록 음악

Rock music
1950년대 록 음악의 독창적인 스타일은 로큰롤을 참고하세요.기타 용도는 록 음악(동음이의)을 참조하십시오.
바위
양식적 기원
문화적 기원1950년대와 1960년대, 미국과 영국
대표적인 계측기
  • 일렉트릭 기타
  • 베이스 기타
  • 북을
파생형
하위장르
퓨전장르
지역풍경
로컬씬
기타주제
록음악으로 2023년

록은 1940년대 말과 1950년대 초 미국에서 "로큰롤"로 시작된 광범위한 대중 음악 장르로, 1960년대 중반부터 특히 미국과 영국에서 다양한 스타일로 발전했습니다.[3]그것은 1940년대와 1950년대 로큰롤에 뿌리를 두고 있는데, 이 스타일은 아프리카계 미국인 음악의 블루스와 리듬 앤 블루스 장르, 컨트리 음악에서 직접적으로 파생된 것입니다.록은 또한 일렉트릭 블루스와 포크와 같은 장르들로부터 강하게 끌어냈고 재즈, 클래식, 그리고 다른 음악 스타일들로부터의 영향을 통합했습니다.악기 연주를 위해, 록은 보통 전기 베이스 기타, 드럼, 그리고 한 명 혹은 그 이상의 가수들로 구성된 록 그룹의 일부로서 전기 기타를 중심으로 합니다.보통 록은 절과 합창 형식을 사용하는 시간 기호를 가진 노래 기반 음악이지만, 장르는 매우 다양해졌습니다.팝 음악과 같이 가사는 낭만적인 사랑을 강조하기도 하지만 사회적이거나 정치적인 다양한 주제를 다루기도 합니다.록은 1950년대부터 2010년대까지 미국과 서양에서 가장 인기있는 음악 장르였습니다.

1960년대 중반의 록 음악가들은 음반에 앞서 음반을 녹음된 음악 표현과 소비의 지배적인 형태로 발전시키기 시작했고, 이러한 발전의 선두에 비틀즈가 있었습니다.그들의 기여는 이 장르에 주류의 문화적 정통성을 제공해주었고 이후 수십 년 동안 음악 산업에 록에 정통한 앨범 시대를 시작했습니다.1960년대 후반 "클래식 록"[3] 시기까지 블루스 록, 포크 록, 컨트리 록, 서던 록, 라가 록, 재즈 록과 같은 혼성 록 음악을 포함한 많은 뚜렷한 록 음악 하위 장르가 등장했는데, 이는 반문화적 사이키델릭과 히피 장면의 영향을 받아 사이키델릭 록의 발전에 기여했습니다.새로운 장르로는 확장된 예술적 요소를 가진 프로그레시브 록, 글램 록, 쇼맨십과 시각적 스타일을 강조하는 쇼맨십과 헤비 메탈의 다양하고 지속적인 하위 장르가 있으며 볼륨, 파워, 속도에 중점을 두고 있습니다.1970년대 후반, 펑크 록은 사회적, 정치적으로 격하된 비평을 낳으며 반응했습니다.펑크는 1980년대 뉴 웨이브, 포스트 펑크, 그리고 결국 얼터너티브 록에 영향을 미쳤습니다.

1990년대부터 얼터너티브 록이 록 음악을 장악하고, 그룬지, 브릿팝, 인디 록의 형태로 주류로 진입하기 시작했습니다.팝 펑크, 일렉트로닉 록, 랩 록, 랩 메탈을 포함한 더 많은 퓨전 하위 장르가 등장했습니다.몇몇 운동들은 2000년대의 개러지 록/펑크 이후의 부활을 포함하여 록의 역사를 재검토하려는 의식적인 시도였습니다.2010년대 이후, 록은 세계 문화에서 두각을 나타낸 대중 음악 장르로서의 위치를 잃었지만, 상업적으로는 여전히 성공적입니다.힙합과 일렉트로닉 댄스 음악의 증가된 영향력은 록 음악, 특히 2010년대 초반의 테크노 팝계와 2020년대의 팝 펑크 힙합 부흥에서 볼 수 있습니다.

록은 또한 문화적, 사회적 운동의 도구로서 구체화되어 영국의 모드와 록커를 포함한 주요 하위 문화, 1960년대 미국 샌프란시스코에서 퍼져나간 히피 운동과 더 넓은 서구 반문화 운동으로 이어졌으며, 그 중 후자는 오늘날까지 이어지고 있습니다.마찬가지로 1970년대 펑크 문화는 고스, 펑크, 이모 하위 문화를 낳았습니다.록 음악은 시위 노래의 민속 전통을 이어받아 인종, 성, 마약 사용에 대한 사회적 태도의 변화뿐만 아니라 정치적 행동주의와 관련이 있으며, 종종 성인 소비주의와 순응에 대한 청소년의 반란의 표현으로 보여집니다.동시에 상업적으로도 큰 성공을 거두면서 완판 혐의를 받고 있습니다.

특성.

사실 록에 대한 좋은 정의는 어느 정도까지는 대중음악이 인기가 있건 상관이 없다는 것입니다.

—Bill Wyman in Vulture (2016)[4]

A photograph of four members of the Red Hot Chili Peppers performing on a stage
2006년 레드 핫 칠리 페퍼스는 록 밴드를 위한 4인조 라인업을 보여주었습니다. (왼쪽부터 오른쪽까지: 베이시스트, 리드 보컬, 드러머, 기타리스트)

록의 소리는 전통적으로 증폭된 전기 기타를 중심으로 하는데, 1950년대 로큰롤의 인기와 함께 현대적인 형태로 등장했습니다.[5]그것은 또한 일렉트릭 블루스 기타리스트들의 소리에 큰 영향을 받았습니다.[6]록 음악에서 일렉트릭 기타의 소리는 주로 동시대 재즈 음악의 선구자였던 일렉트릭 베이스 [7]기타와 드럼과 심벌즈를 결합한 드럼 키트로 제작된 퍼커션에 의해 지원됩니다.[8]이 3인조 악기들은 다른 악기들, 특히 피아노, 해먼드 오르간, 신디사이저와 같은 건반들을 포함함으로써 종종 보완되었습니다.[9]기본적인 록 악기는 기본적인 블루스 밴드 악기(커런트 리드 기타, 세컨드 현악기, 베이스, 드럼)에서 파생되었습니다.[6]록 음악을 연주하는 음악가 그룹을 록 밴드 또는 록 그룹이라고 합니다.또한 일반적으로 3명(파워 트리오)과 5명의 멤버로 구성됩니다.고전적으로, 록 밴드는 보컬리스트, 리드 기타리스트, 리듬 기타리스트, 베이스 기타리스트, 드러머, 그리고 종종 건반 연주자나 다른 악기 연주자를 포함한 한 명 혹은 그 이상의 역할을 담당하는 4인조의 형태를 갖습니다.[10]

\version "2.22.0" \header { tagline = ##f} \score { \drums \with {midiInstrument = "drums"} \with { \numericTimeSignature } { \repeat volta 2 { << \tempo 4 = 80-160 \bar ".|:" { cymra8 [cymra] cymra [cymra] cymra [cymra] cymra [cymra] }\\{bd4 sne bd sne} >>\break } } \layout {} } \score { \unfoldRepeats { \drums \with {midiInstrument = "drums"}{ \repeat volta 2 { << \tempo 4 = 80-160 \bar ".|:" { cymra8 [cymra] cymra [cymra] cymra [cymra] cymra [cymra] }\\{bd4 sne bd sne} >>\break } } } \midi { \tempo 4 = 90 } }
록 음악에서 흔히 볼 수 있는 단순한 드럼 패턴

록 음악은 전통적으로 1미터의 단순한 싱커페이션된 리듬을 기반으로 하며, 2박자와 4박자의 반복적인 스네어 드럼 백 비트가 있습니다.[11]멜로디는 종종 도리안과 믹솔리디아와 같은 오래된 음악적인 방식과 주요한 방식과 작은 방식에서 비롯됩니다.화성의 범위는 공통 삼진법에서 평행 완벽한 4분의 1과 5분의 1, 불협화음 화성 진행에 이르기까지 다양합니다.[11]1950년대 후반부터,[12] 특히 1960년대 중반 이후부터 록 음악은 블루스와 포크 음악에서 파생된 운율 구조를 자주 사용했지만, 이 모델에는 상당한 변화가 있었습니다.[13]비평가들은 돌의 절충주의와 양식적 다양성을 강조해왔습니다.[14]복잡한 역사와 다른 음악적, 문화적 형식을 차용하려는 경향 때문에 "록 음악을 엄격하게 묘사된 음악적 정의에 묶는 것은 불가능하다"는 주장이 제기되어 왔습니다.[15]음악 저널리스트 로버트 크리스트가우(Robert Christgau)의 의견에 따르면, "최고의 록은 현대 기술과 모더니즘 해리의 장면과 함께 민속 예술의 미덕인 직접성, 유용성, 자연스러운 청중을 현재에 충격시킨다."[16]

로큰롤은 청소년들의 동경의 배출구로 생각되었습니다...로큰롤을 만드는 것은 성, 사랑, 폭력, 재미의 교차점을 탐색하고, 지역의 즐거움과 한계를 방송하며, 대중문화 자체의 결핍과 이익을 다루는 이상적인 방법이기도 합니다.

—Robert Christgau in Christgau's Record Guide (1981)[17]

많은 초기 스타일의 대중 음악과 달리, 록 가사는 낭만적인 사랑, 섹스, "The Establishment"에 대한 반항, 사회적 관심, 그리고 삶의 스타일을 포함한 다양한 주제를 다루었습니다.[11]이러한 주제들은 양철판 골목 팝 전통, 포크 음악, 리듬 앤 블루스와 같은 다양한 원천들로부터 이어졌습니다.[18]크리스트가우는 록 가사를 단순한 딕션과 반복되는 자제가 있는 "멋진 매체"로 특징짓고, 록의 주요 "기능"은 "음악, 또는 더 일반적으로 소음과 관련된 것"이라고 주장합니다.[19]록 음악에서 백인, 남성, 그리고 종종 중산층 음악가들의 우세는 종종 주목되어 왔고,[20] 록은 젊고 백인이며 대체로 남성 청중들을 위한 흑인 음악 형식의 전유물로 여겨져 왔습니다.[21]이에 따라 이 집단의 고민을 문체와 가사로 표현한 것도 확인할 수 있었습니다.[22]1972년에 쓴 크리스트가우는 몇 가지 예외에도 불구하고 "로큰롤은 대개 남성의 섹슈얼리티와 공격성에 대한 식별을 의미한다"[23]고 말했습니다.

1960년대 후반부터 "로큰롤"을 선호하여 "록"이라는 용어가 사용되기 시작한 이래, 그것은 많은 특징들을 공유하는 팝 음악과 대조되어 왔지만, 종종 음악적인 감각, 라이브 연주, 그리고 종종 그것은 거리를 두고 있습니다.그리고 장르의 역사와 발전에 대한 인식과 자주 결합되는 진정성의 이념의 일환으로 진지하고 진보적인 주제에 초점을 맞추는 것.[24]사이먼 프리스(Simon Frith)에 따르면 록은 "팝 이상의 것, 로큰롤 이상의 것"이었고, "록 음악가들은 기술과 기술에 대한 강조를 예술적 표현, 독창적이고 진실한 예술로서의 낭만적인 개념과 결합했습니다."[24]

새로운 천년에, 락이라는 용어는 때때로 팝 음악, 레게 음악, 소울 음악, 그리고 심지어 힙합과 같은 형태를 포함하는 포괄적인 용어로 사용되어 왔습니다. 이것은 영향을 받았지만 종종 그 역사의 많은 부분을 통해 대조됩니다.[25]크리스트가우는 좋은 비트에 대한 애정, 약간의 재치가 있는 의미 있는 가사, 그리고 "모든 청소년 음악이 사회학과 현장 보고서에 참여할 정도로" 객관적인 "영원한 매력"을 가지고 있는 젊음이라는 주제를 포함하여, 그의 감성에 맞는 대중적이고 반대중적인 음악을 가리키는 데 이 용어를 광범위하게 사용했습니다.Christgau's Record Guide: 80년대(1990년대), 그는 이러한 감성이 포크 싱어송라이터 Michelle Shocked, 래퍼 LL Cool J, 신스팝 듀오 Pet Shop Boys의 음악에서 드러나고 있으며, 이는 Chuck Berry, the Ramones, and the Replacements의 음악만큼이나 "모든 아이들이 자신의 정체성을 연습하고 있다"고 말했습니다.[26]

1940년대 후반 1960년대 중반

로큰롤

주요 기사:로큰롤
참고 항목:로큰롤과 로커빌리의 기원
1958년 홍보사진 속 척 베리

록 음악의 기초는 1940년대 말과 1950년대 초에 미국에서 시작되어 빠르게 세계의 다른 많은 지역으로 퍼져나간 로큰롤에 있습니다.그것의 즉각적인 기원은 리듬 앤 블루스와 가스펠 음악을 포함한 그 시대의 다양한 흑인 음악 장르를 컨트리와 웨스턴과 혼합한 것에 있습니다.[27]1951년 오하이오주 클리블랜드의 디스크 자키 앨런 프리드(Alan Freed)는 다양한 인종의 청중을 위해 리듬 앤 블루스 음악(당시 "인종 음악"이라고 불림)[28]을 연주하기 시작했고, 음악을 설명하기 위해 "로큰롤"이라는 문구를 처음 사용한 것으로 인정받고 있습니다.

