This is a good article. Click here for more information.

음악의 소음

Noise in music
이 기사는 음악에서 소음의 발생에 관한 것이다.음악의 한 형태로 노이즈를 보려면 노이즈 음악을 참조하십시오.
지미 헨드릭스는 피드백, 왜곡, 와즈, 솜털, 불협화음, 큰 음량 등의 기법을 통해 노이즈를 통합함으로써 록과 재즈를 혁신시켰다.
Dolby 361 A형 소음 감소 모듈

음악에서 소음은 결속되지 않은 소리, 불규칙한 소리, 통제되지 않는 소리, 큰 소리, 음악적이지 않은 소리 또는 원하지 않는 소리로 다양하게 묘사된다.소음은 인간의 목소리와 모든 악기, 특히 바느질하지 않은 타악기와 전기 기타(왜곡 사용)에서 중요한 요소다.전자 악기는 다양한 색상의 소음을 만들어 낸다.전통적인 소음 사용은 제한 없이, 올가미 드럼의 드럼 롤의 백색 소음 성분이나 일부 기관 파이프의 소리의 접두사에 존재하는 과도현상과 같이 음치 및 음색과 관련된 모든 주파수를 사용한다.

20세기 초 모더니즘의 영향은 에드가르드 바레스와 같은 작곡가들이 관현악 배경에서 소음 기반의 소닉의 사용을 탐구하도록 이끈다.같은 시기에 이탈리아의 미래학자 루이지 루솔로는 그가 인토나루모리라고 부르는 악기를 사용하여 "노이즈 오케스트라"를 만들었다.이후 20세기 후반에 노이즈뮤직이라는 용어는 주로 노이즈에 기반한 소리로 구성된 작품들을 지칭하게 되었다.

일반적으로 노이즈는 원하지 않는 소리 또는 신호다.이런 의미에서 다른 맥락에서 음악적으로 평범하게 인식될 소리조차 수신자가 원하는 메시지의 수신을 방해하면 잡음이 된다.[1]테이프 쉿에서 베이스 드럼 페달에 이르기까지 원하지 않는 소리의 예방과 감소는 많은 음악적 활동에서 중요하지만 소음은 또한 여러 가지 면에서 창조적으로, 그리고 거의 모든 장르에서 어떤 면에서는 창조적으로 사용된다.

노이즈의 정의

참고 항목:음악

전통적인 음악 연습에서 비음악적인 것으로 여겨지는 소리는 소음으로 취급되는 경향이 있다.[2]진동과 파동은 음악의 주기적인 패턴 구조와 대조적으로 소음을 물체의 불규칙한 진동으로 정의한다.[3]더욱 노골적으로, 전기 공학 교수 바트 Kosko 그의 책 소음의 소개의 장에서 우리가 좋아하지도 않는 "신호로 소음을 정의합니다."[4]폴 Hegarty, 강사를 하고 소음 음악가, 마찬가지로 소음에, 그것을 쓰고 주관적인 값 할당합니다"noise은 심판의, 사회적인 것, unacceptability, 규범들의 파단과에 대한 두려움에 근거한다.폭력."[5]작곡가 겸 음악 교육자 R. Murray Schafer는 소음을 네 가지 범주로 나누었다.원치 않는 소음, 음악적이지 않은 소리, 어떤 큰 시스템, 그리고 어떤 신호 시스템의 방해.[6]

음악의 반대되는 소음과 관련하여, The Origin of Music: Universal Development of Music의 이론에 따르면, 문화 이론은 소음과 음악의 차이를 사회적 힘, 습관, 관습의 결과라고 보는 반면, "역사상 인간이 어떤 소리를 선택하는 것을 보는 모든 곳에서,음악과 같은 특정한 다른 소리들, 그리고 모든 문화의 전반적인 발달에서, 이러한 구별은 같은 소리를 중심으로 이루어진다."[7]그러나 음악학자 장 자크 나티즈는 "음악과 소음의 경계는 항상 문화적으로 정의된다. 즉, 단일 사회 내에서조차 이 경계선이 항상 같은 곳을 통과하지는 않는다는 것을 암시한다. 간단히 말해서, 의견 일치가 거의 없다...어느 모로 보나 음악이 무엇일지를 규정하는 단일 문화간 보편적 개념은 존재하지 않는다."[8]

음악의 특징으로서의 소음

인간의 목소리와 모든 음향 악기에 의해 만들어지는 음악적 음색은 다양한 수준의 소음을 포함한다.인간의 언어에서 대부분의 자음(예: f, v, s, z의 소리, 음성 및 비음향 th, Scottish 및 German ch의 소리)은 독특한 소음으로 특징지어지며, 모음도 완전히 소음이 없는 것은 아니다.관악기에는 마우스피스의 가장자리에 부딪혀 공기가 깨지는 윙윙거리는 소리 또는 쉿하는 소리가 포함되며, 반면, 굽은 악기는 악기가 불량하거나 플레이어가 킬킬거리지 않을 때, 나쁜 음조로 인식되는 것에 기여하는 청각적 마찰음이 발생한다.그들이 과도하지 않을 때, 청취자들은 이러한 소음에 대해 무시함으로써 "귀머리로 만든다".[9]

미봉착 타악기

주요 기사:미부착 타악기
마라카스는 그들의 독특한 음색에 힘입은 것이다.

올가미 드럼이나 마라카 같은 많은 붙이지 않은 타악기들은 무작위적인 소리나 소음이 존재하는 것을 이용하여 어떠한 인식된 음조도 없이 소리를 낸다.[10][11]음색을 보아라.박음질하지 않은 타악기는 일반적으로 리듬을 유지하거나 억양을 제공하는 데 사용되며, 그 소리는 음악의 멜로디와 조화와 관련이 없다.오케스트라 내에서 비봉합 타악기는 보조 타악기라고 불리며, 이 타악기 섹션의 하위 섹션에는 예를 들어 완두 휘파람과 사이렌과 같은 오케스트라의 모든 비봉합 악기가 포함되어 있다.

