아트록

아트록
기타 이름	프로그레시브 록
양식적 기원	실험암[1] 전위적인[1] 환각암[2] 민중의[3] 재즈[1] 고전적인[4]
문화적 기원	1960년대, 미국 및 영국
파생형식	크라우트록[5] 사후의[6] 사후의[7]
기타 항목
아트 뮤직 아트 팝 콘셉트 앨범 암석후의 프로그레시브 팝 록 오페라 암석주의

아트 록은 록에 대한 도전적이거나 아방가르드적인 접근법을 일반적으로 반영하거나 모더니스트, 실험적이거나 파격적인 요소를 이용하는 록 음악의 하위 장르다.아트 록은 음악에 대한 실험적이고 개념적인 관점을 선택하면서 ^[8]록을 오락에서 예술적 진술로 격상시키고자 한다.^[3]영향력은 실험적인 록, 전위적인 음악, 클래식, 재즈와 같은 장르에서 끌어낼 수 있다.^[1]

그것의 음악은 춤보다는 듣기와 사색을 목적으로 만들어졌으며,^[3] 초기 록의 추진적인 리듬과는 거리가 먼 전자적 효과와 듣기 쉬운 질감의 사용으로 구별되는 경우가 많다.^[8]이 용어는 특별히 고전적으로 훈련된 기악기법과 교향곡의 질감을 사용하는 것으로 특징지어지지만, 때때로 "진행형 록"과 교환하여 사용될 수 있다.

이 장르의 가장 큰 인기는 1970년대 초 영국 아티스트들을 통해서였다.음악은 그 장르와 연관된 공연의 연극적 특성과 더불어 예술적 성향이 강한 청소년들과 젊은이들에게 어필할 수 있었는데, 특히 그 기교와 음악적/연극적 복잡성 때문이었다.^[3]아트 록은 1966-67년에 시작해서 1970년대 중반 펑크의 등장으로 끝나는 특정 기간의 록 음악과 가장 관련이 깊다.^[9]그 후에, 이 장르는 1970-90년대의 후기 대중 음악 장르에 스며들게 될 것이다.^[3]

정의들

비평가 존 록웰은 아트 록은 노골적인 창조적 분리감, 고전음악의 가식, 실험적이고 전위적인 활동성을 가진 록의 가장 광범위하고 다양한 장르 중 하나라고 말한다.^[10]1970년대의 록 음악에서, "예술" 설명자는 일반적으로 "공격적으로 전위적인" 또는 "예상적으로 진보적인"을 의미하는 것으로 이해되었다.^[11]"아트 록"은 종종 프로그레시브 록과 동의어로 사용된다.^{[12][10][1][3]}역사적으로, 이 용어는 적어도 두 종류의 관련이 있지만 뚜렷한 록 음악을 묘사하기 위해 사용되어 왔다.^[13]첫 번째는 프로그레시브 록(progressive rock)이고, 두 번째 용어는 벨벳 언더그라운드가 정의한 현대주의자 아방가르드식 접근법에 찬성하여 사이키델리아와 히피 반문화(hipie counterculture)를 거부한 집단을 가리킨다.^[13]수필가 엘렌 윌리스는 이 두 가지 유형을 비교했다.

60년대 초반부터… 로큰롤의 예술, 특히 아방가르드 예술과 훨씬 더 공통적인 반전이 있었는데, 그것은 다소 의식적으로 로큰롤의 기본적인 형식적인 카논을 재료로 사용하였다(대중예술가들이 일반적으로 매스 아트를 사용했던 것과 유사함).그 재료를 다듬고 정교하게 다듬어 로큰롤 아트를 제작한다.아트 록이 암묵적으로 로큰롤이 더 확립된 예술 형태만큼 가치가 있거나 있을 수 있다는 주장에 기반을 둔 반면, 로큰롤 예술은 로큰롤 언어에 대한 강박관념에서 비롯되었고, 그 언어를 거부하거나 그 언어를 축내고자 했던 사람들에 대한 똑같이 강박관념에서 비롯되었고, 더 쉽게 만들어 졌다… 새로운 물결이 이어오고 있다.역습^[14]

