마조리 쉬크

마조리 쉬크(Marjori Schick, 1941년 8월 29일 ~ 2017년 12월 17일)는 50년간 미술을 가르친 혁신적인 미국의 보석 예술가 및 학술가였다. 조각 작품들에 가까워지면서 그녀의 전위적인 작품들이 널리 수집되었다. 그녀의 작품들은 러시아 상트페테르부르크의 에르미타주 박물관, 뉴욕시의 예술 및 디자인 박물관, 일본 교토에 있는 국립 현대 미술관, 펜실베니아에 있는 필라델피아 미술관, 그리고 런던의 빅토리아와 앨버트 박물관을 포함한 세계 유수의 미술관들의 영구 소장품의 일부를 이루고 있다.

미국의 심장랜드에서 자라난 힉은 그녀의 미혼모에 의해 길러졌는데, 그녀는 그녀의 예술 강사로서 그녀의 창의적인 재능을 키웠다. 위스콘신-매디슨 대학을 졸업한 후, 그녀는 인디애나 대학교 블루밍턴에서 미술 석사 학위를 마쳤다. 그 후 그녀는 캔자스로 이사했고, 얼마 지나지 않아 피츠버그 주립대학과 평생 연대를 시작했으며, 그곳에서 미술 교수로 가르쳤다.

그녀의 가르침뿐만 아니라, Schick은 보석 예술가로서 세계적인 명성을 발전시켰고, 전통적인 보석이라기보다는 신체 조각에 가까운 작품들을 만들었다. 조각에 대한 그녀의 개념은 그녀의 작품을 단순히 장식으로 입는 것이 아니라 동시에 그것과 상호작용하면서 몸에 전시할 수 있게 했다. 1960년대에 금속에서 보석공예를 옮겨온 혁신가 중 한 사람으로서, 그녀는 파피에르메, 목제 다월, 고무, 끈, 캔버스 등 매우 다양한 재료로 실험을 했다. 그녀의 대규모 작품은 전형적으로 밝은 색채를 띠었으며, 모더니즘적인 추상적 미학을 표현했다.

초년기

마조리 앤 크라스키는 1941년 8월 29일 일리노이주 테일러빌에서 엘레노어(네 커틴)와 에드워드 P. 크라스키 사이에서 태어났다.^[1][2][3][4] 두 번째 생일을 앞두고 부모의 이혼에 이어 어머니로부터 양육을 받으며 아버지를 거의 만나지 못했다. 어머니가 어디서 가르쳤는지, 학교에 다니는지에 따라 수시로 이사를 다녔다. 여러 시기에 그들은 일리노이 주 노멀, 일리노이 주 블루마운드, 일리노이 주 찰스턴, 크라스크가 1학년을 시작한 일리노이 주 디케스토어, 초등학교를 마친 일리노이 주 디케스토어, 중학교를 다닌 콜로라도 주 롱몬트, 그리고 1959년 크라스크가 에반스톤 타운쉽 고등학교를 졸업한 일리노이 주 에반스톤에 살았다. 롱몬트에서 미술 강사로 활동하던 어머니가 금속공학을 소개해줬고, 고교 시절 크라스키는 프랭크 트레시즈와 함께 패션 디자인을 공부했다. 그녀는 스스로 미술 강사가 되기로 결심하기 전에 처음에는 옷을 디자인하고 싶어했던 시카고 미술 학원에서 여름을 보냈다.^[5][6]

매디슨에 있는 위스콘신 대학의 미술학과에 등록한 크라스키는 워터타운에서 가르쳤고, 그녀의 연구의 일환으로 아서 비어탈러 밑에서 보석 디자인을 공부했다.^[5][6] 1963년 졸업과 동시에 그녀는 제임스 볼드윈 맥도날드 쉬크와 결혼했다. 그들은 함께 인디애나 대학교에서 공부를 끝내기 위해 인디애나 블루밍턴으로 이사했다.^[3] 그녀는 Alma Eikerman의 지도 아래 미술 석사 과정에 등록했는데, 그는 그녀의 평생의 멘토가 되고 그녀의 작품에 강한 영향을 미칠 것이다.^[5] 그녀는 1966년에 우수한 성적으로 졸업하면서 전통적인 금속공예와 보석공으로 훈련받았다.^[7][8][9] 학교 수업이 거의 끝나갈 무렵, 그녀가 읽은 추상 조각가 데이비드 스미스의 작품에 대한 기사는 그녀의 작품에 영향을 미치게 되었다.^[5] 그녀는 장신구를 착용할 수 있는 조각의 한 종류로 개념화하기 시작했다.^[10]

