개념예술

개념주의(conceptual art)는 작품에 포함된 개념이나 아이디어가 전통적인 미적, 기술적, 재료적 관심사와 동등하거나 그 이상으로 우선시되는 예술입니다. 개념 예술의 일부 작품은 단순히 작성된 지침을 따르는 것만으로 누구나 구성할 수 있습니다.^[1] 이 방법은 미국 예술가 솔 르위트(Sol LeWitt)의 개념적 예술 정의에 기본적인 것으로, 인쇄물에 처음 등장한 것 중 하나입니다.

개념 예술에서 아이디어나 개념은 작품의 가장 중요한 측면입니다. 예술가가 예술의 개념적 형식을 사용할 때는 모든 계획과 결정이 사전에 이루어지고 실행이 형식적인 사무임을 의미합니다. 아이디어는 예술을 만드는 기계가 됩니다.^[2]

개념예술(Art & Ideas) (1998)의 저자인 토니 고드프리(Tony Godfrey)는 개념예술이 예술의 본질에 의문을 제기한다고 주장하는데,^[3] 이 개념은 조셉 코수트(Joseph Kosuth)가 그의 개념예술의 근본적이고 초기 선언인 철학 이후의 예술(Art after Philosophy, 1969)에서 예술 자체의 정의로 격상시킨 개념입니다. 예술은 그 자체의 본질을 조사해야 한다는 생각은 이미 1950년대에 영향력 있는 예술 비평가 클레멘트 그린버그의 현대 미술에 대한 비전의 강력한 측면이었습니다. 그러나 1960년대에 독점적인 언어 기반 예술이 등장하면서 아트 앤 랭귀지(Art & Language), 조셉 코수트(Joseph Kosuth, 미국의 Art-Language 편집자가 된), 로렌스 바이너(Lawrence Weiner)와 같은 개념 예술가들은 이전에 가능했던 것보다 훨씬 더 급진적인 예술 질문을 시작했습니다(아래 참조). 그들이 의문을 제기한 첫 번째이자 가장 중요한 것 중 하나는 예술가의 역할이 특별한 종류의 물질적 대상을 만드는 것이라는 공통된 가정이었습니다.^[4][5][6]

1990년대 영국의 젊은 예술가들과 터너상과의 연합을 통해, 특히 영국에서 대중적인 용법으로, "개념 예술"은 회화와 조각의 전통적인 기술을 실천하지 않는 모든 현대 예술을 나타내게 되었습니다.^[7] "개념 예술"이라는 용어가 본래의 목적과 형식에서 멀리 떨어진 다양한 현대적 관행과 연관되게 된 이유 중 하나는 용어 자체를 정의하는 문제에 있습니다. 예술가 멜 보크너가 1970년에 제안했듯이, 그가 "개념"이라는 별명을 좋아하지 않는 이유를 설명하면서, "개념"이 무엇을 의미하는지 항상 완전히 명확하지는 않으며, 그것은 "의도"와 혼동될 위험이 있습니다. 따라서 예술 작품을 개념적으로 묘사하거나 정의할 때 "개념적"이라고 하는 것과 예술가의 "의도"를 혼동하지 않는 것이 중요합니다.

전구물질

프랑스의 예술가 마르셀 드샹은 개념주의자들에게 예를 들어, 기성품과 같은 원형적인 개념적인 작품들의 예들을 제공함으로써 그들을 위한 길을 열었습니다. 듀샹이 만든 것 중 가장 유명한 것은 작가가 "R"이라는 필명으로 서명한 표준 소변기인 파운틴(1917)입니다.Mutt", 그리고 뉴욕의 독립 예술가 협회의 연례 전시회에 포함시키기 위해 제출되었습니다.^[8] 예술적 전통은 흔한 물건(소변과 같은)을 예술가에 의해 만들어지거나 예술이 될 의도를 가지고 만들어진 것이 아니며, 그것이 독특하거나 수공예적이지 않기 때문에 예술로 보지 않습니다. 이후 미국의 예술가 조셉 코수트는 1969년에 발표한 "철학 이후의 예술"에서 "예술은 개념적으로만 존재하기 때문에 모든 예술은 (본질적으로) 개념적이다"라는 글을 통해 듀샹의 관련성과 이론적 중요성을 인정했습니다.

1956년 레트리즘의 창시자인 이시도어 이소우는 예술 작품의 개념을 발전시켰는데, 그것의 본질은 결코 현실에서 창조될 수 없지만, 그럼에도 불구하고 지적으로 숙고됨으로써 미적 보상을 제공할 수 있었습니다. 아르테스타페리스테(또는 "무한-미학")라고도 불리는 이 개념은 개념적인 것 외에는 실제로 존재할 수 없는 양인 고트프리트 빌헬름 라이프니츠의 무한소에서 파생되었습니다. 이소우아 운동의 현재 화신(2013년^[update] 기준)인 엑스코외르디즘은 무한히 큰 것과 무한히 작은 것의 예술로 스스로 정의합니다.

오리진스

1961년 철학자이자 예술가인 헨리 플린트(Henry Flynt)는 플럭서스(Fluxus)의 초기 출판물인 '찬스 운영의 문집(An An Anthology of Chance Operations)'에 등장하는 같은 이름의 기사에서 "콘셉트 아트(concept art)"라는 용어를 만들었습니다.^[9] 플린트의 개념 예술은 논리학의 역설이 실체 개념을 회피하는 것으로 나타나는 "인지적 허무주의" 개념에서 벗어났다고 주장했습니다. 논리학과 수학의 통사를 바탕으로 개념 예술은 수학과 형식주의 음악을 대체하기 위해 공동으로 의도되었습니다.^[10] 따라서 Flynt는 레이블 개념 예술에 가치를 두기 위해 작품은 언어적 개념이 소재인 논리나 수학에 대한 비평이어야 한다고 주장했습니다. 이는 후속 "개념 예술"에는 없는 특성입니다.^[11]