아트 록은 일상과 아트 팝이 구현한 일회용의 미학과는 구별하여 낭만적이고 자율적인 전통을 강조한다.^[15]래리 스타와 크리스토퍼 워터먼의 아메리칸 팝 뮤직은 영국의 록 밴드 킹 크림슨, 에머슨, 레이크 앤 파머, 핑크 플로이드 등을 예로 들며 아트 록을 "록과 유럽 클래식 음악의 요소가 혼합된 록 음악의 한 형태"라고 정의한다.^[16]공통적인 특징으로는 노래보다는 작곡으로 나누어진 앨범 위주의 음악이 있으며, 보통 복잡하고 긴 기악 부분과 교향곡의 오케스트레이션이 있다.^[3]그것의 음악은 전통적으로 컨셉 레코드의 맥락 안에서 사용되었고, 서정적인 주제들은 "상상적"이고 정치적 지향적인 경향이 있었다.^[3]

아트록과 프로그레시브록은 아방가르드나 실험적인 영향을 강조하고 '노벨 소닉 구조'를 강조하는 등 차이가 확인됐고, 프로그레시브 록은 고전적으로 훈련된 기악기법, 문학적 내용, 교향곡적 특징을 더욱 강조한다는 특징이 있다.^[1]프로그레시브 록에 비해 아트 록은 '더 도전적이고, 시끄럽고, 파격적'이며, '클래식적으로 영향을 덜 받는다'는 점이 전위적인 음악에 더 중점을 두고 있다.^[1]공통점은 둘 다 록 음악을 새로운 수준의 예술적 신뢰도로 끌어올리려는 영국의 시도를 묘사하고 있으며,^[1] 전형적으로 더 보컬 지향적인 컨셉 앨범과 록 오페라의 기악적 유사성이 되었다는 점이다.^[17]

아트 록은 또한 고전적으로 구동되는 암석 또는 점진적인 암석-민속 융합을 가리킬 수 있다.^[3]Bruce Eder's essay The Early History of Art-Rock/Prog Rock states that "'progressive rock,' also sometimes known as 'art rock,' or 'classical rock'" is music in which the "bands [are] playing suites, not songs; borrowing riffs from Bach, Beethoven, and Wagner instead of Chuck Berry and Bo Diddley; and using language closer to William Blake or T. S. 칼 퍼킨스나 윌리 딕슨보다 엘리엇."^[18]

역사

1960년대

배경

예술과 대중음악의 경계가 20세기 후반에 걸쳐 점점 모호해졌다.^[19]메리암-웹스터 온라인 사전에 따르면 "아트 록"이라는 용어의 첫 번째 용어는 1968년이었다.^[4]대중음악의 지배적인 형식이 싱글에서 앨범으로 바뀌면서,^{[nb 1]} 많은 록 밴드들은 아트 록이 번성할 수 있는 웅장한 예술적 표현을 하고 싶어하는 작품들을 만들었다.^[21]1960년대 후반 진보적인 록의 발전과 함께 진행되면서 아트 록은 실험적인 록과 함께 악명을 얻었다.^[22]

찬성론자

아트록의 초기 인물은 음반 제작자 겸 작곡가인 필 스펙터(Phil Spectter)로 추정되는데, 그는 '클래식적인 웅장함'을 염원하는 '사운드 월(Wall of Sound)' 제작의 오토레어로 알려지게 되었다.^[23]전기 작가 리차드 윌리엄스에 따르면: "[스펙터는] 처음부터 끝까지 창의적인 과정을 총괄하는 제작자로서 새로운 개념을 창조했다.그는 모든 것을 장악하고, 아티스트를 선발하고, 글을 쓰거나 선택하고, 편곡을 감독하고, 가수들에게 구술법을 알려주고, 가장 고통스러운 세심한 주의를 기울여 녹음 과정의 모든 단계를 지휘하고, 그 결과를 자신의 레이블에 공개했다고 말했다.^[24]윌리엄스는 또 스펙터가 록 음악을 공연예술로 탈바꿈시켜 녹음실에만 존재할 수 있는 예술로 변모시켰고, 이것이 "아트 록의 길을 열어줬다"^[25]고 말한다.