경력

이 커플이 졸업하자 그들은 로렌스의 캔자스 대학에서 교사 생활을 시작했고, 그녀의 남편은 그녀가 미술을 가르치는 동안 역사학부에서 가르쳤다. 힉은 로렌스에서 그 기간 동안 파피에-마체에서 일하기 시작했는데, 금속의 가벼운 대안으로 그것을 사용함으로써 그녀가 더 큰 조각을 만들 수 있게 했다.^[5] 당시 매체는 파격적이었고, 쉬크의 실험은 닭줄의 프레임을 만들어 펄프 혼합물에 코팅하고 모양을 만들어 형성하는 것에서 진화했다. 그녀의 전통 장신구 작품들은 합법적인 전시물로 쉽게 받아들여졌지만, 그녀의 교황의 장신구는 너무 과격하다는 이유로 정기적으로 거절당했다.^[8] 1967년, 두 킥스는 피츠버그의 캔자스 주립대학으로 알려진 피츠버그 주립대학에 의해 채용되었다.^[5][12] 1969년, 그녀는 데이빗 스미스의 조각품들 중 하나를 통해 자신의 몸을 집어넣는 아이디어로 돌아갔다. 그녀는 그때까지 만든 납작한 2차원 조각 대신 청색 렌즈 안경을 눈높이에서 용접하는 튜브로 놋쇠 머리 조각을 만들었다. '블루 아이즈'라는 작품의 이름을 딴 '헤드 조각'은 작품의 초점을 금속공예 보석에서 웨어러블 조각으로 바꾸었다.^[10]

1970년대

Schick은 선, 질량, 공간, 볼륨을 통해 추상화를 탐구하는 작품을 만들면서 Modernist 시대의 일부가 되었다. 그녀는 어떤 사물을 표현하는 것과 사용된 재료에 근거하여 경험하는 것의 차이, 그리고 그 미적 중요성을 고려했다.^[13] 그녀의 초기 보석 디자인은 표현주의적이어서 갈등과 접촉의 감정을 불러일으켰다. 그들은 은선을 녹여서 놋쇠나 놋쇠로 꼬아 모양을 만들었다. 그들 중 다수는 오브제 트루베 공예품 같은 느낌을 가지고 있었다. 그녀의 사이클라디치 시리즈의 조각들은 팔찌, 브로치, 목걸이로 디자인된 황동과 구리의 세련된 모양을 특징으로 했다.^[9] 한동안, 그녀는 그녀의 금속 작업이 "심각한 예술"이며 다른 매체와의 실험은 훨씬 덜 중요하다고 믿었다.^[6]

가볍고 유연한 특성 덕분에 그녀는 신체로부터 형태를 확장하기 위한 수단으로 파피에르메를 실험했다. 또한 종래의 금속공작으로는 사용할 수 없는 방식으로 부피와 색상을 사용할 수 있도록 했다. 틱은 금형 펄프로 싸인 철조망에서 조각들을 만들어 몸을 감쌌다.^[14] 기존의 손목이나 목 장식을 만들기보다는 어깨부터 발까지 전신에 걸쳐 그녀의 대형 창작물이 전시되도록 설계됐다.^[8] 1976년, 킥은 캔자스시티 미주리 대학의 보석 강사 메리 앤 브랜스비로부터 연락을 받아 학교 현대 무용단의 보석 작품을 만들었다. 무용수들은 발가락에 고리나 팔찌를 끼는 등 혁신적인 방법으로 작품을 사용했고, 이 때문에 쉬크는 작품을 재해석할 수 있다는 것을 인식하게 되었다. 이 단체는 세인트 브레히트 미술관을 포함한 장소에서 이 미술작품의 공연과 전시회를 열었다. 미주리 주 조셉, 미주리 주 브롱크스 미술관, 캔자스 시립 미술관, 미주리 주 세인트 찰스의 린덴우드 대학. 1970년대 말에 힉은 매개체로서의 파피에르-메에 싫증이 났다. 그녀는 도자기와 플라스틱 강좌를 듣고 점토, 종이, 플라스틱, 실, 그리고 실과 종이의 조합으로 장신구를 만드는 실험을 했다.^[5]

