cuerpo con polvo negro y luego lo presiona contra el
muro. De esa manera el muro pasa a ser una traslación de la piel humana.

 Michelangelo Pistoletto

Comenzó su trayectoria con una estética próxima al pop. Realizó cuadros donde se
efectuaban reflejos a través de espejos de tal manera que el espectador estaba dentro del
cuadro. En el año 67 comienza con una línea muy semejante al povera, pero es el único
que redacta un manifiesto. Redacta “La ultima palabra famosa” donde defiende que la
racionalidad es un enemigo para el artista. Este debía liberarse de los
convencionalismos, debe comprometerse en un arte no elitista y ese discurso teórico que
elabora Michelangelo basa su discurso en explicar la siguiente obra.

 Venus de los trapos

Es un montón de ropa vieja donde aparece una venus praxitelica sacada totalmente de su
contexto y colocada al revés. Hay una clara confrontación entre la belleza limpia y
blanca de las formas clásicas de la escultura con respecto al montón de trapos (con una
composición clásica en pirámide).

Creó su propio grupo de teatro alternativo llamado Zoo, realizaba espectáculos de

danza, sonido, literatura e imagen que fueron imitados en España por La fura dels baus.

. LAND ART .

Surge a finales de los 60 y principios de los 70. Tuvo su origen en Estados Unidos pero
en seguida se traslada a otros focos internacionales. En el land art el artista trabaja como
un ingeniero que modifica el espacio natural, en ocasiones a gran escala. Se trata de un
arte de carácter procesual porque la obra nunca se da por finalizada con su presentación,
con el tiempo los fenómenos atmosféricos y la erosión contribuyen a una modificación
de ese espacio intervenido. En definitiva se ejecuta una acción sobre el territorio que se
convierte en una fuente de energía, se basa en unos principios muy relacionados con la
ecología pues no en vano nacen en Estados Unidos y Europa los primeros grupos
políticos verdes (defensa ecológica).
Es un arte que tiene en general un carácter efímero, por eso los mecanismos de
inmortalización de esas experiencias son las mismas que el arte de acción porque se
testimonian a través de fotografías y videos. Dentro del land art podemos distinguir al
menos dos modalidades diferentes:
1. Experiencias de grandes empresas con intervenciones a gran escala en la
naturaleza, es denominado como Earth Art.
2. Tendencia más intimista y modesta llamada Lan Art ejemplificado en la figura
de Richard Long.
Tiene mucho que ver con el minimalismo porque estas intervenciones en la naturaleza
se efectúan a través de formas muy simplificadas normalmente círculos, espirales,
paralelogramos...etc, que evocan a las esculturas de Richard Sigra. Se relaciona también

128
con el arte povera, pues ambos utilizan materiales sin valor estético intrínseco. Está
relacionado también con el arte de acción por la cualidad efímera.
El surgimiento del land art tiene mucho que ver con el ideario hippie, pues los hippies
recurrieron a un modo de vida que suponía un regreso a la naturaleza. También está
relacionado con el descubrimiento de los túmulos prehistóricos (Stonegenhe) y sobre
todo con el descubrimiento de esos dibujos incas que son las figuras de Nazca. El
concepto del land art quedó definido en dos exposiciones:
1ª. Celebrada en la galería Dwan en 1968, allí se mostraron fotografías y películas de
super8 donde se recogía el enterramiento de un cubo de acero de LeWitt.
2ª: Celebrada en la universidad de Cornwell. También con fotografías de los procesos
creativos de unas experiencias denominadas Earth Art.

 Robert Smithson 1938-1973

Nació en Nueva Jersey y murió finalmente en la localidad de Amarillo en Texas. Fue el

artista dentro del land art que más teorizó y reflexionó sobre los principios de una
intervención a gran escala en la naturaleza especulando sobre los conceptos de tiempo y
lugar. Fue el pionero de ese abandono del taller tradicional. En su reflexión temporal
busca siempre parajes desérticos con restos urbanos o industriales abandonados donde
se produce o aprecia una degradación del paisaje por parte del hombre donde se pueden
rastrear los vestigios del hombre. Trabaja en lugares con historia para buscarles un
nuevo futuro. Por esta reflexión temporal Baleriano Bozal califica a Smithson como un
nuevo romántico.
Reflexionó sobre el término se sitio o lugar, para él existe un “sitio” y un “no sitio” que
será la obra interior. El sitio o lugar son los espacios abiertos que no tienen a priori
connotaciones artísticas, espacios vírgenes de arte que se pueden convertir en autenticas
ecomuseos. En este concepto hay incluso una cierta connotación religiosa, a parte de
una poética estética, Smithson quiere sacralizar los espacios. Como “no sitio” entiende
un espacio interior de las galerías de arte donde se pueden mostrar los testimonios de
esas intervenciones en el paisaje.

 Spiral Jetty 1970

La realiza en el gran lago salado de Utah, se trataba de unas antiguas explotaciones
salinas con vestigios industriales abandonados y degradados por la acción del hombre.
Construyó una gran espiral realzada por arena y piedras locales, una espiral de 49
metros de diámetro que irrumpía el cauce natural del agua.

 Espiral 1971
Esta en Emmen en Holanda, interviene en un espacio degradado por el hombre que
había ganado terreno al mar y donde había existido unos muelles ahora abandonados.
Rellena agua con depósitos de tierra y barro siguiendo ese procedimiento secular
holandés de ganar terreno al mar, lo hace con un circulo roto que tiene mucho que ver
con la anterior.

 Colina es espiral

129
También realizado en Holanda. Convierte los restos de una antigua cantera en una gran
mole piramidal con una incisión helicoidal.

 Walter de Maria

Llenó salas de exposiciones del Sojo de Nueva York con camiones de tierra, realizó en
el 73 en el desierto de Nevada.

 Mile Long Drawing

Consiste en dos líneas en el suelo del desierto y que para él funcionan como líneas de
fuga del paisaje.

 Campo de Luz
Desierto de Nuevo México. Consistía en postes de acero de 6metros de largo clavados
en una extensión de más de 1km2 y que funcionaban como campo de atracción de
relámpagos en las tormentas estivales.

 Dennis Oppenheim

Realizó intervenciones en Galerías de Nueva Cork como:

 Salt Flat
En la que se esparció toneladas de cristales de sal formando un gran rectángulo entre la
5ª y 6ª Avenida de Nueva Cork. Se trata de la misma cantidad de Sal que tiene el Lago
Utah y en el fondo del Mar de las Bahamas.

 Annual Rings
Ejecutados entre la frontera de EEUU y Canadá consistía en trazar círculos concéntricos
sobre la nieve.

 Siembra de Trigo
Consistía en intervenir plantaciones de trigo del medio oeste americano eligiendo
distintos períodos de siembra y con esas germinaciones distintas, el aspecto conseguido
era un gran cuadro de compás de color conseguido con el paisaje.

 Michael Heizer

 Doble negativo
Son incisiones profundas en territorios desérticos formando zanjas que para él
funcionaban como espacios de recogimiento con sentido religioso.

 Richard Long

130
Basa toda su obra en la idea de paseo, que parte de una experiencia personal como
excursionista y que materializa dejando su huella en ese paseo. Los paseos están
señalados por vestigios que van dejando huella de esa experiencia personal de pasear
que pasa a ser colectiva. Comenzó dejando una piedra al cabo de una milla caminada y
después fue complicando trazando líneas con piedras locales e intervalos dentro del
mismo trayecto.

“Una línea hecha caminando” “Línea en Escocia” “Línea en el Sahara”

Dentro del Land Art hay que señalar intervenciones realizadas a gran escala.

 Christo
Plantea la “Gran cortina del Valle” aunque no usa materiales naturales, en realidad está
cerca del Lan Art porque supone una intervención a gran escala de un espacio natural.

. ARTE DE LOS 80: Tendencias Postmodernas .