이 용어는 조셉 코수트(Joseph Kosuth)와 영국 예술 언어 그룹(English Art and Language Group)이 사용할 때 다른 의미로 사용되었으며, 그는 예술 언어에서 시작된 문서화된 비판적 질문에 찬성하여 기존의 예술 대상을 폐기했습니다. 1969년 개념미술 저널, 예술가의 사회적, 철학적, 심리적 지위에 대한. 1970년대 중반까지 그들은 이를 위해 출판물, 지수, 공연, 텍스트 및 그림을 제작했습니다. 1970년에 뉴욕 문화 센터에서 최초의 전용 개념 예술 전시회인 개념 예술과 개념적 측면이 열렸습니다.^[12]

형식주의와 예술의 상품화에 대한 비판

개념 예술은 1960년대에 운동으로 등장했습니다 – 부분적으로 영향력 있는 뉴욕의 예술 비평가 클레멘트 그린버그에 의해 표현된 형식주의에 대한 반작용으로. 그린버그에 따르면 현대 미술은 각 매체의 본질적이고 형식적인 성격을 정의하는 목표를 향해 점진적인 축소와 정교화의 과정을 따랐다고 합니다. 이런 성질에 역행하는 요소들은 축소될 것입니다. 예를 들어, 그림의 임무는 그림이 진정으로 어떤 종류의 대상인지를 정확하게 정의하는 것이었습니다: 무엇이 그것을 그림으로 만들고 무엇이 다른 것으로 만들지. 회화는 캔버스 표면에 유색 안료가 도포된 평평한 물체인 특성상 도형, 3차원 원근시착각, 외부 소재에 대한 언급 등이 모두 회화의 본질과 무관한 것으로 밝혀져 제거되어야 합니다.^[13]

어떤 사람들은 개념 예술이 사물에 대한 필요성을 완전히 제거함으로써 예술의 이러한 "비물질화"를 계속했다고 주장하는 반면,^[14] 많은 예술가들 자신을 포함한 다른 사람들은 개념 예술을 그린버그의 일종의 형식주의 모더니즘과의 급진적인 단절로 여겼습니다. 후기 예술가들은 착시에 대한 혐오뿐만 아니라 자기비판적인 예술에 대한 선호를 계속해서 공유했습니다. 그러나 1960년대 말까지 예술에 대한 그린버그의 규정이 각 매체의 범위 내에서 계속되고 외부 주제를 배제하는 것은 더 이상 설득력이 없음이 분명했습니다.^[15] 개념 미술은 미술의 상품화에 대해서도 반발했는데, 미술의 위치와 결정자로서 미술관, 미술의 소유자이자 유통자로서 미술 시장의 전복을 시도했습니다. 로렌스 바이너(Lawrence Weiner)는 "제 작품에 대해 알게 되면 그것을 소유하게 됩니다. 내가 누군가의 머리 속에 올라가 그것을 제거할 수 있는 방법은 없습니다." 따라서 많은 개념적 예술가들의 작품은 사진, 쓰여진 텍스트 또는 전시된 물체와 같이 그것에 의해 나타나는 문서화를 통해서만 알 수 있는데, 어떤 사람들은 그것이 예술에 속하지 않는다고 주장할 수 있습니다. 때때로 (로버트 배리, 오노 요코, 바이너 자신의 작품처럼) 작품을 설명하는 일련의 서면 설명서로 축소되지만 실제로 만드는 것에 그치지 않고 유물보다 아이디어가 더 중요하다는 것을 강조합니다. 이것은 예술과 공예 사이의 표면적인 이분법의 "예술" 측면에 대한 명시적인 선호를 드러내며, 예술은 공예와 달리 역사적 담론 안에서 이루어지고 참여하는 것입니다: 예를 들어, 오노의 "서면 지시"는 당시의 다른 개념 예술과 함께 더 말이 됩니다.

언어와/예술로서

언어는 1960년대와 1970년대 초의 개념 예술가들의 첫 번째 물결의 중심 관심사였습니다. 비록 예술에 텍스트를 사용하는 것은 전혀 새로운 것이 아니었지만, 로렌스 바이너, 에드워드 루샤,^[16] 조셉 코수트, 로버트 배리, 아트 앤 랭귀지가 1960년대에 들어서서야 예술가들은 독점적으로 언어적인 방법으로 예술을 생산하기 시작했습니다. 이전에 언어가 다른 것들과 함께 시각적인 요소의 한 종류로 제시되었던 반면, 개념적인 예술가들은 붓과 캔버스를 대신하여 언어를 사용했고, 그것이 그 자체로 의미를 갖도록 허용했습니다.^[17] 로렌스 바이너의 작품 중 앤 로리머(Anne Rorimer)는 "개별 작품의 주제적 내용은 오로지 사용된 언어의 수입에서 비롯되는 반면, 표현 수단과 맥락 배치는 중요하지만 분리된 역할을 수행합니다."^[18]라고 썼습니다.

영국의 철학자이자 개념 예술 이론가인 피터 오스본은 언어 기반 예술에 대한 매력에 영향을 준 많은 요소들 중에서 개념주의의 중심 역할은 영미 분석 철학에서 언어학적 의미 이론으로의 전환에서 비롯되었다고 제안합니다. 그리고 20세기 중반의 구조주의적이고 후기 구조주의적인 대륙 철학. 이러한 언어적 전환은 개념 예술가들이 취한 방향을 "강화되고 정당화"했습니다.^[19] 오스본은 또한 초기 개념주의자들이 예술 분야에서 학위 기반 대학 교육을 이수한 첫 번째 세대의 예술가들이었다고 언급합니다.^[20] 오스본은 이후 2010년 7월 9일 코모의 빌라 수코타의 Fondazione Antonio Ratti에서 열린 공개 강연에서 현대 미술이 개념^[21] 이후라는 관찰을 했습니다. 그것은 (양식이나 동작의 기술적 차원에서 말하기 보다는) 예술 작품의 존재론적 차원에서 이루어진 주장입니다.