1980년대

1980년대 초, 쉬크는 섬유, 끈, 다월 봉으로 작업을 시작했으며, 6개의 작은 조각들을 다른 미디어 전시회에 제출하였다. "Jewelry Redefined: 1982년 런던 브리티시 크래프트 센터가 주최한 제1회 멀티미디어 비선명 보석 국제 전시회'가 열렸다.^[5][15] 암스테르담에 있는 라 갤러리의 배심원 중 한 명이자 주인인 폴 데레즈로부터 편지를 받고, 그녀는 그의 갤러리를 위해 단독 전시회를 만들었다. 이 쇼는 그녀에게 국제적인 명성을 가져다 주었고, 그녀는 도쿄에서 열리는 이세탄 미술관의 국제 보석 미술 전시회에 참가하라는 요청을 받았고, 그녀는 미술상을 받았다.^[5] 그녀의 작품이 국제적인 관심을 받기 시작했고 유럽 보석상들에게 영향을 미치기 시작하자 미국 시장은 그녀의 작품을 받아들이기 시작했다.^[16][15] 그녀의 스틱 디자인은 픽업 스틱, 나선형, 지그재그 모양으로 리벳으로 고정된 다월 조각들이 몸과 장식 사이에 대화를 만들어 내는 부정적인 공간의 환상을 가지고 놀았다. 나무, 고무관, 끈을 이용하여 그녀는 황당무계한 것에 가까운 서로 맞물리는 기하학적 모양을 만들어 냈고 대량생산된 유용한 장식의 필요성에 의문을 품었다.^[9]

PSU에서 안식년을 보낸 틱은 1983년부터 존 카스 경 예술대학에서 금속공학을 공부했고, 같은 해 데레즈의 갤러리에서 첫 단독 전시회를 열었다. 1984년, 그녀는 존 캐스의 전속 아티스트로 일했다.^[5] 힉은 영국과 네덜란드를 휩쓴 뉴 쥬얼리 운동에 참여한 유일한 미국인이었다.^[17] 1980년대 말, 그녀는 합판을 만들기 시작했고 주로 목걸이에 집중하기 시작했다.^[5] 하지만, 그녀는 이 기간 동안 나무 팔찌를 계속 만들었는데, 다월 스틱을 사용하여 얼룩덜룩한 색으로 칠했다.^[18] 그녀의 3차원 작품들은 전통적인 납작한 보석보다 조각에 가까웠고 착용한 것처럼 벽에 쉽게 전시될 수 있었다.^[18] 힉은 또한 그녀의 보석을 그림의 일부로 만들어 그것들을 착용하지 않을 때, 그것들이 예술품으로 전시될 수 있도록 하면서 동료 작품들을 탐구하기 시작했다.^[5] 그녀는 팔찌, 브로치, 또는 머리와 목에 테를 두른 이상한 찻주전자 시리즈를 자신의 조각에 끼워 넣었는데, 그것은 옮겨지고 분해될 수 있는 것이다.^[16] 수공예, 장식, 회화, 조각의 경계를 흐리게 하는 하이브리드 작품을 만든 킥은 작품의 모든 면에 동일한 초점을 맞추며 전통적인 장신구의 경계를 누른다.^[19][20] 어떤 각도에서든 작품을 볼 수 있다는 조각적 개념을 의식하여 그녀는 조각의 앞과 뒷면뿐만 아니라 벽 위나 몸 위나 바깥, 또는 어떤 유리한 지점에서 그것이 어떻게 나타날 것인가에 초점을 맞추었다.^[6] 1986년까지, 그녀는 전세계 9개 미술관에서 14개의 국제 전시회에 참가했다.^[18]