Con los 80 se quiere romper con la dinámica del lenguaje de la vanguardia que parecía
abocado a la carrera por buscar la novedad. En la llamada postmodernidad se opta por
una recuperación del pasado, se rompe con esa dinámica de lo moderno a ultranza que
había tenido el arte desde el año 45. Esta condición postmoderna quiere profundizar en
filones creativos ya trabajados con anterioridad y sobre todo lo que recupera es el
sentido manual de la pintura y la escultura.
La postmodernidad atenta contra los principios del arte conceptual y defiende un
regreso a la tradición y a los valores artesanales del arte. Cierto es que la condición
postmoderna coexiste con la vigencia de propuestas nacidas en fechas anteriores,
coincide con un auge del mercado del arte, pues precisamente en los 80 la inversión
artística se ve como una alternativa a la inversión bursátil. Coincide también con el auge
del mercado institucional, con la apertura de museos de arte contemporáneo y la
proliferación de ferias de arte.
En 1981 se presenta en la real academia de bellas artes de Londres una muestra titulada
“El nuevo espíritu de la pintura”, integrada por 38 artistas que defendían la vigencia de
la pintura de caballete. En 1982 en Berlín se presentaron los Nueu Tilden junto con
piezas procedentes de la transvanguardia italiana y de la nueva pintura neoyorquina
llamada Bad Painting. Fueron los mejores exponentes de esa tendencia general de
recuperación de los principios tradicionales del arte donde tenían cabida la subjetividad,
el peso histórico de lo nacional, la diversidad y la fragmentación.
El primer critico en utilizar el término postmoderno aplicado a las artes plásticas fue
Achile Bonito Oliva. Él fue precisamente el que se apropio del término postmoderno
que se había aplicado a la arquitectura para definir un arte que marcaba el fracaso de las
vanguardias. Fue definido en los 80 como el fin del arte.

131
NUEVO EXPRESIONISMO ALEMÁN

Integrado por Markus Lüpertz, Georg Baselitz, Jöry Immendorf, Penck, Sigmar Polke,
Gerard Richter y Anselm Kiefer. Fueron denominados los nuevos salvajes. Fue un
grupo que reivindicaron un sentido nacional en la pintura alemana. Parten del
expresionismo anterior a la primera guerra mundial, regresan a una pintura subjetiva
con un discurso pesimista y nacional teniendo todos ellos un sentido critico con la
sociedad y regresan al cuadro pintado y a la escultura esculpida.

 Markus Lüpertz 1941

Fue alumno y después profesor de la academia de bellas artes de Buiselford. Es pintor,

escultor y también poeta. Hace una pintura que él denomina “ditirámbica”. Se trata de
una pintura de base figurativa donde las imágenes tienen potencia grafica, se recupera
una carga narrativa, trabaja en series y suele tener alusiones religiosas y mitológicas.
Muchas de sus series parten de la investigación sobre cuadros de Poussin y Corot. De
declara admirador de Poussin (artista clasicista barroco) porque Markus quiere rebelarse
contra la abstracción con propuestas artísticas consideradas inicialmente como
extemporáneas.

 Georg Baselitz

Hay que señalar la singularidad de invertir los motivos. Presenta figuras filiformes
realizadas con pinceladas muy enérgicas, figuras con aire totémico y que coloca siempre
mirando hacia abajo. De esa manera intenta apartarse de una línea figurativa que
suponga una mera imitación de la realidad, quiere romper con los esquemas de la
percepción tradicional.

 Anselm Kiefer 1945

Es el más conocido. Trabajó con Joseph Beuys, de éste contacto a mantenido algunas
características dentro de su producción. A pesar de regresar a una pintura de caballete
aparentemente tradicional, utiliza materiales insospechados como el alquitrán, el hierro
oxidado o el plomo que sin duda coge de su maestro. Sus obras son siempre paisajes o
ámbitos desolados que tienen mucho que ver con la historia alemana. Muchas veces
aborda la colisión entre la cultura alemana y la judía. Así trabajó sobre temas de la
alquimia, el éxodo, el holocausto y los campos de concentración alemanes.

 Sulamita
Es una serie inspirada en un poema escrito por Paul Celán en el campo de concentración
de Ospich. En este poema la sulamita es la mujer judía. La interpretación de esa
sulamita la realiza con cuadros de perspectiva piranesiana, son cuadros realizados con
tizas de carbón. Se trata de una pintura de grandes dimensiones que busca una sensación
claustrofobica, tienen mucho que ver con las decoraciones teatrales durante el nazismo
de las operas de Wagner.

132
LA TRANSVANGUARDIA ITALIANA

Fue liderada por el critico de arte Achille Bonito Oliva. Comenzó en el año 81 a
plantearse una renovación del arte italiano rompiendo con la dinámica de la vanguardia,
proponiendo un rescate de la identidad italiana, frente a las tendencias internacionalistas
de la vanguardia. Destacan Enzo Cucchi, Sandro Chia y Francesco Clemente, aunque
también formaron parte del grupo Incola de María, Ernesto Tatafiore, Nino Longobardi
y M. Paladiano.

 Enzo Cucchi

Trabaja en grandes formatos, pintura matérica, pinceladas gruesas y busca temas

siempre impactantes.

 Suspiro de ola

 Fuego

 Sandro Chia

Su pintura es de base figurativa también, con un sentido más narrativo y decorativo.

Utiliza figuras robustas de apariencia geometrizada que parecen inspiradas en los
frescos románicos.

 Francesco Clemente

Toma como punto de referencia prestamos conscientes de la pintura de historia y arte de

otras culturas. Así es frecuente la reinterpretación de pinturas hindúes. También toma
formas desmembradas del arte budista y es una pintura que tiene un gran sentido
erótico.

 Tierra

 Tijeras y mariposas
Es una imagen de ansiedad y violencia pero también de cierto erotismo.

 Mimmo Paladiano

Muy inspirado en las imágenes del románico.

BAD PAINTING EN EEUU

Se trata también de pintores neoexpresionistas donde podemos encontrar dos

modalidades diferentes:

133
 - Los llamados Bad pintores, grupo joven focalizado en el ambiente del barrio del
Sojo neoyorquino.
- Los llamados pintores del graffiti nacidos también en Nueva York. Inicialmente
fueron relacionados con la publicidad y los graffitis del metro para después
convertirse en grandes figuras.

 Julian Schnabel 1951

Está dentro de los Bad Painters. Hace una pintura de gran tamaña que trabaja no solo
con materiales tradicionales sino que también con terciopelos, pieles sintéticas, lozas
partidas, maderas...etc. El empleo de loza partida nació de una visita a Barcelona
cuando contempló la loza partida del modernismo catalán.

 Pacientes y doctores
Con el empleo de estos materiales pretendían romper con el trazo convencional y
además vincularse a las pinturas combinadas de Robert Rochemberg. Se le definió
como el James Dean de la pintura contemporánea por ser un artista incomprendido con
una pose publicitaria que le vino muy bien.

 Eric Fischl

Es también un bad painters, parte de la pintura de Eduard Hoper. Hace una pintura con
una alta calidad académica que funciona como un fotograma con imágenes que
recuerdan al ámbito de la publicidad. Si Hoper había retratado el fracaso del sueño
americano, Eric busca la vulgaridad, imágenes de mal gusto que él considera como
arquetípicas de la cultura americana.

 Viaje del romance escena

 Niño malo

 Keith Hariny

Es un pintor de graffiti. Se formó de manera autodidacta trabajando en pequeñas

empresas de publicidad que de manera ilegal colocaba anuncios y graffitis en los huecos
publicitarios del metro. Del metro dio un salto a las galerías, abrió su tienda en el Sojo
“Pop Shop”, donde creó camisetas con sus motivos. Se trata de obras muy influidas por
la publicidad con diseños esquemáticos fácilmente reproducibles de colores planos.

 Jean Michel Basquiat

Es de origen haitiano y puertorriqueño. Fue amigo de Andy Warhol, con el que

compartió orgías y drogas. Murió de una sobredosis de heroína. Firma con el
pseudónimo de Samo. Se trata de un pintor autodidacta que alcanzó una gran
popularidad a partir de 1980 cuando pinta en una exposición colectiva una obra con

134
brocha y spray. Fue el primer artista de raza negra y homosexual que consiguió una
portada en el New York Times.
Aparecen referencias a la era Nicson, a las guerras, al jazz, a los jugadores de
baloncesto, budú...etc. Como personaje encarnó la decadencia de la sociedad de
consumo. Gastó más de 2000 dólares en drogas, vestía trajes de Armani mientras
pintaba y bebía siempre vino francés traído en jet privado desde Burdeos.

Su pintura es de difícil interpretación porque entremezcla elementos biográficos con

guiños picasianos, arte africano y su experiencia de vida en un barrio marginal
neoyorquino. Se trata de una pintura de gran formato donde incorpora a veces palabras
en francés. Es un buen ejemplo del auge comercial que alcanzó la pintura postmoderna
pues los inversores elegían artistas jóvenes con cotizaciones ínfimas para en pocos años
convertirlos en verdaderas estrellas.

. ARQUITECTURA DEL SIGLO XX .