미국의 미술사가 에드워드 A. 섕켄은 로이 애스콧의 예를 가리키며 "개념 예술과 예술-기술 사이의 중요한 교차점을 강력하게 보여줌으로써 이러한 예술-역사적 범주의 전통적인 자율성을 폭발시킵니다." 영국에서 사이버네틱 아트와 가장 밀접하게 연관된 영국 예술가인 애스콧은 사이버네틱 세렌디피티에 포함되지 않았는데, 그의 사이버네틱 사용은 주로 개념적이고 기술을 명시적으로 사용하지 않았기 때문입니다. 반대로, 사이버네틱스를 예술과 예술 교육학에 적용하는 것에 대한 그의 에세이 "변화의 구성"(1964)은 루시 R의 헌정 페이지(솔 르윗에게)에서 인용되었습니다. 리파드 6년: 1966년부터 1972년까지 아트 오브제의 탈물질화는 영국에서 개념 예술의 형성에 대한 애스콧의 기대와 기여는 인정을 받지 못했는데, 아마도 그의 작품이 예술과 기술과 너무 밀접하게 연합했기 때문일 것입니다. 또 다른 중요한 교차점은 1963년 애스콧이 텔레매틱스적 인맥으로 시우러스를 사용한 것에서 탐구되었습니다: 타임라인은 언어와 시각 언어의 분류학적 특성 사이에 명시적인 유사점을 도출했는데, 이는 조셉 코수트의 두 번째 조사에서 채택될 개념입니다. 명제 1 (1968)과 멜 램스든의 불완전한 지도의 요소 (1968).

동시대의 영향

원생 개념주의는 예를 들어 마네(1832–1883)와 후에 마르셀 더샹(1887–1968)과 같은 모더니즘의 발흥에 뿌리를 두고 있습니다. "개념 예술" 운동의 첫 번째 물결은 대략 1967년에서^[22] 1978년까지 확장되었습니다. 헨리 플린트(1940–), 로버트 모리스(1931–2018), 레이 존슨(1927–1995)과 같은 초기 "개념" 예술가들은 이후 널리 받아들여진 개념 예술의 움직임에 영향을 미쳤습니다. 댄 그레이엄(Dan Graham), 한스 하케(Hans Haacke), 로렌스 바이너(Lawrence Weiner)와 같은 개념 예술가들은 후속 예술가들에게 매우 영향력이 있음을 증명했고, 마이크 켈리(Mike Kelley)나 트레이시 에민(Tracey Emin)과 같은 유명한 현대 예술가들은 때때로 "2세 또는 3세" 개념주의자로 분류됩니다^{[by whom?]}. 또는 "Post-conceptual" 예술가(Post-in art라는 접두사는 종종 "때문에"로 해석될 수 있습니다).

현대 예술가들은 스스로를 "개념 예술가"라고 부를 수도 있고 그렇지 않을 수도 있지만 개념 예술 운동의 많은 우려를 받아들였습니다. 반상품화, 사회적 및/또는 정치적 비평, 매체로서의 아이디어/정보와 같은 아이디어는 특히 설치 미술, 공연 미술, 예술 개입, 넷.아트, 전자/디지털 미술을 작업하는 예술가들 사이에서 현대 미술의 측면으로 계속되고 있습니다.^{[23][need quotation to verify]}