A black and white photograph of Elvis Presley standing between two sets of bars
엘비스 프레슬리 1957년 자일하우스 록 홍보 촬영

논쟁은 "최초의 로큰롤 음반"으로 제안된 많은 음반들을 둘러싼 것입니다.경쟁작으로는 엘라 메이 모스와 프레디 슬랙(1946)의 "The House of Blue Lights"가 있습니다.[29]위노니 해리스의 "Good Rocking Tonight" (1948),[30] 고리 카터의 "Rock Awhere"[33] (1949),[31] 이후 1952년 빌 헤일리와 그의 코메츠가 커버한 지미 프레스턴의 "Rock the Joint" (1949),[32] 1951년 샘 필립스가 선 레코드를 위해 녹음한 재키 브렌스턴과 그의 델타 캣츠의 "Rocket 88" (실제로 아이크 터너와 그의 밴드 더 킹스 오브 리듬).4년 후, 빌 헤일리(Bill Haley)의 "Rock Around the Clock" (1955)는 빌보드 잡지의 주요 판매와 방송 차트에서 1위를 차지한 첫 번째 로큰롤 노래가 되었고, 이 새로운 대중 문화의 물결을 위한 문을 전세계적으로 열었습니다.[34][35]

엘비스 프레슬리의 첫 번째 선 레코드 싱글인 "That's All Right (Mama)" (1954)가 최초의 로큰롤 음반이 될 수도 있다는 주장도 있었지만,[36] 동시에 나중에 헤일리가 커버한 빅조 터너의 "Shake, Rattle & Roll"은 이미 빌보드 R&B 차트에서 1위를 차지했습니다.초기 로큰롤 히트를 친 다른 아티스트로는 척 베리(Chuck Berry), 보 디들리(Bo Diddley), 팻츠 도미노(Fats Domino), 리틀 리처드(Little Richard), 제리 리 루이스(Jerry Lee Lewis), 진 빈센트(Gene Vincent)[33] 등이 있습니다.곧 로큰롤이 미국 음반 판매의 주요한 힘이 되었고, 에디 피셔, 페리 코모, 패티 페이지와 같은 대중 음악의 지난 10년을 지배했던 크루너들은 팝 차트에 대한 그들의 접근이 상당히 축소되었음을 발견했습니다.[37]

로큰롤은 1950년대 중반 칼 퍼킨스, 제리 리 루이스, 버디 홀리와 가장 큰 상업적 성공을 거둔 엘비스 프레슬리와 같은 백인 가수들에 의해 주로 연주되고 녹음된 로큰롤과 "힐빌리" 컨트리 음악을 결합하여 로큰롤을 포함한 많은 독특한 하위 장르로 이어졌습니다.[38]로큰롤의 히스패닉계와 라틴계 미국인 운동은 결국 미국 내에서 라틴 록과 치카노 록의 성공으로 이어졌고, 로큰롤의 표준 음악가 리치 발렌스와 심지어 다른 유산 장르의 음악가들과 함께 남서쪽에서 증가하기 시작했습니다.그들이 전통적인 뉴 멕시코 음악 안에서 로큰롤과 컨트리-웨스턴을 결합하기 시작하면서 알 허리케인과 그의 형제 타이니 모리와 베이비 개비와 같은.[39]Doo-wop과 같은 다른 스타일들은 여러 부분으로 이루어진 보컬 하모니와 백 가사에 중점을 두었는데, 이것은 보통 가벼운 악기로 지원되었고 1930년대와 1940년대 아프리카계 미국인 보컬 그룹에 기원을 두었습니다.[40]까마귀, 펭귄, 엘 도라도스, 터번과 같은 그룹들은 모두 주요 히트곡을 기록했고, 플래터와 같은 그룹들은 "The Great Pretender"(1955)를 포함한 노래들과,[41] "Yaketty Yak"(1958)과 같은 유머러스한 노래들을 가진 코스터들은 [42]그 시기의 가장 성공적인 로큰롤 공연들 중 하나였습니다.[43]

그 시대는 또한 전기 기타의 인기가 증가했고, 척 베리, 링크 레이, 스코티 무어와 같은 지수를 통해 특별히 로큰롤 스타일의 연주가 발전했습니다.[44]주니어 바너드와[45] 엘든 샴블린과 같은 서양 스윙 기타리스트들에 의해 개척된 왜곡의 사용은 1950년대 중반 척 베리에 의해 대중화되었습니다.[46]19세기에 프란시스코 타레가와 하이터 빌라 로보스가 개척하고 1950년대 초반에 윌리 존슨과 팻 헤어가 개척한 파워 코드의 사용은 1950년대 후반에 링크 레이에 의해 대중화되었습니다.[47]

평론가들은 전통적으로 1950년대 후반과 1960년대 초반에 로큰롤의 쇠퇴를 감지해왔습니다.1959년, 비행기 사고로 버디 홀리, 빅 보퍼, 리치 발렌스의 죽음, 엘비스의 군대 이탈, 설교자가 되기 위해 리틀 리처드의 은퇴, 제리 리 루이스와 척 베리의 기소, 그리고 파욜라 스캔들(앨런 프리드를 포함한 주요 인물들이 뇌물과 부패에 연루된)의 깨짐.n개개개의 연기나 노래를 장려한다), 그 시점에서 확립된 로큰롤 시대가 막을 내렸다는 느낌을 주었습니다.[48]

전세계 확산

제2차 세계대전의 여파로 전 세계적으로 일어나고 있던 급격한 미국화와 관련하여, 바위는 미국에서 빠르게 퍼져나갔습니다.[49]클리프 리처드(Cliff Richard)는 〈Move It〉으로 북미 이외 지역에서 최초의 로큰롤 히트곡 중 하나로 인정받고 있으며, 영국 록의 사운드를 효과적으로 선보였습니다.[50]영국 출신의 토미 스틸(Tommy Steelle)을 비롯한 몇몇 아티스트들은 미국의 주요 로큰롤 히트곡들을 커버하여 성공을 거두었고, 녹음이 국제적으로 퍼지기 전에 종종 적절한 지역 언어로 번역했습니다.[51][52]특히 1955년부터 1957년까지 영국, 스칸디나비아, 오스트레일리아, 소련, 남아프리카 공화국을 순회하며 록의 세계화에 영향을 미쳤습니다.[51]1950년대 후반까지, 미국의 영향을 받은 서구 세계에서 뿐만 아니라,[54] 록은 남미와 같은 지역뿐만 아니라 [53]유고슬라비아, 소련과 같은 공산주의 국가에서 인기가 있었습니다.[52]

1950년대 말과 1960년대 초, 미국에서 로큰롤의 상승세를 능가하던 미국 블루스 음악과 블루스 록 아티스트들이 영국에서 새로운 인기를 얻으며 성공적인 투어를 펼쳤습니다.[55]Lonnie Donegan의 1955년 히트곡인 "Rock Island Line"은 주요한 영향을 미쳤고 전국적으로 스키플 음악 그룹의 유행을 발전시키는 데 도움을 주었는데, John Lennon의 Quarrymen (후에 비틀즈)을 포함한 많은 그룹이 로큰롤을 연주하기 시작했습니다.[56]미국의 로큰롤이 경량 팝과 발라드에 의해 지배되는 동안, 클럽과 지역 댄스의 영국 록 그룹들은 블루스-록 선구자들에 의해 더 강한 영향을 받는 스타일을 발전시키고 있었습니다.그리고 백인 미국인들에게서 거의 발견되지 않는 강렬함과 추진력을 가지고 연주하기 시작했습니다;[57] 이 영향은 영국 침략을 통해 록 음악의 미래를 형성할 것입니다.[55]

팝 록과 인스트루멘탈 록

주요 기사:팝 록과 인스트루멘탈 록
참고 항목:두웁, 영국 로큰롤, 소울 음악
A color photograph of Don and Phil Everly on stage with guitars
2006년의 에버리 브라더스

팝이라는 용어는 일반적으로 대중 음악을 지칭하기 위해 20세기 초부터 사용되었지만, 1950년대 중반부터 그것은 종종 로큰롤의 더 부드러운 대안으로 특징지어지는 청소년 시장을 겨냥한 별개의 장르에 사용되기 시작했습니다.[58][59]1967년경부터 록 음악이라는 용어에 반대하여 더 상업적이고 일시적이며 접근하기 쉬운 형태를 설명하기 위해 점점 더 많이 사용되었습니다.[24]대조적으로 록 음악은 확장된 작품, 특히 음반에 초점을 맞춘 것으로 보였고, 종종 특정 하위 문화(1960년대의 반문화와 같은)와 관련이 있었고, 예술적 가치와 "진정성"을 강조했습니다.라이브 연주와 악기 또는 보컬의 미덕을 강조했고, 단순히 기존의 트렌드를 반영하는 것보다는 진보적인 발전을 요약하는 것으로 자주 보여졌습니다.[24][58][59][60]그럼에도 불구하고, 많은 팝 음악과 록 음악은 소리, 악기 그리고 심지어 서정적인 내용에서 매우 유사합니다.[nb 1]

1950년대 후반과 1960년대 초반은 전통적으로 로큰롤의 공백기로 여겨졌습니다.[64]최근에는 일부[weasel words] 저자들이 미래의 발전이 없었다면 불가능했을 이 시기의 중요한 혁신과 동향을 강조하고 있습니다.[65][66]초기 로큰롤, 특히 로커빌리의 등장으로 남성과 백인 공연자들에게 가장 큰 상업적 성공을 거두었지만, 이 시대에 이 장르는 흑인과 여성 예술가들에 의해 지배되었습니다.로큰롤은 1950년대 말에도 사라지지 않았고, 1960년대 초 트위스트 댄스 열풍에서 그 에너지의 일부를 볼 수 있으며, 주로 통통 체커의 경력에 도움이 되었습니다.[66][nb 2]

1969년 제임스 브라운 공연

또한 중요한 것은 소울 음악이 주요한 상업적 힘으로 등장한 것입니다.1950년대 중반의 레이 찰스와 샘 쿡과 같은 선구자들에 의해 이끌어진,[69] 마빈 게이, 제임스 브라운, 아레사 프랭클린, 커티스 메이필드, 스티비 원더와 같은 1960년대 초의 인물들에 의해, 복음주의 음악과 팝의 재주입으로 리듬과 블루스에서 발전하여, R&B 차트를 장악하고 주요 팝 차트에 진입하는 데 도움을 주고 있었습니다.Motown과 Stax/Volt Records가 음반 산업에서 주요한 힘이 되고 있는 동안, 그들의 차별 철폐는 격하되었습니다.[70][nb 3]일부 음악 역사가들은 또한 이 시기에 로큰롤 위에 세워진 중요하고 혁신적인 기술적인 발전을 지적해 왔습니다. 조 미크와 같은 혁신가들이 소리를 전자적으로 처리하는 것과 필 스펙터가 추구하는 소리의 벽의 정교한 제작 방법을 포함합니다.[66]

