일본의 음악

Music of Japan
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일본의 음악에는 전통과 현대, 두 가지 뚜렷한 장르가 폭넓게 포함되어 있다.일본어로 "음악"을 뜻하는 단어는 音楽(옹가쿠)으로, 간지 on on (사운드)과 간지 楽 가쿠(음악, 편안함)를 합친 말이다.[1]일본은[citation needed] 2017년 소매가 27억 달러로 세계 물리매체 음악 시장 1위, 전체 음악 시장 2위다.[2]

전통음악과 민속음악

가가쿠, 후우가쿠

주요 기사:일본 전통 음악

일본 전통 음악의 가장 오래된 형태는 다음과 같다.

두 날짜 모두 나라(710년 ~ 794년)와 헤이안(794년 ~ 1185년) 기간이다.[3]가가쿠 클래식 음악은 헤이안 시대부터 황실에서 공연되어 왔다.[4]카구라우타(神uraut), 아즈마아소비(東東), 야마토우타(大大歌)는 토착 레퍼토리다.도가쿠(道家aku)와 고마가쿠는 당나라(618~907) 때 한반도를 거쳐 출현했다.[5]또 가가쿠는 캉겐(캉겐)(악기음악)과 부가쿠(가가가쿠를 동반한 춤)로 갈라진다.

사무라이는 그들의 생활과 이해를 증진시키는 연습에서 이러한 음악 활동을 듣고 수행했다.[6]

비와 호시, 헤이케 비와, 고제

비와

짧은 목 루트의 한 형태인 비와( (琵 - 중국어: pipa)는 떠돌이 연주자(biwa hoshi)들이 연주했다.비와 음악의 뿌리는 헤이케의 이야기였다.[7] 비와 호시는 길드 같은 협회로 조직되었다.비와는 일본의 전통 악기다.[citation needed]


라파디오 허른은 그의 저서 콰이단(Kwaidan)에서 다음과 같이 언급하였다. 이상한 것들에 대한 이야기와 연구 (1903) "미미나시 호이치" (귀 없는 호이치) "헤이케 이야기"[7]를 공연하는 맹인 비와 호시에 관한 일본의 유령 이야기.

고제(高帝)로 알려진 맹인 여성들은 중세 시대에서 시작된 순회공연을 하며 랩 드럼으로 노래를 부르고 동행 음악을 연주했다.[citation needed]17세기부터 그들은 종종 코토나 샤미센을 연주했다.고즈 조직은 여러 곳에서 생겨났으며, 니가타 현에서는 21세기까지 존재했다.[citation needed]

와다이코

타이코 공연

일본 드럼인 와다이코는 크기가 다양하고 다양한 음악 장르에서 사용된다.그것은 특히 최근 몇 년 동안 과거의 다양한 민속음악과 축제음악을 바탕으로 한 레퍼토리를 가진 타악기 앙상블의 중심악기로 유명해졌다.그러한 타이코 음악은 쿠미다이코라고 불리는 큰 드럼 앙상블에 의해 연주된다.그것의 기원은 불확실하지만, 드럼 연주자의 점토 형상이 그것의 존재를 기록했던 7세기까지 추적할 수 있다.중국의 영향이 따랐지만 악기와 악기는 독특하게 일본식으로 남아 있었다.[8]이 시기 타이코 북은 전투 중에 적을 위협하고 명령을 전달하는 데 사용되었다.타이코는 불교와 신토의 종교음악에 계속 이용되고 있다.과거에는 특별한 행사나 소그룹에서만 활약하는 성스러운 남성들이었지만, 때마침 세속적인 남성들(경건한 여성들)도 봉춤과 같은 반종교적인 축제에서 타이코를 연주했다.

현대 앙상블 타이코는 1951년 오구치 다이하치에 의해 발명되었다.[9]재즈 드러머인 오구치는 그의 음악적 배경을 그의 디자인의 큰 앙상블에 통합했다.그의 정력적인 스타일은 그의 그룹을 일본 전역에서 유명하게 만들었고, 호쿠리쿠 지역을 타이코 음악의 중심지로 만들었다.이러한 인기의 물결에서 생겨난 음악 그룹에는 고바야시 세이도가 설립한 오이도 스케로쿠 타이코가 포함되어 있었다.1969년 Za Ondekoza라는 그룹을 보았다; Za Ondekoza는 공동 생활방식에서 삶의 한 방법으로 사용되었던 새로운 뿌리 부활 타이코를 혁신하는 젊은 연주자들을 모았다.1970년대에 일본 정부는 일본 문화를 보존하기 위해 기금을 할당했고, 많은 지역사회 타이코 집단이 결성되었다.세기 후반에, 타이코 집단은 전 세계에, 특히 미국으로 퍼져나갔다.비디오 게임 타이코노 타츠진은 타이코를 중심으로 한다.

민요 민속 음악

1904년 샤미센과 함께 일하던 일본 여성.
주요 기사:민요

일본 민요(민요)는 여러 가지로 분류·분류할 수 있지만, 흔히 다음과 같은 네 가지 주요 범주를 떠올리는 것이 편리하다.