ARQUITECTURA VINCULADA AL NEOPLASTICISMO

La arquitectura neoplásica plantea un modelo arquitectónico, relacionado con la

actividad plástica, a través de planos suspendidos en un espacio octogonal, planos de
tonalidades neutras con elementos lineales de colores muy vivos; (rojo, amarillo...etc)
tonalidades que coinciden con los colores empleados en la pintura de Piete Mondrian y
Theo Van Doesburg.
Ésta arquitectura neoplásica, plantea edificios de plantas transformables porque igual
que el Modernismo europeo se van a utilizar las puertas correderas y biombos para
acondicionar estos espacios transformados.
Es una arquitectura de volumetría elemental, de retículas, renuncia al fachadismo, es
una arquitectura desplegada en diferentes direcciones, y donde cada parte del edificio
tiene la misma importancia.

 Casa Schröeder
Fue realizada por Rietveld. En esta vivienda, se toma como punto de partida las tesis del
filosofo holandés Schröeder, que defendía un concepto de armonía universal en relación
con formas esenciales, horizontales y verticales. Rietveld incorpora sus principios a una
arquitectura desornamentada, donde únicamente existe la línea recta y el ángulo recto,
donde se usan planos flotantes, tanto verticales como horizontales, se renuncia al
tradicional tejado de caballete, se trata de una arquitectura adintelada. Comienzan a
verse algunos síntomas de lo que serán los principios de la arquitectura moderna.
Predomina la idea de confort, de ventilación adecuada, máxima luminosidad, ventanas
en esquina, balcones en voladizo. Hay un predominio del vano sobre el muro. La planta
es transformable gracias a la existencia de puertas corredoras.
En la década de los 30, se difundió en todo el mundo lo que conocemos como Estilo
Internacional. En ese periodo de entreguerras se difunden las tesis de Le Corbusier. Los
arquitectos de todo el mundo plantean una renovación de la ciudad y de la vivienda
tradicional.

135
Esta reflexión arquitectónica que se produce en al década de los 30, nace a partir de la
actividad de los CIAM (congresos internacionales de arquitectura moderna), que
comienzan a realizarse a partir del año 28. Esos CIAM van a plantear esa renovación de
la arquitectura tradicional tratando de manera monográfica aspectos decisivos en la
configuración de una arquitectura de futuro. Por ejemplo en el año 34 tienen lugar el
cuarto congreso de las CIAM en un barco rumbo a Atenas, donde se habla
exclusivamente de urbanismo y de lo que denominan como ciudad funcional. Se redacta
la Carta de Atenas en la que se especifica que el urbanismo moderno tiene que tener
cuatro objetivos:
1. Asegurar un alojamiento salubre y sano para los ciudadanos.
2. La carta de Atenas plantea que es necesario, que las ciudades modernas
organicen los lugares de trabajo de forma adecuada, perfectamente comunicados
con los lugares de residencia. Deben ser además lugares soleados, ventilados,
con espacios amplios, para que la obligación laboral deje de considerarse un
castigo.
3. Se prevé que la arquitectura moderno reserve dentro de cada urbe espacios
adecuados para el empleo del tiempo libre.
4. Se plantea la necesidad de una red circulatoria que asegure los intercambios
fluidos entre la zona de trabajo, vivienda y ocio.

Por lo que se deduce de la carta de Atenas, que el mayor peso lo tiene la vivienda y a
partir de esta deben organizarse el resto de los servicios, para que la ciudad funcione
como una maquina sincronizada (idea de Le Corbusier) donde se pueda prever un
crecimiento armónico de sus partes.
En el ultimo congreso de los CIAM, en el año 37, antes de la guerra mundial, tuvo
como tema central la vivienda y el recreo, es decir, la relación entre el hábitat y
estructuras de tiempo libre.
Sin duda todos los debates teóricos y las ejecuciones practicas de la arquitectura
moderna tienen su origen en las vanguardias históricas: el Neoplasticismo, las
investigaciones de la vanguardia rusa y Walter Gropius en la Bauhaus.
Los tres pilares fueron: Le Corbusier, Mies Van Der Rohe y Lloyd Wright.

 Le Corbusier 1887-1965

Fue un artista muy polifacético, una persona además de un gran carisma personal, que
convencía fácilmente en sus teorías y en sus discursos. Entre el año 13-14 cuando estaba
trabajando en el estudio de Pret, plantea por primera vez la llamada Maison Domino, es
un juego de palabras que por una parte alude a la raíz latina domus y al juego del
domino. Con este nombre pretendía ofrecer un modelo de construcción estandarizada,
similar al diseño estereotipado de las fichas del domino. Se trata de 6 pilares de
hormigón armado, estos se asientan en zapatas de cimentación y hay suspendidas en
ese entramado vertical tres grandes losas también de hormigón dispuestas en voladizo.
En este diseño, Le corbusier investiga un sistema de construcción barato, resistente, de
una gran versatilidad porque la Maison Domino permite cualquier articulación de los
tabiques interiores. Es además un sistema que permite organizar las fachadas de una
manera totalmente libre. Es el primer hito de la arquitectura moderna. Funciona como
una célula elemental. Se quedo en un proyecto. Este modelo constructivo suponía una

136
ordenación racional del espacio, a partir del cual pudo desarrollar el concepto de
maquina de habitar, una idea que teoriza en la revista “El espíritu nuevo” donde ataca la
vivienda tradicional, el ornamento derivado del modernismo y donde defiende una
arquitectura racional.
En el año 36 conoce a Ozenfant, juntos inician una revisión del cubismo. En el año 20
comienza a utilizar el seudónimo de Le Corbusier. En el año 22 plantea un proyecto
utópico, “Proyecto de una ciudad para tres millones de habitantes”. Encarna la
propuesta racionalista para el urbanismo contemporáneo. Nace de una reflexión
posterior a su viaje a EEUU donde ve una vida residencial muy dispersa, donde el
espacio esta excesivamente dilatado. Con este proyecto de ciudad para los siete millones
de habitantes Le corbusier esta dando una alternativa para una gran ciudad, intentando
facilitar la vida diaria de los ciudadanos. El diseño se basa en un trazado hipodámico en
el centro de la ciudad. Aparecen 4 grandes torres. Es el lugar de los negocios, hosteleria
y también es el lugar de la vivienda colectiva. Una zona verde separa ese anillo del
industrial, un nuevo anillo verde separa el perímetro exterior de la ciudad dedicado a
viviendas suburbana de carácter unifamiliar. Todas estas zonas están comunicadas por
vías rápidas, previstas en coche, autobús y metro.
En el año 23 publica “Hacia una arquitectura” que será el libro mas leído de la
arquitectura moderna. Desarrolla la idea de la casa como una maquina donde habitar. Se
recoge también la relación de la arquitectura con el diseño industrial. En el 26 enuncia
los denominados: Cinco Puntos de la Nueva Arquitectura. Fueron presentados con
motivo de una exposición en Dusseldorf y en seguida fueron traducidos y publicados
prácticamente en todo el mundo. Esos 5 puntos pretenden dar respuesta a cualquier tipo
de edificio:
1. El primer punto reclama el empleo de los llamados pilotis, que son soportes
cilíndricos que separan el edificio del terreno, asentados sobre zapatas de
cimentación, dejan un terreno libre en cota 0 que puede funcionar como un
espacio ajardinado.
2. Cubierta jardín. Siempre de tejado plano que permite disfrutar de las vistas y
convertir a la vivienda en un espacio entre jardines.
3. Planta libre. Los tabiques se pueden colocar de manera indistinta, acomodándose
a las necesidades, al programa del edificio, (son las necesidades que tu tienes).
Con esta arquitectura el programa lo pone el que lo habita.
4. Ventanas corridas para permitir la perfecta iluminación y ventilación de todo el
edificio.
5. Fachada libre porque al estar los pilares retrasados del muro de cierre no hay
muros de carga, se pueden abrir huecos sin limitaciones y las 4 caras del edifico
tienen la misma importancia.
Estos cinco puntos de una nueva arquitectura que plantea Le Corbusier van a
funcionar en las Casitas de la Pradera de Wright, porque es un sistema arquitectónico
q permite todo tipo de variaciones formales y de adaptaciones a programas diferentes.
La materialización mas perfecta de esos 5 puntos lo encontramos en:

 Villa Saboya

137
Se encuentra en la localidad Poissi (Francia), la realiza entre 1928-29. Es un encargo de
Madame de Saboya como una segunda residencia en el campo al noroeste de París. Es
un edificio en el que se resumen esos 5 puntos de la arquitectura nueva.
Es una construcción elevada sobre pilotis muy esbeltos, con unas plataformas de
hormigón horizontal que forman los pisos, con cubierta en terraza, con una
posibilidad de tabicación interna libre; las fachadas separadas de los pilares de carga;
las ventanas corridas, con una total renuncia al concepto de fachadismo tradicional.
En el edificio se organiza un vestíbulo en la planta baja, de paredes curvas en vidrio. El
salón se abre a la cubierta en terraza a través de grandes ventanales. Todo el espacio
interior se organiza mediante un sistema de rampas y escaleras de formas poco
convencionales: elípticas o semicirculares.
En la articulación del espacio interno, como es habitual en él, busca espacialidades
transparentes. Es frecuente q estos espacios interiores no se cierren con muros opacos
sino que abre ventanas y también cortinas de vidrio deslizante.
Muchas veces se ha puesto esta obra en relación con la Villa rotonda de Palladio
porque en planta tiene una cierta alusión al famoso modelo renacentista. Básicamente es
un edificio de planta cuadrada en la zona principal, de planta baja elíptica y con rampa
centralizada. Esta articulación coincide con el plano centralizado de la villa rotonda y la
axialidad del modelo palladiano. Es el cenit del periodo racionalista de Le Corbusier.
En este momento busca edificios que funcionan como verdaderas maquinas para
satisfacer las necesidades básicas del hombre: luz, vegetación y aire.
Es también un buen ejemplo de una arquitectura q renuncia al ornamento, al peso de
la tradición de la vivienda tradicional y también de un proyecto que se articula con un
modo geométrico basado en líneas rectas, ángulos rectos y semicurvas.
Esta casa es monumento histórico Francés desde 1994. Ya desde su construcción
tubo problemas de gotera por las cubiertas en terraza. No se llego a habitar, paso a ser
alquilada, luego sirvió de almacén y luego como centro juvenil. Puso de moda los
alicatados.

En esta etapa de racionalismo Le corbusier aplicó sus ideas en otros proyectos como.

 Edificio de la Sociedad de Naciones de Ginebra

Descartado en el concurso de ideas. Aunque algunas de sus ideas fueron incorporadas
en el edificio final. Plantea diferentes edificios interconectados con una distribución
octogonal dentro de un espacio, insertados en una amplia zona verde.
El edificio principal, el edificio de la asamblea, es una mole de forma trapezoidal con
un volumen muy nítido, un sencillo pórtico de entrada que se abre a un lago. Plantea
también varios edificios constructivos sobre pilotis con cubiertas en terraza.

 Palacio de los Soviets

En el año 31 también se presenta al concurso para el Palacio de los Soviets en Moscú,

pero tampoco fue admitido. En el año 1931 vuelve a plantear edificios diferentes cada
una con una función distinta. Entre las 2 grandes construcciones plantea una especie de
ágora y busca una cierta espectacularidad subrayando uno de los edificios con un gran
arco parabólico totalmente calado.

138
Se puede decir que hasta la segunda Guerra Mundial el programa arquitectónico es
netamente racionalista pero a partir del año 45 entraríamos dentro de un periodo
conocido como El Brutalismo que va siendo cada vez mas intenso. A partir de este año
intensifica sus escritos, busca soluciones de carácter mas poético e incluso se adentra en
una explicación simbólica de la arquitectura.
Entre 1949-55 fue dando forma teórica y calculando matemáticamente el famoso
Modulor, es un sistema de proporciones armónicas que parten de una figura humana
ideal, de 1´83m, y a partir de esa medida origina 2 escalas diferentes: azul y roja. Que le
van a servir para dimensionar los diferentes elementos de una composición
arquitectónica. Basado en la sección áurea. Se trata de un patrón matemático con una
base humanística donde la escala azul duplica a la roja y pretende un sistema de
proporciones moderno, armónico y aplicable a todos los elementos que componen el
edificio. A partir del año 45 aplica este sistema de medidas a todos los diseños para
conseguir irradiar armonía.
Después de la Segunda guerra mundial el diseño mas importante y relevante para el
futuro de la arquitectura fue:

 Unidad habitación de Marsella

Se proyecta en el año 45 y se da por finalizado en el 52. Es un edificio que ocupaban
un terreno de ensanche en Marsella entre las montañas y la línea de costa. Se trata de
un bloque de 12 plantas concebido como un bloque alto aislado y en medio de
vegetación. Esta elevado sobre pilotis colosales y rematado en terraza jardín. En los
pilotis encontramos una novedad con respecto a los de la etapa racionalista, son
gruesos soportes de hormigón que tienen una forma en cantineber. Es además un
bloque de edificios que reúne 327 viviendas y q estaba previsto para albergar una
comunidad de 1800 habitantes.
Se va a convertir en el prototipo de la vivienda social de la postguerra europea. Busca la
satisfacción de lo que él denomina como los tres placeres esenciales del hombre: luz,
vegetación y espacio suficiente para las necesidades familiares porque nos encontramos
con 23 tipos de apartamentos que van desde el minipiso, a apartamentos de unos 40m
para solteros y viudos hasta pisos de gran tamaño previsto para familias numerosas
hasta con 7 hijos.
Además de esas 23 viviendas reúne todo tipo de necesidades. Hace pequeñas suites con
baño para personas invalidas o ancianos.
En el interior hay una calle comercial, localizada en la mitad del edificio. En la azotea
plantea servicios comunitarios con piscina, gimnasio, guardería, un escenario e
incluso una pista deportiva. Además la azotea se plantea como una zona verde, con
macetas, con árboles, pérgolas vegetales para el disfrute de los vecinos.
A diferencia de los proyectos racionales donde las superficies murarias se encofraban y
luego enfoscadas y pintadas, aquí lo que hace es dejar visto el hormigón, no oculta el
material constructivo, incluso en las huellas del encofrado.
Todo el edificio esta construido no solo con hormigón sino con elementos prefabricados
también realizados en hormigón, q conforman una especie de rejilla en la fachada, una
fachada en la que la línea de las ventanas esta retranqueada con respecto a la línea de
cierre muraria y q funcionan como brise soleil, evitando la incidencia de la luz directa
sobre las ventanas.

139
Ese empleo brutalista del hormigón no solo supone un inicio de una estética brutalista
en su trayectoria sino que convierte a la construcción en un edifico de ejecución
barata. Fue el prototipo de la vivienda social urbana a partir de la década de los 50. es
además el primer arquitecto que plantea duplexs, conductos de ventilación, verticales
que recorren los diferentes ejes del edificio para dar salida de aire a los baños y
cocinas.
Es también una de las primeras arquitecturas que prevé q todos los equipamientos de
electricidad, abastecimiento de aguas y evacuación de fecales vayan en paquetes
distribuidos en lugares estratégicos del edificio. A partir de esta obra construyo otras
semejantes como la de Firminy o la de Berlín.

Entre el año 50-55, un momento en el que lo racional entra en crisis, nos encontramos
con una de las obras mas brutalistas:

 Notre-Dame du aut en Ronchamp

Era un lugar de peregrinación tradicional en Francia. Le Corbusier que siempre había
defendido la línea y ángulo recto y la arquitectura aséptica y sin simbología da un giro
en sus planteamientos e incorpora las formas sinuosas del país a un edificio de formas
escultóricas con muros rugosos encolados en blanco, con un tejado realmente extraño en
forma de caparazón o quilla de barco, donde el color natural del hormigón se deja visto.
Hay dos torres.
Plantea una arquitectura integrada plenamente en el paisaje y q además bebe de las
fuentes directas del medievo, no en vano el aspecto exterior es un espacio compacto
con ventanas pequeñas de derrame interno. Y además con gran protagonismo de la
iluminación interna. Lo consigue a través de tres torres semicilíndricas cubiertas con
semicupulas que tienen ventanas rasgadas abiertas al sur, al este y al oeste. Esto
permite una iluminación constante de carácter cenital en la zona de la cabecera. Todo
el edificio esta recorrido por una ranura que se localiza en el final del paramento y el
comercio de la cubierta. Esas pequeñas ventanas como en el medievo se abren con un
gran derrame interno para aprovechar los rayos de luz al máximo. Busca una luz
coloreada a través de cerramientos en vidriera de carácter abstracto.
En el espacio interior procuro adaptarse a las pecurialidades del terreno de tal manera
que el suelo esta inclinado hacia el altar, adaptándose a la pendiente natural del
terreno. Busca una arquitectura de sombras, contrastes tanto en el interior como en el
exterior.
Es muy interesante la solución técnica del exterior del edificio porque en primer lugar
los muros están inclinados y en segundo lugar porque ensaya con un revestimiento de
argamasa de cemento coloreado con yeso, lo cual le permite mantener la factibilidad del
cemento pero lo enriquece con el blanco del yeso.
Además se adopto a las pecurialidades de culto del edificio y esa extraña cubierta
genera atrios y pórticos protegidos sobre todo en uno de los vuelos en el q preveía la
celebración anual de la festividad con cultos al aire libre por eso aparece un altar y un
pulpito.