전통 음악

고대

고대 그리스 음악에서 타악기는 일반적으로 다소 중요하지 않았지만, 무용음악과 오르가즘 숭배자들의 의식음악에서는 두 가지 예외가 있었다.이전의 필수 악기는 날카롭게 정의된 리듬을 제공했으며, 특히 크로탈라(건조하지 않은 소리가 나는 클랩퍼)와 키발라(손가락 심벌즈와 유사함)를 필요로 했다.숭배 의식은 드럼, 심벌즈, 징글, 롬보스(불장난하는 자)에 의해 만들어지는 것과 같이 더욱 신나는 소음을 필요로 했는데, 이 소음이 사이벨의 제사장들의 의식에서 특히 중요한 악마적인 굉음을 만들어냈다.[12]아테나이우스(The Deipnosophists xiv.38)는 현재 잃어버린 연극 세멜레(Semelle)의 한 구절을 인용, 이러한 의식의 일부에 대한 모든 반향을 묘사하고 있다.

그리고 지금 터번을 쓰는 여자들 소리가 들리고
아시아계 시벨레 제사장들이여,
큰 소리로 떠들어대는 부유한 프리지아인들의 딸들.
드럼과 광맥과 뻔뻔스러운 심벌즈를 가지고
두 사람이 손을 맞잡고 서로 치고받고
신들에게 지혜롭고 힐링된 찬송가를 부어라.[13]

이 소음 음악의 기능에 대한 완전히 어두운 그림은 아베 콘디타 xxxix에서 리비에 의해 그려진다.기원전 1세기 후반에 쓰여진 8-10년.그는 "비열한 상태의 그리스인 ... 희생의 낮은 운영자, 그리고 비밀 미스터리의 교사"를 묘사하고 있다. 그는 에트루리아로, 그리고 로마로 많은 추종자들을 끌어들인 디오니시안 숭배 집단으로 수입했다.강간과 강간을 포함한 모든 종류의 타락은 이 종교집단에 의해 실행되었다.

비밀 살인...시신을 매장할 엄두조차 내지 못한 곳.그들의 대담한 행동의 상당수는 배반으로 말미암아 생겨났지만, 대부분은 무력으로 생겨났고, 이 힘은 큰 고함소리에 가려져 있었고, 드럼과 심벌즈의 소음으로 인해 위반이나 살인을 당한 사람들이 내뱉는 외침은 해외에서 전혀 들을 수 없었다.[14]

폴리네시아

유럽 탐험가들과의 첫 접촉 이전의 타히티 전통 춤 장르는 드럼 앙상블만을 동반한 한 무리의 남자들에 의해 춤을 추는 ʻtea이다.드럼은 주 리듬 패턴을 제공하는 슬릿 로그 드럼, 파아테트(fa'atete), 파후 투파이 리마(pahu tupa'i rima), 타리파라우(tariparau)라는 단두 베이스 드럼으로 구성되어 있다.[15]

전통 양게춤 공연에는 미봉착 타악 앙상블(이곳에 그려진 드림나비댄스그룹(蝶 butterfly舞团))이 함께 한다.

아시아

중국 북부의 산시(山西)에서는 드럼 앙상블이 양게춤을 동반하고, 천진 지역에서는 파구이 달마 드루밍 협회와 같은 의식적인 타악 앙상블이 있는데, 종종 수십 명의 음악가들로 구성되어 있다.[16]한국에서는 수백 년 동안 지역 연주자들과 콘서트나 축제에서 전문 투어 밴드에 의해 농악 또는 풍물이라고 불리는 민속 음악이 공연되어 왔다.장구, 토, 징, 꽹과리 등 타악기로 연주되는 야외 공연을 위한 시끄러운 음악이다.현장 노동자들이 수행하는 반복적인 업무를 보조하기 위한 단순한 작업 리듬에서 비롯됐다.[17]

첸다와 엘라탈람 연주자의 앙상블

남아시아 음악은 세계 다른 지역에서 발견되는 드럼의 1차 시간 유지 기능에서 해방된 드럼을 특별히 강조한다.[18]북인도에서는 시민 축제 퍼레이드와 신랑의 결혼식 파티를 신랑의 집이나 결혼식이 열리는 홀로 이끄는 바트 행렬에서 세속적인 절차적 밴드들이 중요한 역할을 한다.이러한 밴드들은 자신을 고용하는 가족의 수단과 시간에 따라 변화하는 패션에 따라 화장법이 다르지만, 핵심 계측기는 작은 타악기 그룹인데, 주로 액자 드럼(ḍ子aph), 징( gong), 주전자 한 쌍을 연주한다.더 나은 가정은 타악기에 숄럼(쉐나이)을 더하는 반면, 현대적이거나 유행하는 이미지를 선호하는 가장 부유한 사람들은 전통적인 앙상블을 브라스 밴드로 대체할 수도 있다.[19]인도 남부의 카르나틱 음악에는 케랄라 주(州)의 기악사원음악의 전통이 포함되어 있는데, 이 음악에는 'ktrtram vadyam'이라고 불린다.여기에는 3개의 주요 장르가 포함되어 있는데, 모두 리듬에 초점을 맞추고 있으며, 탈곡되지 않은 타악기를 특징으로 한다.특히 타얌바카는 바느질하지 않은 타악기만의 거장이다: 첸다라고 불리는 독보적인 양머리 원통형 드럼으로, 막대기로 연주하고, 다른 첸다와 엘라탈람(심벌즈의 펜)을 동반한다.다른 두 장르의 판차바디암과 판디멜람은 앙상블에 관악기를 더하지만, 단지 일차 북과 심벌즈와의 반주로만 한다.판차바담 작품은 일반적으로 약 1시간 지속되는 반면 판디멜람 공연은 4시간 정도 길 수 있다.[20]

터키

터키 메테른 또는 재니사리 밴드

터키 재니세리 군단은 14세기부터 메테르 또는 메테르라고 불리는 밴드를 포함했는데, 이 밴드는 아시아의 다른 많은 다른 군 밴드들처럼 트럼펫과 숄과 함께 드럼, 심벌즈, 징의 비율이 높았다.높은 수준의 소음은 군인들에게 영감을 주기 위해 전장에서 노는 그들의 기능과 관련이 있었다.[21]이들 밴드의 초점은 타악기였다.풀메테란에는 여러 개의 베이스 드럼, 여러 쌍의 심벌, 작은 케틀드럼, 삼각형, 탬버린, 그리고 하나 이상의 터키 초승달이 포함될 수 있다.[22]