주목할 만한 예

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• 1913: 마르셀 더샹의 자전거 바퀴 (경로 드 바이클렛). 보조 완료되었습니다. 도색된 나무 걸상 위에 포크로 장착된 자전거 바퀴. 2년 후까지 준비된 아이디어가 없었음에도 불구하고 첫 번째 준비된 것입니다. 원본이 분실되었습니다. 또한 최초의 운동 조각으로 인정받았습니다.^[24]
• 1914: 마르셀 더샹의 약학(약학). 수정 완료되었습니다. 나무가 없는 장면과 그가 빨강과 초록 두 개의 원을 추가한 굽은 개울이 있는 장면의 크로미소그래프에 구아체.
• 1914년 : 마르셀 뒤샹의 보틀 랙(병 건조기 또는 고슴도치라고도 함). 레디메이드. 듀샹이 "이미 만들어진" 조각품으로 구입한 아연도금 철병 건조대. 하지만 그의 파리 작업실 구석에 먼지가 쌓였습니다. 2년 후인 1916년, 뉴욕에서 프랑스에 있는 그의 여동생 수잔 듀샹과 서신을 주고받으면서, 그는 그것을 기성품으로 만들고 싶다는 열망을 표현합니다. 그의 파리 스튜디오를 돌보고 있는 수잔은 이미 그것을 처분했습니다.
• 1915: 마르셀 뒤샹의 부서진 팔의 전진 (Enprevision du brascé). 레디메이드. Duchamp가 정성스럽게 제목을 그린 눈삽. 예술가가 공식적으로 "레디메이드"라고 부르는 첫 번째 작품.
• 1915 : 마르셀 더샹에 의해 4핀으로 당겨졌습니다. 레디메이드. 바람을 타고 돌아가는 페인트칠을 하지 않은 굴뚝 환풍기. Duchamp는 문자 그대로의 번역이 영어로 아무 의미가 없고 대상과 아무런 관련이 없다는 것을 좋아했습니다.
• 1916년 : 마르셀 더샹의 숨겨진 소음 (브루트 시크릿)과 함께. 보조 완료되었습니다. 네 개의 나사로 연결된 두 개의 놋쇠 판 사이의 꼬임 공. 듀샹의 친구인 월터 아렌스버그에 의해 알 수 없는 물체가 꼬인 공 안에 놓여졌습니다.
• 1916: 마르셀 더샹의 빗(페인). 레디메이드. 가장자리를 따라 새겨진 강철 개 그루밍 빗입니다.
• 1917 : 여행자의 접이식 아이템(...plant,... (de voyage) Marcel Duchamp 지음. 레디메이드. 언더우드 타자기 커버입니다.
• 1916-17 : 아폴린에르 에나멜드, 1916-1917. 수정 완료되었습니다. 변경된 사폴린 페인트 광고입니다.
• 1917: Marcel Duchamp의 분수, Independent지의 기사에서 개념적 예술의 발명이라고 묘사했습니다. 그것은 또한 제도 비판의^[25] 초기 예입니다.
• 1917: 마르셀 뒤샹의 '트랩(Trébuchet)'. 레디메이드. 바닥에 부착된 목재 및 금속 코트 랙입니다.
• 1917: 모자 랙 (포르테 샤포), 1917, 마르셀 뒤샹. 레디메이드. 나무 모자걸이.^[26]
• 1919: 마르셀 더샹의 L.H.O.O.Q. 수정 완료되었습니다. 레오나르도 다빈치의 모나리자를 재현한 연필로 거친 말장난이라는 제목의 염소 수염과 콧수염을 그렸습니다.^[27]
• 1919: Marcel Duchamp에 의해 만들어진 불행한 레디메이드. 보조 완료되었습니다. Duchamp는 그의 여동생 Suzanne에게 그녀의 파리 아파트 발코니에 기하학 교과서를 매달라고 지시했습니다. 수잔은 지시사항을 실행하고 결과물을 그림으로 그렸습니다.
• 1919년 : 마르셀 더샹의 파리 에어 50cc (50cc 에어 드 파리, 파리 에어 또는 에어 드 파리). 레디메이드. 파리의 공기가 담긴 유리 앰플입니다. 듀챔프는 1920년 뉴욕으로 앰플을 가져가서 월터 아렌스버그에게 선물로 주었습니다.
• 1920: 마르셀 더샹의 프레시 위도우. 레디메이드. 프랑스어 창을 변형하여 말장난을 만듭니다.
• 1921년: 왜 재채기를 하지 않는가, 로즈 셀라비? 마르셀 더샹의 작품. 보조 완료되었습니다. 작은 새장 안에 온도계로 설탕 덩어리 모양의 대리석 큐브와 잔뼈가 들어 있습니다.
• 1921: 벨 헤일린, 마르셀 뒤샹의 오 드 보이레트. 보조 완료되었습니다. 원래 상자에 있는 변경된 향수병입니다.^[28]
• 1921: 마르셀 더샹의 아우스터리츠에서의 브롤. 레디메이드. 더챔프의 사양에 따라 목수가 만든 프레시 위도우처럼.
• 1923년 : 마르셀 더샹의 2,000달러의 현상금을 수배했습니다. 수정 완료되었습니다. 포스터에 사진 콜라주.
• 1952년: 현대 피아노 음악 리사이틀의 일환으로 1952년 8월 29일 뉴욕 우드스톡 매버릭 콘서트홀에서 피아니스트 데이비드 튜더가 연주한 미국 실험 작곡가 존 케이지의 작품 4'33 ″ 초연. 이것은 일반적으로 "4분 33초의 침묵"으로 인식됩니다.
• 1953: Robert Rauschenberg는 Rauschenberg가 지운 Willem de Kooning의 그림인 Erased De Kooning Drawing을 제작합니다. 그것은 다른 작가의 작품을 지우는 것이 창작 행위가 될 수 있는지는 물론, 그 작품이 유명한 라우센베르크가 했기 때문에 "예술"에 불과한지를 보는 사람에게 고려하도록 도전하면서 예술의 근본적인 본질에 대해 많은 의문을 제기했습니다.
• 1955: Rhea Sue Sanders는 시각 예술을 시와 철학과 결합하고, 복잡성의 개념을 도입하면서, 그녀의 첫 번째 텍스트 작품을 만듭니다: 시청자는 상상 속의 예술을 성취해야 합니다.^[30]
• 1956 : 이시도르 이소우(Isidore Isou)는 상상미학개론(Introduction a une esthétique imaginaire)에서 무한소 미술의 개념을 소개합니다.
• 1957년: 이브 클라인, 항공 조각 (파리), 그의 명제 모노크롬; 블루 에포크 전시회를 홍보하기 위해 갤러리 아이리스 클레르트에서 하늘로 방출된 1001개의 블루 풍선으로 구성된. 클라인은 또한 16개의 폭죽이 설치된 파란색 패널인 "1분 불꽃 그림"을 전시했습니다. 1958년 그의 다음 주요 전시회인 The Void를 위해, 클라인은 그의 그림들이 이제 보이지 않는다고 선언했고, 그것을 증명하기 위해 그는 빈 방을 전시했습니다.