 Convento de la Tourette
En una localidad cercana a Lyon. Lo realiza entre 1953-60. Es un encargo dominico
de convento e iglesia. De nuevo vuelve a utilizar el paisaje como punto de partida. En
lugar de anular la pendiente natural del terreno es un edificio que con el sistema de los

140
pilotis, se desarrolla en horizontal sin modificar esa pendiente del terreno. Los pisos
superiores son las celdas individuales y la parte inferior esta dedicada a los servicios
comunes.
Esta zona conventual esta comunicada con el resto del conjunto que es la iglesia y un
colegio, a través de pasarelas y rampas que van conectando las diferentes partes del
conjunto. Construido con hormigón visto, con huellas de encofrado y donde utiliza los
llamados “ondulatorios”, q son cerramientos acristalados montados sobre montantes
de hormigón que se van montando rítmicamente. Para proteger los interiores del sol
empleo unas planchas de cemento dispuestos de manera oblicua para tamizar la luz
solar.
En cuanto a la iglesia lo mismo que en Notre-dame du Aut plantea una confrontación
visual entre la rudeza del hormigón visto y su tonalidad neutra y lo contrasta con
paneles geométricos de tonalidades planas y vivas.

En la ultima etapa de su vida fue requerido en importantes proyectos internacionales.

 Proyecto de Brasilea

 Plan de Buenos Aires

 Proyecto urbano de Chandigarh

Era la nueva capital de la región india del Pujab. Ciudad levantada exnovo durante el
gobierno de Neru y que debía ofrecer una imagen nueva de la India moderna. Contó
con la colaboración de su sobrino Pierre Janeret y los ingleses Maxwell Fry y Jane
Drew. Plantea una ciudad en una retícula octogonal donde la planta debía ser una
metáfora del cuerpo humano. La cabeza era el complejo del capitol, el corazón el eje
comercial, los brazos perpendiculares al eje principal se destinaban a instalaciones de
carácter académico y recreativo, el resto del cuerpo y piernas serian las zonas
residenciales distribuidas en capacidades económicas diferentes y con una articulación
de zonas verdes en todo el conjunto. Neru pretendía una nueva ciudad, buscando una
imagen de una india moderna.

Le Corbusier hará también mobiliario. Como divanes, sillones y sillas.

 Frank Lloyd Wright 1869-1959

Arquitecto norteamericano. Trabajo en Chicago con Aller y Sullivan. Si los CIAM

sirvieron para consolidar el lenguaje racionalista de Le Corbusier y Mies Van Del Rohe,
Wright encarna una alternativa diferente, que es la vía conocida como Organicismo.
Esta se inicia en EE.UU. Se opone al carácter maquinista, frío, con superficies sin
textura y de carácter abstracto del racionalismo para buscar una integración entre la
arquitectura y la naturaleza y un empleo de formas orgánicas frente a la geometría
estricta del racionalismo. Se buscan formas mas flexibles, libres. Frente al empleo del
hormigón emplean materiales de factura mas artesanal como madera, piedra o ladrillo
de cara vista.
El termino organicismo comenzó a usarse en el año 45, en un tratado titulado Hacia una
arquitectura orgánica redactado por Bruno Zevi refiriéndose a lo que había sido la obra
de Wright y Aalto.

141
Wright comenzó con una carrera muy fulgurante. En 1901 publica en la revista Ladys
House Journal el diseño de 2 casas ideales, tituladas “Un hogar para una ciudad en la
pradera”, y “Una casa pequeña con mucho espacio dentro”. En este articulo estaba
popularizando su etapa de las casas de la pradera, que comienza a realizar en el 83.
Se trata de casas unifamiliares, cómodas, practicas, modernas, que se van a organizar
a partir de la chimenea. Son construcciones que se expanden de manera occidental.
Son casas de volumetría muy rica con cuerpos salientes y entrantes, dando lugar a
campos cruciformes o incluso campos en forma de aspas. En estas casas respetan los
materiales tradicionales; utiliza teja romana, de pizarra, abundante madera, piedra
vista y ladrillo de cara vista. Son edificios que se plantean de dentro a afuera por esos
esquemas aspados. Donde hace unas transiciones entre los espacios interiores y
exteriores a través de balcones, porches o galerías abiertas. En todas diseña el
mobiliario interior. Técnicamente integra todas las instalaciones en paquetes
constructivos dispuestos en lugares estratégicos. Formalmente son plantas abiertas
extendidas en el terreno, con ejes perpendiculares, cubiertas inclinadas y aleros en
voladizo. Según él en estas casas lo que pretendía era revitalizar el espíritu gótico
porque según él hay una correspondencia entre los fines y los medios. Los medios que
usa son modestos, los adapta al entorno. Son casas que no son ostentosas porque se
conciben como verdaderas casas para vivir.

 Casa Willits 1902

Tiene una planta que parte de la chimenea, que se encuentra en el salón, con asientos
incorporados a su alrededor. Todo el entorno del edificio tiene porches o pequeños
patios y unos muretes que podían servir de asiento, que separaban el comedor del
salón.
En la planta baja plantea escalones, distintos niveles con iluminaciones también
totalmente enfrentadas por ejemplo la zona del comedor recibe una iluminación cenital
que tiene un claro sentido simbólico.

 Casa Robbie
La construye entre 1908-10. Fue un encargo del señor Robbie, presidente de una
fabrica de bicicletas. Este le requirió una casa a prueba de incendios y que funcionase
como una casa practica. Se plantea con un principio despacio fluyente, es decir, que
en las espacialidades interiores no estén delimitadas de forma estricta. Espacialidades
que redundan en una especie de continuo espacial, que se traslada a su relación con el
entorno. Sigue los principios de las casas de la pradera. Se gesta a partir del núcleo de
la chimenea. Edificio de 3 plantas sin sótano.
Plantea por primera vez un uso decidido de ladrillo de cara vista con bandas de
hormigón sin enfoscar. Volumetría muy compleja. Aleros sobrevolarizos, cubiertas de
caballete a 4 aguas con poca pendiente. A pesar de 3 pisos como los volúmenes están
escalonados el aspecto visual que se consigue es muy liviano.
También diseño un mobiliario de líneas rectas. Se traslada a Europa. Publico varios
ensayos. Su segunda fase profesional se inicia en torno a 1929. en esos años que
siempre había defendido un carácter artesanal cree q es posible y defiende la posibilidad
de la incorporación del diseño industrial en la civilización moderna.
Cuando regresa a EE.UU. sus presupuestos se enriquecen desde el punto de vista teórico
y ejecución practica.

142
  Casa Kaufman o casa de la cascada 1936
Vivienda localizada en Pensilvana. Segunda residencia para la familia Kaufman. Es
una segunda residencia, fue encargada por E. Kaufman. Se localiza en una lugar
idílico, se sitúa en el arranque de una cascada natural.
Wright, materializa , en esta obra como en ninguna otra la integración de la
arquitectura con el paisaje . Hay una completa fusión del edifico con el entrono ,porque
la fachada que se abre a la cascada. Consiste en tres losas de hormigón, colocadas de
manera perpendicular y en voladizo, intentando emular el entorno de grandes piedras
del cauce del río.
Es la obra de Wright, que más se aproxima a los principios de racionalismo: usa
hormigón armado, si bien es cierto que en el interior usa un paramento de piedra de
acabado rústico.
Interiormente emula lo que sería una gran caverna , las paredes no son rectas, los suelos
están enlosados con grandes losas de piedra y todas las superficies muestran un
aspecto rugoso, los mismo que en las casa de la pradera ,al casa Kaufman , se organiza
entrono a una chimenea y entorno a la escalera central que recorre de manera axial el
edifico y baja hasta el origen de la cascada.
Es un edificio que se plantea con un diseño de exterior a interior , donde el diálogo con
el entrono procede de esas terrazas y de esas plataformas , flotantes de hormigón ,
abiertas con vanos acristalados y cerrados con superficies rugosas.
La idea original de Wright, en la casa Kaufman, era recubrir los bloques de hormigón
armado con pan de oro, pero el cliente Edgar Kaufman, se negó y se acabó
conservando el color natural del hormigón.
Con todo, la casa Kaufman a pesar de ser un diseño significativo muestra una evolución
dentro del organicismo, se aproxima a los principios del racionalismo porque renuncia
a la ornamentación, usa de manera potente el hormigón ,las superficies abstractas
inmateriales, aunque siga conservando esa perfecta integración de las formas con el
paisaje, porque el organicismo defiende siempre una arquitectura metafórica.