유럽

터키 대사의 방문과 기타 접촉을 통해 유럽인들은 이들 악단의 '바보적인' 소리, 시끄러운 소리에 매료되었고, 17세기 후반과 18세기 초에 다수의 유럽 법원이 '터키어' 군사 앙상블을 설립하였다.그러나 이들 앙상블이 연주하는 음악은 사실 터키 음악이 아니라 오히려 널리 퍼져 있는 유럽식의 작곡이었다.[23]일반적인 열정은 빠르게 오페라 및 콘서트 오케스트라로 퍼져 나갔는데, 그곳에서 베이스 드럼, 심벌즈, 탬버린, 삼각형의 조합을 총칭하여 '터키 음악'이라고 불렀다.The best-known examples include Haydn's Symphony No. 100, which acquired its nickname, "The Military", from its use of these instruments, and three of Beethoven's works: the "alla marcia" section from the finale of his Symphony No. 9 (an early sketch reads: "end of the Symphony with Turkish music"), his "Wellington's Victory"—or Battle Symphony—wi그림 같은 음향 효과(베이스 드럼은 "캐논"으로 지정되고, 사이드 드럼은 군인들의 반대편 부대를 나타내며, 라이플 사격의 소리를 래칭한다), 그리고 그의 부수적인 음악에서 아테네의 폐허로 이어지는 "터키시 행진"(예상 베이스 드럼, 심벌즈, 삼각형 등)과 "더비쉬의 쇼러스"는 그가 사용하는 것을 말한다.카스타네츠, 심벌즈 등 가능한 모든 [24][25][26]시끄러운 악기들18세기 말에 이르러, 타자는 매우 유행하여 키보드 악기에 베이스 드럼(소리 나는 판자의 뒤쪽에 패드를 댄 머리의 망치), 심벌즈(아래 현을 치는 놋쇠의 스트라이프), 삼각형과 종(봉에 부딪힌 작은 금속 물체)을 시뮬레이션하는 장치가 장착되었다.실제로 타악기를 사용하지 않았을 때에도, 이러한 퍼커션 효과를 모방하기 위해 특정 alla turca "트릭"을 사용했다.모차르트의 피아노 소나타 K. 331의 "Rondo alla turca"와 그의 바이올린 협주곡 K. 219의 피날레 부분 등이 그 예다.[27]

하프시코드, 피아노, 오르간
오텔로에서 톤 클러스터 형태로 소음을 사용했던 주세페 베르디.

유럽에서 '터키 음악'이 유행하고 있는 거의 동시에, 프로그램적인 키보드 음악의 패션은 주먹, 손의 평평함, 팔뚝 또는 심지어 키보드에 배치된 보조 물체를 가지고 연주되는 키보드 클러스터 형태의 또 다른 종류의 소음을 도입할 수 있는 길을 열었다.하프시코드와 피아노에서 이 장치는 주로 "전투" 작품에서 발견되었는데, 이 작품들은 대포의 불을 나타내는 데 사용되었다.The earliest instance was by Jean-François Dandrieu, in Les Caractères de la guerre (1724), and for the next hundred years it remained predominantly a French feature, with examples by Michel Corrette (La Victoire d'un combat naval, remportée par une frégate contre plusieurs corsaires réunis, 1780), Claude-Bénigne Balbastre (March des Marseillois,1793), 피에르 앙투안 세사르(La Battaille de Gemmap, ou la prises de Mons, ca. 1794), 자크-마리 보발레-샤르펜티에(Bataille d'Austerlitz, 1805).1800년에 베르나르 비구리에리는 실내악에 그 소리를 소개했는데, 라 바타유 드 마링고, 피에스 밀리타이어 등 역사학이라는 피아노 트리오의 키보드 부분이었다.[28]20세기 이전에 이 피아노의 "캐논" 효과가 마지막으로 사용된 것은 1861년 당시 미국 흑인 피아노 거장 "블라인드 톰" 베쓰네의 작품 속에 마나사스 전투가 묘사된 것인데, 이 작품은 발성된 음향 효과 소음이 특징이기도 하다.[29]

클러스터는 또한 오르간에서 사용되었는데, 그곳에서 그들은 더 다재다능하다는 것을 증명했다(또는 그들의 작곡가들이 더 상상력이 풍부하다는 것을 증명했다.이들이 이 악기에 가장 많이 사용한 것은 천둥소리를 불러일으키면서도 전투 소리, 바다에서의 폭풍, 지진, 그리고 예리코 성벽의 붕괴나 종말의 환영과 같은 성경적 장면들을 묘사하는 것이었다.시끄러운 소리는 그럼에도 불구하고 특별한 음향 효과로 남아 음악의 전반적인 질감에는 통합되지 않았다."기관 천둥"의 가장 초기 예는 18세기 마지막 사분기에 있었던 아베 보글러의 즉흥 연주에 대한 설명에서 비롯된다.His example was soon imitated by Justin Heinrich Knecht (Die durch ein Donerwetter [sic] unterbrochne Hirtenwonne, 1794), Michel Corrette (who employed a length of wood on the pedal board and his elbow on the lowest notes of the keyboard during some improvisations), and also in composed works by Guillaume Lasceux (Te Deum: "Judex crederis", 1786), 지기스몬드 노이콤 (A Concert on a Lake, Interrupted a Thunderstorm, Spene Pastorale, 1867), 자크 보그트 (Fantaisie pastorale et et orage dans alpes, ca. 1830), 줄스 블랑 (La crance,[30] 1859).그러한 장기 클러스터를 사용한 가장 주목할 만한 19번째 복합체는 주세페 베르디였다.그의 오페라 오텔로(1887년)를 여는 스톰 음악에는 오르간 성단(C, C,, D)이 포함되어 있는데, 이 성단은 음악적 질감에서 가장 긴 공증 기간이기도 하다.[31]

현악기
하인리히 이그나츠 프란츠 비버는 프로그램적인 효과를 위해 현악기에 소음을 도입했다.