1987년, Schick은 버지니아 전역에서 주얼리 나우라고 불리는 순회 전시회에 출품된 예술가들 중 한 명이었다. 이 쇼는 또한 제이미 베넷, 로버트 에벤도르프, 리베카 라스킨, 아이비 로스, 수잔 샌더스, 샌드라 질크너 등 전국적으로 알려진 보석상들을 조명했다.^[21] 힉은 1988년 칼라 같은 공연 예술 작품을 계속 제작했는데, 목 조각은 두께 6인치, 너비는 31인치였다. 매일 장식으로 입는 것은 비실용적이지만, 강렬한 색채 배합은 착용자와 관찰자가 우주에서 어떻게 움직이는지를 상상하고 재정의하도록 강요했다.^[15] 1989년 인디아나에 있는 모교 미술관에서는 그녀의 생애 첫 25년을 다룬 솔로 쇼인 Marjori Schick: A Retrospective를 개최했다. 그것은 모델이나 마네킹을 사용하지 않고 벽에 튀어나오거나 천장에 매달린 채 전시된 100여 점의 작품을 선보였다. 디스플레이는 작품들이 단순한 장식으로 기능하지 않고 착용자의 몸이 없는 상황에서 독특한 방식으로 '완성되지 않은' 모습을 보여주었다.^[9]

1990년대

힉은 1990년대에 다른 그림 기법을 사용하여 교황청으로 돌아왔다.^[5] 색을 탐구하고 싶은 그녀는 화가가 캔버스를 사용하는 것처럼 직물을 사용하기 시작했다. 표면의 편평함을 싫어하여, 그녀는 조각적인 질감을 더하기 위해 폴리 필로 채워진 주머니를 만들었다. 시리즈의 첫 작품인 목걸이 "De la Luna/del Sol"은 1996년에 만들어졌으며, 페루의 고고학 유적지인 Huaca del Sol과 Huaca de la Luna에서 영감을 얻었다.^[22] 1998년, 딕과 그녀의 남편은 유럽 투어와 함께 멕시코에서 안식년을 계획했다. 그녀는 다양한 풍경들의 다양한 색 팔레트에서 영감을 받아 그들의 여행과 관련된 일련의 작품들을 시작했다.^[5] 특히 그녀는 어떻게 다른 색깔들이 장소와 사건에 대한 기억을 촉발시키는지 탐구하는 데 관심이 있었다. 캔자스 주립대학 출신의 미술사학자인 글렌 브라운은 이 작품들을 상징주의 양식의 "기념품 스크랩북"에 비유했는데, 이 스크랩북은 사진적 사실적 표현이 필요 없이 여행자의 개인적인 경험을 담아냈다.^[22] 그레이엄 셰어링이 1998년 전시회 "Revelations: 북미 골드스미스 협회(SNAG) 회원들의 '새로운 보석' 그녀의 공헌은 '카텔라'라는 작품이었다.^[23]

때때로 틱은 캔자스주 피츠버그에 대한 경의를 표하는 브릭 스트리트에서처럼 밝은 색의 워시가 직물에 스며들도록 하기 위해 프라이밍되지 않은 캔버스를 사용했다. 다른 사람들은, 그녀는 표면에 페인트를 칠하기 전에 형태와 질감을 만들기 위해 무거운 게소 코트를 사용했다. 멕시코 여행 후 완성된 퀘살코틀의 작품에서 그녀는 치첸 이차, 팔렌케, 테오티후아칸의 콜럼비아 이전 유적지에서 발견된 깃털이 있는 뱀들을 나타내기 위해 무겁게 게소 처리된 천 파우치와 페인트를 사용했다. 그녀는 마야 블루와 테라코타에서 완성된 한때 활기찬 벽화를 나타내기 위해 선명한 색상과 음영 처리된 그릴을 사용했다. 시카고의 스카이라인을 대표하는 또 다른 작품인 시카고 윈도에서는, 틱은 검은 오크 조각을 리벳으로 고정시켜 끈으로 장식된 합판의 밝은 색상의 직사각형 주위에 판을 형성하여 검은 배경의 기하학적 틀을 만들었다.^[22]

이 시대를 대표하는 또 다른 작품은 바운드 컬러즈(Bound Colors)로, 나무 줄기에 캔버스 리본이 달려있는 목걸이로 아즈텍 달력석을 연상케 하는 디자인을 만들었다. 페인트를 칠한 합판 베이스 위에 올려놓았는데, 이 합판 베이스에서 마모를 위해 제거할 수 있어 작품의 미학이 보석, 회화, 조각의 개별적 요소를 초월할 수 있었다. 그녀의 작품 규모가 큰 것은 의도적인 것이었기 때문에, 그 작품들은 서랍 속에 넣어두지 않고, 오히려 서로 다른 상호연결된 해석에서 여러 가지 용도를 가지고 있었다.^[22] 그녀의 작품은 몸을 아우르도록 설계되었고, 장식용 액세서리가 아닌 '3차원 드로잉 투 웨어'^[17]가 되었다.