민요에서는 샤미센, 타이코 드럼, 샤쿠하치라고 알려진 세 줄의 루트와 대나무 피리인 샤쿠하치가 대표적으로 가수들과 동행한다.[10]기타 동행할 수 있는 악기로는 시노부로 알려진 가로 플루트, 케인으로 알려진 종, 츠즈미라고 불리는 손 드럼, 그리고/또는 코토로 알려진 13줄 지더가 있다.오키나와에서 주요 악기는 산신이다.이것들은 일본의 전통악기들이지만, 엔카 가수들이 전통적인 민요곡(엔카 자체가 일본 음악 장르인 것)을 커버하는 요즘 시대에도 전기 기타, 신디사이저와 같은 현대적인 악기들이 사용된다.[11]

온도는 일반적으로 2/4박자 리듬으로 들릴 수 있는 독특한 그네를 가진 민요를 묘사한다.오본 축제 춤에서 들리는 대표적인 민요는 전형적으로 온도다.부시("멜로디" 또는 "리듬")는 독특한 멜로디를 가진 노래다.이 단어는 거의 단독으로 쓰이지 않지만, 보통 직업, 위치, 개인 이름 등을 가리키는 용어로 접두어진다.본우타는 죽은 자의 등잔치인 오본의 노래다.코모리우타는 자장가 입니다.민요 노래의 이름에는 대개 마지막에 서술어가 포함되어 있다.예를 들면 다음과 같다.도쿄온도, 쿠시모토부시이, 호카이본우타, 이츠키노코모리타.

이 노래들 중 많은 곡들은 특정 음절에 대한 추가적인 스트레스뿐만 아니라 고함소리도 포함하고 있다.카케고는 일반적으로 환호성을 지르지만 민요에서는 종종 합창의 일부로 포함된다.지역마다 다르지만 카케고는 많다.예를 들어 오키나와 민요에서는 공통의 "하이야 사사!"가 나타난다.하지만 일본 본토에서는 "요이쇼!," "세이트!," 또는 "아픈!"이 더 흔하다.다른 것들로는 "돈토코이!," "도코이쇼!" 등이 있다.

최근에 아이에모토 시스템으로 알려진 길드 기반 시스템이 민요의 어떤 형태에[by whom?] 적용되었다.이 시스템은 원래 나가타, 샤쿠하치, 코토 음악 등 클래식 장르를 전달하기 위해 개발되었으나 교사들에게 수익성이 입증되어 숙련도 자격증을 취득하고자 하는 학생들의 지원을 받았다.그것은 전통적으로 더 비공식적으로 전달되었던 민요, 쓰가루자미센, 그리고 다른 형태의 음악으로 계속해서 퍼지고 있다.오늘날 그러한 사이비 가족 조직에서는 어떤 민요가 전해지며 오랜 견습은 흔하다.

오키나와 민속 음악

주요 기사:류큐안 음악

우무이, 종교적인 노래, 시마우타, 댄스곡, 특히 카차쉬, 생동감 넘치는 축하음악이 섬에서 모두 인기를 끌었다.오키나와 민요는 일본 본토 민요와는 여러 가지 면에서 다르다.

오키나와 민요는 산신을 동반하는 경우가 많은 반면, 일본 본토에서는 샤미센이 대신 반주를 한다.다른 오키나와 악기로는 산바(카스타네츠와 비슷한 찰칵하는 소리를 내는 소리), 타이코, 그리고 유비뷔(ue called)라고 불리는 날카로운 손가락 휘파람이 있다.

일본의 주요 섬에서 온 민요에서는 오순절 음계가 자주 사용된다.이 오음계에서는 부지배음(서양의 장음계 4~7음계)과 선행음조(음계 4~7음계)가 생략되어 각 음표 사이에 반걸음도 없는 음악음계(도, 리, 미, 소, 솔페지오 또는 음계 1, 2, 3, 5, 6음계)가 나온다.그러나 오키나완 민요는 서양의 음악 규율에서 분석할 때 앞서 말한 오순절음계에서 생략된 반계단을 포함하는 음계를 사용한다.실제로 오키나와 민요에서 가장 많이 사용되는 척도는 척도 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7을 포함한다.

전통 악기

주요 기사:일본의 전통 악기

서양음악의 도래

일본 블루스/엔카

주요 기사:류코카, 가요쿄쿠, 엔카
영향력 있는 류코카 가수 후지야마 이치로

메이지 유신이 서양의 음악적 지도를 도입한 후, 이자와 슈지(관료)는 「Auld Lang Syne」[12]와 같은 곡을 편찬했다.이 시기에 발달한 음악의 두 가지 주요 형태는 서양 음악을 학교에 들여오기 위해 작곡된 쇼카와 군카였다.[13]

일본이 19세기 후반 대의민주주의를 지향하면서 지도자들은 자신들의 메시지를 방송하는 노래를 복사하기 위해 가수를 고용했다. 왜냐하면 지도자들은 보통 대중 앞에서 말하는 것이 금지되었기 때문이다.도돔파(dodompa)라고 불리는 일본 특유의 탱고 형태가 나타났다.가요쿄쿠는 엔카의 영향을 받은 일본의 전통 건축물과 연관되게 되었다.유명한 엔카 가수로는 히바리 미소라, 기타지마 사부로, 요시 이쿠조, 미나미 하루오 등이 있다.