북을 모방한 퍼커티브 효과는 17세기 초까지 활줄 악기에 도입되었다.콜 레그노의 가장 일찍 알려진 사용법은 하르케, 하르케라는 제목의 작품에서, 무반주 비올라 다 감바(1605)를 위한 토비아스 흄의 아이레스 제1부에서 찾아볼 수 있다.[32]독일에서 활동 중인 이탈리아 바이올리니스트 카를로 파리나도 콜로 레그노를 이용해 4개의 현악기(1627년)에 카프리치오 스트라바간테의 드럼 소리를 흉내 냈고, 글리산도, 트레몰로, 피지카토, 설 폰티첼로 등의 장치를 사용해 바니야드 동물(고양이, 개, 닭)의 소리를 흉내내기도 했다.[33]세기 후반에 하인리히 이그나츠 프란츠 비버는 바토리아(1673)의 어떤 동작으로, 올가미 드럼의 건조한 덜컹거리는 소리를 모방하기 위해 이중 베이스의 A줄 밑에 종이를 한 장 놓는 장치를, 그리고 같은 프로그램적인 전투 작품인 슈퍼히메르의 "Die liedliche Gesellschaft von alleyley Hum"에서 이러한 효과를 더했다.서로 다른 키로 8개의 다른 멜로디를 포즈하여 밀집한 관현악단에서 연출했다.그는 또한 총성을 나타내기 위해 포티시모 피치카토(fortissimo pizzicato)의 독설적인 스냅을 사용한다.[34]

19세기 이전의 유럽 키보드와 현악 음악에서 이러한 모든 소음의 사례의 중요한 측면은 그것들이 프로그램 음악에서 음향 효과로 사용된다는 것이다.다른 음악적 맥락에서 불쾌감을 유발할 수 있는 소리는 그 예시적 기능에 의해 받아들여진다.시간이 지남에 따라, 그들의 환기 효과는 동시에 더 일반적으로 추상적인 음악적 맥락에 통합되면서 약화되었다.[35]

오케스트라

오케스트라는 19세기에 걸쳐 확대된 타악기 부분의 형태로 계속 소음을 사용했는데, 이는 바로 베를리오즈가 아마도 팀파니의 음색에 대한 여러 가지 망치의 영향을 철저히 조사한 최초의 작곡가일 것이다.[36]그러나 20세기 이전에는 타악기들이 관현악에서 매우 작은 역할을 하였으며 문장 부호나 구절 강조, 또는 참신함을 위해 주로 사용되었다.그러나 1940년대까지 일부 작곡가들은 재즈와 대중음악뿐만 아니라 비서양음악의 영향을 받아 마림바, 비브라폰, 실로폰, 종, 징, 심벌즈, 드럼 등을 통합하기 시작했다.[36]

성악

성악에서는 1528년 클레망 제인킨이 자신의 프로그램적인 샹송 라 바타유(The Battaille)로 이러한 장치를 유명하게 만들기 훨씬 전에 시끄러운 난센스 음절이 전투 드럼과 대포의 불을 흉내 내기 위해 사용되었다.[37]1897년 엥겔베르트 훔퍼딘치에 의해 그의 멜로드라마인 쾨니그스카인더의 첫 번째 버전에서 정식 작곡에 미착용 또는 반음 연주가 도입되었다.이러한 공연 방식은 이전에 거짓말쟁이 가수와 대중가요 가수들이 사용했던 것으로 추정된다.그러나 이 기법은 그의 거렐리더(1900–1911), 삐에로 루나레르(1913), 오페라 모세 언트 아론(1930–1932)에서 솔로 음성을 위해, 그리고 다이 글뤼클리허 핸드(1910–1913)에서 코러스를 위해 이 기법을 도입한 아놀드 쇤베르크의 다소 후기 작곡에서 가장 잘 알려져 있다.이후 이 장치를 두드러지게 사용한 작곡가들은 피에르 불레즈, 루치아노 베리오, 벤자민 브리튼 (1973년 베니스의 죽음에서), 마우리시오 카겔, 볼프강 렘 (그의 오페라 야콥 렌츠, 1977년–1978년, 다른 작품들 중)을 포함한다.[38]대중음악에서 이러한 스타일의 공연을 보여주는 잘 알려진 예는 렉스 해리슨이 <마이 페어 레이디>에서 헨리 히긴스 교수를 연기한 것이다.[39]연결되지 않은 성악의 또 다른 형태는 말코러스인데, 당시 독일에서 유행했던 게브라우흐스무식(Gebrauchsmusik)의 예인 에른스트 토흐의 1930년 지리적 푸가로 두드러지게 대표된다.[40]

기계 음악
오케스트라 배경에서 소음을 탐구한 에드가르드 바레스.

1920년대에 "기계 음악"이라고 불리는 것을 작곡하기 위한 패션이 등장했다. 즉, 공장, 기관차, 증기선, 다이너모스, 그리고 현대적이고 도시적인 삶을 반영하고 객관성, 분리성, 그리고 직설성의 당시 이미 확립된 정신에 호소한 최근의 기술의 다른 측면들의 음악 묘사였다.Representative works in this style, which features motoric and insistent rhythms, a high level of dissonance, and often large percussion batteries, are George Antheil's Ballet mécanique (1923–1925), Arthur Honegger's Pacific 231 (1923), Sergei Prokofiev's ballet Le pas d'acier (The Steel Leap, 1925–1926), Alexander Mosolov's Iron Foundry (an orche그의 발레 스틸, 1926–1927)과 카를로스 차베즈의 발레 카발로스 드 증기의 스트랄 에피소드도 HP(Horspower, 1926–1932)라는 제목이었다.이러한 경향은 35개의 미봉착 타악기 앙상블을 위한 "순수한 소수와 리듬에 관한 연구"인 1931년 이오네이션 작곡을 한 에드가르드 바레스의 음악에서 정점에 달했다.[41]

타악 앙상블

바레스의 예에 따라 1930년대와 40년대에 타악기 앙상블에 중요한 다른 작품들이 많이 작곡되었다: 헨리 코웰의 오스티나토 피아니시모(1934년)는 라틴 아메리카, 유럽, 아시아의 타악기들을 결합했고, 존 케이지의 제1건설(1939년)은 천둥, 브레이크 드럼, 징, 그리고 다른 곡들을 사용한다.수상 징, 타악기용 카를로스 차베스의 토카타(1942)는 6명의 연주자가 실로폰, 관상 차임벨, 글로켄스피엘과 같은 몇몇 튜닝된 악기와 함께 유럽과 라틴 아메리카의 드럼과 기타 미봉착 타악기를 연주할 것을 요구한다. 루 해리슨은 칸티클레스 1번과 3번(1940년과 1942년).)), Cueztalcotl의 노래 (1941)와 Taracle을 위한 Suite (1942) 그리고 (1941)는 존 케이지와 협력하여 브레이크 드럼, 화분, 금속 파이프와 같은 "발견된" 악기의 사용을 탐구했다.이 모든 작품에서 음색, 질감, 리듬 등의 요소가 조화와 멜로디라는 일반적인 서구적 개념보다 우선한다.[42]

실험음악과 전위음악

준비된 피아노

소음의 사용은 20세기 중반 실험음악과 전위음악의 발달에 중심이었다.소음은 중요하고 새로운 방법으로 사용되었다.