2000년대

2000년대 들어 틱은 일상용품들을 웨어러블 아트로 바꾸는 실험을 시작했다. 그녀는 "의자에 있는 경험"을 일깨우기 위해 2001년에 옐로 래더백 의자를 디자인했다. 캔버스 목걸이는 착용자와 함께 장식품의 공생성을 만들어낸다.^[24] 그해 대학 미술학과가 오하이오주 볼링그린에서 주최한 '오픈링크스'를 선보이는 모임에 참여하면서, 참석자들의 관점을 보석이라면 어떤 것이 될 수 있는가에 대한 재정의로 넓히려는 목적으로 참여하였다.^[25] 2년 후, 그녀는 Delaunay의 패턴 있는 디자인에서 영감을 받아 Sonia Delaunay를 위한 도구 벨트와 스카프를 만들었다. 다월로 만든 벨트와 나무 블록으로 만든 스카프는 화가의 미래적 모티브를 반영하고 있으며, 들로네이 작품에서 사용했을 법한 페인트 붓과 팬, 바늘, 가위, 실 등의 목기구가 둘러져 있다. 이 작품이 닳으면, 예술가의 장사의 도구들이 착용자의 무릎 주위에 떠다닌다.^[10]

킥은 자전적 주제를 담은 목걸이를 연달아 시작했다. 번호가 매겨진 작품인 목걸이 1, 목걸이 2 등은 그녀의 인생 여정을 묘사하고 있다. 그녀는 자신의 결혼 연도를 나타내는 목걸이 21의 반짝이는 금속 물감, 목걸이 29에 흑인과 그레이, 백인을 추가하는 등 기분의 변화를 나타내기 위해 색을 사용했는데, 아들이 태어난 후 그녀의 삶이 얼마나 더 복잡해졌는지를 보여준다.^[26]

2000년, 힉은 미국 공예 평의회의 회원이 되었고, 2002년에는 캔자스 주지사 빌 그레이브스가 올해의 예술가로 선정되었다.^[27][28] 그녀의 교수직 외에도, 그녀의 경력 내내, 틱은 Arrowmont 예술 공예학교, 클리블랜드 예술대학, Haystack Mountain 공예학교, 미국의 펜랜드 공예학교, 그리고 미들섹스 폴리테크닉, 국립 뮤즈에서 해외 프로그램을 포함한 다양한 세미나 및 워크숍에서 가르쳤다.오슬로의 미술, 건축, 디자인, 핼리팩스의 노바스코샤 미술 및 디자인 대학, 그리고 방콕의 실파콘 대학.^[27][28][29]

2004년, Tacey A. 장식미술 전문가인 로솔로우스키는 슈릭과 함께 스미스소니언 아메리칸 아트 뮤지엄의 구두 역사 인터뷰를 준비했다.^[30] 이 화가의 작품을 40년간 회고해 본 '조각 변형된 조각: 2007년 인디애나 대학교에서 로솔로프스키에 의해 큐레이션된 작품 마조리 쉬크. 슈릭이 자신의 디자인을 착용하면서 경험한 신체에 대한 변혁적 인식에 초점을 맞춘 테마와 콘텐츠 개발의 궤적을 가린 67점의 보석들이 전시됐다.^[31] 로솔로우스키는 "입고 싶은 조각"이라는 책의 주요 공동작업자였다. 《마조리 틱의 보석》은 2007년 아르놀즈체 미술 출판사의 틱의 작품을 회고하여 출간하였다. 이 책은 10명의 기고자가 집필했으며, 그녀의 혁신과 현대 국제 보석 미학의 발전에 미치는 영향을 평가하면서 틱의 경력의 궤적을 다루었다.^[30] 이 책이 출간된 후, 같은 제목의 Schick의 작품을 회고하는 것이 투어를 시작했다. 강연과 함께 진행된 이번 전시회에서는 박물관의 소장품에서 빌려온 작품들이 전시되었으며, 2008년부터 2009년 사이에 미국과 유럽 전역을 순회했다.^[32][33] 로솔로우스키는 또한 Schick의 작품을 담은 커버스토리 "The Body for the Craft Arts International"s 2008년판을 썼다.^[34]