서핑음악

주요 기사:서핑음악
1964년 비치 보이즈 공연

Duane Eddy, Link Wray, 그리고 Ventures와 같은 연주자들의 악기 로큰롤은 독특한 "습윤" 레버브, 빠른 대체 선택, 그리고 중동과 멕시코의 영향을 더했던 Dick Dale에 의해 개발되었습니다.1961년 지역 히트곡 '렛츠 고 트리핑'을 발표하고 '미실루'(1962)와 같은 곡으로 서핑 음악 열풍을 일으켰습니다.[72]Dale과 그의 Del-Tones처럼, Bel-Airs, Challengers, 그리고 Eddie & the Showmen을 포함하여, 대부분의 초기 서핑 밴드들은 남부 캘리포니아에서 결성되었습니다.[72]샹테이즈는 1963년에 "파이프라인"으로 전국적인 히트곡 탑 10을 기록했고 아마도 가장 잘 알려진 서프 곡은 1965년 빌보드 차트에서 2위와 10위를 기록한 서파리스의 1963년의 "Wipe Out"이었습니다.[73]

서프 음악은 1961년 남부 캘리포니아에서 결성된 비치 보이즈(Beach Boys)의 성악으로 가장 큰 상업적 성공을 거두었습니다.그들의 초기 앨범에는 인스트루멘탈 서프 록(그 중에서도 딕 데일의 음악 커버)과 보컬 곡, 로큰롤과 두웁에 그림을 그리고 포 뉴 뉴커스터즈와 같은 보컬 팝의 긴밀한 조화가 모두 포함되어 있습니다.[74]1962년 비치 보이즈의 첫 번째 차트 히트곡인 "서핑"은 빌보드 100위에 올랐고 서핑 음악 열풍을 전국적인 현상으로 만드는 데 도움을 주었습니다.[75]대부분의 서핑 음악 히트곡들이 1961년에서 1965년 사이에 녹음되고 발매되었기 때문에, 서핑 음악 열풍과 거의 모든 서핑 공연자들의 경력이 1964년 영국 침공의 도래로 효과적으로 끝났다는 주장이 종종 제기됩니다.[76][nb 4]

1960년대 중반~1990년대 초반

브리튼 인베이전

주요 기사: 영국 침공
참고 항목:비트 음악, 브리티시 블루스, 브리티시 록
Black and white picture of the Beatles waving in front of a crowd with an set of aeroplane steps in the background
1964년 2월 영국 침공이 시작될 때 뉴욕에 도착한 비틀즈

1962년 말, 영국 록계가 된 것은 비틀즈, 게리 앤 더 페이스메이커, 서처스, 리버풀의 프레디 앤 더 드리머스, 허먼 허미츠, 맨체스터의 홀리스와 같은 비트 그룹에서 시작되었습니다.그들은 1950년대 로큰롤, 소울, 리듬 앤 블루스, 서핑 음악을 포함한 광범위한 미국의 영향을 받았으며,[77] 처음에는 표준 미국 곡을 재해석하고 댄서들을 위해 연주했습니다.뉴캐슬 출신의 애니멀스와 벨파스트 출신의 테임과 같은 밴드들,[78] 특히 롤링 스톤스와 야드버즈와 같은 런던 출신의 밴드들은 리듬 앤 블루스와 나중에 블루스 음악에 훨씬 더 직접적인 영향을 받았습니다.[79]곧 이 그룹들은 미국의 음악 형태들을 결합하고 높은 에너지 비트를 주입하면서 자신들의 자료를 만들고 있었습니다.비트 밴드는 "부유하고 거부할 수 없는 멜로디"를 지향하는 반면, 초기 영국 블루스 활동은 성적으로 순수하지 않고 더 공격적인 노래를 지향했고, 종종 반체제적인 입장을 취했습니다.그러나 특히 초기에는 두 경향 사이에 상당한 음악적 크로스오버가 있었습니다.[80]1963년까지 비틀즈에 의해 이끌려, 비트 그룹들은 영국에서 국가적인 성공을 거두기 시작했고, 곧 리듬 앤 블루스에 초점을 맞춘 행동들에 의해 차트에 이어졌습니다.[81]

"I Want to Hold Your Hand"는 빌보드 핫 100에서 비틀즈의 첫 번째 1위 히트곡으로 7주간 1위와 총 15주간 1위를 기록했습니다.[82][83][84]1964년 2월 9일 에드 설리번 쇼(The Ed Sullivan Show)에 처음 출연하여 7천 3백만 명으로 추정되는 시청자를 끌어 모았으며, 이는 미국 대중 문화의 획기적인 사건으로 여겨집니다.1964년 4월 4일 한 주 동안, 비틀즈는 빌보드 핫 100 싱글 차트에서 톱 5를 포함하여 12개의 자리를 차지했습니다.비틀즈는 역사상 가장 많이 팔린 록 밴드가 되었고 그들은 수많은 영국 밴드들에 의해 미국 차트에 올랐습니다.[80]이후 2년 동안 피터와 고든, 애니멀스,[85] 맨프레드 맨, 페툴라 클라크,[85] 프레디와 더 드리머스, 웨인 폰타나와 마인드벤더스, 허먼의 허미츠, 롤링 스톤스,[86] 트록스, 도노반은[87] 모두 1위 혹은 그 이상의 싱글을 보유하며 영국과 미국 차트를 장악했습니다.[83]침공의 일부가 된 다른 주요 활동으로는 킨크스와 데이브 클라크 파이브가 있습니다.[88][89]

영국의 침공은 로큰롤의 생산을 국제화하는 데 도움을 주었고, 그 후의 영국 (그리고 아일랜드) 공연자들이 국제적인 성공을 이룰 수 있는 문을 열었습니다.[90]미국에서 그것은 1950년대 후반과 1960년대에 미국 차트를 장악했던 기악 서핑 음악, 보컬 걸그룹, 그리고 십대 아이돌의 끝을 거의 틀림없이 말해줬습니다.[91]그것은 팻츠 도미노와 통통 체커와 같은 기존 R&B 배우들의 경력을 위축시켰고 엘비스를 포함한 살아남은 로큰롤 배우들의 차트 성공을 일시적으로 무산시키기도 했습니다.[92]브리티시 인베이전(British Invasion)은 또한 독특한 장르의 록 음악의 성장에 주요한 역할을 했으며, 기타와 드럼을 기반으로 하고 싱어송라이터로서 그들만의 소재를 생산하는 록 그룹의 우위를 굳혔습니다.[40]특히 비틀즈의 1965년 LP 러버 소울이 설정한 예를 따라 1966년 롤링 스톤스의 애프터매스, 비틀즈의 리볼버, 후즈 어 퀵 원 등 다른 영국 록 밴드들은 예술적인 표현으로 의도된 록 앨범을 발표했으며, 비치 보이스(펫 사운드)와 밥 딜런(금발 위의 금발)의 미국 밴드도 발표했습니다.[93]

개러지 록

주요 기사 : 차고 바위

개러지 록은 록 음악의 원초적인 형태였으며, 1960년대 중반에 특히 북미에서 널리 퍼져 있었고, 교외의 가족 차고에서 리허설을 했다는 인식 때문에 그렇게 불렸습니다.[94][95]개러지 록 노래들은 종종 고등학교 생활의 트라우마를 중심으로 전개되는데, 특히 "거짓말하는 소녀들"과 불공평한 사회적 상황에 대한 노래들이 흔했습니다.[96]가사와 전달은 그 당시에 흔히 있었던 것보다 더 공격적인 경향이 있었고, 종종 으르렁거리거나 고함을 지르며 일관성 없는 비명으로 녹았습니다.[94]그들은 조잡한 1악장 음악(씨앗들과 같은)부터 근작업실 음악가의 자질(니커보커스, 레어즈, 피프스 에스테이트를 포함)에 이르기까지 다양했습니다.특히 캘리포니아와 텍사스에서 번창하는 풍경과 함께 미국의 많은 지역에서 지역적인 변화도 있었습니다.[96]워싱턴과 오리건의 태평양 북서부 주들은 아마도[according to whom?] 가장 명확한 지역적 소리를 가졌을 것입니다.[97]

A tinted photograph of five members of the D-Men performing with guitars, drums, and keyboards
1964년 D-Men (이후 5번째 사유지)

그 양식은 일찍이 1958년에 지역의 풍경으로부터 발전해 왔습니다.Wailers의 "Tall Cool One" (1959)과 Kingsmen의 "Louie Louie" (1963)은 형성 단계에서 장르의 주류적인 예입니다.[98]1963년에 이르러, 폴 리비어와 레이더스([99]보이스), 트래시맨(미니애폴리스),[100] 리비에라스(인디애나주 사우스벤드)를 포함한 더 많은 수의 개러지 밴드 싱글들이 전국 차트에 서서히 진입하고 있었습니다.[101]소닉스(워싱턴 타코마)와 같은 다른 영향력 있는 차고 밴드들은 빌보드 핫 100에 오른 적이 없습니다.[102]

영국 침공은 차고 밴드에 큰 영향을 끼쳤고, 전국적인 청중을 제공했고, 많은 (종종 서핑 또는 핫 로드 그룹)이 영국의 영향력을 채택하도록 이끌었고, 더 많은 그룹이 결성되도록 장려했습니다.[96]수천 개의 개러지 밴드가 이 시대 동안 미국과 캐나다에 존재했고 수백 개가 지역 히트곡을 만들었습니다.[96]수십 개의 밴드가 주요 또는 대형 지역 레이블과 계약을 맺었음에도 불구하고, 대부분은 상업적으로 실패했습니다.1966년 경에 상업적으로나 예술적으로 차고 바위가 정점에 달했다는 것은 일반적으로 동의되는 사실입니다.[96]1968년에는 아마추어 음악가들이 대학, 직장, 드래프트에 직면하면서 국내 차트와 지역 수준에서 스타일이 대부분 사라졌습니다.[96]새로운 스타일은 차고 바위를 대체하기 위해 진화했습니다.[96][nb 5]

블루스 록

주요 기사:블루스 록
참고 항목: 영국 블루스

비록 영국 침공이 미국 대중 음악에 미친 첫 번째 영향은 비트와 R&B 기반의 활동을 통해 이루어졌지만, 롤링 스톤스와 야드버즈를 포함한 미국 블루스에서 그들의 영감을 더 직접적으로 끌어낸 두 번째 밴드 물결이 곧 그 자극을 받았습니다.[104]1950년대 후반과 1960년대 초반의 영국 블루스 음악가들은 스키플 열풍에 큰 영향을 준 리드 벨리와 로버트 존슨과 같은 인물들의 어쿠스틱 연주에 영감을 받았습니다.[105]1958년 머디 워터스의 영국 투어 이후에는 시릴 데이비스와 기타리스트 알렉시스 코너가 블루스 인코퍼레이티드라는 밴드를 결성하는 계기가 된 시카고 블루스를 기반으로 종종 일렉트릭 기타를 중심으로 한 큰 증폭음을 채택했습니다.[106]밴드는 롤링 스톤스와 크림의 멤버들을 포함하여 이후 영국 블루스 붐의 많은 인물들을 참여시키고 영감을 주었습니다.[57]

A black and white photograph of Eric Clapton with a guitar on stage
1974년 바르셀로나에서 공연한 에릭 클랩튼

영국 블루스의 또 다른 주요 초점은 존 메이올이었고, 그의 밴드인 블루스브레이커스는 에릭 클랩튼(클랩튼이 야드버즈에서 탈퇴한 후)과 나중에 피터 그린을 포함했습니다.특히 중요한 것은 에릭 클랩튼(Beano) 앨범과 함께 블루스 브레이커스를 발매한 것인데, 이 앨범은 영국의 대표적인 블루스 음반 중 하나로 간주되며, 그 사운드는 영국과 미국 모두에서 많이 모방되었습니다.[107]에릭 클랩튼은 슈퍼그룹 Cream, Blind Faith, 그리고 Derek and the Dominos를 결성했고, 블루스 록을 주류로 끌어들이는 데 도움을 준 광범위한 솔로 경력을 이어갔습니다.[106]그린은 블루스브레이커의 리듬 섹션인 믹 플리트우드와 존 맥비와 함께 피터 그린의 플리트우드 맥을 결성하여 이 장르에서 가장 큰 상업적 성공을 누렸습니다.[106]1960년대 후반, 야드버즈의 동문이기도 한 제프 벡은 그의 밴드인 제프 벡 그룹과 함께 블루스 록을 헤비 록 방향으로 옮겼습니다.[106]마지막 야드버즈 기타리스트는 지미 페이지였는데, 그는 빠르게 레드 제플린이 된 뉴 야드버즈를 결성했습니다.그들의 첫 세 앨범에 수록된 곡들 중 많은 곡들이 그리고 때때로 그들의 경력 후기에 등장한 곡들은 전통적인 블루스 곡들의 확장이었습니다.[106]