비치 보이스의 리더인 브라이언 윌슨 또한 자동차 음악 프로듀서의 첫 사례 중 하나로 언급되고 있다.^{[26][nb 2]}스펙터처럼 윌슨은 녹음기술의 숙달로 환상적인 사운드케이프를 만들어 내는 은둔형 스튜디오로 알려져 있다.^[28]전기 작가 피터 에임스 칼린은 윌슨이 "예술의 초월적 가능성과 대중음악의 주류 접근성을 결합시킬 새로운 종류의 예술 록"의 선구자였다고 썼다.^[29]윌슨의 작품과 비틀즈의 프로듀서 조지 마틴의 작품에서 비롯된 것으로, 1960년대 중반 이후 음악 프로듀서들은 녹음실을 작곡 과정에 도움이 되는 악기로 보기 시작했다.^[26]비평가 스티븐 홀든은 비틀즈, 스펙터, 윌슨의 1960년대 중반 녹음은 1960년대 후반에 시작된 "폭탄적이고 고전적으로 변색된" 아트 록에 앞서 아트 팝의 시작을 알리는 것으로 확인되는 경우가 많다고 말한다.^[21]

비틀즈, 롤링 스톤즈, 킨크스, 후, 10cc, 무브, 야드버드, 핑크 플로이드 등 1960년대 영국 최고의 그룹들이 예술학교를 통해 음악계에 들어왔다.^[30][31]이 기관은 산업 적용이 덜하고 괴짜 인재를 키우는데 초점을 맞춘 점에서 미국과는 차이가 있었다.^[32]1960년대 중반까지, 이러한 행위들 중 몇몇은 예술과 독창성에 기반한 접근을 지지했다. 이전에 그들은 락 'n'롤과 R&B와 같은 미국에서 유래된 음악 스타일의 진정한 해석에만 몰두했었다.^[33]

기자 리처드 골드스타인에 따르면 캘리포니아 출신 (윌슨과 같은) 많은 인기 뮤지션들이 예술가로서 인정받기를 원했고, 이러한 열망에 몸부림쳤다.골드스타인은 음악적 관례 위반과 '진정한 대중음악' 제작 사이의 경계는 '자아가 충분히 강하지 않은 사람들(밥 딜런과 비틀즈와는 대조적으로)을 "존경하는 거절을 하게 했고, 실망스러운 판매량을 가진 몇 장의 앨범은 대개 침묵을 의미했다"고 말했다.그들은 가난한 사람들만이 할 수 있는 것처럼 명성을 갈망했지만, 그들은 또한 예술을 만들고 싶었고, 그 두 가지 충동이 모두 성취될 수 없을 때 그들은 정신없이 혼란스러운 공으로 뒤로 물러섰다."^[34]

작가 매튜 배니스터는 워홀의 예술/팝 합성을 모방했던 팝아티스트 앤디 워홀과 벨벳 언더그라운드에게 "아트 록의 더 자의식, 캠프 미학"을 추적한다.^[35]이에 따라 "워홀은 스펙터의 탈부착, '거리', 높은 문화의 정교함과 록앤롤과 같은 대중문화 형태의 '즉각성'을 결합하여 여러 단계를 더 진행하게 되었다"고 설명했다.그러나 구식 자기유동주의와 철저하게 포스트모던, 분리된 팝아트의 교의 사이의 과도기적 국면을 나타내는 스펙터보다 워홀의 미학이 더 철저하게 짜여져 있었다…워홀의 접근은 아트 록 전체에 울려 퍼지는데, 가장 분명한 것은 거리와 해제의 자세에서입니다."^[36]1969년, The Doors는 또한 4집 앨범인 The Soft Parade에서 아트 록 장르를 탐험했다.^[37]