아트 뮤직

서양 고전 음악

이사와 슈지(1851~1917)는 브릿지워터 사범학교와 하버드 대학교에서 음악을 공부했으며, 메이지 시대(1868~1912)에 서양의 영향을 받은 일본 음악 발전에 중요한 인물이었다.1879년 일본으로 돌아가면서 이사와는 서양음악의 국립연구기관인 옹가쿠토리시라베 가카리(음악조사국)를 결성하였고, 이후 도쿄음악학교(Tkyô Ongaku Gakkô)로 개칭되었다.1880년, 이사와의 미국인 친구 겸 교사인 루터 휘팅 메이슨은 2년간의 약속을 받아들였다.야마다 고사쿠, 나카다 요시나오, 다케미쓰 도루는 현재 일본 고전음악으로 알려진 것을 연속적으로 발전시킨 일본 작곡가들이다.[14]

서양 고전음악은 일본에서 강한 입지를 굳혔고, 일본은 이 음악 전통의 가장 중요한 시장 중 하나가 되었다.[15]타케미쓰 토루는 아방가르드 음악, 현대 클래식 음악, 영화 채점 등을 작곡했다.[16]

오케스트라

일본은 전통 교향악단 외에도 풍악단 분야에서 국제적으로 두각을 나타내고 있다.[17]전일본밴드협회는 국내 관악대회의 운영기관이다.

재즈

주요기사 : 일본 재즈

1930년대부터 (제2차 세계대전 때, 적의 음악으로 억압되었던 때를 제외하고)[18][19] 재즈는 일본에서 강한 존재감을 유지했다.[20]이 나라는 음악의 중요한 시장이며, 미국이나 유럽에서 사용할 수 없는 음반을 그곳에서 구할 수 있는 것이 일반적이다.준(일본 태생), 와타나베 사다오 등 다수의 일본 재즈 뮤지션들은 모국 밖에서도 팬층이 넓다.[citation needed]

대중 음악

제이팝

주요기사 : J-pop

일본 팝의 줄임말인 J-pop은 1990년대 일본 음악 주류로 진입한 느슨하게 정의된 음악 장르다.J-pop은 70년대 록 밴드들이 일본 음악과 록을 융합한 비틀즈 등 1960년대 팝과 록 음악에 뿌리를 두고 있다.[21]J-pop은 1970년대 후반 Southern All Stars와 같은 일본의 신파 밴드들에 의해 더욱 정의되었다.[22]결국, J-pop은 일본 음악계에서 1920년대부터 1980년대까지 일본 대중음악의 용어인 카요쿄쿠("리릭 싱잉 뮤직")를 대체했다.[23]이 용어는 일본 음악과 외국 음악을 구분하기 위해 일본 언론이 만들었다.

아이돌 음악

걸그룹과 보이그룹들이 정기적으로 싱글차트 1위를 차지하는 등 일본 아이돌 뮤지컬 아티스트들이 시장에서 차지하는 비중은 상당하다.2008년과 2009년의 베스트셀러 싱글을 보유하고 있던 보이그룹 아라시와 2010년부터 매년 베스트셀러 싱글을 보유하고 있는 걸그룹 AKB48이 그것이다.[citation needed]2010년대 말부터 아이돌 그룹이 생겨났다.그들의 성공은 때때로 "아이돌 센고쿠 지다이"라고 불린다.아이돌 전쟁시대).[24]2014년 모모이로 클로버 Z의 라이브 콘서트에 약 48만 6천 명이 참석했는데, 이는 올해 일본 여성 뮤지션으로는 최고 기록이었다.[25]SMAP는 인정받은 일본의 보이 밴드였다.이 단체는 1988년에 만들어졌다.노기자카 46, 키야키자카 46도 인기였다.

댄스 앤 디스코 음악

추가 정보:유로비트 및 파라파라

1984년 미국 뮤지션 마이클 잭슨의 앨범 《Thriller》는 서양 아티스트가 일본 오리콘 차트 역사상 100만장 이상 판매한 첫 앨범이 되었다.[26]그의 스타일은 일본 댄스음악의 모델 중 하나로 꼽히며 에이벡스 그룹 뮤지션과 댄서들의 인기를 주도하고 있다.