 Johson´s Wax
Comienza a construirse en 1936 y se finaliza en 1939. Está localizado en Racine
(EEUU). En realidad el complejo de la Johson´s Wax, se organiza con dos edificios
independientes, unos de ellos es una torre de esquinas redondeadas y en esa torre se
busca un efecto de piel en la superficie del edificio, tanto en los cerramientos,
cerrajerías, impostajes y los cierres de ladrillo, no hay juego de retranqueo están en
el mismo plano, y la torre se cierra con una curiosa cubierta de volúmenes
escalonados, como un zigurat . En esta torre se localizan las funciones de alta
dirección del complejo de la Johson´s wax. Exteriormente lo que se usa es un
cerramiento metálico, ladrillo y unas finas impostas en piedra caliza blanca.
El segundo edificio, que es el que recoge la actividad fabril y las oficinas generales
responde a un modelo diferente, porque en ese edifico utiliza por primera vez matices
circulares, que están preludiando el diseño del Guggenheim, de New york, es un
edifico de altura más baja que está coronado por una cubierta escalonada. En el
interior el edificio de Wright, utiliza unos finos pilares de hormigón huecos más
estrechos en al base, y estos pilares de hormigón sostienen bloques horizontales y
circulares también realizados en hormigón. Esta columnas sirven para desaguar el

143
agua de la cubierta, y los espacios entre planchas circulares de hormigón están
cubiertos por cristal pirex, originando un original lucernario lo que se origina con
ese sistema es un interior perfectamente iluminado con la luz tamizada se crea una
especie de ambiente subacuático y parece que la fuente de inspiración fueron los
cuadros de nenúfares de Monet.
Como sucede con los edificios del estilo internacional en Johson´s Wax, la estructura
y el cierre son independientes. El cierre es una piel de ladrillo con impostajes muy
finos de piedra caliza blanca , precisamente porque el cierre perimetral no sostiene la
estructura del edificio, el problema de la iluminación interior está también
perfectamente resuelto ,porque en todos los pisos y zonas del edifico hay lucernarios
corridos redondeados apenas perceptibles al exterior, porque los muros de las diferentes
plantas en la unión con el cierre del piso superior presentan una ligera entrada cubierta
también con cristal pirex.

 Taliesin West
Es un de sus obra más personales, era su refugio y estudio, hizo muchos proyectos (4
en total), que fueron destruidos por incendios.
Es un edifico como la casa de la cascada, porque se integra en el paisaje, esta
construida con piedra y madera autóctonas, esto provoca una continuidad de aspecto
entre el interior y el exterior. Usó la madera de la zona, usa también piedra tosca sin
labrar, sin tallar, y todo edifico está rodeado de zonas ajardinadas con la integración
de la vegetación y la construcción que pretende Wright.
Se trata de un edifico que bebe se su primeros diseños de las casas de la pradera, crece
de dentro a fuera presenta una estructura muy compleja y con volúmenes complejos, no
usa tejados en caballete sino tejados adintelados o con caída a un agua . Es un edifico
asimétrico que está prefigurando las prefiguraciones de Frank Gehry. Utilizó tejado de
cerramiento de mallas ortogonales oblicuas que lo que hacen es reproducir el esquema
de la planta.

 Museo Guggenheim de Nueva York

El edifico más significativo de Wright. Se localiza en la 5ª avenida de Manhatan ,
frente al Central Park. Obra en la que trabaja hasta el año de su muerte 59, Wright
quiso romper con al arquitectura de manzanas circundantes, en primer lugar
enfrentándose al sentido ortogonal de los edificios contiguos y renunciando a la
altura característica de los edificios de Manhattan de la época. De nuevo Wright,
vuelve a remitir a un zigurat invertido, combina los principios estructurales de la casa
de la cascada. Aisló funciones en los diferentes edificios porque Wright prevee un
gran edificio central en forma de Zigurat , con desarrollo en planta helicoidal, aquí se
acoge la colección del Guggenhein, un edificio de oficinas exento y una zona de
acogida o vestíbulo, donde se prevén espacios para exposiciones temporales.
Es también un edifico que se gesta de dentro a fuera: el proyecto nace del gran hueco
central de la escalera que está iluminada por un gran lucernario cubierto con cristal
pirex, y en ese espacio vacío de localizan una gran rampa helicoidal, de parapeto de
hormigón plano, lo cual provoca visualmente una alternancia de claro oscuro, que es
característico del museo Guggenheim ciertamente el diseño Guggenheim fue moderno
en al museología moderna, porque planteaba un discurso continuo. La rampa
solucionaba también el problema de acceso de minusválidos y en el Guggenheim
wright, se inspira primero en las pirámides prehispánicas y en segundo lugar plantea

144
una metáfora de una organismo viviente que recuerda a las conchas y al as caracolas, es
una arquitectura de carácter metafórico. Según Wright, se trataba de una arquitectura
“sin costura”, que de alguna manera evocaba el continuo del agua de una ola antes de
romper.
En este edificio, hay muchos gestos técnicas que hablan de la labor de ingeniería por
ejemplo, todas las residencias del edifico se localizan en el subsuelo apoyado sobre
zapatas, y que de alguna manera funcionan como los grandes pilotis de Le Corbusier.
Toda la estructura es de hormigón armado y plantea forjados en voladizo.

 Mies van der Rohe 1886-1969

Fue el mejor exponente de una arquitectura que emplea la arquitectura de vanguardia,

porque Mies van der Rohe, se interesó siempre por materiales nuevos y en su etapa
Americana ensayo incluso con materiales sólo probándolos en prototipo no
comercializándolos.
A diferencia de Le Corbusier y otros integrantes del movimiento moderno, Mies van der
Rohe no tiene interés social, porque Mies considera que sólo la tecnología puede
mejorar las condiciones de vida y pude abaratar los costes.
Mies se formó inicialmente como cantero en un taller familiar, trabajó con el
arquitecto Peter Behrens entre 1908-1911. Realizó a principios de lo década de los 20
varios proyector de rascacielos de cristal, era una arquitectura visionaria, de estructura
metálica cubierta con piel de vidrio. En el año 30 Mies asume la dirección de la
Bauhaus hasta su cierre en el año 32. En esa etapa Alemana viaja por otros países
europeos, se establece en Holanda donde conoce a Mondrian, Theo van
Doesburg...etc.
A pesar de la faceta como director de la Bauhaus, fundó varias revistas de arquitectura
y publicó diversos ensayos teóricos en los que defiende la economía, “menos es
más”, defiende también la funcionalidad de los edificios y sobre todo una arquitectura
que renuncie a la ornamentación .
Los cuatro antecedentes de la obra de Mies son:
a) El neoclasicismo de la obra de Schinkel.
b) La obra de Peter Berens , donde lo que hay es un diseño amoldado a la técnica.
c) La arquitectura de Writhg, muy conocida en Europa a partir del 1910
d) Arquitectura holandesa de Rietveld que conoció directamente a raíz del viaje a
Holanda en el año 12.
Por estas influencias Mies creó un lenguaje propio característico por formas encerradas
en sí mismas, con un principio de economía de medios “menos es más”, una
arquitectura que recurre a paralelogramos muy sencillos y donde se ensaya con las
técnicas y materiales más modernos.