Edgard Varése는 전통적 개념의 음악적, 비음악적 사운드에 도전했고 대신 소음 기반의 음색을 그의 작곡 작품인 "조직적 소리"에 포함시켰다.[43]바레스는 "고집하게 귀를 고정시키기 위해 음악에서 새로운 것은 항상 소음이라고 불려왔다"면서 "음악이 아니라 조직적인 소음"[44]이라는 질문을 던졌다.

제1차 세계대전 직후 헨리 코웰은 음치 클러스터와 피아노의 현악기 직접 조작을 특징으로 하는 많은 피아노 곡들을 작곡했다.밴시(1925년)라는 제목의 이 중 하나는 아일랜드 민속에서 들려오는 밴시의 무시무시한 울음소리를 암시하는 미끄럼과 비명소리를 특징으로 한다.[45]

1938년, Bacchanale이라는 제목의 댄스 작곡을 위해 John Cage는 준비된 피아노를 발명하여 피아노에서 변형된 투구와 다채로운 결합되지 않은 소리를 모두 만들어냈다.[46]준비된 기타와 같은 많은 변주곡들이 뒤따랐다.[47]1952년 케이지가 4 wrote33″을 썼는데, 이때 고의적인 소리는 전혀 나오지 않고, 공연 중 어떤 배경 잡음이라도 발생하는 것이다.

칼하인츠 슈톡하우젠은 기악과 성악을 중재하기 위해 네 명의 합창단이 박수를 치고, 말하고, 발을 섞는 모멘테(1962–1964/69)와 같은 성악곡에 소음을 채용하고, 연주자가 만드는 소리에 관객이 일반적으로 내는 소리를 접목시켰다.[48]

로버트 애슐리는 자신의 아방가르드 곡 The Wolfman(1964)에서 마이크와 확성기 사이에 울부짖는 소리를 설치한 다음 자신의 목소리로 피드백을 변조하는 방식으로 마이크에 대고 노래하는 방식으로 오디오 피드백을 사용했다.[49]

전자음악

Roland System-100M 모듈식 신시사이저(링 모듈레이터, 노이즈 발생기, 샘플 & 홀드, LFO 포함)
Minimoogg Voyager 제어 장치 중 일부.상단 로터리 스위치에서 변조 버스를 제어하는 노이즈/PGM 옵션을 기록해 두십시오.

노이즈는 전자 음악에서 기본 톤 재료로 사용된다.

순수주파수 사인음이 처음으로 복잡한 시점으로 합성되었을 때, 1953년부터는 부조화 관계(톤)보다 불협화음 관계(소음)를 이용한 조합이 훨씬 더 자주 사용되었다.[50]음색은 모음과 유사하게 보였으며, 인간의 언어에서는 소음에 대한 소음과 소음으로 보였으며, 전통음악은 거의 독점적으로 강조되었기 때문에 전자음악 작곡가들은 단일 순수(사인) 음색에서 백색 소음(모든 청각 주파수의 가장 밀도가 높은 중첩)에 이르는 연속체를 따라 탐사를 위한 범위를 보았다.s, 완전히 주기적인 음현상으로부터 완전히 주기적인 음현상까지.사인 톤을 콤플렉스로 구성하는 것과 반대되는 프로세스에서 흰색 소음을 걸러내어 영어로 sh, f, s 또는 ch로 표현되는 음성 소리처럼 "색깔 소음"이라고 불리는 다른 대역폭의 소리를 낼 수 있다.이러한 방식으로 백색 소음을 완전히 필터링하여 구성한 전자 구성의 초기 예는 1957년 밀라노 스튜디오 디 폰올로기아에서 실현된 앙리 푸수르의 스캄비(Exchanges)이다.[51]

1980년대에 전자 백색 소음기들이 상업적으로 이용 가능하게 되었다.[52]이것들은 전통적인 배경음악과 유사한 역할인 유쾌한 배경소음을 제공하고 불쾌한 소음을 가리기 위해 단독으로 사용된다.[53]이러한 용법은 과잉 자극이나 감각 처리 장애로 어려움을 겪고 있는 개인의 경우에 건강 응용을 할 수 있다.[53][54]또한 백색소음은 연구동물이 있는 시설에서 갑자기 발생하는 소음을 가리기 위해 사용되기도 한다.[55]

록 음악

Ibanez Tube Screamer TS9, 오버드라이브 페달의 예

전기 기타는 원래 더 높은 음량으로 소리를 재현하기 위해 간단히 증폭되도록 고안된 반면,[56] 기타리스트들은 앰프를 사용하여 소리를 수정하는 창조적인 가능성을, 특히 음색과 음량 조절의 극단적인 설정에 의해 재빨리 발견했다.[57]

왜곡은 처음에는 단순히 앰프에 과부하를 가하여 클리핑을 유도하여 고조파 및 노이즈가 풍부한 톤을 발생시켰으며, 또한 동적 범위 압축을 생성하여 지속(그리고 때로는 앰프를 파괴)함으로써 생성되었다.The Kinks의 Dave Davies는 60와트 기타 앰프의 출력을 직접 두 번째 앰프의 기타 입력으로 공급함으로써 이 기술을 논리적인 결론에 도달시켰다.[58]이러한 기법의 인기는 유사하지만 더 제어되는 효과와 더 다양한 다양성을 생산하기 위해 퍼즈 박스와 같은 전자기기를 빠르게 개발하는 결과를 낳았다.[57]왜곡 장치는 또한 공기(소음 또는 왜곡, 또는 둘 다)를 추가하는 것을 포함하여 전자적으로 발성 성능을 향상시키는 효과 단위인 보컬 엔핸서로도 발전되었다.[59]기타 왜곡은 피드백, 오버드라이브, 솜털, 왜곡 페달을 사용하여 종종 이루어진다.[60]왜곡 페달은 오버드라이브 페달보다 바삭바삭하고 칙칙한 톤을 만들어 낸다.[60]

왜곡뿐만 아니라 록 뮤지션들은 오디오 피드백을 사용했는데, 이는 일반적으로 바람직하지 않다.[49][61]피드백의 사용은 비틀즈의 존 레논,[62][63] 야드버드의 제프 벡, The Who의 피트 타운젠드, 지미 헨드릭스 같은 음악가들에 의해 개척되었다.[49][64]헨드릭스는 피드백을 제어하여 음악적 품질로 바꿀 수 있었고,[65] 그의 소음 사용은 "유리 송풍기처럼 공중에서 전문가처럼 생긴 액체 및 화재"로 묘사되어 왔다.[66]헨드릭스가 사용하는 다른 기법으로는 왜곡, 와, 솜털, 부조화, 큰 음량 등이 있다.[67]