1990년 에이벡스 트랙스는 일본에서 슈퍼 유로비트 시리즈를 출시하기 시작했다.일본의 유로비트가 그룹 댄스 형식인 파라파의 인기를 이끌었다.1990년대 에브리 리틀씽, 하마사키 아유미 등 에이벡스의 아티스트들이 인기를 끌었던 가운데, 1990년대 후반 우타다 히카루, 모닝구무스메 등이 등장했다.우타다 히카루의 데뷔 앨범인 퍼스트 러브(First Love)는 일본에서 700만장이 넘는 판매고를 올린 앨범으로, 하마사키 아유미는 일본에서 가장 많이 팔린 여성 및 솔로 아티스트가 되었으며, 모닝구무스메는 일본 대중음악계에서 가장 잘 알려진 걸그룹 중 하나로 남아 있다.

록

주요기사 : 일본 록

1960년대에 많은 일본 록 밴드들은 애팔래치아 민속 음악, 사이키델릭 록, 모드와 유사한 장르와 함께 서양 록의 영향을 받았다: 그룹 사운즈(G.S.)라는 현상. 존 레논은 일본에서 가장 인기 있는 서양 음악가 중 한 명이 되었다.[27]1960년대 후반, 더 템퍼스, 타이거즈, 골든 컵, 스파이더즈, 재규어, 소, 마을 가수, 카르나베츠, 야생 동물, 홉스[28] 같은 그룹 사운드 밴드가 인기를 끌었다.[29]그룹 사운드의 붐 이후 포크 싱어송라이터들이 생겨났다.타이거즈는 그 시대에 가장 인기 있는 그룹 사운드 밴드였다.이후 타이거스, 템퍼스, 스파이더스의 멤버들 중 일부는 최초의 일본 슈퍼그룹 Pyg를 결성했다.

사와다 겐지, 하기와라 겐이치 등은 1970년대 초 파워하우스, 블루스 크리에이션 등의 록 밴드, 무라사키, 컨디션 그린, 보우와 같은 70년대 후반 하드 록 밴드들과 함께 솔로 활동을 시작했다.캐럴(야자와 에이키치 감독), RC계승, 펀컴퍼니 등이 록 사운드를 정의하는 데 일조했다.70년대 후반, Creation과 Char는 제프 벡 스타일의 록을 공연했다.60년대 후반부터 시작되었지만, 대부분 70년대에 음악가들은 미국식 민속 요소와 팝적인 요소들을 록과 섞었는데, 보통 어쿠스틱 기타를 정기적으로 사용하기 때문에 포크 록이라고 불렀다.여기에는 튤립, 반반, 가로와 같은 밴드들이 포함된다.록 아티스트는 남방 올스타를 포함했다.

A colour photograph of three members of Yellow Magic Orchestra at the front of a stage
2008년 옐로 매직 오케스트라

일본의 음악가들은 1970년대에 전자 록으로 실험을 시작했다.가장 주목할 만한 것은 1972년 앨범 Electric Suslia의 Isao Tomita이다. 스위치 온 락은 현대 록과 팝송의 전자 신시사이저 렌즈를 특징으로 했다.[30]전자 록 음반의 다른 초기 사례들 이노우에 Yousui의 포크 록과 팝 락 앨범 아이스 월드(1973년)며의 Haruomi Hosono,[31일][32]에서 나중에 전자 음악 그룹"옐로 매직 밴드"(나중에 옐로 매직으로 알려져 시작했다 기부를 포함했다 오사무 기타지마의 진보적인 사이키델릭 록 앨범 Benzaiten(1974년)을 포함한다.Orches1977년.[33]

1980년대에 오자키 유타카상은 젊은 록팬들에게 인기가 있었다.C-C-B, 도쿄 JAP, 레드 워리어스와 같은 팝 록 그룹은 히트곡을 얻었다.보외비는 쇼넨 나이프, 베개, 타마 & 리틀 크리쳐스와 같은 얼터너티브 록 밴드뿐만 아니라, 지레넘스와 같은 더 많은 실험적인 밴드들과 글레이와 같은 주류 밴드들에게 영감을 주었다.1980년 후루마(Huruoma)와 미국의 음악가인 라이 쿠더(Ry Cooder)가 쇼키치 키나와 함께 록 앨범을 협연하면서 앞서 언급한 오키나와 밴드 참플로스의 원동력이 되었다.산디와 선셋츠가 그 뒤를 이어 일본인과 오키나와인의 영향을 더욱 섞었다.또한 1980년대에 일본의 금속과 록 밴드들은 비주얼 케이라고 알려진 운동을 탄생시켰는데, 이 운동들 중 일부는 최근 몇 년간 국가적, 국제적 성공을 경험했다.