미국에서 블루스 록은 1960년대 초 기타리스트 로니 맥에 의해 개척되었지만,[108] 1960년대 중반에 영국 블루스 음악가들과 비슷한 사운드가 발전하면서 장르가 도약하기 시작했습니다.폴 버터필드 (그의 밴드는 많은 성공적인 음악가들의 출발점으로 영국에서 메이올의 블루스브레이커스처럼 행동했다), 캔 히트, 초기 제퍼슨 에어플레인, 제니스 조플린, 조니 윈터, J. 게일스 밴드, 지미 헨드릭스와 함께한 파워 트리오 (두 명의 영국인 멤버 포함), 그리고 fo.그의 기타 천재성과 쇼맨십은 지난 10년간 가장 많이 모방된 것 중 하나일 것입니다.[106]Allman Brothers Band, Lynyd Skynyrd, ZZ Top과 같은 남부 주 출신의 블루스 록 밴드들은 독특한 장르인 Southern Rock을 생산하기 위해 컨트리적인 요소들을 그들의 스타일에 포함시켰습니다.[109]

초기 블루스 록 밴드들은 재즈를 자주 모방했고, 길게 연주했고, 즉흥 연주를 포함했고, 이것은 나중에 프로그레시브 록의 주요 요소가 되었습니다.크림과 지미 헨드릭스 익스피리언스와 같은 1967년 정도의 밴드들은 순수하게 블루스 기반의 음악에서 사이키델리아로 옮겨갔습니다.[110]1970년대에 이르러 블루스 록은 레드 제플린과 딥 퍼플의 작품에서 전형적으로 드러났으며,[110] 밴드가 록 스타일의 음반을 녹음하기 시작하면서 블루스 록과 하드 록 사이의 선이 거의 보이지 않게 되었습니다.[110]이 장르는 1970년대에 조지 소로굿과 팻 트래버스와 같은 인물들에 의해 계속되었지만,[106] 특히 영국 장면에서 (아마도 높은 에너지와 반복적인 부기 록의 형태로 이동한 Status Quo와 Foghat와 같은 그룹의 출현을 제외하고) 밴드들은 헤비 메탈 혁신에 집중하게 되었습니다.그리고 블루스 록은 주류에서 빠져나가기 시작했습니다.[111]

포크 록

주요 기사:포크 록
A black and white photograph of Joan Baez and Bob Dylan singing while Dylan plays guitar
1963년 조안 바에즈와 밥 딜런

1960년대까지 미국 포크 음악 부흥에서 발전한 장면은 전통적인 음악과 전통적인 스타일의 새로운 작곡, 보통 어쿠스틱 악기를 사용하면서 주요 운동으로 성장했습니다.[112]미국에서 이 장르는 우디 거스리와 피트 시거와 같은 인물들에 의해 개척되었고 종종 진보 혹은 노동 정치와 동일시 됩니다.[112]60년대 초 조안 바에즈와 밥 딜런과 같은 인물들이 싱어송라이터로서 이 운동의 선두에 섰습니다.[113]딜런은 "Blowin' in the Wind" (1963)와 "Masters of War" (1963)를 포함한 히트곡들로 주류 청중들에게 다가가기 시작했지만,[114] 록과 포크 음악은 서로 영향을 미치기 시작했지만, 종종 상호 배타적인 청중들과 함께 주로 별개의 장르로 남아있었습니다.[115]

포크와 록의 요소를 결합하려는 초기의 시도에는 로큰롤 악기로[116] 녹음된 최초의 상업적으로 성공한 애니멀스의 〈House of the Rising Sun〉(1964)과 딜런에 의해 직접적으로 영향을 받은 최초의 비틀즈 노래인 비틀즈의 〈I'm a Loser〉(1964)가 있습니다.[117]포크 록 운동은 대개 버드가 1965년에 차트 1위를 차지한 딜런의 "미스터 탬버린 맨"을 녹음하면서 시작된 것으로 생각됩니다.[115]로스앤젤레스의 카페를 기반으로 한 포크 씬의 일부였던 멤버들과 함께, 버즈는 드럼과 12현 리켄배커 기타를 포함한 록 악기를 채택했고, 이것은 장르의 사운드에 주요한 요소가 되었습니다.[115]그해 말 딜런은 많은 민속 순수주의자들의 분노를 사면서 전자 악기를 채택했고, 그의 "Like a Rolling Stone"은 미국 히트 싱글이 되었습니다.[115]리치 언터버거(Ritchie Unterberger)[118]에 따르면 딜런은 비틀즈와 같은 록 음악가들에게 영향을 끼쳤고, "일반적으로 록 세대들에게 앨범이 히트 싱글 없이 주요 독립적인 진술이 될 수 있다는 것을 보여주었다"고 한다.

포크 록은 특히 마마스 앤 더 파파스와 크로스비, 스틸스, 내쉬와 같은 공연들이 전기 악기로 이동하도록 이끌었던 캘리포니아에서, 그리고 러빈 스푼풀과 사이먼 앤 가펑클을 포함한 공연자들을 낳았던 뉴욕에서,많은 히트곡들 중 첫 번째 곡으로 후자의 어쿠스틱 사운드 오브 사일런스(The Sounds of Silence) (1965)를 록 악기들과 리믹스했습니다.[115]이러한 행위들은 도노반과 페어포트 컨벤션과 같은 영국 공연자들에게 직접적인 영향을 미쳤습니다.[115]1969년 페어포트 컨벤션은 미국 커버곡과 딜런의 영향을 받은 곡들의 혼합을 전자 악기로 전통적인 영국 포크 음악을 연주하는 것을 포기했습니다.[119]이 영국 포크 록은 펜탱글, 스틸아이 스팬, 알비온 밴드 등의 밴드들이 맡았고, 이는 차례로 JSD 밴드, 스펜서의 Feat, 후에 파이브 핸드 릴과 같은 스코틀랜드의 밴드들이 1970년대 초 켈틱 록의 브랜드를 만들기 위해 그들의 전통 음악을 사용하도록 유도했습니다.[120]

포크 록은 컨트리 록을 개발하기 시작한 딜런과 버드를 포함하여 많은 활동들이 다양한 방향으로 움직이기 전인 1967-68년 동안 상업적인 인기의 절정에 이르렀습니다.[121]하지만 포크와 록의 혼합은 록 음악의 발전에 큰 영향을 끼쳐 사이키델리아의 요소를 불러왔고 싱어송라이터의 아이디어, 시위곡, 그리고 "진정성"의 개념을 발전시키는 데 도움을 준 것으로 여겨져 왔습니다.[115][122]

사이키델릭 록

주요 기사:사이키델릭 록
참고 항목: 라가 록
A black and white photograph of three men, one is sitting on the floor.
1968년 지미 헨드릭스 체험

사이키델릭 음악의 LSD에서 영감을 받은 분위기는 민속 장면에서 시작되었습니다.[123]사이키델릭 락이라고 광고한 첫 번째 그룹은 텍사스에서 온 13층 엘리베이터였습니다.[123]비틀즈는 이 시기에 기타 피드백, 인디언 시타, 백마스킹 효과음과 같은 사이키델릭 사운드의 많은 주요 요소들을 관객들에게 소개했습니다.[124]1965년부터 그룹들이 포크 록에서 포크 록으로 바뀜에 따라 사이키델릭 록은 특히 캘리포니아의 떠오르는 음악계에서 급부상했습니다.[124]환각제를 중심으로 한 환각적인 생활 방식은 샌프란시스코에서 이미 발전했으며 특히 빅 브라더 앤 홀딩 컴퍼니, 그레이트풀 데드, 제퍼슨 에어플레인 등이 이 장면의 주목할 만한 제품이었습니다.[124][125]지미 헨드릭스 익스피리언스의 리드 기타리스트인 지미 헨드릭스는 사이키델리아의 주요 특징이 된 왜곡되고 피드백으로 가득 찬 잼을 확장했습니다.[124]사이키델릭 록은 10년의 마지막 해에 정점에 이르렀습니다.1967년 비틀즈는 병장에서 그들의 결정적인 사이키델릭 성명을 발표했습니다. 논란이 된 곡 "Lucy in the Sky with Diamonds"를 포함한 페퍼의 Lonely Hearts Club Band, 롤링 스톤스는 그 해 말 사탄의 여왕 요청으로 응답했고,[124] 핑크 플로이드는 The Piper at the Gates of Dawn으로 데뷔했습니다.주요 녹음으로는 제퍼슨 에어플레인의 초현실주의 베개와 도어스의 이상한 날들이 있습니다.[126]이러한 경향은 1969년 우드스톡 축제에서 정점을 찍었고, 이 축제에서 대부분의 주요 환각제 공연이 이루어졌습니다.[124]

페퍼 병장은 이후 역사상 가장 위대한 앨범이자 앨범 시대의 출발점으로 여겨졌는데, 이 기간 동안 록 음악은 싱글 형식에서 앨범으로 전환되었고 주류에서 문화적 정통성을 얻었습니다.[127]1960년대 중반 비틀즈에 의해 이끌어진 [128]록 음악가들은 LP를 녹음된 음악 표현과 소비의 지배적인 형태로 발전시켰고, 이후 수십 년 동안 음악 산업에서 록에 정통한 앨범 시대를 시작했습니다.[129]

프로그레시브 록

주요 기사 : 프로그레시브 록
참고 항목:아트 록과 실험 록
자세한 내용 : 프로그레시브 뮤직

때때로 아트 록과 혼용되어 사용되는 용어인 프로그레시브 록은 다양한 악기, 노래 종류, 형태를 실험함으로써 기존의 음악 공식을 뛰어넘었습니다.[130]1960년대 중반부터 Left Bankke, Beatles, Rolling Stones 그리고 Beach Boys는 바로크 록의 형태를 생산하기 위해 하프시코드, 관악, 그리고 현악기 부분을 그들의 음반에 포함하는 것을 개척했고 Bach에 영감을 받은 도입부와 함께 Procol Harum의 "A Whiter Shade of Pale" (1967)과 같은 싱글로 들을 수 있습니다.[131]Moody Blues는 그들의 앨범 Days of Future Passed(1967)에서 완전한 오케스트라를 사용했고 그 후 신디사이저로 오케스트라 사운드를 만들었습니다.[130]클래식 오케스트레이션, 키보드 및 신디사이저는 기타, 베이스 및 드럼의 기존 록 형식에 자주 추가되었습니다.[132]

A color photograph of members of the band Yes on stage
프로그 록 밴드 예스는 1977년 인디애나폴리스에서 콘서트를 열었습니다.

기악곡은 흔했던 반면 가사가 있는 노래들은 때때로 개념적이거나 추상적이거나 판타지와 공상과학소설에 바탕을 두었습니다.[133]The Pretty Things의 SF Sorrow (1968)와 Kinks의 Arthur (Or the Decall and Fall of the British Empire) (1969)는 록 오페라의 형식을 소개하고 컨셉 앨범의 문을 열었는데, 종종 서사적인 이야기를 들려주거나 웅장한 주제를 다루었습니다.[134]강력한 기타 리프와 멜로트론을 재즈와 교향곡 음악과 혼합한 킹 크림슨의 1969년 데뷔 앨범 인 더 코트 오브 더 크림슨 킹은 프로그레시브 록의 핵심 녹음으로 받아들여지며 1970년대 초 기존 블루스 록과 사이키델릭 밴드 사이에서 장르가 널리 채택되는 것은 물론 새롭게 결성된 공연에도 도움을 줍니다.[130]활기찬 캔터베리 장면에서는 소프트 머신을 따라가는 행위가 사이키델리아에서 재즈의 영향을 거쳐 카라반, 햇필드 앤 더 노스, 공, 내셔널 헬스 등 보다 확장적인 하드 록으로 이어졌습니다.[135]