영향력 있는 앨범

1965–66

1965년 12월 발매된 비틀즈 러버 소울은 팝 앨범의 분수령을 의미했고,^[38] 이 앨범은 음질이 낮은 싱글 모음곡에서 수준 높은 독창적인 작곡으로 채워진 뚜렷한 예술 형식으로 범위가 바뀌었다.^[39]이 앨범은 록 음악의 예술적 형식으로서의 문화적 정당화를 기대하면서 ^[40]미국 주류 언론의 아티스트로서 비틀즈의 인정을 받았다.^[41]재즈앤팝의 진 스컬라티는 1968년 집필하면서 러버 소울을 '예술의 록' 앨범으로 인정했고 롤링스톤스(후폭풍이 있는)와 비치 보이즈 등 주요 아티스트들이 따라오지 않을 수 없다고 느꼈던 '필요한 프로토타입'으로 인정했다.^[42]

록 음악이 예술과 가장 밀접하게 조화를 이루게 된 시기는 1966년에 시작되어 1970년대 중반까지 계속되었다.^[43]학자인 마이클 존슨은 "록 음악에서 최초로 기록된 상승 순간"을 비치 보이즈의 펫 사운즈와 비틀즈의 상트에게 맡긴다. 페퍼의 론리 하트 클럽 밴드(1967년).1966년 5월에 발매된 펫 사운드는 비틀즈가 이전에 러버 소울과 함께 했다고 믿었던 것처럼 "완전한 진술"을 하고 싶은 윌슨의 열망에서 비롯되었다.^{[44][nb 3]}1978년 전기작가 데이비드 리프(David Leaf)는 이 앨범이 아트 록을 예고한다고 썼고,^[46] 뉴욕 옵저버에 따르면 "펫 사운드는 팝 그룹이 번스타인, 코플랜드, 이브스, 로저스와 해머슈타인의 가장 위대한 장편 작품과 견줄 만한 앨범 장편 작품을 만들 수 있다는 것을 증명했다"^[47]고 밝혔다.펫 사운드는 첫 록 콘셉트 앨범으로도 주목받는다.^{[48][49][nb 4]}1971년, Cue 잡지는 1967년 후반까지 역문화와 관련된 많은 다른 측면들 중에서도 아트록과 관련하여 비치 보이즈를 "선봉대"로 묘사했다.^[50]

Jacqueline Edmondon의 2013년 백과사전 《Music in American Life》에 따르면, 비록 초기 사례들이 선행되었지만, Frank Zappa와 The Mothers of Freak Out! (1966년 6월)의 데뷔 앨범은 "팝 컨텍스트에서 예술 음악의 성공적인 첫 통합"으로 보여지게 되었다고 한다.1960년대 초반부터 로스앤젤레스를 그의 근거지로 삼아 자파는 학생 급진주의가 활동적인 아방가르드 장면과 밀접하게 조화를 이루는 환경에서 일할 수 있었는데, 이 배경은 당시 도시를 다른 반문화 중심지보다 우선시하고 그의 음악을 계속 알릴 수 있었던 배경이었다.^[19]작가 겸 피아니스트 마이클 캠벨은 이 앨범에 "클래식 아방가르드 작곡가부터 무명의 포크 뮤지션에 이르기까지 자파의 영향력에 대한 오랜 비범주적 목록이 포함되어 있다"^[12]고 평한다.