In the 1990s, Japanese rock musicians such as B'z, Mr. Children, Glay, Southern All Stars, L'Arc-en-Ciel, Tube, Spitz, Wands, T-Bolan, Judy and Mary, Asian Kung–Fu Generation, Field of View, Deen, Lindberg, Sharam Q, the Yellow Monkey, the Brilliant Green and Dragon Ash achieved great commercial success.[citation needed]B'z는 오리콘이 집계되기 시작한 이래 일본 음악에서 가장 많이 팔린 곡으로,[citation needed] Mr. Children이 그 뒤를 잇고 있다.[citation needed]1990년대에 팝송은 영화, 애니메이션, 텔레비전 광고, 드라마틱한 프로그래밍에 자주 사용되어 일본의 베스트셀러가 되었다.[citation needed]일회용 팝의 등장은 노래방의 인기와 연결돼 소비주의라는 비판을 낳고 있는데, 붐의 미야자와 가즈후미는 "노래방 정신에서 사고 듣고 버리고 노래하는 것이 싫다"고 말했다.비주얼 케이 밴드 중에서는 멤버들의 무대 복장을 차분한 루나 씨(Luna Sea)가 꾸준히 성공을 거두었고, 악티미저, 라크리마 크리스티, 샤즈나, 잔느 다 아크, 광신 위기 등도 1990년대 후반 상업적 성공을 거뒀다.[citation needed]

'21세기 일본 인디 록에 가장 기초적인 중요성'[34]을 가진 것이 특징이었던 록 밴드 슈퍼카는 1998년 영향력 있는 첫 앨범을 발매했다.[35]그들은 2005년까지 활동했으며, 그들의 후기 앨범에는 더 많은 전자 록이 수록되었다.[35]

후지 록 페스티벌의 그린 스테이지

제1회 후지 록 페스티벌은 1997년에 개막되었다.라이징 선 록 페스티벌은 1999년에 개막되었다.2000년에 Summer Sonic Festival and Rock in Japan Festival이 개막되었다.2000년대 록계의 강세는 크지 않았지만 범프 오브 치킨, 원옥락, 삼보마스터, 플로우, 오렌지 레인지, 레모로멘, 우버월드, 아쿠아 타임즈 등의 밴드가 성공을 거뒀다.오렌지 레인지 또한 힙합에 과감히 뛰어들었다.B'z, Mr. Children, Glay, L'Arc-en-Ciel 등으로 기성 밴드들이 상위 차트를 이어갔지만, B'z와 Mr. Children만이 해를 거듭하며 높은 매출을 유지하고 있다.

일본 락 활기 찬 언더 그라운드 록 scene,[표창 필요한]가장 국제적으로 보어덤스고 녹인다 바나나 같은 소리 록 밴드로 유명하다뿐만 아니라 보리스와 같은 연마사. 록 밴드, 아미노산, 직장 여성 사원 같은 사이키델릭 록 밴드, 그리고 Shonen 나이프(은 서양에서 커트 코베인에 의하여 옹호되었다)과 같은 대안적인 행위, 피치카토 F다ive고 Pillows (1999년 FLCL 사운드트랙으로 국제적인 주목을 받은 사람).동부 청소년, 밴드 분리, 넘버걸과 같은 전통적인 인디 록 가수들은 일본에서[citation needed] 어느 정도 성공을 거두었지만, 고국 밖에서는 거의 인정을 받지 못했다.다른 주목할 만한 국제 투어 인디 록 공연으로는 모노와 니센몬다이 등이 있다.

펑크록/대안

추가 정보: 일본어 하드코어

펑크 록의 초기 예로는 SS, 스타 클럽, 스탈린, INU[ja], 가세네타[ja], 폭탄 공장, 도마뱀(교살자가 제작한)과 마찰(도쿄로 돌아가기 전 기타리스트 레크, 그리고 블루하츠 등이 있다.초기 펑크 장면은 1982년 펑크 밴드/뮤지션 출연진이 출연한 영화 버스트 시티의 감독을 맡았고, 스탈린을 위한 비디오도 촬영했던 이시이에 의해 촬영되었다.1980년대에 GISM, Gauze, Confuse, Lip Cream, Systemic Death와 같은 하드코어 밴드가 등장하기 시작했는데, 일부에는 크로스오버 요소가 통합되어 있다.[citation needed]The independent scene also included a diverse number of alternative/post-punk/new wave artists such as Aburadako, P-Model, Uchoten, Auto-Mod, Buck-Tick, Guernica and Yapoos (both of which featured Jun Togawa), G-Schmitt, Totsuzen Danball and Jagatara, along with noise/industrial bands such as Hijokaidan and Hanatarashi.

2000년에 확장된 90년대 후반의 스카펑크 밴드에는 샤칼라빗과 175R이 있다.

헤비메탈

주요기사 : 일본금속

일본은 금속 밴드의 성공적인 시장이다.주목할 만한 예로는 유다 프리스트의 <동방의 무뢰>, 딥 퍼플의 <일본산>, 아이언 메이든의 <마녀>, 마이클 스헨커 그룹의 <부도칸에서의 하룻밤>, 드림 시어터 <부도칸에서의 라이브> 등이 있다.