1968년 시드 배럿이 떠난 후 사이키델리아에서 멀어진 핑크 플로이드는 이 장르의 걸작으로 간주되는 '다크 사이드 오브 더 문(The Dark Side of the Moon, 1973)'으로 역대 가장 많이 팔린 앨범 중 하나가 되면서 더 큰 성공을 누렸습니다.[136]예스는 기타리스트 스티브 하우와 키보드 연주자 릭 웨이크먼의 기술을 보여주는 반면 에머슨, 레이크 & 팔머는 이 장르의 가장 기술적으로 까다로운 작품을 제작한 슈퍼그룹이었습니다.[130]Jethro Tull과 Genesis 둘 다 매우 다르지만, 명백하게 영국의 음악 브랜드를 추구했습니다.[137]1969년 야드버즈 출신의 짐 매카티와 키스 렐프에 의해 결성된 르네상스는 애니 하슬람의 3옥타브 목소리를 특징으로 하는 고개념 밴드로 발전했습니다.[138]대부분의 영국 밴드들은 비교적 적은 컬트 추종자들에 의존했지만, 핑크 플로이드, 제네시스, 그리고 제트로 툴을 포함한 소수의 사람들은 국내에서 상위 10개의 싱글을 만들어내고 미국 시장을 깨트렸습니다.[139]미국 프로그레시브 록의 브랜드는 절충적이고 혁신적인 프랭크 자파, 캡틴 비프하트 앤 블러드, 스웨트 앤 티어스,[140] 보스턴, 포린, 캔자스, 저니, 스틱스와 같은 팝 록 지향적인 밴드들에 이르기까지 다양했습니다.[130]영국 밴드 슈퍼트램프와 ELO 외에도, 이것들은 모두 프로그 록의 영향을 보여주었고 1970년대 가장 상업적으로 성공한 공연 중 하나로 꼽히면서, 복잡한 쇼의 비용(종종 연극 무대화와 특수 효과와 함께)까지 지속될 폼포 아레나 록의 시대를 예고했습니다.1990년대에 주요 라이브 공연장으로서 보다 경제적인 록 페스티벌로 대체될 것입니다.[citation needed]

장르의 기악적 흐름은 장르의 주축이 된 버진 레코드 레이블의 첫 음반이자 전 세계적인 히트곡인 마이크 올드필드의 튜브형 벨(1973)과 같은 앨범으로 이어졌습니다.[130]기악 록은 특히 유럽 대륙에서 중요한 역할을 했으며, 크래프트워크(Kraftwerk), 탠저린 드림(Tangerine Dream), 캔(Can), 파우스트(Faust)와 같은 밴드들이 언어 장벽을 극복할 수 있도록 했습니다.[141]그들의 신시사이저 헤비 "크라우트록"은 브라이언 에노(록시 뮤직의 키보드 연주자)의 작품과 함께 후속 일렉트로닉 록에 주요한 영향을 미칠 것입니다.[130]1970년대 후반 펑크 록의 등장과 기술적 변화로 프로그레시브 록은 점점 더 가식적이고 과장된 것으로 치부되었습니다.[142][143]많은 밴드들이 해체되었지만, 제네시스, 엘피, 예스, 핑크 플로이드를 포함한 몇몇 밴드들은 정기적으로 성공적인 전세계 투어와 함께 톱 10 앨범을 기록했습니다.[103]수시 앤 더 밴시즈, 울트라복스, 심플 마인즈와 같은 펑크의 여파로 등장한 몇몇 밴드들은 프로그레시브 록의 영향뿐만 아니라 그들이 더 일반적으로 인정받는 펑크 영향력을 보여주었습니다.[144]

재즈 록

메인 기사 : 재즈 록
A color photograph of Jaco Pastorius sitting on a stool and playing a bass guitar
1980년 일기예보의 야코 파스토리우스

1960년대 후반, 재즈 록은 블루스 록, 사이키델릭, 그리고 진보적인 록의 장면에서 뚜렷한 하위 장르로 등장했고, 록의 힘과 재즈의 음악적인 복잡성과 즉흥적인 요소들을 혼합했습니다.올뮤직은 재즈-록이라는 용어가 "재즈 캠프의 가장 크고, 열광적이며, 전기를 가장 많이 받는 퓨전 밴드를 지칭할 수도 있지만, 대부분의 경우 이 용어는 록 쪽에서 오는 연주자들을 묘사한다"고 말합니다. 재즈-록은 "...일반적으로 60년대 말과 70년대 초의 가장 예술적으로 야심 찬 록 하위 장르에서 성장했습니다."싱어송라이터 운동을 [145]포함해서요많은 초기 미국 로큰롤 음악가들은 재즈에서 시작했고 이 요소들 중 일부를 새로운 음악으로 옮겨왔습니다.영국에서 블루스 록의 하위 장르와 에릭 클랩튼을 앞세운 밴드 크림의 진저 베이커와 잭 브루스와 같은 많은 주요 인물들이 영국 재즈계에서 나타났습니다.종종 진정한 첫 재즈 록 녹음으로 강조되는 것은 비교적 잘 알려지지 않은 뉴욕 기반의 Free Spirits with Out of Sight and Sound(1966)의 유일한 앨범입니다.레이블을 의식적으로 사용한 첫 번째 밴드 그룹은 1960년대 후반과 1970년대 초반의 상업적으로 가장 성공한 공연 중 일부가 되기 위해 일렉트릭 플래그, 블러드, 스웨트 앤 티어스 및 시카고와 같은 재즈 혼 섹션을 사용한 R&B 지향 화이트 록 밴드였습니다.[146]

재즈의 음색과 즉흥적인 측면을 활용하기 위해 블루스 씬의 같은 시기에 등장하는 영국의 연기에는 Nucleus[147] and the Graham Bond와 John Mayall의 분사 콜로세움이 포함됩니다.사이키델릭 록과 캔터베리 장면에서 소프트 머신이 나왔는데, 소프트 머신은 두 장르를 예술적으로 성공적으로 융합시킨 것으로 제시되고 있습니다.아마도 가장 비평가들의 호평을 받은 퓨전은 재즈적인 면에서 나온 것일 것이며, 특히 헨드릭스의 작업에 영향을 받은 마일스 데이비스는 앨범 Bitches Brew (1970)를 위해 록 악기를 그의 사운드에 통합했습니다.그것은 Herbie Hancock, Chick Corea 그리고 Weather Report를 포함하여, 록에 영향을 받은 그 후의 재즈 아티스트들에게 주요한 영향을 미쳤습니다.[146]이 장르는 1970년대 후반, 더 부드러운 형태의 퓨전이 관객들을 사로잡기 시작하면서 퇴색하기 시작했지만,[145] 스틸리 댄,[145] 프랭크 자파, 조니 미첼과 같은 배우들은 이 시기에 재즈의 영향을 많이 받은 앨범을 녹음했고, 록 음악에 계속해서 주요한 영향을 미치고 있습니다.[146]

1970년대 상업화 증가

1970년대 초 록 음악의 발전을 돌아보며 로버트 크리스트가우는 "크리스트가우의 레코드 가이드: 70년대 록 앨범"에서 다음과 같이 썼습니다.[17]

10년은 물론 임의적인 스키마 그 자체입니다. 시간은 단지 10년마다 미래를 향해 깔끔하게 전환되는 것이 아닙니다.하지만 많은 인위적인 개념들과 마찬가지로, 즉 돈과 같은 이 범주는 사람들이 그것을 어떻게 활용할 것인지를 알게 되면 그 자체로 현실이 됩니다.1972년쯤에야 듣기 시작한 구호인 '60년대는 끝났다'는 이상주의가 통과됐다고 믿으려는 사람들을 총동원했고, 일단 동원되면 그렇게 됐습니다.대중 음악에서 70년대를 받아들인 것은 엉망진창인 콘서트와 반문화적인 장면에서 엘리트주의자들의 철수와 FM 라디오와 앨범 록의 가장 낮은 공통분모에 대한 폭리적인 추구를 의미했습니다.

록은 이 10년 동안 상품화가 더욱 증가하여 수십억 달러의 산업으로 변모하고 시장을 두 배로 늘린 반면, 크리스트가우가 언급한 바와 같이 문화적 위신의 현저한 상실을 겪었습니다.그는 "비기즈가 비틀즈보다 더 인기를 끌었을 수도 있지만 결코 예수보다 더 인기가 있었던 적은 없다"고 말했습니다."음악이 신화적인 힘을 유지하는 한, 그 신화는 자명했습니다. 로큰롤의 삶에 대한 노래는 많았지만 새로운 브랜드의 진통제를 제외하고는 록이 세상을 어떻게 바꿀 수 있는지에 대한 노래는 거의 없었습니다.70년대에 록 산업가들이 국내적인 분위기를 이용하여 종종 반동적인 오락의 종류로 잠재적인 음악을 줄이고 록의 대중적인 기반을 청중에서 시장으로 전환함에 따라 강력한 권력자들이 자리를 잡았습니다.[17]

뿌리바위

주요 기사:뿌리바위
참고 항목:컨트리 록과 서던 록

루츠 록(Roots rock)은 현재 일부 사람들이 사이키델릭 장면의 과잉이라고 보았던 것에서 벗어나 컨트리 록과 서던 록의 창조로 이어지는, 원래의 영향, 특히 컨트리 음악과 포크 음악을 통합한 더 기본적인 형태의 로큰롤로 나아가는 것을 설명하기 위해 사용되는 용어입니다.[148]1966년 밥 딜런은 앨범 블론드 온 블론드를 녹음하기 위해 내슈빌로 갔습니다.[149]이것과 내슈빌 스카이라인과 같은 더 명확하게 컨트리에 영향을 받은 앨범들은 컨트리 포크라는 장르를 창조하는 것으로 여겨져 왔습니다. 이는 주로 어쿠스틱 포크 음악가들이 추구하는 길입니다.[149]1960년대 후반 가장 성공적이고 영향력 있는 밴드 중 하나로 기본적인 로큰롤과 포크, 컨트리, 블루스를 혼합한 캐나다 그룹 더 밴드와 캘리포니아에 기반을 둔 크리덴스 클리어워터 리바이벌이 그 뒤를 이었습니다.[150]같은 운동은 Ry Cooder, Bonnie Ritt, 그리고 Lowell George와 같은 캘리포니아 솔로 가수들의 음반 경력의 시작을 [151]목격했고 Rolling Stones의 Begger's Bunche (1968)와 Beatles의 Let It Be (1970)와 같은 기성 공연자들의 작업에 영향을 미쳤습니다.[124]지난 몇 년간 록 음악의 이러한 트렌드 변화를 반영하며, Christgau는 1970년 6월 "Consumer Guide" 칼럼에서 이 "새로운 정통"과 "문화적 지체"가 즉흥적이고 스튜디오 장식적인 프로덕션을 포기하고 "긴밀하고 남는 악기"와 작곡에 대한 강조를 선호한다고 썼습니다: "그것의 참조는 50년대 록, 컨트리입니다.y 음악, 리듬 앤 블루스, 그리고 그것의 핵심 영감은 밴드입니다."[152]

A color photograph of four members of the Eagles on stage with guitars
에덴투어 2008~2009 롱로드 기간 동안 이글스

1968년, 그램 파슨스는 International Submarine Band와 함께 세이프 앳 홈을 녹음했는데, 거의 틀림없이 최초의 진정한 컨트리 록 앨범입니다.[153]그 해 말, 그는 일반적으로 로데오 장르에서 가장 영향력 있는 음반 중 하나로 여겨지는 Birds for the Sweetheart of the Rodoe (1968)에 합류했습니다.[153]버드는 같은 맥락에서 계속되었지만, 파슨스는 다른 전 버드 멤버 크리스 힐만과 함께 플라잉 브리또 브라더스를 결성하기 위해 떠났고, 그는 장르의 존경과 매개 변수를 확립하는 데 도움을 주었고, 파슨스는 솔로 커리어를 추구하기 위해 떠났습니다.[153]컨트리 록을 채택한 캘리포니아의 밴드로는 하트 앤 플라워, 포코, 뉴 라이더 오브 더 퍼플 세이지,[153] 보 브루멜스,[153] 니티 그리티 더트 밴드 등이 있습니다.[154]에버리 브라더스, 스톤 캐년 밴드의 리더가 된 한 때 십대 아이돌이었던 릭 넬슨, 퍼스트 내셔널 밴드를 결성한 전 몽키 마이크 네스미스, 닐 영 등을 포함한 몇몇 공연자들은 컨트리 사운드를 채택하여 르네상스를 즐기기도 했습니다.[153]딜라드족은 특이하게도 록음악 쪽으로 나아가는 컨트리 액트였습니다.[153]컨트리 록의 가장 큰 상업적 성공은 1970년대에 이루어졌는데, 두비 브라더스, 에밀루 해리스, 린다 론슈타트 그리고 이글스(브리토스, 포코, 스톤 캐년 밴드의 멤버들로 구성된)를 포함한 아티스트들이 호텔 캘리포니아(1976)를 포함한 앨범을 제작하면서 이루어졌습니다.[155]

서던 록의 창시자들은 대개 1970년대 초 부기, 소울, 컨트리의 요소들을 통합하면서, 블루스 록에서 파생된 독특한 사운드를 발전시킨 올맨 브라더스 밴드로 여겨집니다.[109]그들을 따르는 가장 성공적인 행동은 1970년대 기타 록의 일반적인 형태와 하위 장르의 "Good ol' boy" 이미지를 확립하는 데 도움을 준 Lynyd Skynyrd였습니다.[109]그들의 후계자로는 퓨전 악기 연주자 딕시 드레그스(Dixie Dregs), 더 많은 나라의 영향을 받은 무법자, 펑크/R&B 성향의 웨트 윌리(Wet Willie), 그리고 (R&B와 복음의 요소를 통합한) 오자크 마운틴 데어데블(Ozark Mountain Darevils)이 있습니다.[109]올맨스와 라이너드 스카이너드의 원년 멤버들이 사라진 후, 장르는 1970년대 후반에 인기가 사라지기 시작했지만 .38 스페셜, 몰리 해쳇, 마샬 터커 밴드와 같은 공연들로 1980년대에 지속되었습니다.[109]

글램 록

주요 기사 : 글램락
A color photograph of David Bowie with an acoustic guitar
1972년 지기 스타더스트 앤 더 스파이더 투어 중 데이비드 보위.