• 1958년: George Brecht는 플럭서스의 중심적인 특징이 될 사건 점수를^[31] 발명합니다. 브레히트, 딕 히긴스, 앨런 카프로, 알 한센, 잭슨 맥로우 등은 1958년에서 1959년 사이에 새로운 학교에서 존 케이지와 함께 공부하여 해프닝, 플럭서스, 헨리 플린트의 컨셉 아트를 직접적으로 만들었습니다. 이벤트 점수는 공개, 비공개 또는 전혀 수행할 수 없는 일상적인 작업을 완료하기 위한 간단한 지침입니다.
• 1958: Wolf Vostell Das Theater 가 스트라 ß의 교수/극장은 거리에 있습니다. 유럽에서의 첫 해프닝.^[32]
• 1960년: 창문으로 뛰어내리며 비행을 시도하는 이브 클라인의 '공허로의 도약'이라는 액션. 그는 "화가는 오직 하나의 걸작, 즉 자신을 끊임없이 창조하기만 하면 됩니다."라고 말했습니다.
• 1960: 예술가 Stanley Brown은 암스테르담의 모든 신발 가게들이 그의 작품 전시회를 구성한다고 선언합니다.
• 1961: 볼프 보스텔 시티드라마, 쾰른 – 독일에서의 첫 해프닝.
• 1961년: 로버트 라우센버그는 갤러리 아이리스 클레르트에게 전보를 보냈는데, 이 전보에는 '내가 그렇게 말한다면 이것은 아이리스 클레르트의 초상이다.'라고 쓰여 있었습니다.
• 1961년: 피에로 만조니는 자신의 배설물을 담은 것으로 알려진 틴(tins)들의 예술가의 똥(Artist's Shit)을 전시했습니다(비록 작품이 개봉되면 파괴될 것이기 때문에 아무도 확실히 말할 수 없었습니다). 그는 그 주석들을 금으로 된 그들의 무게로 세일을 했습니다. 그는 또한 자신의 숨결(풍선에 봉해진)을 공중의 몸으로 팔고, 사람들의 몸에 서명함으로써 그것들이 모든 시대 또는 특정 기간 동안 살아있는 예술 작품이라고 선언했습니다. (이것은 그들이 얼마나 지불할 준비가 되어 있는지에 달려 있습니다.) 마르셀 브루더스(Marcel Broodthaers)와 프리모 레비(Primo Levi)는 지정된 "예술 작품" 중 하나입니다.
• 1962: 예술가 배리 베이츠는 예술로서의 일상과 상업에 대한 그의 탐구를 계속하기 위해 그의 원래의 정체성을 지우고 스스로를 빌리 애플로 다시 브랜드화합니다. 이 단계에서 그의 많은 작품은 제3자에 의해 조작됩니다.^[33]
• 1962: 크리스토의 철의 장막 작업. 이것은 파리의 좁은 거리에 있는 기름통으로 이루어진 바리케이드로 이루어져 있어 큰 교통체증을 일으켰습니다. 작품은 바리케이드 자체가 아니라 그로 인한 교통 체증이었습니다.
• 1962: Yves Klein은 Seine 강둑에서 다양한 의식에서 Immaterial Picture Sensitivity를 선보입니다. 그는 자신의 "그림 감수성"(그게 무엇이든 간에 – 그는 그것을 정의하지 않았습니다)을 금박과 교환하여 팔겠다고 제안합니다. 이 의식들에서 구매자는 Klein에게 인증서의 대가로 금박을 주었습니다. 그런 다음 구매자는 클라인의 민감성이 중요하지 않았기 때문에 인증서를 불태워야 했고, 클라인은 금박의 절반을 센강에 던졌습니다. (구매자는 7명이었습니다.)
• 1962: Piero Manzoni는 The Base of the World를 창조하여 지구 전체를 그의 작품으로 전시했습니다.
• 1962: 알베르토 그레코는 그의 비보 디토 혹은 라이브 아트 시리즈를 파리, 로마, 마드리드 그리고 피에드라베스에서 시작했습니다. 각각의 예술작품에서 그레코는 일상생활에서 예술에 대한 관심을 환기시켰으며, 따라서 예술은 실제로 보고 보는 과정이라고 주장했습니다.
• 1962: 조지 마키우나스, 울프 보스텔, 백남준 등과 함께 비스바덴에서 FUXUS Internationale Festpiele Neuester Musik.^[34]
• 1963: George Brecht의 Event-Cores 모음집, Water Yam은 George Maciunas의 첫 Fluxkit으로 출판되었습니다.
• 1963: 조지 마키우나스, 울프 보스텔, 조셉 보이스, 딕 히긴스, 백남준, 벤 패터슨, 에밋 윌리엄스 등과 함께 뒤셀도르프의 페스툼 플럭소룸 플럭서스.
• 1963: Henry Flynt의 기사 Concept Art는 Jackson Mac Low와 La Monte Young(에드)에 의해 출판된 예술가와 음악가들의 예술작품과 개념들의 모음집인 Anthology of Chance Operations에 출판되었습니다. 찬스 오퍼레이션 앤솔로지(Anthology of Chance Operations)는 딕 히긴스(Dick Higgins)의 인터미디어 아트 비전의 발전을 존 케이지(John Cage)의 아이디어의 맥락에서 기록했으며 플럭스 이전의 초기 걸작이 되었습니다. 플린트의 "개념 예술"은 "인지적 허무주의"에 대한 그의 생각과 논리와 수학의 취약성에 대한 그의 통찰에서 벗어났습니다.
• 1964: Yoko Ono가 자몽을 출판합니다. 지시 및 도면의 책, 휴리스틱 아트의 한 예 또는 미적 경험을 얻는 방법에 대한 일련의 지시입니다.
• 1965: 예술과 언어의 창시자 마이클 볼드윈의 거울 조각. 그림 대신, 이 작품은 관람객과 클레멘트 그린버그의 이론에 도전하는 다양한 수의 거울을 보여줍니다.^[35]
• 1965: 스틸 앤 츄라고 불리는 존 래덤의 복잡한 개념 미술 작품. 그는 Latham이 파트타임으로 가르쳤던 런던의 Saint Martin's School of Art에서 많은 찬사와 가르침을 받았던 Clement Greenberg의 Art and Culture의 가치에 항의하기 위해 미술 학생들을 초대합니다. 그린버그의 책 (대학 도서관에서 빌린) 페이지는 학생들에 의해 씹히고 산에 녹인 후 생성된 용액은 병에 담겨 라벨이 붙어 도서관으로 돌아옵니다. 그 후 라담은 아르바이트 자리에서 해고되었습니다.