일본 금속은 1970년대 후반에 등장했고, 1975년 기타리스트 야마모토 교지가 결성, 1981년 기타리스트 다카사키 아키라가 결성, 보우와 같은 밴드가 개척했다.Earthshaker, Anthest 그리고 44 Magnum과 같은 현대 밴드들은 80년대 중반에야 데뷔 앨범을 발표했다.첫 해외 라이브 공연은 1978년 홍콩 보우 와우, 1982년 몽트뢰 재즈 페스티벌, 1982년 영국 독서 페스티벌 등이 있었다.[36]1983년에 Loudness는 미국과 유럽을 순회했다.1985년, 최초의 일본 금속 법이 미국의 주요 상표에 서명되었다.1985년과 1986년에 발매된 앨범 썬더 인 더 이스트 스트라이크와 번개 스트라이크는 각각 74위(조국 오리콘 차트 4위), 빌보드 200 차트 64위로 정점을 찍었다.[37][38]80년대 말까지 미국에서 앨범을 발매한 다른 밴드인 Ezo와 Dead End는 단 2개뿐이다.80년대에는 테라다 게이코가 이끄는 여성 밴드 쇼야, 보컬에 아카오 가즈에와 함께 하는 테라 로사처럼 여성 멤버가 있는 밴드는 거의 없었다.1989년 9월, 쇼야(Show-Ya)의 앨범 Outerlimits가 발매되어 오리콘 앨범 차트 3위에 올랐다.[39]헤비메탈 밴드는 1980년대 후반에 최고조에 달했고 그 후 많은 밴드들이 1990년대 중반까지 해체되었다.

비주얼 케이의 선구자, 엑스 재팬의 2007년 재결합 후 2009년 홍콩에서 콘서트.

1982년 가부키에서 영감을 받은 메이크업을 한 세이키마-II, 비주얼 케이(Visual kei)로 알려진 일본 운동을 개척한 엑스 재팬 등 일본 최초의 글램 메탈 밴드가 결성되어 베스트셀러 메탈 밴드가 되었다.[40]1985년 세이키마-II의 앨범 세이키마-II - Akuma ga Kitarite 헤비메탈이 발매되었고, 오리콘 앨범 차트에서는 48위에 올랐지만, 일본 메탈 밴드로는 처음으로 10만장을 돌파했다.그들의 앨범은 1990년대 중반까지 정기적으로 상위 10위 안에 들었다.1989년 4월 X Japan의 2집 앨범 《Blue Blood》가 발매되어 6위에 올랐으며, 108주 만에 차트 판매량이 71만 2천장이 팔렸다.[41]그들의 세 번째이자 베스트셀러 앨범인 질투는 1991년 7월에 발매되었다. 질투는 차트에서 1위를 차지했고 111만 장이 팔렸다.[41]두 개의 1위 스튜디오 앨범인 Art of Life와 싱글 앨범인 X Singles는 모두 50만 장이 넘게 팔렸고,[42] 1997년 해체되기 전에 13개의 톱 5 싱글로 마감했다.[43]

일본 금속은 2014년 '카와이 메탈' 밴드 베이비메탈의 성공으로 세계적인 주목을 받았다.그들은 "김메 초콜릿!!"과 같은 바이러스성 유튜브 히트곡을 녹음했다.그는 "2014년 영국 소니스피어 페스티벌, 캐나다 헤비몬트레알 등 메탈리카와 슬레이어 등 국제 공연도 함께 했다.베이비메탈은 자신의 아트레이브에서 열린 레이디 가가의 5개 콘서트의 오프닝 무대였다. 아트팝 볼 2014 투어.[44][45]베이비메탈은 케랑!'의 독립정신상, 메탈 해머의 돌파 밴드상 등 수많은 상을 받았다.[46]

익스트림 메탈

일본 익스트림 메탈 밴드는 미국과 유럽의 물결이 일면서 형성되었지만 1990년대까지 더 큰 노출이 되지 않았고, 이 장르는 일본에서 지하로 형성되었다.[citation needed]1980년대 초에 결성된 최초의 메탈 밴드는 데스 메탈 요소인 유나이티드나 인레이지 같은 음악이다.유나이티드는 1995년 9월 금속 축제 '파운데이션스 포럼'에서 로스앤젤레스에서 공연을 했고 북미에서 몇 장의 앨범을 발매했다.1980년대 중반 결성된 둠은 1988년 10월 CBGB에서 미국에서 뛰었고, 해체된 2000년까지 활동했다.

블랙 메탈 음악을 처음 연주한 밴드는 아직 활동 중인 사바트와 1990년대 초반까지 활동한 벨즐렙이었다.다른 주목할 만한 행위로는 허쉬, 아비가일, 갤러머 등이 있다.

둠메탈은 일본에서도 관객을 모았다.가장 잘 알려진 두 가지 일본 둠 메탈 행위는 불행의 교회와 보리스인데 둘 다 나라 밖에서 상당한 인기를 얻었다.

메탈코어

2000년대에는 토이코의 크리스탈 레이크, 나고야 토박이 콜드레인·데쓰가제, 고베스의 공포·로티스트 등 일본 메탈코어 밴드, 오사카의 크로스페이츠 등이 결성되었다.