글램 록은 1960년대 후반 영국의 사이키델릭과 아트 록 장면에서 등장했고, 그러한 경향에 대한 확장과 반작용으로 볼 수 있습니다.[156]앨빈 스타더스트와 같은 인물들의 단순한 로큰롤 부흥주의부터 록시 뮤직의 복잡한 아트 록까지 음악적으로 다양하며, 음악적 하위 장르만큼이나 패션으로도 볼 수 있습니다.[156]시각적으로 볼 때 그것은 1930년대 할리우드의 매력부터 1950년대의 핀업 성 매력, 전쟁 이전의 카바레 연극, 빅토리아 시대의 문학적이고 상징주의적인 스타일, 공상과학 소설, 고대의 신비주의와 신화에 이르기까지 다양한 스타일의 그물망이었습니다. 말도 안 되는 옷, 화장, 헤어스타일, 플랫폼 밑창이 달린 부츠를 신고 모습을 드러냈습니다.[157]글램은 성적, 성별의 모호성과 양성애의 표현으로 가장 잘 알려져 있으며, 연극의 광범위한 사용 이외에도.[158]그것은 코켓츠와 앨리스 쿠퍼와 같은 미국 연극들의 쇼맨십과 성 정체성 조작에 의해 미리 구성되었습니다.[159]

글램 록의 기원은 마크 볼란(Marc Bolan)과 관련이 있는데, 그는 1960년대 말에 포크 듀오의 이름을 티 렉스(T. Rex)로 바꾸고 전자 악기를 사용했습니다.1971년 3월 BBC의 음악 프로그램 탑 오브 더 팝스에 반짝이와 새틴을 착용하고 출연하여 두 번째 영국 톱 10 히트곡이자 첫 번째 영국 넘버 1 히트곡인 "Hot Love"를 공연한 것으로 자주 언급됩니다.[160]1971년부터 이미 단역 스타였던 데이비드 보위는 자신의 연기에 전문적인 분장, 마임, 퍼포먼스의 요소들을 포함시켜 지기 스타더스트의 페르소나를 개발했습니다.[161]록시 뮤직, 스위트, 슬레이드, 모트 더 후플, 머드 그리고 앨빈 스타더스트를 포함한 공연자들이 곧 그 스타일을 따랐습니다.[161]영국에서 싱글 차트에서 매우 성공적이었지만, 이 음악가들 중 미국에서 심각한 영향을 미칠 수 있었던 사람은 거의 없었습니다; 보위는 국제적인 슈퍼스타가 된 주요 예외였고, 루 리드, 이기 팝, 뉴욕 돌스 그리고 조브리아스와 같은 배우들 사이에서 글램 스타일의 채택을 촉발했습니다.종종 "글리터 록"으로 알려져 있으며 영국의 음악가들보다 더 어두운 서정적인 내용을 담고 있습니다.[162]영국에서 글리터 록이라는 용어는 1972년과 1976년 사이에 영국에서 18개의 톱 10 싱글을 달성한 게리 글리터와 그의 지원 음악가 글리터 밴드가 추구하는 글램의 극단적인 버전을 가리키는 데 가장 자주 사용되었습니다.[163]수지 콰트로(Suzi Quatro), 로이 우드(Roy Wood)의 전어(Wizard), 스파크스(Sparks)를 포함한 두 번째 글램 록 밴드가 약 1974년부터 1976년까지 영국 싱글 차트를 장악했습니다.[161]로드 스튜어트, 엘튼 존, 퀸, 그리고 한동안 롤링 스톤스까지 포함하여, 몇몇은 이 장르의 중심이라고 여겨지지 않는 기존의 공연들도 글램 스타일을 채택했습니다.[161]그것은 또한 키스와 아담 앤트를 포함하여 나중에 유명해진 배우들에게 직접적인 영향을 미쳤고, 1976년경부터 글램 패션을 종식시키는 데 도움을 준 펑크 록뿐만 아니라 고딕 록과 글램 메탈의 형성에도 직접적인 영향을 미쳤습니다.[162]글램은 이후 체인소 캣츠, 다크니스[164], R&B 크로스오버 배우 프린스와 같은 밴드를 통해 산발적으로 완만한 부활을 누려왔습니다.[165]

치카노 록

주요 기사:치카노 록
카를로스 산타나(Carlos Santana), 1976년 샌프란시스코 카우 팰리스(Cow Palace)에서 열린 새해 전야 행사

1960년대 라틴 록의 초기 성공 이후, 카를로스 산타나와 알 허리케인과 같은 시카노 음악가들은 1970년대 내내 성공적인 경력을 이어갔습니다.산타나는 1970년 아브락사스 앨범에 수록된 싱글 "Black Magic Woman"으로 성공을 거두며 10년을 시작했습니다.[166]그의 세 번째 앨범 산타나 3은 싱글 "No One to Defend On"을 발매했고, 그의 네 번째 앨범 카라반세라이는 그의 사운드를 혼합된 리셉션으로 실험했습니다.[167][168]그는 이후 4장의 앨범을 발매하여 모두 골드의 지위를 얻었습니다.어서 오세요, 보볼레타, 아미고스, 페스티발.알 허리케인은 그의 록 음악과 뉴멕시코 음악을 계속 혼합했지만 재즈 음악에 더 많은 실험을 했고, 이것은 특히 "베스티도 모하도"를 포함한 그의 베스티도 모하도 앨범에 여러 싱글을 성공적으로 이끌었습니다.타이니 모리의 〈La Del Mo coloradoo Colorado〉와 베이비 개비의 〈La Cumbia De San Antone〉에서 그의 형제들은 뉴멕시코 싱글을 성공적으로 장식했습니다.알 허리케인 주니어는 또한 1970년대에 록을 가미한 뉴 멕시코 음악 녹음 경력을 1976년에 "Flor De Las Flores"로 시작했습니다.[170][171]로스 로보스는 이 시기에 인기를 얻었는데, 1977년 첫 번째 앨범인 로스 로보스 델 에스테 드 로스앤젤레스(Los Lobos del Este de Los Angeles)로 유명해졌습니다.

부드러운 암석, 단단한 암석, 초기 중금속

주요 기사:소프트 록, 하드 록, 헤비 메탈 음악
참고 항목:소프트 록 아티스트 및 노래 목록

1971년, 이상한 시기 – 록이 장르로 발칸화되는 과정이 잘 진행되고 있었지만, 그 다음 유행어를 구분하기란 쉽지 않은 경우가 많았습니다."Art-rock"은 벨벳에서 무디 블루스까지 어떤 것이든 의미할 수 있었고, 레드 제플린이 출시되고 블랙 사바스가 기념되었지만, "헤비 메탈"은 무정형의 개념으로 남아 있었습니다.

—Robert Christgau[172]

1960년대 후반부터 주류 록 음악을 소프트 록과 하드 록으로 나누는 것이 일반화되었습니다.소프트 록은 종종 어쿠스틱 악기를 사용하고 멜로디와 하모니에 더 중점을 두면서 포크 록에서 파생되었습니다.[173]주요 아티스트로는 캐롤 킹, 캣 스티븐스, 제임스 테일러 등이 있습니다.[173]1970년대 중후반 빌리 조엘, 미국, 개혁된 플리트우드 맥과 같은 활동으로 상업적인 정점에 이르렀고, 그의 루머(1977)는 10년간 가장 많이 팔린 앨범이었습니다.[174]대조적으로, 하드 록은 블루스 록에서 더 자주 파생되었고 더 크고 더 강렬하게 연주되었습니다.[175]단순한 반복 리프를 사용하는 리듬 악기이자 솔로 리드 악기로서 전기 기타를 자주 강조했고, 왜곡과 다른 효과와 함께 사용될 가능성이 더 높았습니다.[175]주요 활동으로는 킹크스와 같은 브리티시 인베이전 밴드와 크림, 지미 헨드릭스, 제프 벡 그룹과 같은 사이키델릭 시대의 공연자들이 있습니다.[175]1970년대 후반에 국제적인 성공을 누린 하드 록의 영향을 받은 밴드로는 퀸,[176] 씬 리지,[177] 에어로스미스, AC/DC,[175] 반 헤일런 등이 있습니다.

A color photograph of the band Led Zeppelin on stage
레드 제플린은 1975년 1월 시카고 스타디움에서 생방송을 했습니다.

1960년대 후반부터 "헤비 메탈"[178]이라는 용어는 더 많은 음량과 강도를 가지고 연주되는 어떤 하드 록을 묘사하기 위해 사용되기 시작했습니다, 처음에는 형용사로, 그리고 1970년대 초반에는 명사로.이 용어는 1967년 스티븐울프의 "Born to Be Wild"에서 처음 음악에 사용되었으며 샌프란시스코의 블루 치어, 클리블랜드의 제임스 갱, 미시간의 그랜드 펑크 레일로드와 같은 선구적인 밴드들과 연관되기 시작했습니다.[179]1970년까지 3개의 주요 영국 밴드가 하위 장르를 형성하는 데 도움이 되는 특징적인 소리와 스타일을 개발했습니다.레드 제플린은 리프가 들어간 블루스 록에 환상의 요소를 더했고, 딥 퍼플은 그들의 점진적인 록 단계에서 교향곡과 중세 시대의 흥미를 불러왔고, 블랙 사바스는 고딕과 모달의 조화의 측면을 도입하여 "더 어두운" 사운드를 만들어냈습니다.[180]이러한 요소들은 1970년대 후반까지 헤비 메탈 밴드의 "2세대"에 의해 받아들여졌습니다: 영국의 주다스 프리스트, UFO,[180] 모터헤드, 레인보우, 미국의 키스, 테드 누겐트, 블루 외이스터 컬트, 캐나다의 러쉬, 독일의 스콜피언스.방송 횟수가 부족하고 싱글 차트에서 거의 존재하지 않았음에도 불구하고 1970년대 후반 헤비 메탈은 특히 북미와 유럽의 청소년기 노동자 계층 남성들 사이에서 상당한 인기를 얻었습니다.[181]1980년대에 본 조비, 건즈 앤 로지스, 스키드 로우, 데프 레파드와 같은 밴드들은 하드 록과 팝의 융합으로 주류적인 성공을 거두었습니다.1990년대에 하드 록은 건즈 앤 로지스의 11월 비와 같은 주요 히트곡을 제외하고는 인기가 약간 떨어졌습니다.하지만 2000년대 초반, 본 조비의 "It's My Life"는 록과 팝 록의 인기가 크게 증가했고 새로운 팬층에게 이 장르들을 소개하는 데 도움을 주었습니다.