재즈

1960년대 중반부터 재즈는 록 음악의 요소들을 통합하기 시작했고,[68] 부분적으로 재즈와 강한 연계를 가진 [70][71]지미 헨드릭스의 노력 덕분에 왜곡과 피드백을 사용하기 시작했다.[65][69][72]프로토펑크 밴드 MC5도 피드백과 시끄러운 소리를 사용했으며 아방가르드 재즈 무브먼트에서 영감을 얻었다.[68]소음 요소, 피드백 및 왜곡을 채택했다 재즈 음악가들 빌 Frisell,[73]데이비드 Krakauer[74]세실 Taylor,[75]가보르 Szabó,[76]가넷 Brown,[77]Grachan 몬커 III,[77]재키 McLean,[78]존 Abercrombie,[79][80]존 McLaughlin,[81]조셉 Bowie,[77]래리 Coryell,[80]매코이 Tyner,[75]Ornette Coleman,[77]팻 Methe을 포함한다.Ny,[82] 필 Minton,[77]의 로스웰 Rudd,[77]와 스콧 헨더슨이다.[79]

힙합

폭탄스쿼드의 지원을 받은 퍼블릭 적으로서는 음악을 통해 정치적 발언을 하기 위해 소음을 이용했고, 10년 동안 힙합과 록에 영향을 미쳤다.

1970년대 브롱크스에서 유래한 이래로 힙합 음악은 소음과 연관되어 왔다.작가 마크 캣츠에 따르면 긁힘과 같은 기술은 그래피티의 시각 예술처럼 긁힘이 공공 기물 파괴의 한 형태인 위반의 표현이다.[83]"이것은 소음을 축하하는 것이다"라고 Katz는 썼다, "분명히 그것이 DJ들에게 가져다 준 즐거움의 일부는 그것이 기성세대를 짜증나게 한다는 것을 아는 데서 비롯되었다."[83]학자 윌리엄 젤라니 콥은 "이 장르는 많은 사람들에 의해 항상 날카롭고 단조로운 소음으로 무시될 것이지만, 사실은 힙합이 놀랄 만큼 많은 서정적이고 음악적인 변혁을 겪었다는 것이다"[84]라고 말한다.학자 로널드 라다노는 "현대 어휘에서 어떤 용어도 '소음'의 형상보다 아프리카계 미국 음악의 진정성과 저항력을 더 생생하게 전달하지 못한다"고 썼다.힙합 용어로, 'noise,'구체적으로'black 소음', 내부로부터는 특별한 통찰력, 랩의 건전한 공격 앞과 중심을 출현하는 anti-philosophy 있다.랩 opposition,"의"[85]Radano의 외모를 찾는다"black noise"거의 모든 곳에서에서"transnational 반복지만 글로벌 한 성격에도 불구하고, blac를 강조한다.k 소음은 여전히 미국의 인종 구조와 일치한다.라다노는 "인종의 안정된 이진을 급진적으로 만드는 것 보다 소음은 그들을 뒤엎는다; 그것은 조화, 멜로디, 노래와 같은 유럽의 음악적 통달의 이전 징후를 모든 나쁜 것들, 발차기, 그리고 검은 것으로 바꾼다"고 말한다.[85]

특히 힙합 그룹 Public Entries는 음악에서 소음을 사용한 것으로 유명하다.이 그룹의 두 번째 앨범인 It Takes a Nation of Million Of Hold Us Back (1988년)은 이 앨범의 레이어드, 반-화합성, 무정부적 노이즈 제작을 도운 제작팀인 The Bomb Squad에 의해 지원을 받았다.[86][87]마이클 에릭 다이슨은 이 앨범을 "거리에서 나오는 음악, 박자, 비명, 소음, 리듬 등이 강력하게 혼합된 것"이라고 묘사하며, 흑인 급진적 사고와 민족주의 사상이 부활한 사례로 보고 있다.[88]공공의 적 멤버 척 D는 이 그룹이 소음을 사용한 것이 대중음악과 일상생활의 소음 사이의 경계를 흐리게 하려는 의도적인 시도였다는 것을 인정하는데, 작가 제이슨 W. 부엘은 "당시의 주류 음악의 가치에 정면으로 반하는 결정"[89]이라고 말한다.그는 이러한 의도적인 소음의 사용이 향후 10년 힙합뿐만 아니라 록에도 영향을 미쳤다고 설명한다.[89]게다가, 소음의 통합인 부엘은 정치적 기능을 수행했고, 평범함을 높였으며, 따라서 일반 서민들은 그들 자신을 그들의 정치적, 문화적 지도자들과 같은 입장에서 생각해야 한다고 시사했다.[89]

음악의 한 종류로서의 소음

루솔로 인토나루모리 중 하나에 대한 시공도면
재팬아즈 밴드 지에로움
주요 기사:노이즈 뮤직

노이즈 음악(단순히 노이즈라고도 함)은 20세기 이후 많은 장르로 대표되어 왔다.그것의 지지자들 중 일부는 그것을 하나의 전체적인 장르로 분류하려는 시도를 거부하며,[90] 노이즈 음악을 비 장르, 미적 또는 장르의 집합이라고 부르는 것을 선호한다.장르로 간주하는 사람들 사이에서도 그 범위가 명확하지 않다.[91]일본 노이즈 음악을 구체적으로 지칭하기 위해 노이즈 음악(또는 노이즈)이라는 문구를 사용하는 해설자도 있고, 대신 일본옥이라는 용어를 사용하는 해설자도 있다.[92][93]

오늘날 노이즈 음악은 종종 극한의 볼륨과 왜곡과[94] 관련되고 전자적 증폭에 의해 만들어지지만, 전통은 적어도 미래학자 루이지 루솔로가 [95]선율을 거부하고 인토나루모리로 알려진 독창적인 악기를 만들고 1917년에 "노이즈 오케스트라"를 조립한 것으로 거슬러 올라간다.그것은 좋은 대접을 받지 못했다.[96]그의 1913년 선언문에서 그는 다음과 같이 말하고 있다.