힙합

주요기사 : 일본 힙합

힙합은 1980년대 후반에 와서 계속 번창하고 있다.이는 "일본어 문장은 미국 래퍼들의 노래에 담긴 라임 효과를 형성할 수 없었다"[47]는 음악계의 믿음 때문이었다.

다른 래퍼들의 "가족"들이 겐바, 즉 나이트클럽에서 공연을 한다.가족은 본질적으로 더 유명한 도쿄의 행위들 중 하나가 이끄는 랩 그룹들의 집합체인데, 여기에는 보호자도 포함된다.[48]이들은 "집단 간의 양식적 차이를 이해하는 열쇠"[48]이기 때문에 중요하다.관중석의 힙합 팬들이 클럽을 장악하고 있다.그들은 무대 위의 랩 콘테스트에서 누가 우승자인지 판단한다.랩 아티스트 다보(주요 레이블 아티스트)와 간(인디 아티스트)의 대결에서 그 한 예가 엿보인다.간 총리는 다보가 중간 기량을 보이는 동안 다보에게 도전했다.이날 행사는 "현장의 개방성과 클럽 내 경계의 유동성"[49]을 보여줬다.

그라메

주요기사 : 일본식 그라임

그리메는 2000년대 초 영국의 차고와 정글에서 파생된 영국 전자장르로[50][51] 댄스홀, 래거, 힙합 등에서 영향력을 끌어낸다.[52][53]이 스타일은 일반적으로 140 bpm 전후의 빠른 동기화된 브레이크비트에 의해 특징지어지며,[52][54] 종종 공격적이거나 들쭉날쭉한 전자음이 특징이다.[55]랩은 중요한 요소이고, 가사는 종종 도시 생활의 투박한 묘사를 중심으로 한다.[56]

2004년, 일본 DJ는 멋진 플레이를 하기 시작했다.[57]2008년, 주로 오사카 출신 MC들이 등장하기 시작했다.MC들은 영국의 명곡 크루 롤 딥과 믹스테이프 규칙과 규정에서 영감을 받았다.오사카 MC는 개척자 MC 데키시, MC 더프, MC 타킬라치 등으로 구성되었다.[58][59]MC 데키시는 2009년 '그레이미 시티 볼륨 1'이라는 제목으로 일본 최초의 그라임 믹스테이프를 발매했다.[57]오사카 MC는 랩이 굉장히 빠른 것으로 알려져 있다.[60]카르파인터, 더블클라페르츠, MC 온쥬이시, 파킨, 사카나 라벤다가 이끄는 시부야 도쿄 지역에서 또 다른 장면이 싹텄다.[58]

테크노 팝과 클럽 음악

참고 항목:일렉트로닉 뮤직, 신스팝, 일렉트로 뮤직

일본의 테크노 팝은 크래프트워크 같은 독일 테크노 아티스트의 영향을 받았다.히카수유, P-모델, 더플라스틱스 등 뉴웨이브와 테초팝 밴드가 인기를 끌었다.대중음악으로 유명했던 1970~80년대 많은 음악가들이 C-C-B, 야노 아키코 등 테크노 프로덕션에 눈을 돌렸다.1990년대에는 덴키 그루브가 형성되어 일본 일렉트로나계의 메인스트리가 되었다.폴리식스 같은 예술가들은 이 시대에 대해 노골적인 경의를 표한다.캡슐의 나카타 야스타카씨는 국내외에서 성공을 거둔 인기 있는 전기장난극 '향수'와 '카와이 하라주쿠 홍보대사'라는 이름을 가진 카일리 파뮤 파뮤의 배후에 관여했다.

카와이 퓨처 베이스

주요기사 : 카와이 퓨처베이스

가와이 퓨처 배스는 퓨처 배스의 하위 장르로 일반적으로 박자가 높고 일본 문화에서 강한 영감을 받은 것으로, 일본어 가사나 애니메이션이나 만화에 대한 언급도 종종 포함하고 있다.대부분 스네일 하우스가 개척한 2015년을 전후해 성공을 거두기 시작했다.해외에서의 일본의 영향력 증대로 인해, 카와이 퓨처 베이스는 전 세계적으로 인기를 끌었다.

루트 음악

1980년대 후반, 샹상 태풍과 붐과 같은 뿌리 밴드가 인기를 끌었다.네네나 키나 같은 오키나와 뿌리 밴드도 상업적이고 비판적으로 성공했다.이는 린켄 밴드의 갑작스러운 성공에 이끌려 제2의 물결의 오키나와 음악으로 이어졌다.가와치야 기쿠스이마루 감독이 이끄는 참플루스와 키나의 컴백 등 밴드들이 뒤를 이었다. 가와치 온도는 사쿠라가와 다다마루와 매우 비슷하다.

라틴어, 레게, 스카 음악

추가 정보: 일본 레게와 일본 스카

인도네시아, 자메이카 등의 음악이 동화되었다.오르케스타 데 라 루즈(Orquesta de la Luz, Mute Beat, La-piech, Home Grown and Sca Flights, 결정, 도쿄 스카 파라다이스 오케스트라)와 같은 아프리카 수족과 라틴음악은 자메이카 레게와 스카처럼 인기가 있었다.