크리스천 록

주요 기사:크리스천 록

대부분 헤비메탈 장르인 록은 일부 기독교 지도자들로부터 비도덕적이고 반기독교적이며 심지어 사탄적이라고 비난을 받았습니다.[182]하지만, 크리스찬 록은 1960년대 후반, 특히 남부 캘리포니아에서 시작된 예수 운동으로부터 발전하기 시작했고, 1970년대에 보통 크리스찬 록의 첫 번째 주요 "스타"로 보이는 래리 노먼과 같은 예술가들과 함께 하위 장르로 나타났습니다.[183]장르는 주로 미국에서 나타나는 현상이었습니다.[184]많은 크리스천 록 연주자들은 현대의 크리스천 음악계와 관련이 있습니다.1980년대부터 기독교 팝 연주자들은 주류적인 성공을 거두었습니다.이러한 예술가들은 기독교 사회에서 대체로 받아들여졌지만, 1980년대에 상당한 주류적인 성공을 거둔 Stryper와 같은 밴드들에 의한 헤비 록과 글램 메탈 스타일의 채택은 더 논란이 많았습니다.[185][186]1990년대부터 P.O.D.를 포함한 기독교인들로 보이는 것을 선호하며 기독교 밴드 레이블을 회피하려는 행위들이 증가했습니다.[187]

하트랜드 록

주요 기사:하트랜드 록
A black and white photograph of Bruce Springsteen on stage with a guitar
1988년 동베를린의 브루스 스프링스틴

1970년대 후반에 개발된 직설적인 음악 스타일과 평범한 블루칼라 미국인들의 삶에 대한 관심이 특징인 미국 노동자 계급 지향의 하트랜드 록.하트랜드 록이라는 용어는 캔자스, REO 스피드왜건, 스틱스와 같은 중서부 아레나 록 그룹을 설명하기 위해 처음 사용되었지만, 이는 포크, 컨트리, 로큰롤의 직접적인 영향을 더 많이 받은 사회적으로 우려되는 형태의 루트 록과 관련되게 되었습니다.[188]그것은 미국 중서부와 러스트 벨트가 서부 해안 시골 바위와 미국 남부의 남부 바위에 대응하는 것으로 여겨져 왔습니다.[189]처음에 펑크와 뉴웨이브와 동일시되었던 인물들에 의해 이끌려, 밥 딜런, 버드, 크리던스 클리어워터 리바이벌과 반 모리슨, 그리고 1960년대 차고와 롤링 스톤스의 기초 록과 같은 공연들에 의해 가장 강한 영향을 받았습니다.[190]

싱어송라이터 브루스 스프링스틴(Bruce Springsteen), 밥 시거(Bob Seger), 톰 페티(Tom Petty)의 상업적 성공과 사우스사이드 조니와 애즈베리 쥬크스(Southside Johnny and Asbury Jukes), 조 그루셰키(Joe Gruschecky), 하우스로커스(Housersockers)와 같은 덜 알려진 배우들에 의해 예시된, 그것은 부분적으로 동서양의 산업화 이후 도시 쇠퇴에 대한 반응이었고, 종종 사회적 불감증의 문제에 집중되었습니다.시간이 좋은 로큰롤 부흥주의의 한 형태 옆에 있는, 통합과 고립.[190]이 장르는 1980년대 중반에 상업적, 예술적 그리고 영향력이 절정에 이르렀고, 스프링스틴의 Born in the USA (1984)는 전세계 차트에서 1위를 차지했고, 존 멜렌캠프, 스티브 얼을 포함한 아티스트들과 브루스 혼즈비와 같은 더 온화한 싱어송라이터들의 등장과 함께 일련의 톱 10 싱글 앨범을 탄생시켰습니다.[190]빌리 조엘,[191] 키드 록[192], 킬러스처럼 다양한 아티스트들에게 영향을 주는 것으로도 들을 수 있습니다.[193]

하트랜드 록은 1990년대 초에 이르러 일반적으로 록 음악과 블루칼라와 백인 노동자 계급의 주제들이 젊은 관객들에게 영향력을 잃었고, 하트랜드의 예술가들이 더 많은 개인적인 작품들로 눈을 돌리면서, 인정받는 장르로 사라졌습니다.[190]비록 그들의 작품들이 더 개인적이고 실험적이 되었고 더 이상 하나의 장르에 쉽게 맞지 않지만, 많은 하트랜드 록 아티스트들은 오늘날 비평적이고 상업적인 성공을 거두며 계속해서 음반을 만들고 있습니다.미주리주의 보틀 로케츠와 일리노이주의 엉클 투펠로와 같은 음악이 1970년대나 1980년대에 발매되었더라면 아마 하트랜드 록으로 분류되었을 새로운 아티스트들은 종종 알트 컨트리로 분류되었다는 것을 발견합니다.[194]

펑크 록

주요 기사:펑크 록
참고 항목: 프로토펑크 및 하드코어 펑크
A color photograph of Patti Smith on stage with a microphone
패티 스미스, 1976년 공연

펑크 록은 1974년에서 1976년 사이에 미국과 영국에서 개발되었습니다.개러지 록과 다른 형태의 프로토펑크 음악에 뿌리를 둔 펑크 록 밴드는 1970년대 주류 록의 과도함을 피했습니다.[195]그들은 일반적으로 짧은 노래, 격식을 차린 악기, 그리고 종종 정치적인 반체제적인 가사로 빠르고 딱딱한 음악을 만들었습니다.펑크는 많은 밴드들이 그들의 음반을 직접 제작하고 비공식적인 채널을 통해 배포하는 DIY 윤리를 받아들입니다.[196]

Members of rock band the Sex Pistols onstage in a concert. From left to right, singer Johnny Rotten and electric guitarist Steve Jones.
성악가 조니 로튼과 성악가 스티브 존스

1976년 말, 뉴욕시의 라몬즈와 패티 스미스, 런던의 섹스 피스톨즈와 클래시와 같은 공연들은 새로운 음악 운동의 선봉장으로 인식되었습니다.[195]이듬해 펑크 록은 전세계로 퍼져나갔습니다.펑크는 영국에서 빠르게 주요한 문화 현상이 되었습니다.1976년 12월 1일 빌 그룬디와의 섹스 피스톨스의 TV 생방송 대결은 영국 펑크가 주요 미디어 현상으로 변모하는 분수령이 되었는데, 일부 상점들은 음반 재고를 거부하고 라디오 방송은 구하기 어려웠습니다.[197]1977년 5월, Sex Pistols는 그녀의 실버 주빌리 기간 동안 엘리자베스 2세 여왕을 언급한 노래로 새로운 논란의 높이(싱글 차트에서 2위)를 달성했습니다.[198]펑크는 대부분 주류와의 연관성을 거부하는 경향이 있는 지역 장면에서 뿌리를 내렸습니다.젊은 반항심을 표출하고 독특한 의상 스타일과 다양한 반권위주의 이데올로기를 특징으로 하는 연관된 펑크 하위 문화가 등장했습니다.[199]

1980년대 초, 하드코어나 오이와 같은 더 빠르고 공격적인 스타일은 펑크 록의 우세한 모드가 되었습니다.[200]이것은 D-비트(영국 밴드 방전의 영향을 받은 왜곡이 심한 하위 장르), 아나코-펑크(크라스와 같은), 그린코어(네이팜 데스와 같은), 크러스트 펑크와 같은 여러 진화된 하드코어 펑크의 결과를 낳았습니다.[201]펑크에 공감하거나 영감을 받은 음악가들은 뉴웨이브, 포스트 펑크, 얼터너티브 록 운동을 낳으며 다양한 다른 변형을 추구했습니다.[195]

뉴웨이브

주요 기사:뉴웨이브 음악과 신스팝
참고 항목:뉴로맨틱 일렉트로닉 록
A black and white photograph of Debbie Harry on stage with a microphone
밴드 블론디의 데보라 해리, 1977년 토론토 메이플 리프 가든스에서 공연

펑크 록은 중요한 사회적, 음악적 현상이었지만 음반 판매(스티프 레코드와 같은 작은 전문 레이블에서 배포)나 [202]미국 라디오 방송(디스코와 음반 중심의 록과 같은 주류 형식이 라디오 씬을 계속 지배했기 때문에)에서 덜 달성했습니다.[203]펑크 록은 예술계와 대학가에서 열성적인 사람들을 끌어들였고, 곧 토킹 헤즈와 데보와 같은 좀 더 문맹하고 예술적인 접근법을 자랑하는 밴드들이 펑크계에 침투하기 시작했습니다. 일부 분기에서는 이러한 덜 노골적인 펑크 밴드들을 구별하기 위해 "새로운 물결"이라는 표현이 사용되기 시작했습니다.[204]펑크 운동으로 대부분 혼란스러웠던 음반사 임원들은 더 접근하기 쉬운 뉴웨이브 활동의 가능성을 인식하고 펑크나 뉴웨이브와 원격 연결을 주장할 수 있는 모든 밴드에 적극적으로 서명하고 마케팅하기 시작했습니다.[205]The Cars and the Go-Go's와 같은 이러한 밴드들 중 많은 것들은 뉴 웨이브로서 판매되는 팝 밴드로 볼 수 있습니다;[206] 폴리스, 프레텐더스 및 엘비스 코스텔로를 포함한 기존의 다른 활동들은 뉴 웨이브 운동을 비교적 길고 비판적으로 성공적인 커리어를 위한 발판으로 사용한 반면,[207] Knack [208]또는 포토제닉으로 대표되는 "스키니 타이" 밴드는 비교적 길고 비판적인 커리어를 위한 발판으로 사용했습니다.블론디는 펑크로 시작해 상업적 영역으로 옮겨갔습니다.[209]

1979년과 1985년 사이에 크래프트워크, 옐로우 매직 오케스트라, 데이비드 보위, 게리 누만의 영향을 받아 영국의 뉴웨이브는 스판다우 발레, 울트라복스, 일본, 듀란 듀란 듀란, 갈매기 무리, 컬처 클럽, 토크, 그리고 유리히믹스와 같은 뉴로맨틱스로 향했고, 때때로 다른 모든 악기들을 대체하기 위해 신디사이저를 사용했습니다.[210]이 시기는 MTV의 성장과 동시에 이 브랜드의 신스팝에 대한 많은 노출로 이어졌고, 제2의 브리티시 인베이전으로 특징지어지는 것을 만들었습니다.[211]몇몇 더 전통적인 록 밴드들은 비디오 시대에 적응했고 MTV의 방송으로부터 이익을 얻었는데, 가장 명백하게 Dire Straits는 "Money for Nothing"이 국제적인 스타가 되는 데 도움이 되었지만,[212] 일반적으로 기타 중심의 록은 상업적으로 가려졌습니다.[213]

포스트펑크

주요 기사:포스트펑크
참고 항목:고딕 록과 인더스트리얼 음악
A color photograph of members of the band U2 performing on stage
U2, 조슈아트리 투어 2017 공연

하드코어가 펑크의 벗겨진 미학을 가장 직접적으로 추구하고 새로운 물결이 그 상업적 날개를 대표하게 되었다면 포스트 펑크는 1970년대 후반과 1980년대 초반에 더 예술적이고 도전적인 면으로 나타났습니다.펑크 밴드 외에도 주요한 영향은 벨벳 언더그라운드, 프랭크 자파, 캡틴 비프하트, 그리고 제임스 챈스와 콘토션스, DNA와 소닉 유스와 같은 밴드를 포함한 퍼포먼스에 중점을 둔 뉴욕 기반의 노 웨이브 씬이었습니다.[214]이 장르에 대한 초기 공헌자로는 미국 밴드 페레 우부, 데보, 레지던트, 토킹 헤즈 등이 있습니다.[214]

영국 포스트 펑크의 첫 번째 물결에는 Gang of Four, Suuxie, Banshees and Joy Division이 포함되어 있는데, 그들은 미국의 상대들보다 예술에 덜 중점을 두었고 그들의 음악의 어두운 감정적 특징에 더 중점을 두었습니다.[214]수시와 밴시, 바우하우스, 큐어, 자비의 수녀들과 같은 밴드들은 1980년대 초까지 주요 하위 문화의 기반이 된 고딕 록을 설립하기 위해 점점 더 이 방향으로 나아갔습니다.[215]생일파티나 닉 동굴과 같은 호주의 공연들도 비슷한 감정적 영역을 추구했습니다.[214]바우하우스와 조이 사단의 멤버들은 각각 사랑과 로켓 그리고 뉴 오더라는 새로운 양식의 영역을 탐구했습니다.[214]펑크 이후의 또 다른 초기 운동은 영국 밴드인 Grotting Gristle과 Cabaret Voltaire, 그리고 뉴욕에 기반을 둔 Suced에 의해 개발된 산업 음악으로[216], 산업 생산의 소리를 모방하고 1980년대에 다양한 형태의 포스트 산업 음악으로 발전한 다양한 전자 및 샘플링 기술을 사용했습니다.[217]

폴, 팝 그룹, 메콘스, 에코 앤 버니맨, 티어드롭 폭약 등 1980년대 초에 획기적으로 발전한 영국 포스트 펑크 밴드의 2세대는 어두운 소닉 환경에서 멀어지는 경향이 있었습니다.[214]포스트 펑크에서 나온 가장 성공적인 밴드는 아일랜드의 U2로, 정치적 해설과 함께 종교적 이미지의 요소들을 그들의 자주 있는 무반주 음악에 통합시켰고, 1980년대 후반에는 세계에서 가장 큰 밴드 중 하나가 되었습니다.[218]많은 포스트 펑크 밴드들이 녹음과 공연을 계속했지만 1980년대 중반 해체되거나 다른 음악적 영역을 탐색하기 위해 활동을 옮기면서 운동으로 쇠퇴했지만 록 음악의 발전에 계속 영향을 미쳤고 얼터너티브 록 운동의 창안에 주요한 요소로 여겨져 왔습니다.[219]

대체 암석의 출현

주요 기사:얼터너티브 록
참고 항목: 잔글팝, 대학 록, 인디팝, 드림팝, 슈게이징
A color photograph of the band R.E.M. on stage
R.E.M.은 1980년대/90년대에 성공적인 얼터너티브 록 밴드였습니다.