 Casa de campo de ladrillo 1923

Fue un edificio que no llega a realizarse. Muestra la influencia del neoplasticismo
holandés, se trata de un entramado de muros ,que forma una red ortogonal, se produce
un falta de alineación de los muros. Es decir, los muros no cierran los espacios en

145
voladizo y estas estructuras de ladrillo se acaban cerrando, dando lugar a un espacio
visible que dan lugar a un acristalamiento .
En esta casa encontramos un antecedente directo de lo que va a ser el pabellón de
Barcelona , y nos encontramos con el principio de espacio fluido o fluyente.
Realizó varios proyectos de rascacielos de vidrio para Berlín , en estos proyectos hace
un esfuerzo de síntesis entre la arquitectura de la escuela de Chicago y la arquitectura
del expresionismo Alemán. Son edificios de estructura de acceso y vidrio con una
articulación de verticales que organizan los ejes de una forma muy semejante a los
proyectos de la arquitectura expresionista Alemana.
En este periodo Alemán Mies van Der Rohe, participa en al segunda exposición de la
Bauhaus, de la que Mies era vicepresidente, concibió la idea de realizar además de los
pabellones tradicionales una intervención real en un barrio periférico de Stuttgart, una
zona elevada en al colina donde diferentes arquitectos conocidos en el panorama
internacional plantearían diferentes prototipos de vivienda colectiva. Participaron en
ese proyecto arquitectos de la talla de: Le Corbusier , Bruno Taut, Rietveld...etc, la
idea no era de configurar un barrio homogéneo si no diseños diferentes que
funcionasen como un ensayo de laboratorio de nuevas propuestas de vivienda obrera.
Se parceló el espacio de la colonia distribuyendo las parcelas entre los distintos
arquitectos algunos siguieron manteniendo el modelo de vivienda unifamiliar exenta,
otros plantearon un diseño de viviendas pareadas. Mies lo que ejecutó fue un bloque
de una vivienda que ocupaba la parte superior de conjunto. El diseño de Mies van der
Rohe, se trata de un bloque de casas alineadas de 4 pisos, evita un desarrollo en altura
para no encarecer el uso del edifico con uso obligado de una ascensor. Es un edifico
levantado con pilares planos de hormigón. Sigue un estructura de pilares de hormigón,
lo que le permite tabicaciones y muros perimetrales exentos, las ventanas son
prácticamente corridas, muy semejantes a las de la villa saboya, usa elementos
prefabricados, en los apoyos interiores metálicos y en la tabicación interna emplea
tabiques de corcho revestidos por placas de microcemento. Esos tabiques de corcho
permiten un aislamiento acústico y térmico mayor que el ladrillo de tabiquería
tradicional. Todos estos elementos prefabricados redundan en una bajo coste del
edifico.
Exteriormente el edifico está construido con plancha de hormigón enfoscado, donde la
zona de la entrada está enmarcada por un pequeño vestíbulo y solo rompe la
uniformidad del fenestraje las ventanas totalmente cegadas, en estos años antes de
marchar a EEUU, están plenamente difundidos los principios del estilo internacional.

Características del estilo internacional:

1. Arquitectura de volumen , en lugar de la arquitectura de masa tradicional.
2. Arquitectura que se plantea como un esqueleto de columna, plataforma
horizontal lo que provoca más flexibilidad en la planta en el estilo
internacional, se usa el tejado plano o como mucho a un agua.
3. El aspecto exterior busca un efecto de piel lisa “sin costura”, con ventanas
integradas a la pared, en los exteriores el estilo internacional busca
materiales lisos, ausencia de decoración aplicada.
4. El estilo internacional, apuesta por la regularidad, empleo de elementos
prefabricados.

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 5. Apuesta por al simetría ,se concede mucha importancia a la elección del
lugar y al diálogo del edifico con el entrono.
6. A pesar de esa ausencia de decoración cuenta con al colaboración de pintores
y escultores.

 Casa Tugendhat 1928-1930

Se trata de una vivienda unifamiliar localizada en una colina, toda la vivienda se
orienta al sur, abierta al paisaje, con un invernadero lateral en uno de los lados. Lo
mismo que sucedía en el convento Dominico de Laturec, de Le Corbusier, Mies salva
el desnivel de una fuerte pendiente buscando un eje horizontal en el cuerpo principal
de la vivienda. Ese cuerpo principal acoge las dependencias del servicio, vestíbulo,
cocina, comedor...etc, presenta el espacio fluyente, donde las zonas no están
perfectamente separadas, sino vagamente separadas por tabiques exentos que no
provoca un quiebre rotundo, da la sensación de amplitud espacial.
En esta planta noble se usa un cerramiento acristalado de suelo a techo con paneles
corredizos para lograr un verdadero diálogo del edifico con el entorno. Es un edifico
extremadamente refinado en el uso de materiales, uso de mármol trabentino, pared e
cristal esmerilado, tabique de ónice y también tabique curvo realizado en paneles de
madera de raíz.

 Pabellón de Barcelona
En el año 1929, Mies recibe un encargo del gobierno alemán, para reliar un edifico
que representase a Alemania para la exposición en Barcelona del 29,. Hoy está
reconstruido (año 89). Se trata de un edifico que debía representar a la modernidad
alemana. Es un edificio rectangular, muy simple que parte del esquema de la casa de
ladrillo, levantado entre dos estanques. Es un edifico sustentado por 8 columnas de
acero cromático y se cierra por un techo muy ligero y plano que es una delgada
lámina de hormigón, tiene una sola planta, los pilares forman una retícula regular
mientras que los muros son exentos no sostienen nada, no están alineados, y no
cierran ningún espacio. Encontramos de nuevo en el pabellón un rechazo de los
volúmenes cerrados, se busca una arquitectura permeable de aspecto fluido, con
espacios interrelacionados, con planos independientes, tanto desde el punto de vista
horizontal como vertical, independencia de muros, el techo no tiene viguetas vistas, y
de hecho este pabellón de Barcelona se ha relacionado con al pintura neoplásica de
Theo van Doesburg y Piet Mondrian ya que parece una transposición tridimensional
de una pintura de Mondrian. Son los pilares que sostienen, la cubierta horizontal. Ese
plano horizontal, sale incluso de los muros y del cercamiento acristalado porque
funciona de manera independiente. Ensayó con materiales suntuosos y novedosos,
como las carpinterías de acero cromado, el traventino, vidrios esmerilados, cónice
dorado...etc. Diseñó también el mobiliario (Silla Barcelona).

Dirigió la Bauhaus hasta su cierre en el año 39, se exilia a EEUU. Allí Mies dirige la
Sección de Arquitectura en Illinois. En Chicago hace rascacielos colectivos.
Considera que el estilo internacional se ha vulgarizado y reclama una arquitectura que
sea fiel al volumen, ala funcionalidad y valor de materiales.

 Casa Farnsworth 1945

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Es una vivienda familiar en Illinois, la concibe como una urna de cristal en una zona
verde, se trata de un paralelepípedo en una zona elevada del terreno. Es un edificio
concebido por una planta libre y fluida, solo el baño está totalmente cerrado y hay un
volumen ciego interior para recoger el desagüe. Se accede a la casa por otra
plataforma que hace las veces de porche y que es un edificio totalmente transparente
donde no hay muros de cierre, sino un cerramiento continuo de vidrio. Las
instalaciones están recogidas en el suelo y en el techo. El suelo es de mármol
traventino.
Mies dice que el mejor cuadro es el paisaje, por eso no hay cuadros en la casa.

 Instituto Tecnológico de Illinois

Aquí buscó soluciones de prisma sencillo con estructura autoportantes, cerramientos
de vidrio, son volúmenes que no comunican nada, y en todos los edificios lo que hay
es una voluntario aspecto industrial.

 Seagram Building 1954-1959

Lo realiza en la etapa de apogeo de los rascacielos de Manhantan. Va a ser un edifico
que va a caracterizar la arquitectura de los rascacielos. Es una torre de 39 pisos, tanto
por los materiales utilizados, como las dimensiones, como el diseño lo que hace es
subrayar el prestigio de la compañía de seagram. Se va a convertir en una modelo
más de edifico emblema del modelo empresarial. Ejemplifica también un, modelo de
actuación publicitaria en el que la casa Seagram, renuncia a la ocupación total de todo
el solar, pues el edifico está aislado del tráfico del Park Avenue, por un plaza frontal
que permite la contemplación del edificio y habla de la prodigalidad de la compañía
que renuncia a la ocupación total del suelo.
Se trata de un paralelepípedo, muy diáfano con las partes visibles de bronce
cerramiento de cristal rasado y paredes de mármol pulido. En este edifico, lleva a
cabo el muro cortina, que es una fachada realizada íntegramente en paneles ligeros
que no soporta otro peso que el propio. Esos paneles de vidrio y vidrio coloreado, con
enmarque de bronce son elementos costosos que en definitiva hablan de los
características de la firma comercial en una edifico de potencia rotunda y de hecho
fue tomado como punto de arranque de al experiencia minimalista. También diseñó
los ascensores y la tipografía. El edifico presenta una estructura de hormigón a
prueba de incendios, estructura que al interior se camufla con paredes de mármol.

La arquitectura de modelo Moderno, se consolida como lenguaje internacional en la

década de los 30. A pesar de que el estilo internacional se extendió por todo el mundo,
hubo reacciones tempranas a esa hegemonía del racionalismo, la más importante fue el
llamado Clasicismo Moderno Sueco. Se produce entre Suecia y Noruega, en él la
reacción contra el movimiento moderno atenta contra los principios de estandarización,
prefabricación y que era común al lenguaje moderno porque en al arquitectura moderna
escandinava que comienza con Asplund y continúa sobre todo con A.Aalto, se intenta n
recuperar valores plásticos. Se usa material con características artesanas, se explora con
geometría sinuosa y sobre todo se busca un éxodo de unión de la arquitectura
contemporánea con al arquitectura tradicional.