• 1965: Show V로 네덜란드의 예술가 Marinus Boezem이 네덜란드에서 개념 미술을 소개했습니다. 쇼에서, 사람들이 그들을 통해 걸을 수 있는 다양한 에어 도어가 배치됩니다. 사람들은 따뜻함, 공기의 감각적인 경험을 합니다. 실내로 냉온의 기류가 불어오면서 발생하는 보이지 않는 공기문 3개가 화살표와 선다발로 공간에 표시되어 있습니다. 발생하는 공간의 아티큘레이션은 그 공간에 있는 사람들의 행동에 영향을 미치는 보이지 않는 과정의 결과이며, 시스템에 공동 수행자로서 포함됩니다.
• 조셉 코수트(Joseph Kosuth)는 의자 하나와 의자 세 개의 개념을 1965년으로 거슬러 올라갑니다. 작품의 프레젠테이션은 의자와 그 사진, 그리고 "의자"라는 단어의 정의를 확대한 것으로 구성되어 있습니다. Kosuth는 사전에서 이 정의를 선택했습니다. 정의가 다른 네 가지 버전이 알려져 있습니다.
• 1966년: 1966년 구상 아트 & 랭귀지의 에어컨 쇼는 1967년 아트 매거진 11월호에 기사로 실렸습니다.^[36]
• 1966: N.E. Thing Co. 방 4개짜리 아파트를 비닐봉지로 포장한 내용물인 Bagged Place(밴쿠버의 아인과 잉그리드 백스터)를 전시합니다. 같은 해에 그들은 법인으로 등록하고 그 후 "행정의 미학"의 첫 번째 국제적인 사례 중 하나인 기업 모델을 따라 실무를 조직했습니다.
• 1967년: 멜 램스든의 최초의 100% 추상화. 그림은 그림의 실체를 구성하는 화학 성분의 목록을 보여줍니다.^[37]
• 1967: 솔 르윗의 개념예술에 관한 단락들은 미국 미술 전문지 아트포럼에 의해 출판되었습니다. 문단은 미니멀 아트에서 컨셉트 아트로의 발전을 나타냅니다.
• 1968: Michael Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge 그리고 Harold Hurrell은 Art & Language를 설립했습니다.^[38]
• 1968년: 로렌스 바이너는 작품의 물리적 제작을 포기하고 르위트의 "개념 예술에 관한 단락" 이후 가장 중요한 개념 예술 진술 중 하나인 "의도 선언"을 공식화합니다. 그의 후속 실천을 강조하는 선언문에는 "1. 예술가는 그 작품을 구성할 수 있습니다. 2. 그 작품은 조작될 수 있습니다. 3. 이 제품은 제작할 필요가 없습니다. 각각은 동등하고 예술가의 의도와 일치하며 조건에 대한 결정은 관리 시점에 수신자에게 있습니다."
• Friedrich Heubach는 독일 쾰른에서 예술가들의 프로젝트에 뛰어났던 잡지 Interfunktionen을 창간합니다. 그것은 원래 플럭서스의 영향을 보여주었지만, 나중에 개념 예술 쪽으로 넘어갔습니다.
• 1969: 빌리 애플의 APPLE, 비토 애콘치가 많은 중요한 초기 작품을 제작한 로버트 뉴먼의 게인 그라운드, 그린 스트리트 112 등 뉴욕 1세대 대안 전시 공간이 조성되어 있습니다.^[33][39]
• 1969: 밴쿠버 사이먼 프레이저 대학교의 로버트 배리의 텔레파시 작품. 그는 "전시회 동안 저는 언어나 이미지에 적용되지 않는 일련의 생각들인 예술 작품을 텔레파시로 전달하려고 노력할 것입니다."라고 말했습니다.
• 1969년: 아트 랭귀지 창간호: 개념 예술 저널은 테리 앳킨슨, 데이비드 베인브리지, 마이클 볼드윈, 해럴드 휴렐이 편집한 5월에 출판됩니다. Art & Language는 이 첫 번째 숫자의 편집자이며, 두 번째 숫자에 의해 Joseph Kosuth가 합류하여 1972년까지 미국 편집자로 근무합니다.
• 1969: Vito Acconci는 Following Piece를 만들어 임의로 선택된 대중들이 사적인 공간으로 사라질 때까지 그들을 따라갑니다. 그 작품은 사진으로 제공됩니다.
• 영국의 학술지 스튜디오 인터내셔널은 조셉 코수트의 "철학 이후의 예술"을 세 부분(10월-12월)으로 나누어 발표합니다. 개념 미술에 대해 가장 많이 논의된 기사가 되었습니다.
• 1970: 이안 번, 멜 램스든, 찰스 해리슨이 아트 앤 랭귀지에 합류합니다.^[38]
• 1970: 화가 존 발데사리(John Baldessari)는 "캠타운 레이스(Campown Races)"와 "어떤 매혹적인 저녁(Some Enchanted Evening)"과 같은 대중적인 곡조에 대한 개념 예술을 주제로 한 솔 르윗(Sol LeWitt)의 일련의 박학다식한 진술을 담은 영화를 전시합니다.
• 1970: 더글라스 휴블러(Douglas Huebler)는 24분 동안 도로를 달리면서 2분마다 찍은 일련의 사진들을 전시합니다.
• 1970년: 더글러스 휴블러는 박물관 방문객들에게 '하나의 진짜 비밀'을 적어달라고 요청합니다. 그 결과 1800개의 문서는 책으로 편찬되는데, 어떤 책들은 대부분의 비밀이 비슷하기 때문에 매우 반복적인 읽기를 합니다.
• 1971: Hans Haacke의 실시간 사회 시스템. 이 시스템 아트는 뉴욕시에서 세 번째로 큰 토지 소유자들의 부동산 보유 현황을 자세히 보여줍니다. 대부분 할렘과 로어 이스트 사이드에 있는 부동산은 노후하고 제대로 관리되지 않았으며 단일 그룹이 관리하는 지역에서 가장 많은 부동산이 집중되어 있었습니다. 캡션은 동일한 가족이 소유하거나 지배하는 회사 간의 최근 매출을 포함하여 건물에 대한 다양한 재무 정보를 제공했습니다. 구겐하임 미술관은 이 작품의 명백한 정치적 함의가 "미술관 유기체에 들어간 외계 물질"에 해당한다고 밝히며 전시를 취소했습니다. 구겐하임의 신탁자들이 작품의 대상이 된 가족과 금전적으로 연결되어 있었다고 볼 증거는 없습니다.
• 1972: Art & Language Institute는 Art & Language의 텍스트 작품과 Art - Language의 텍스트 작품을 색인화하는 설치 문서인 Documenta 5에 Index 01을 전시합니다.
• 1972: 안토니오 카로(Antonio Caro)는 국립 미술관(Museo National, Bogota, 콜롬비아 보고타)에서 그의 작품인 아키노카베엘라르테(Aquinocabeelarte, 여기에는 예술이 들어맞지 않음)를 전시합니다. 여기서 각각의 글자는 별도의 포스터이고, 각각의 글자 아래에는 국가 억압의 희생자의 이름이 적혀 있습니다.
• 1972: Fred Forest는 Le Monde 신문의 빈 공간을 사서 독자들이 그 공간을 자신의 예술 작품으로 채우도록 초대합니다.