2011년에는 워싱턴 D. C.^[35]에 있는 스미스소니언 아메리칸 아트 뮤지엄에서 쇼로 틱의 작품이 전시되었고, 2013년에는 로스엔젤레스 카운티 미술관이 로이스 보드먼의 개인 소장품에서 300점의 장신구를 받았는데, 여기에는 틱의 디자인 일부가 포함되어 있었다. 이 작품들은 2017년 로이스 보드맨 컬렉션의 비욘드 블링: 쥬얼리 전시회에 출품되었다.^[36] 2016년, 틱은 아트 쥬얼리 포럼과의 인터뷰에서, 그녀의 현재 작품에는 일련의 우드 셔츠가 포함되어 있다고 말했는데, 이 셔츠의 디자인은 알렉산더 칼더와 짐 디너를 포함한 예술가들의 스타일을 모방했다.^[37] 딕은 피츠버그 주립대학에서 50년을 복직한 후, 2017년에 교직에서 은퇴했다.^[12][6]

죽음과 유산

힉은 2017년 12월 17일 캔자스주 캔자스시티의 캔자스대 메디컬 센터에서 뇌졸중 합병증으로 사망했다.^[38][4] 그녀의 작품들은 러시아 상트페테르부르크의 에르미타주 박물관, 뉴욕시의 예술 디자인 박물관, 캔버라 국립 미술관, 오슬로 국립 미술관, 오슬로 국립 미술관, 교토에 있는 국립 현대 미술관 등 세계적으로 유명한 많은 박물관의 영구 소장품에서 찾을 수 있다.n; 서울 국립현대미술관, 에든버러 국립 스코틀랜드 박물관, 펜실베이니아 필라델피아 미술관, 독일 뮌헨의 피나코텍 데 모더네, 런던 빅토리아 알버트 박물관.^[36][33] 그녀의 가르침은 피츠버그 공공도서관의 벽을 장식한 금속공학자 자넷 루이스와 ^[39]1987년 엘리자베스 B를 받은 샘 파머를 포함한 학생들의 세대에 영향을 미쳤다. 캔자스 문화 트러스트의 코흐 펠로우십을 비롯해 화가 테라^[35] 리드, 원주민 위버 마거릿 로치 휠러(Choctaw-Chickasaw) 등이 참여했다.^[40][41]

수상 및 수상

• 2000년, 미국 공예 위원회^[27][28] 위원
• 2002, 캔자스 주의 올해의^[27] 예술가
• 2004년 미국^[5] 나네트 L. Laitman Documentation Project의 인터뷰 대상자로 선정됨
• 2006년, 캔자스^[27] 주 상원의원 표창