 Eric Asplund 1885-1940

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En momentos en los que se debatía el dialogo entre lo moderno y lo vernáculo, lo que
hizo Asplund es una arquitectura, que sin ser historicista si no muy moderna, toma
referencias del clasicismo e incluso de la construcción primitiva, de carácter popular.

 Restaurante de la exposición internacional de Estocolmo 1930

Posee una estructura metálica con cercamiento de vidrio. Es una arquitectura ingrávida
donde ensaya un modelo de parasoles que tienen su origen en elementos de contención
de luz utilizados por la arquitectura popular sueca.
 Biblioteca Municipal de Estocolmo
Es muy monumental, inspirada en el repertorio clásico en un edifico en forma de U,
en el centro se localiza una sala cúpula que es la sala de lectura, cubierta con una
cúpula de alto tambor. Es una arquitectura muy compacta de efecto solemne, con
líneas de impostaje que recorre todo el perímetro del edificio con escena de carácter
antiguo, sobre la vida cotidiana.
El recurso más importante que lleva a efecto es como ascender a la sala de lectura,
porque aunque la sala está prácticamente a nivel de calle. Asplund obliga a ascender tres
tramos por una escalera monumental, de tal manera que el visitante llega a la sala justo
en el centro de ella.

 Alvar Aalto

Contrae matrimonio con Aino Marsio (gran diseñadora de muebles). Residió en EEUU,
durante la II guerra mundial cuando regresa a Finlandia había mantenido estrechos
contactos con la colonia de Europeos exiliados en EEUU, y en su periodo Finlandés se
pueden distinguir dos etapas diferentes:
1. Etapa más racionalista, aunque inspirada también en los repertorios clásicos.
2. Etapa más organicista , donde va a buscar por una inspiración en al naturaleza y
por otra una armonía de los volúmenes y los materiales con el entorno.
La ejecución entre el año 1929 y 1933 del sanatorio de Paimio, va a marcar el punto
de inflexión entre ambos periodos. A. Aalto encarna el modelo de arquitecto que une
la tradición culta y la popular dentro de un lenguaje moderno. Cada diseño es nuevo
no se copia, ensaya todo tipo de formas y volúmenes y siempre respeta las calidades
de los materiales (no camufla).

 Edificio de la Turun Sanomat 1927-1929

Se basa a priori en los 5 puntos de la arquitectura nueva de Le Corbusier. Edificio
planteado con columnas de hormigón, planta libre, tejado en terraza y ventanas
corridas, edifico elevado sobre pilotis, pero en lugar de los pilotis característico de Le
corbusier, usa una especie de pilares redondeados más estrechos en la base y
ensanchados en la cubierta, una forma orgánica un tanto inclinada que lo aparta
totalmente de lo que son los principios de regularidad y geometría exacta del
racionalismo.
Viaja a Holanda en el año 28, donde conoce el neoplasticismo. En el año 30 conoce al
matrimonio Gullichsen, quienes poseían una fábrica de muebles, estos invitan a Aalto y
a su mujer a diseñar muebles, y debido al éxito en el año 35, fundan la compañía de

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diseño ARTEK, se trata de un diseño de mobiliario barato, trabajado con
contrachapados de madera curva los empresarios patrocinan muchos de los prototipos e
inclusos financiaron algunas aplicaciones de los diseños de Alvar Aalto aplicados a la
arquitectura.

 Sanatorio de Paimio 1929-1933

Se trata de una complejo sanitario, es un complejo sanitario extenso, que Alvar Aalto,
distribuye con cuerpos oblicuos porque siguiendo las tesis del racionalismo y
funcionalismo los edificios deben buscar la iluminación correcta orientándose a la
iluminación natural más óptima y a la ventilación correcta. Así los tres grandes
cuerpos lineales, se adaptan a las necesidades de un hospital en al zona que recibe el
soleamiento matutino, se disponen las habitaciones de los enfermos y las zonas
comunes orientadas al sol de la tarde y plantea incluso un jardín en al cubierta para
que los enfermos puedan desplazarse y disfrutar del paisaje incluso si están
impedidos. En todas los pisos hay una terraza, y en la zona norte más oscura esta la
zona de quirófanos y el lugar donde están los médicos.
Alvar Aalto, cuidó todos los detalles de la construcción, el color de las paredes es de
color azul claro, la calefacción está orientada a los pies de las camas, el agua sale sin
hacer ruido. El diseño de los mubles fue también de AlvaraAalto, (camas articuladas,
con posibilidad de ampliación, cama además que pueden convertirse en camillas...).
En 1939 se traslada a Helsinki, donde permanecerá a excepción del periodo
norteamericano.

 Biblioteca de Viipuri
Es un edificio que parte del modelo de aspa, consta de un cuerpo central en forma de
paralelepípedo, destinado a biblioteca y un cuerpo de servicios bibliotecarios y de
oficina dispuestos en uno de los lados y de forma alargada. El cuerpo de la biblioteca
sin embargo es un diseño muy original, porque toma de Asplund, la idea de la entrada
muy dignificada con una escala enorme, la puerta funciona como un gran pilono
Egipcio, y lo mismo que en la biblioteca de Estocolmo de Asplund, se penetra en el
interior del edifico a través de unas escaleras que introducen al visitante en el espacio
central de lectura. Aunque el exterior es muy sobrio, en el interior hay un verdadero
alarde de materiales porque Alvar Aalto, reviste todas las pareces con estanterías de
maderas, paredes de madera y el suelo consiste en un ajedrezado irregular de
mármoles policromos pulidos. La iluminación de esta biblioteca se consigue a través
de una ventana superior que en el tambor arroja luz cenital sobre la sala.

 Villa Mairea 1938-1939

Fue encargada por el matrimonio Gullichsen. Es un edifico que ya plantea un esquema
en planta bastante heterodoxo, porque a priori se trata de un edifico en forma de L que
al concentrarse en una de las alas laterales con una sauna y con un jardín con estanque
en U, de agua cálida, se convierte de hecho en un edifico en U.
Precisamente por el patrocinio de los Gullichsen, se usa con profusión la madera, el
ladrillo y la mampostería enlucida pero sobre todo la madera. En este diseño de Villa
Mairea la piscina de la cabaña tiene forma ondulada y la sauna tiene forma de cabaña,
de tal manera que la villa, forma por una parte una arquitecta sofisticada y por otro lado
el modelo más vernáculo que es el que se encarna en la sauna.

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  Pabellón de Finlandia 1939
Fue realizado para la feria mundial de New York. En el exterior era un paralelepípedo
perfecto y en interior plantea espacios ondulados, paneles inclinados con juegos de
curva y contra curva con fotografías de monumentos y paisajes finlandeses
iluminados por atrás a través de la luz natural que penetraba por las ventanas, es decir
la iluminación del pabellón, es una iluminación coloreada.

. LA ARQUITECTURA EN ITALIA .

Durante el fascismo, un grupo de jóvenes arquitectos formarán el llamado grupo 7 de

Roma, cuyo artífice fue Giuseppe Terragni. También se apartaron del modelo
internacionalista, buscando una arquitectura que fusionase la modernidad con la
tradición clásica, se denominó como arquitectura racional y también se conoce como
el grupo Milanés. el edifico más representativo fue la casa Fascio en la localidad de
Como.

 Casa Fascio 1932-1936

Es un diseño de Giuseppe Terragni, sigue el esquema a priori de palacio con patio
central que proporciona armonía, distribución armónica de los vanos con una torre en la
esquina. Emplea con profusión el mármol. El diseño consiste en una especie de enrejado
de hormigón, situado sobre un podio de mampostería, esta retícula de línea que es el
esqueleto del edificio, no se cierra totalmente si no que se mantiene abierto para seguir
un diálogo entre el interior y el exterior del edifico. Es un edifico que carece de
ornamentación, está recubierto de mármol blanco y donde se plantea una relación de las
partes y del todo siguiendo una estricta proporcionalidad matemática del tal manera
que la cuadrícula del patio es justo ½ de la altura del edifico. La cuadrícula del
esqueleto de hormigón mantiene las mimas dimensiones en todos los tramos. Está
abierto al exterior y al interior mediante galerías. Las fachadas son diferentes, plantea
diafanidad, transparencia es un modelo que se aplicó a la arquitecta residencial Italiana.

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