• General Idea는 Toronto에서 File 잡지를 시작합니다. 잡지는 확장된 협업 예술 작품으로 기능했습니다.
• 1973: Jacek Tylicki는 자연이 예술을 창조할 수 있도록 자연 환경에 빈 캔버스 또는 종이 시트를 펼쳐놓습니다.
• 1974년: 텍사스 아마릴로 근처의 캐딜락 목장.
• 1975–76: 뉴욕의 아트 앤 랭귀지(Art & Language)에서 폭스 저널(The Fox)의 세 호를 발행했습니다. 편집자는 조셉 코수트였습니다. 폭스는 아트 앤 랭귀지(Art & Language)의 미국 멤버들에게 중요한 플랫폼이 되었습니다. 칼 베버리지, 이안 번, 사라 찰스워스, 마이클 코리스, 조셉 코수트, 앤드류 메나드, 멜 램스든, 테리 스미스는 현대 미술의 맥락을 주제화한 글을 썼습니다. 이 기사들은 개념 예술의 내면에서 제도 비평의 발전을 보여줍니다. 예술계에 대한 비판은 사회적, 정치적, 경제적 이유를 통합합니다.
• 1975-77 오르시 드로즈딕의 개인 신화 공연, 사진 및 오프셋 인쇄 시리즈와 부다페스트의 이미지 뱅크 이론.
• 1976년: 내부 문제에 직면하여 예술과 언어의 구성원이 분리됨. Art & Language라는 이름의 운명은 Michael Baldwin, Mel Ramsden, Charles Harrison의 손에 남아있습니다.
• 1977: 독일 카셀에 있는 발터 데 마리아의 수직 지구 거리. 이것은 땅속으로 가라앉아 몇 센티미터를 제외하고는 아무것도 보이지 않는 1킬로미터의 놋쇠 막대였습니다. 따라서 이 작품은 그 크기에도 불구하고 대부분 시청자의 마음 속에 존재합니다.
• 1982: 아트 앤 랭귀지의 오페라 빅토리네는 도큐멘타 7을 위해 카셀 시에서 공연될 예정이었고 아트 앤 랭귀지 스튜디오와 함께 배우들이 그린 웨슬리 플레이스 3에서 공연될 예정이었지만 공연은 취소되었습니다.^[40]
• 1986: Art & Language가 터너상 후보에 올랐습니다.
• 1989: 크리스토퍼 윌리엄스의 베트남 앙골라 전시. 이 작품은 1985년 한 해 동안 정치적 실종이 일어난 것으로 알려진 36개국의 목록에 따라 선택된 하버드 대학 식물 박물관의 유리 식물 표본의 흑백 사진 시리즈로 구성되어 있습니다.
• 1990: 애쉴리 비커튼과 로널드 존스는 "마인드 오버 매터: Whitney Museum of American Art에서 "3세대 개념 예술가들"의 개념과 객체"^[41] 전시.
• 1991년: 로널드 존스는 메트로 픽처스 갤러리에서 암울한 정치 현실에 뿌리를 둔 사물과 텍스트, 예술, 역사 및 과학을 전시합니다.^[42]
• 1991년: 찰스 사치(Charles Saatchi)가 데미안 허스트(Damien Hirst)에게 자금을 지원하고, 그 다음 해 사치 갤러리(Saatchi Gallery)에서 그의 "살아있는 누군가의 마음 속에 사는 죽음의 물리적 불가능성"을 전시합니다.
• 1992년: 마우리치오 볼로니니(Maurizio Bolognini)는 자신의 프로그래밍된 기계를 "봉인"하기 시작합니다. 수백 대의 컴퓨터가 아무도 볼 수 없는 무한한 무작위 이미지 흐름을 생성하기 위해 무한히 실행되도록 프로그래밍되고 남겨집니다.^[43]
• 1993년: 마티유 라우렛(Matthieu Laurete)은 프랑스 TV 게임 투르네즈 마네즈(Tournez manège, 데이트 게임)에 참여하여 예술적 출생 증명서를 확립했습니다. 여기서 여성 발표자는 그에게 누구냐고 물었고, 그는 '멀티미디어 아티스트'라고 대답했습니다. Laurete는 예술 관객들에게 그들의 집에서 TV로 쇼를 볼 수 있도록 초대장을 보냈고, 그의 예술가 무대를 공연된 현실로 바꾸었습니다.
• 1993: Vanessa Beecroft가 이탈리아 밀라노에서 그녀의 첫 번째 공연을 열었는데, 그녀의 음식 일기를 보여주는 두 번째 관객 역할을 하기 위해 모델들을 사용했습니다.
• 1999: 트레이시 에민이 터너상 후보에 올랐습니다. 그녀의 전시품 중 일부는 콘돔, 피로 얼룩진 니커, 병, 그리고 침실 슬리퍼와 같은 찌꺼기로 둘러싸인 그녀의 헝클어진 침대인 마이 침대입니다.
• 2001년: 마틴 크리드가 터너상 작품상을 수상했습니다. 227번: 불이 켜지고 꺼지고, 불이 켜지고 꺼지는 빈 방입니다.^[44]
• 2003년: 워싱턴 주 시애틀의 현대 미술 센터에서 열린 다말리아요 전시회: 스킨드(Skinned), 지역 철물점의 페인트 믹서들에게 신체의 다양한 부분에 어울리는 집 페인트를 만들어 달라고 요청하는 한편 상호작용을 기록했습니다.^[45]
• 2004: Andrea Fraser의 비디오 Untitled, 그녀가 호텔 방에서 수집가(수집가는 만남의 제정 및 촬영을 위한 기술 비용을 지원하기로 동의함)와 성관계를 맺은 문서가 Friedrich Petzel Gallery에 전시되어 있습니다. 그것은 그녀의 1993년작 "기쁨을 미루지 마세요" 혹은 대부분의 글이 삭제된 수집가와의 인터뷰 27페이지의 녹취록인 "수집은 재미있을 수 있습니다"와 함께 제공됩니다.
• 2005년: 사이먼 스탈링(Simon Starling)은 자신이 보트로 변신하여 라인 강을 떠내려갔다가 다시 헛간으로 변신한 나무 헛간인 셰드보트셰드(Shedboatshed)로 터너상을 수상했습니다.^[46]
• 2005: 마우리치오 난누치는 베를린 알테스 박물관 정면에 대형 네온 설치물을 만듭니다. 모든 예술은 현대적이었습니다.
• 2014: 올라프 니콜라이(Olaf Nicolai)는 국제 대회에서 우승한 후 비엔나(Vienna)의 발하우스 광장에 나치 군사 정의 희생자 기념관을 만듭니다. 세 개의 계단으로 된 조각 위에 새겨진 글귀에는 스코틀랜드 시인 이안 해밀턴 핀레이 (1924–2006)의 시와 단 두 단어, 즉 모두 혼자라는 내용이 담겨 있습니다.
• 2019: Maurizio Cattelan은 벽에 테이프를 붙인 바나나 덕트로 등장하는 코미디언 2판을 개당 미화 12만 달러에 판매하여 언론의 큰 주목을 받았습니다.^[47]