비틀즈의 리볼버 (1966년 8월)는 앨범의 예술적^[51] 관점을 왜곡하고 팝 음악의 진화를 계속하였다.^[52]아트록 싱글 'Eleanor Rigby'^[53]를 필두로 인도, 아방가르드, 클래식 등이 포함된 음악 스타일의 범위와 앨범의 서정적인 내용, ^[54]팝송 작사에서의 멜로디와 구조에 대한 이전의 개념에서 벗어나 장르적 영역을 넓혔다.^[55]롤링스톤에 따르면, "리볼버는 대중음악에서 어떤 주제든, 어떤 음악적 아이디어든 이제 실현될 수 있다는 신호를 보냈다"^[56]고 한다.러버 소울과 마찬가지로, 이 앨범은 1970년대의 많은 진보적인 록 가수들에게 영감을 주었고,^[57] 각각의 곡들은 새로운 하위 장르나 스타일을 기대하는 것으로 인식되어 왔다.^[58]

1967

클래시뮤직은 1967년 3월 벨벳 언더그라운드의 데뷔 앨범 The Velvet Underground & Nico를 "오리지널 아트 록 레코드"^{[59][nb 5]}로 명명했다.배니스터는 벨벳 언더그라운드에 대해 "1970/1980년대 예술/대안 록 아티스트, 작가, 관객들의 마음에 같은 영향력을 행사한 밴드는 없다"^[61]고 썼다.그들의 영향은 1970년대의 다양한 세계적인 인디 scenes,[61][nb 6]고 2006년, 벨벳 언더 그라운드&니코는 미국 의회 도서관의 국립 음반 등기,:"수십년 동안[그것]아방 가르드 바위의 거의 모든 sub-variety에 비해 더 큰 그림자 캐스팅되고 있다고 언급했다로 70년대 art-rock no-wave에서 추대되었다 재발할 것이다.,,new-wave그리고 펑크."^[62]그러나 1960년대 중반 벨벳 언더그라운드가 처음 등장하자 거절을 당했고 흔히 '파그(fag)' 밴드로 치부됐다.^[63]1982년 음악가 브라이언 에노 씨는 벨벳 언더그라운드 & 니코가 처음에는 3만 장만 팔렸지만 "그 3만 장 중 한 장을 산 사람들은 모두 밴드를 시작했다"고 유명한 말을 했다.^[64]

비틀즈의 폴 매카트니는 펫 사운즈를 "그때의 레코드"라고 여겼고, 1967년 6월, 이 밴드는 그들 자신의 앨범인 "SGT. Pepper's"로 반응을 보였는데,^{[65][nb 7]} 이 또한 Freak Out!^[66]의 영향을 받았다.올뮤직은 아트 록 뮤지션의 첫 물결이 병장에게서 영감을 받았다고 말한다. 페퍼는 락 음악이 예술적으로 성장하기 위해서는 유럽과 클래식 음악의 요소들을 장르에 접목시켜야 한다고 믿었다.^{[1][nb 8]}많은 영국 그룹들이 이 앨범의 여파로 꽃을 피웠다; Music in American Life에 수록된 그룹들에는 무디 블루스, 스트롭스, 제네시스, 그리고 "가장 주목할 만한" 핑크 플로이드 등이 있다.^{[68][nb 9]}그 밴드의 로저 워터스 씨는 나중에 두 병장 모두라고 말했다. 페퍼 앤 펫 사운드는 그를 위해 "기록에 관한 모든 것을 완전히 바꿨다"고 말했다.^[70]

1970년대-90년대

이 구간은 확장이 필요하다.덧셈으로 도와줘도 된다(2016년 3월)

아트록의 최고 인기 수준은 1970년대 초 킹 크림슨과 퀸을 포함한 영국 예술가들을 통해서였다.^[3]