처음에 음악의 예술은 소리의 순수함, 절름발림, 달콤함을 추구했다.그리고 나서 다른 소리들이 섞여서, 그러나 조심해서 부드러운 하모니로 귀를 애무했다.오늘날 음악은, 끊임없이 복잡해짐에 따라, 가장 불협화음, 이상하고 거친 소리를 합치기 위해 노력한다.이렇게 하면 우리는 소음과 가까워진다.[95]

어떤 종류의 노이즈 음악

소음 감소

주요 기사:소음 감소
돌비 소음 저감 시스템

대부분의 경우, 음악가들은 소음을 내는 것이 아니라 소음을 최소화하는 것에 관심을 갖는다.소음 감소는 소리 녹음에서 특히 중요하다.이것은 낮은 소음 요소와 돌비와 같은 독점적인 소음 감소 기술을 포함한 많은 기법에 의해 달성된다.[97]

녹음과 라이브 음악 사운드 강화 모두에서 소음 최소화의 핵심은 헤드룸이다.헤드룸은 신호 레벨을 낮게 유지함으로써 왜곡 및 오디오 피드백을 줄이거나 [98][99]신호 레벨을 높게 유지함으로써 외부 소스 및 장비에서 발생하는 존슨-나이키스트 노이즈의 간섭을 줄이는 데 사용할 수 있다.[100]대부분의 독점적인 소음 감소 기술도 낮은 수준의 왜곡을 도입한다.따라서 노이즈 최소화는 녹음과 라이브 음악에서 모두 간섭과 왜곡 사이에서 그리고 라이브 증폭에서 간섭과 피드백 사이에서 절충이 된다.[99]바트 코스코와 산야 미타임의 연구는 신호에 노이즈를 추가하면 신호 대 잡음 비를 개선할 수 있기 때문에 확률적 공명이 비선형 동적 시스템의 소음 최소화 및 신호 개선의 기법으로 사용될 수 있다는 것도 입증했다.[101]

휴대전화에 의해 생성되는 소음은 라이브 공연, 특히 녹음되고 있는 공연에서 특별한 관심사가 되었다.한 주목할 만한 사건에서, 거장 앨런 길버트는 구스타프 말러의 교향곡 9번 연주에서 한 관객의 아이폰이 침묵할 때까지 뉴욕 필하모닉을 중단시켰다.[102]

과도한 부피로서의 노이즈

주요기사 : 시끄러운 음악
참고 항목:소음 공해, 소음 규제, 소음으로 인한 청력 손실 § 음악가들 사이, 소음으로 인한 건강 영향, 세계 에서 가장 큰 밴드

과도한 음량으로 연주되는 음악은 종종 소음 공해의 한 형태로 여겨진다.[103]영국 같은 정부들은 시끄러운 음악을 포함한 소음 공해를 다루기 위한 현지 절차를 가지고 있다.[104]

클래식 오케스트라에서 록그룹에 이르는 음악가들이 높은 데시벨 범위에 노출되면서 고음량으로서의 소음이 일반적이다.[105][106]일부 록 뮤지션들은 그들의 음악에서 소음으로 인한 청력 손실을 경험하지만,[107] 클래식 뮤지션들이 청각 장애를 일으킬 정도의 고강도의 소리에 노출되어 있는지에 대해서는 여전히 논란이 되고 있다.[108]음악으로 인한 청력 손실은 청각 연구자들에게 여전히 논란이 되고 있는 주제다.[109]음악 노출이 증가할수록 청력 손실의 위험이 커진다는 연구 결과가 나온 반면, 다른 연구에서는 두 연구 사이의 상관관계가 거의 또는 전혀 발견되지 않았다.[109]

2008년 바이에른 라디오 심포니 오케스트라의 매니저인 트라이드그브 노르드월은 음악가들의 "건강에 반대한다"는 이유로 드로르 페일러의 작곡인 할라트 히사르(성공 상태)의 계획된 세계 초연을 취소하는 이유로 85데시벨 이상을 직장에서 금지하는 새로운 EU 규정을 발동했다.그twenty-minute 작문"기관총의 총성과 함께고 더 크게 시작한다"[110]("vom 밴드 zugespieltwerden,und 다쓴leiseste 스텔레 죽noch 다스 Stück beginnt mit Schüssen aus Maschinengewehren, 죽는다.")[111]오케스트라 매니저 트뤼그베 Nordwall이 판독 값 리허설 때도 있고, Halat 안녕하세요가 낮춰졌다 보도했다.sar measu붉은색 약 130데시벨은 제트 항공기가 이륙하는 소리를 듣는 것과 같다"고 [110]말했으며, 오케스트라 단원의 한 명은 리허설 중 3시간 동안 지속된 노출 후 두통과 영구 이염에 걸렸다고 보고했다.[111]음악가들을 위한 헤드폰이 제안되었지만, 그들은 서로 들을 수 없다고 반대했고 작곡가 또한 그의 작곡은 "쇼스타코비치나 바그너의 그 어떤 것보다 크지 않다"[110]고 덧붙였다.

주로 록 장르에 속하는 많은 밴드들이 의도적으로 과도한 볼륨을 사용한다.딥 퍼플, 더 후, 마노와르가 기네스북에 등재되는 등 여러 밴드가 세계에서 가장 큰 소리를 내는 밴드로 기록을 세웠다.[112][113][114]이 타이틀에 대한 다른 주장으로는 모테헤드,[113] 레드 제플린,[115] 갤러우즈,[116] 밥 딜런의 1965년 후원 전기 밴드,[117] 그랜드 펑크 철도,[118] 캔니 히트,[119] 그리고 주로 허구적인 패러디 그룹인 척수 탭 등이 있다.[120]마이 블러디 발렌타인은 '전설적으로 높은' 볼륨 콘서트로 알려져 있으며,[121] 선 오))는 이들을 능가하는 것으로 묘사되고 있다.[122](Sunn O))의 소리 수준) 콘서트는 관객들에게 물리적 영향을 미치는 것으로 주목받을 정도로 의도적으로 시끄럽다.[123][124]