주목할만한 컨셉아티스트

참고 항목

개별 작품

참고문헌

더보기

책들

• 찰스 해리슨, 예술과 언어에 관한 에세이, MIT 출판사, 1991
• 찰스 해리슨, 개념미술과 회화: 예술과 언어에 관한 추가 에세이, MIT 출판, 2001
• 에르만노 밀리오리니, 개념미술, 피렌체: 1971
• 클라우스 호네프, 컨셉 아트, 쾰른: 파이돈, 1972
• Ursula Meyer, Ed., 개념예술, 뉴욕: Dutton, 1972
• 루시 R. 리파드, 6년: 1966년부터 1972년까지 예술 대상의 탈물질화. 1973. 버클리: 캘리포니아 대학교 출판부, 1997.
• Gregory Battcock, Ed., Idea Art: A Critical Anthology, New York: E. P. Dutton, 1973
• 위르겐 실링, 악티온스쿤스트 신원이 확인되십니까? Verlag C.J. Bucher, 1978, ISBN 3-7658-0266-2.
• 후안 비센테 알리아가 & 호세 미겔 G. 코르테스, 편집, 아르테 컨셉트 리베사도/컨셉트 아트 재방문, 발렌시아: 발렌시아 대학, 1990
• Thomas Dreher, Konzeptuel Kunst in America und England zwischen 1963 ~ 1976 (논문 루트비히-맥시밀리안-유니버시티테트, 뮌헨), 프랑크푸르트 암 메인: 피터 랭, 1992
• 로버트 C. Morgan, Conceptual Art: American Perspective, Jefferson, NC/London: McFarland, 1994
• 로버트 C. Morgan, Art into Ideas: 개념예술에 관한 에세이, Cambridge et al.: 캠브리지 대학출판부, 1996
• 찰스 해리슨과 폴 우드, 이론의 예술: 1900–1990, 블랙웰 출판, 1993
• Tony Godfrey, Conceptual Art, London: 1998
• Alexander Alberro & Blake Stimson, Ed., Conceptual Art: A Critical Anthology, Cambridge, Massachusetts, London: MIT Press, 1999
• 마이클 뉴먼 & 존 버드, 편집, 개념 예술, 런던: 리크션, 1999
• 앤 로리머, 60년대와 70년대의 새로운 예술: 현실의 재정립, 런던: 테임즈 & 허드슨, 2001
• Peter Osborne, Conceptual Art (주제와 움직임), Phaidon, 2002 (Robert Smithson)외부 링크 참조)
• 알렉산더 알버로. 개념 예술과 공공성의 정치. MIT 출판부, 2003
• Michael Corris, Ed., Conceptual Art: 이론, 실천, 신화, 영국 캠브리지: 캠브리지 대학 출판부, 2004
• Daniel Marzona, Conceptual Art, 쾰른: Taschen, 2005
• 존 로버츠, 형태의 무형성: 레디메이드 이후, 런던과 뉴욕: 베르소 북스, 2007
• 피터 골디와 엘리자베스 셸레켄스, 누가 개념예술을 두려워합니까?, 에이빙던 [등]: 루틀리지, 2010. – VIII, 152 p. : ill. ; 20 cm ISBN 0-415-42281-7 hbk : ISBN 978-0-415-42281-9 hbk : ISBN 0-415-42282-5 pbk : ISBN 978-0-415-42282-6 pbk

에세이

• Andrea Sauchelli, '지인 원리, 미적 판단과 개념예술, 미적 교육 저널 (향후, 2016).

전시 카탈로그

• 다이어그램 상자 및 아날로그 구조, exh.cat . 런던: 몰튼 갤러리, 1963.
• 1969년 1월 5일 ~ 31일, exh.cat , 뉴욕: 세스 시겔라우브, 1969
• 태도가 형성될 때, exh.cat , Bern: Kunsthalle Bern, 1969
• 557,087, exh.cat , 시애틀: 시애틀 미술관, 1969
• Konzeption/Conception, exh.cat ., 레버쿠젠: Städt. 레버쿠젠 박물관 등, 1969
• 개념예술과 개념적 측면, exh.cat ., 뉴욕: 뉴욕문화센터, 1970
• Art in the Mind, exh.cat ., Overlin, 오하이오: Allen Memorial Art Museum, 1970
• 정보, exh.cat ., 뉴욕: 현대미술관, 1970
• 소프트웨어, exh.cat ., 뉴욕: 유대인 박물관, 1970
• 상황 개념, exh.cat ., 인스브루크: Furaktuelle Kunst, 1971
• 아트 컨셉트 I, exh.cat ., 보르도: capc Musée d'art contemporary in de Borde, 1988
• L'art conceptuel, exh.cat ., 파리: ARC–Musée d'Art Modern de la Ville de Paris, 1989
• Christian Schlater, Ed., Art Conceptuel Formes Conceptuels/Conceptual Art Conceptual Forms, exh.cat ., 파리: Galerie 1900–2000과 Galerie de Poche, 1990
• 예술의 대상 재고: 1965– 1975, exh.cat ., 로스앤젤레스: 현대미술관, 1995
• 글로벌 개념주의: Points of Origin, 1950년대-1980년대, exh.cat , 뉴욕: 퀸즈 미술관, 1999
• 오픈 시스템: 예술의 재고 1970, exh.cat , 런던: 테이트 모던, 2005
• 예술 및 언어 미완성: Philippe Meaille Collection, MACBA Press, 2014
• 광년: 개념 미술과 사진 1964– 1977, exh.cat ., 시카고: 시카고 미술관, 2011

외부 링크

• Wikimedia Commons의 개념예술 관련 미디어
• Wiki 인용문에서 개념예술과 관련된 인용문
• 예술 및 언어 미완성: Philippe Meaille Collection, MACBA
• 몽소로 현대미술관 공식 사이트
• 시카고 아트 인스티튜트(Art Institute of Chicago)에서 빛의 세월: 개념예술과 사진, 1964-1977
• Shellekens, Elisabet. "Conceptual Art". In Zalta, Edward N. (ed.). Stanford Encyclopedia of Philosophy.
• 솔 르윗, "개념 예술에 관한 단락"
• 개념주의
• UbuWeb에서 Henry Flynt의 "Concept Art" 에세이가 포함된 Anthology of Chance Operations (1963)의 pdf 파일
• 개념 예술가, 개념 예술에 관한 책, 그리고 더 많은 독서에 대한 링크.
• 아르테 개념적 개념적 개념적. 라데아 카모트: 듀챔프, 뷰이, 케이지 플럭서스 – PDF UCM