1970년대 중반에는 예술 암석 탐사에 대한 열정이 식었다.^[12]그때부터 1990년대까지 아트 록은 다양한 대중 음악 장르에 스며들었다.^[3]브리태니커 백과사전은 그 장르의 성향이 일부 영국과 미국의 하드 록 및 팝 록 아티스트들에 의해 지속되었으며, 브라이언 에노의 1970년대 후반과 1980년대 초 데이비드 보위, 토크 헤드와의 협업이 "아트 록 성향을 다른 대중 음악 장르에 성공적으로 주입한 것"^[3]의 모범이라고 밝히고 있다.보위와 에노는 "베를린 3부작"이라고 불리는 연속 앨범을 공동 작업했는데, "사운드 결과"의 "아트 록 3부작"으로 특징지어지는데, 그는 발매 당시 "실험 기록은 보위에게 익숙한 스케일의 관객들과 연결되지 않고 있었다"고 언급했다.뉴 웨이브는 폭발했고, 한 세대의 보위 후손들이 무대에 올랐다."^[71]

1980년대에 록시뮤직,^[72] 예스, 제네시스, 제스로 툴과 에머슨, 레이크 앤 파머 등 1970년대 밴드를 대신해 새로운 세대의 영국 예술 로커들이 자리를 잡았다.저널리스트 로이 트래킨은 "물론, 이 건장한 사람들이 여전히 매디슨 스퀘어 가든을 가득 채우고 항상 그래왔던 것처럼 많은 음반들을 팔 수 있지만, 모험적인 모험적인 모험적인 모험과 음악적 혁신의 시대는 이미 지나갔으며 상업적 성공에 대한 우쭐한 만족감으로 대체되었다"^[73]고 말한다.

1990년대-현재: 재생과 아트 메탈

아트 메탈
기타 이름	포스트 메탈
양식적 기원	헤비메탈 아트 록
문화적 기원	1990년대, 미국 및 기타 지역
기타 항목
프로그레시브 메탈 포스트 메탈 전위 금속 재즈 메탈 수학의 핵심

1990년대 이후 아트 록은 록과 금속 예술가들 사이에서 부활을 경험했다.Tool과^[74][75][76] Deftones와^[77][78][79] 같은 밴드들은 언더도우(1993)와 아드레날린(1995)이라는 앨범으로 이 장르를 가장 먼저 되살렸다.두 밴드 모두 헤비메탈, 특히 프로그레시브 메탈, 포스트 메탈, 아방가르드 메탈, 그리고 몇 가지 경우 재즈 메탈, 마트코어, 뉴 메탈과 같은 장르를 혼합했다.^{[nb 10]}두 밴드 모두 락 라디오에서 방송도 운영했으며, 여전히 그들의 과거 히트곡뿐만 아니라 Fear Innutumulum (2019), Ohm (2020)과 같은 최신 앨범으로도 한다.

또한 이 무렵 아트 록과 헤비메탈을 융합한 장르가 등장하여 프로그레시브 메탈과 포스트메탈과 밀접한 관련이 있다.아트 메탈로 묘사된 밴드로는 데프톤스,^[80][81] 선서브레이커, 쐐기풀스, 샤이닝, 야쿠자, 파놉티콘, 작가와 푸니셔, 울버, 노이로시스 등이 있다.^[82]포스트 메탈이라는 용어는 아트 메탈과도 호환해서 사용되기도 한다.^[83]

금속 외에도 더 실험적인 록 스타일을 가진 예술가들이 아트 록에 손을 대기 시작했다.이들 중에는 And So I Watch You from Apar, Mr. Bangle 등의 밴드도 포함되어 있었다.게다가, 몇몇 얼터너티브 록 밴드들은 아트 록에도 손을 대기 시작했다.아케이드 파이어,^[84][85] LCD 사운드시스템, 실버 체어 등이 초기 앨범의 고단한 스타일을 버리고 아트 록 방식을 채택했다.^[86]

메모들

참조

참고 문헌 목록

추가 읽기

• Gendron, Bernard (2002). Between Montmartre and the Mudd Club: Popular Music and the Avant-Garde. University of Chicago Press. ISBN 978-0-226-28735-5.