노이즈 뮤직

주요기사: 재나노이즈

일본에서 인정받은 또 다른 음악 형태는 노이즈 음악이다.이 나라에서 나는 소음을 일본석이라고 부른다.가장 눈에 띄는 대표자는 프로젝트 메르즈바우 마사미 아키타다.

테마 음악

참고 항목:애니메 작곡가, 제이팝, 제이록

영화의 테마 음악, 애니메이션(애니슨), 토쿠사츠(토쿠사우슨), 도라마(道라마) 등은 별도의 음악 장르로 꼽힌다.모든 장르의 음악가들과 밴드들이 일본 텔레비전과 영화에 녹음을 한 반면, 몇몇 아티스트들과 그룹들은 그들의 경력의 대부분을 주제곡을 연주하고 비주얼 미디어를 위한 사운드 트랙을 작곡하는데 보냈다.그러한 예술가들로는 마사토 시몬(현재 일본에서 가장 성공적인 싱글로 "오요게! 「타이야키군」),[61] 미즈키 이치루, JAM프로젝트의 전 멤버(즉, 덴게키 센다이 체인지맨·드래곤볼 Z의 오프닝을 노래한 카게야마 히로노부), 프로젝트 멤버 구시다 아키라.R, 사사키 이사오, 호리에 미쓰코.일본 테마음악의 저명한 작곡가로는 조 히사이시, 오시마 미치루, 요코 간노, 사하시 도시히코, 가지우라 유키, 나카가와 고타로, 기쿠치 슌스케, 하야시 유키 등이 있다.

게임 음악

참고 항목:비디오 게임 음악, 치프튜네, 비트팝, 닌텐도코어
Final Fantasy 게임 시리즈의 작곡가 우에마쓰 노부오

최초의 전자 게임이 판매되었을 때, 그들은 음악을 생산할 수 있는 기본적인 사운드 칩을 가지고 있었다.기술이 발전함에 따라 품질은 급격히 향상되었다.제비우스(Jevious)는 음악으로 가장 먼저 인정받은 게임으로, (당시) 깊게 구성된 이야기로도 주목할 만했다.비디오 게임 음악 역사상 가장 중요한 게임 중 하나는 드래곤 퀘스트다.사이보그 009, 고질라 vs 장편영화 등 다양한 애니메이션과 TV쇼를 위해 작곡한 스기야마 고이치. 비올란테는 호기심으로 이 프로젝트에 참여했고 게임이 심각한 사운드트랙을 가질 수 있다는 것을 증명했다.그가 관여하기 전까지는 비디오 게임 개발에서 음악과 소리가 소홀한 경우가 많았고 음악적 지식이 거의 없는 프로그래머들도 사운드트랙을 쓸 수밖에 없었다.기술적 한계에 굴하지 않고, 스기야마는 몇 시간의 게임 플레이에도 불구하고 플레이어가 지치지 않는 사운드 트랙을 만들기 위해 단지 8부 다성음악으로 작업했다.

게임음악의 저자로 잘 알려진 사람은 우에마쓰 노부오다.우에마츠가 일찍이 작곡한 게임 시리즈 파이널 판타지(Final Fantasy on Famicom, 미국의 닌텐도 엔터테인먼트 시스템)는 관현악 전곡을 위해 편곡되었다.2003년에 그는 원래의 MIDI 형식에서 록 기반의 곡을 가져와 블랙 메이지스를 만들었다.미츠다 야스노리는 제노게어, 제노사가 에피소드 1, 크로노 크로스, 크로노 트리거 등의 게임의 작곡가다.닌텐도의 사운드 매니저인 고지 곤도는 젤다와 마리오를 위해 테마를 썼다.Senoue 준은 Sonic the Hoggher를 위해 작곡했다.그는 소닉 어드벤처, 소닉 어드벤처2, 소닉 히어로즈, 섀도우 더 헤지호그, 소닉과 블랙 나이트의 주제곡을 만든 것으로 알려진 크러쉬 40의 메인 기타리스트도 겸하고 있다.사쿠라바 모토이 시리즈, 다크 소울즈, 영원한 소나타, 스타 오션, 발키리 프로필, 골든 선, 바텐 카이토스 게임과 함께 수많은 마리오 스포츠 게임을 작곡했다.고시로는 시노비의 복수나 분노의 거리 시리즈와 같은 게임을 위해 전자음악에 영향을 받은 사운드트랙을 작곡했다.

테크노/트랜스 음악 제작 그룹 아이브 사운드는 컴퓨터 게임에 대한 테마를 쓰고 나서 애니메이션 장면에 끼어들었다.이 그룹은 에로지와 애니메이션을 통해 세계 다른 지역에서 팬들을 찾을 수 있었다.

우타다 히카루, 미즈키 나나, 보아와 같은 팝 가수들은 때때로 게임을 위해 노래를 부른다.

참고 항목

추가 읽기

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참조

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외부 링크