참고 항목

일반적으로 소음

노이즈와 음악 관련

관련종류

관련 음악 유형

메모들

  1. ^ 아탈리 1985년, 27년
  2. ^ 스콜스 1970, 10, 686
  3. ^ 레디, 바다미, 발라수브라마니안 1994, 206
  4. ^ Kosko 2006, 3.
  5. ^ 헤가티 2006.
  6. ^ 쿠바라스 2013년, 54년
  7. ^ 1981년, 25년
  8. ^ 나티즈 1990, 48, 55
  9. ^ 헬름홀츠 1885년, 67-68년
  10. ^ 매코니 2005년, 84년
  11. ^ 홉킨 1996, 2, 92.
  12. ^ 마티센 2001; 웨스트 1992, 122.
  13. ^ 아테나이우스 1854년, 3시 1015분.
  14. ^ 리비 1823, 5분 297–298.
  15. ^ 스틸맨 2001.
  16. ^ 존스 2001.
  17. ^ 프로빈 2001.
  18. ^ Qureshi, et al. 2001, §I, 2 (i)
  19. ^ Qureshi, et al. 2001, §VII, 1, (d)
  20. ^ Qureshi, et al. 2001, §VII, 2, (ii), (a)
  21. ^ 퍼커 2001.
  22. ^ 1996년, 265년.
  23. ^ 마이어 1974, 484–485.
  24. ^ 블레이드 1996, 266–267.
  25. ^ 몬타구 2002, 108–110.
  26. ^ 삭스 2010, 65.
  27. ^ 마이어 1974년, 486–487.
  28. ^ Henck 2004, 32-50.
  29. ^ 게이츠와 히긴보텀 2004, 85세
  30. ^ Henck 2004, 41–45.
  31. ^ Henck 2004, 56; Kimbell 1991, 606.
  32. ^ 벽 2001, §2 xi.
  33. ^ 뉴먼 1972년, 207년; 파이런과 비앙코 2001.
  34. ^ 아놀드 1994년, 54년
  35. ^ 아놀드 1994, 56-57.
  36. ^ a b 헤스트, 카우데리, 그리고 스콧 1999, 149.
  37. ^ 아놀드 1994, 53세
  38. ^ 그리피스 2001.
  39. ^ 케네디 2006.
  40. ^ 오클러 2001.
  41. ^ 마클리스 1979, 154–156, 357.
  42. ^ 밀러와 핸슨 2001; 홀랜드와 페이지 2001.
  43. ^ 골드만 1961.
  44. ^ 바레스와 추 1966년, 18세.
  45. ^ 심스 1986, 317.
  46. ^ 심스 1986, 319–320.
  47. ^ 로도스와 웨스트우드 2008년 184세
  48. ^ 심스 1986, 374.
  49. ^ a b c 매든 1999년 92세
  50. ^ 스톡하우젠 1963b, 142번, 144번.
  51. ^ 스톡하우젠 1963b, 144–145.
  52. ^ 아논. N.D.
  53. ^ a b 헬러 2003년, 197년
  54. ^ 2004년, 233년.
  55. ^ 헤슬러와 레너 2008년 72세
  56. ^ 베이컨 1981년, 142년
  57. ^ a b 베이컨 1981, 119
  58. ^ 피콜라 2009.
  59. ^ 마세라티 2012.
  60. ^ a b 베넷 2002년, 43세
  61. ^ 홈즈 2008년, 186년
  62. ^ 맥도널드 2005, 136–137.
  63. ^ 시아와 로드리게스 2007년, 173년
  64. ^ 코엘류 2003년 116년
  65. ^ a b 마틴과 워터스 2011년 323년
  66. ^ 스텁스 2003, 6
  67. ^ 칸델라리아와 킹맨 2011, 130.
  68. ^ a b 키르치너 2005년, 505년
  69. ^ 던스콤과 힐 2002년 233년
  70. ^ 알렉산더 2003, 132-133.
  71. ^ 부시 2005, 72세
  72. ^ 살리스 1996년, 155년
  73. ^ Ake 2002, 169-170.
  74. ^ 베렌트, 후스만 2009, 1881년
  75. ^ a b Dicaire 2006, 233년.
  76. ^ 타이걸 1967.
  77. ^ a b c d e f 베렌트, 후스만 2009
  78. ^ Dicaire 2006, 103.
  79. ^ a b 부시 2005, 6, 28, 74
  80. ^ a b 마틴, 워터스 2013, 201세
  81. ^ 마틴, 워터스 2013, 203.
  82. ^ 알렉산더 2003, 98.
  83. ^ a b 캣츠 2012, 66세
  84. ^ 콥 2007년, 84년
  85. ^ a b 라다노 2000, 39.
  86. ^ 콥 2007년, 57년
  87. ^ 강한 2002년, 854년.
  88. ^ 다이슨 1993, 13.
  89. ^ a b c 부엘 2013년 118년 120년
  90. ^ "일본 노이즈의 광대한 성장과 함께 마침내 노이즈 음악은 하나의 장르, 즉 루스 이리가레이를 패러디하는 장르가 된다."(헤가티 2007, 133)
  91. ^ Wolf 2009, 67: "장르 노이즈 음악은 적절한 정의를 가지고 있지 않다."
  92. ^ 마이너 2004년, 291년.
  93. ^ Gottlieb과 McLeland 2003, 60.
  94. ^ 파이컷 2011년, 193년.
  95. ^ a b 루솔로 1913.
  96. ^ 헤가티 2007, 13-14.
  97. ^ 돌비 연구소 N.D.
  98. ^ 아메스 1998년, 60년
  99. ^ a b 셀프 2011, 417.
  100. ^ 셀프 2011, 411–429, 510–511.
  101. ^ 코스코, 미타임 1998, 2152.
  102. ^ 와킨 2012.
  103. ^ 애비슨 1989년, 469년
  104. ^ 다이렉트고프
  105. ^ 얀손과 칼슨 1983년
  106. ^ 마이아와 루소 2008년, 49년
  107. ^ 아논 2006년.
  108. ^ 오스트리, 엘러, 달린 및 스카일브 1989년, 페이지 243–249
  109. ^ a b 모라타 2007.
  110. ^ a b c 코널리 2008.
  111. ^ a b 아논 2008년
  112. ^ 안케니.
  113. ^ a b 코헨 1986년, 36세
  114. ^ 아논. 2009.
  115. ^ 크렙스 2009.
  116. ^ 2007년 단.
  117. ^ 언터버거 2002, Xii.
  118. ^ 제임스 1999, 30세
  119. ^ 데 라 파라 2000,[page needed]
  120. ^ 맥크레디 2009년 153년
  121. ^ Hughey 2009.
  122. ^ 터너 2009.
  123. ^ 배타글리아 2009.
  124. ^ 2004년 경제.

참조

추가 읽기

음악에서 소음의 인식 및 사용

소음 감소