엄선된 전시품

• 1983년, 솔로 데뷔, RA 갤러리(Dutch: Galerie RA), 암스테르담^[5]
• 1985년, 단독 쇼, VO 갤러리, 워싱턴 D.C.^[5][42]
• 1985년, 단독 쇼, 펜실베이니아^[5] 필라델피아, 헬렌 드루트 갤러리
• 1986, 주얼리, 형태 및 아이디어(Dutch: Sieraden, vorm en idee), Gemeentelike Van Reekum Museum, A펠도른, 네덜란드^[43]
• 1987년, 쥬얼리 나우, 버지니아 예술위원회가^[21] 후원한 여행 전시회
• 1988년, 마조리 쉬크, 트랜지션, 단독 전시, 암스테르담^[5][44] LA 갤러리
• 1989년, 캘리포니아^[45] 샌디에이고, 페이스 나이팅게일 갤러리, 모자, 헬멧 및 기타 헤드기어
• 1994년, KPMG Peat Marwick Collection of American Craft: Renwick Gallery, National Museum of American Artum, Smithsonian Institution, Washington D. C.^[46]
• 1996, New Times, New Thinking: 유럽과 미국의 보석, 공예 위원회, 런던^[44][47]
• 1998년, 외교적으로 브로칭: 마들렌 K에 대한 헌사. 올브라이트 미국 국무장관, 헥 크루이쓰 박물관, 덴 보쉬, 네덜란드 오픈.^[44] 61명의 예술가들이 에스토니아, 핀란드, 네덜란드 등의 공연장과 하와이에서 뉴욕, 필라델피아에 이르는 미국의 여러 갤러리에서 개막부터 2000년까지 전 세계를 순회했다.^[48]
• 1998년, 에든버러^[44] 스코틀랜드 국립박물관 주얼리 무브스
• 1998년, 마조리 쉬크, 장소의 감각, 단독 전시, 암스테르담^[5][44], RA 갤러리
• 1998년, 메사추세츠^[44] 캠브리지 모빌리아 갤러리, 타임, 컬러 플레이스
• 2001년, 가면극장, 25년, 암스테르담^[44] 갤러리 라
• 2002년, Zero Karat, Manhattan^[44][49], Museum of Arts and Design, 미국 공예 박물관에 도나 슈나이어 선물
• 2004년, HOUDT van sieraden, Galerie Lous Martin, Delft, 네덜란드^[44]
• 2004년, 금고의 보물: 맨해튼^[44] 예술 디자인 박물관의 영구 소장품 현대 보석
• 2005, Schmuck 2005, 국제공예박람회[de], 뮌헨^[44][50]
• 2005년, 캘리포니아^[44] 샌프란시스코의 벨벳 다빈치 갤러리 브룩시 100명
• 2006년, 헬싱키^[44][51] 디자인 박물관, 샤텔렌에 도전
• 2006, Radiant—암스테르담^[44], 30년 라 갤러리
• 2006, 프레지오사 2006: 이탈리아^[52] 루카, 빌라 보티니, 차체 장식 없음
• 2007년, 예술로서의 장식: 텍사스 휴스턴 미술 박물관의 헬렌 윌리엄 드루트 컬렉션의 아방가르드 보석. 오프닝에 이어 2009년까지 미국 전역을 순회했다.^[44][53]
• 2007, 조각 변형: 마조리 쉬크의 작품, 단독 쇼, 캘리포니아 샌프란시스코의 공예 및 디자인 박물관. 개막 전시가 끝난 후 2009년까지 이어진 투어에는 인디애나 블루밍턴에 있는 인디애나 대학교 미술관, 캔자스 맨해튼에 있는 마리안나 키슬러 비치 미술관, 매사추세츠주 브록튼의 풀러 공예관, 미시간주 무스케곤의 무스케곤 미술관 등의 공연장이 포함되어 있었다.^[44][54]
• 2013, 감히 입을 수 있는 제품: 폴 데레즈와 윌렘 후그스테데, 컬투우르 온더 닭 아펠도른(CODA), 네덜란드^[44][55] 아펠도른의 컬렉션
• 2014, 미국에서 온 선물: 1948-2013, 러시아^[56] 상트페테르부르크 에르미타주 박물관
• 2016, Beyond Bling: Los Angeles County Museum of Art Museum(LACMA), Los Angeles, California^[36] Los Angeles.
• 2017년, 메두사, 비주스 외 타부스, 프랑스^[44] 파리, 파리, 모더르 드 라 빌 드 파리

참조

인용구

참고 문헌 목록

추가 읽기

• Schick, Marjorie (1985). Body Works & Wearable Sculpture: Exhibition organized for Visual Arts Center of Alaska, Anchorage, Alaska, April 22 - May 18, 1985 and University of Alaska Museum, Fairbanks, Alaska, May 24 - July 7, 1985. Anchorage, Alaska: Visual Arts Center of Alaska. OCLC 48473387.
• Rosolowski, Tacey A., ed. (2007). Sculpture Transformed: The work of Marjorie Schick. Washington, D.C.: International Arts & Artists. ISBN 978-0-976-71022-6.
• Rosolowski, Tacey, ed. (2007). Sculpture to Wear: The jewelry of Marjorie Schick (Illustrated ed.). Stuttgart, Germany: Arnoldsche Art Publishers. ISBN 978-3-897-90258-9.

외부 링크

• 피츠버그 주립대학교 마조리 쉬크의 작품 예
• 구술 역사 인터뷰, 2004년 오디오
• 마조리 쉬크: 2018년 6월, 예술에서의 삶을 기념하기