얼터너티브 록이라는 용어는 1980년대 초 당시 주류 장르에 맞지 않았던 록 아티스트들을 묘사하기 위해 만들어졌습니다.얼터너티브(Alternative)라고 불리는 밴드들은 통일된 스타일이 없었지만, 모두 주류 음악과는 다른 것으로 여겨졌습니다.얼터너티브 밴드들은 펑크 록에 대한 그들의 집단 부채로 하드코어, 뉴 웨이브 또는 포스트 펑크 운동을 통해 연결되었습니다.[220]1980년대 미국의 중요한 얼터너티브 록 밴드로는 R.E.M., Hüsker Dü, Jane's Addiction, Sonic Youth, Pixies가 있으며,[220] 영국에서는 Cure, New Order, Jesus and Mary Chain, Smiths가 있습니다.[221]예술가들은 주로 독립적인 음반사에 국한되어 대학 라디오, 팬진, 투어, 입소문을 기반으로 한 광범위한 언더그라운드 음악 씬을 구축했습니다.[222]그들은 1980년대 초반의 지배적인 신스 팝을 거부하고 그룹 기반의 기타 록으로 돌아갔습니다.[223][224][225]

비록 이 규칙의 예외에는 R.E.M., Smiths, Cure 등이 있지만, 이러한 초기 밴드 중 주류적인 성공을 거둔 밴드는 거의 없습니다.일반적으로 화려한 음반 판매량이 부족함에도 불구하고, 오리지널 얼터너티브 록 밴드는 1980년대에 성년이 된 음악가 세대에게 상당한 영향력을 행사했고 1990년대에 주류의 성공을 거두었습니다.1980년대 동안 미국의 얼터너티브 록 스타일에는 1960년대 중반 팝과 록의 울리는 기타를 통합한 R.E.M.의 초기 녹음과 관련된 잔글 팝과 10,000명의 매니악스와 필리스와 같은 공연을 포함하여 대학 서킷과 대학 라디오에서 시작된 얼터너티브 밴드를 묘사하는 데 사용된 칼리지 록이 포함되었습니다.[220]영국에서는 1980년대 초 고딕 록이 주류를 이루었지만, 10년 말에는 프리말 스크림, 보그쉐드, 하프 맨 하프 비스킷, 웨딩 프레젠트와 같은 인디 또는 드림 팝과[226] 마이 블러디 발렌타인, 슬로우다이브, 라이드, 러쉬와 같은 슈게이즈 밴드가 진입했습니다.[227]해피 먼데이, 인스파이럴 카펫, 스톤 로즈 등의 밴드를 제작하는 매체스터 현장이 특히 활기를 띄었습니다.[221][228]앞으로 10년 동안 미국에서는 grunge, 영국에서는 Britpop의 성공으로 얼터너티브 록이 주류를 이루게 될 것입니다.

1990년대 초반 ~ 2000년대 후반

그룬지

주요 기사 : Grunge
A color photograph of two members of the band Nirvana on stage with guitars
1992년 열반 공연

1980년대 중반에 상업화되고 고도로 생산된 팝과 록에 의해 영향을 받은 워싱턴 주의 밴드들(특히 시애틀 지역)은 그 시대의 주류 음악과 극명한 대조를 이루는 새로운 스타일의 록을 형성했습니다.[229]발전하는 장르는 음악의 더러운 소리와 대부분의 음악가들의 단정하지 못한 모습을 묘사하는 용어인 "그런지"로 알려지게 되었는데, 이들은 다른 예술가들의 지나치게 꾸민 이미지에 적극적으로 저항했습니다.[229]그룬지는 하드코어 펑크와 헤비 메탈의 요소들을 하나의 사운드로 융합시켰고, 기타 왜곡, 퍼즈, 피드백을 많이 사용했습니다.[229]가사는 전형적으로 무관심하고 불안감으로 가득 차 있으며, 다크 유머와 상업적 록의 패러디로도 유명했지만, 종종 사회적 소외와 함정과 같은 주제에 관심을 기울였습니다.[229]

Green River, Soundgarden, Melvins, 그리고 Skin Yard와 같은 밴드들이 이 장르를 개척했고, 머드허니는 10년 말에 가장 성공적이 되었습니다.1991년, 너바나의 앨범 "Nevermind"가 큰 성공을 거두기 전까지 Grunge는 주로 지역적인 현상으로 남아있었는데, 그 때, "Smells Like Teen Spirit"이라는 애국가 노래를 포함했습니다.[230]Nevermind는 Geffen Records와 계약함으로써 이전의 밴드보다 더 멜로디컬했습니다. 이 밴드는 MTV 비디오와 같은 전통적인 기업 홍보 및 마케팅 메커니즘을 매장 디스플레이에 사용하고 주요 주류 록 방송국에서 방송을 홍보하는 라디오 "컨설턴트"를 사용한 최초의 밴드 중 하나였습니다.1991년과 1992년 동안 펄 잼과 사운드가든의 멤버들이 참여한 Temple of the Dog 앨범과 함께 펄 잼의 텐, 사운드가든의 배드모터핑거, 앨리스 인 체인스의 먼지와 같은 다른 grunge 앨범들이 100개의 가장 많이 팔린 앨범에 올랐습니다.[231]메이저 음반사들은 시애틀에 남아있는 대부분의 그랜지 밴드들과 계약을 맺었고, 두 번째로 유입된 공연단들은 성공의 희망을 품고 시로 이주했습니다.[232]그러나 1994년 커트 코베인의 사망과 너바나의 해체, 펄 잼의 투어 문제, 1998년 앨리스 인 체인스의 리드 싱어 레인 스테일리의 탈퇴와 함께 장르는 감소하기 시작했고 부분적으로 브릿팝과 더 상업적으로 들리는 포스트 그런지에 의해 가려졌습니다.[233]

브릿팝

주요 기사 : 브릿팝
A color photograph of Noel and Liam Gallagher of the band Oasis on stage
2005년 오아시스 공연

브릿팝은 1990년대 초 영국 얼터너티브 록계에서 등장했으며 특히 1960년대와 1970년대 영국 기타 음악의 영향을 받은 밴드들이 특징입니다.[221]1990년대 초반에 해체된 매체스터 신의 밴드들과 마찬가지로 스미스는 주요한 영향력을 행사했습니다.[90]이 운동은 1980년대 말과 1990년대 초 미국에 기반을 둔 다양한 음악적, 문화적 트렌드에 대한 반작용으로, 특히 그룬지 현상과 영국의 록 정체성을 재확인하는 것으로 여겨져 왔습니다.[221]브릿팝은 스타일이 다양했지만, 특히 영국의 관심사가 있는 가사와 1960년대 영국 침공 당시의 도상을 채택한 것 외에도 종종 기억하기 쉬운 곡조와 훅을 사용했습니다.[234]그것은 1993년경에 성공적인 앨범과 싱글을 제작한 오아시스, 펄프, 슈퍼그래스, 엘라스티카를 포함한 다른 그룹들과 곧 합류한 스웨이드와 블러와 같은 그룹들의 발매와 함께 시작되었습니다.[221]한동안 블러와 오아시스 사이의 경쟁은 대중 언론에 의해 "브릿팝 전투"로 만들어졌지만, 오아시스가 더 큰 장기적이고 국제적인 성공을 거두면서 오션 컬러 씬과 쿨라 셰이커와 같은 후대의 브릿팝 밴드에 직접적인 영향을 미쳤습니다.[235]브릿팝 그룹들은 영국 얼터너티브 록을 주류로 가져왔고 쿨 브리타니아라고 알려진 더 큰 영국 문화 운동의 중추를 형성했습니다.[236]비록 더 인기있는 밴드들, 특히 Blur와 Oasis가 그들의 상업적 성공을 해외로, 특히 미국으로 퍼뜨릴 수 있었지만, 그 운동은 10년 말에 대부분 무너졌다.[221]

포스트그룬

주요 기사:포스트그룬
A color photograph of members of the Foo Fighters on stage with instruments
2007년 어쿠스틱 쇼를 선보인 Foo Fighters

포스트그랜지라는 용어는 시애틀 그랜지 밴드의 주류와 그 이후의 공백기를 뒤따른 밴드들의 세대를 위해 만들어졌습니다.포스트 그런지 밴드들은 그들의 태도와 음악을 모방했지만, 더 라디오 친화적인 상업적인 사운드를 가지고 있었습니다.[233]종종 그들은 주요 레이블을 통해 일했고, 잔글 팝, 팝 펑크, 얼터너티브 메탈 또는 하드 록의 다양한 영향을 통합하게 되었습니다.[233]포스트 그런지라는 용어는 원래 단순히 음악적으로 파생된 것이거나 "진정한" 록 운동에 대한 냉소적인 반응을 암시하는 경멸적인 의미였습니다.[237]원래, 그룬지가 주류를 이루었을 때 등장한 그룬지 밴드는 포스트 그룬지(post-grunge)라고 경멸적으로 칭했습니다.[237]1994년부터 전 너바나 드러머 데이브 그롤(Dave Grohl)의 새로운 밴드인 푸 파이터스(Foo Fighters)는 장르의 대중화와 매개 변수의 정의를 도왔습니다.[238]

캔들박스와 같은 몇몇 포스트 그랜지 밴드들은 시애틀 출신이었지만, 로스앤젤레스의 오디오슬레이브와 조지아의 콜렉티브 소울과 같은 밴드들과 미국을 넘어 호주의 실버체어와 영국의 부시까지, 그 하위 장르는 지리적 기반의 확장으로 특징지어졌습니다.1990년대 후반에 상업적으로 가장 성공적인 하위 장르 중 하나로 그는 포스트그랜지를 굳혔습니다.[220][233]남성 밴드들이 포스트 그런지를 지배했지만, 여성 솔로 아티스트인 Alanis Morissette의 1995년 앨범 Jagged Little Pill도 포스트 그런지로 분류되어 멀티 플래티넘 히트를 기록했습니다.[239]1990년대 후반 크리드와 니켈백과 같은 포스트그랜지 밴드가 등장하면서 포스트그랜지가 형성되었습니다.[237]크리드와 니켈백과 같은 밴드들은 21세기에 상업적으로 상당한 성공을 거두며 더 관습적인 국가, 서사, 낭만적인 노래에 대한 원래 악장의 대부분의 불안과 분노를 버렸고, 이러한 맥락에서 샤인다운, 시더, 쓰리 도어 다운 및 퍼들 오브 머드를 포함한 새로운 악장들이 뒤따랐습니다.[237]

팝펑크

주요 기사 : 팝펑크
A color photograph of members of the group Green Day on stage with instruments
2013년 그린데이 공연

1990년대 팝 펑크의 기원은 버즈콕스와 클래시와 같은 1970년대 펑크 운동의 더 노래 지향적인 밴드, 잼과 언더톤스와 같은 상업적으로 성공한 뉴 웨이브 활동, 1980년대 얼터너티브 록의 더 하드코어 영향을 받은 요소에서 볼 수 있습니다.[240]팝 펑크는 파워 팝 멜로디와 코드 변화를 빠른 펑크 템포와 시끄러운 기타와 함께 사용하는 경향이 있습니다.[241]펑크 음악은 1990년대 초, 랜시드, 페니와이즈, 위저, 그린 데이 등 캘리포니아에 기반을 둔 몇몇 밴드들에게 영감을 주었습니다.[240]1994년 그린 데이는 메이저 레이블로 옮겨 두키라는 앨범을 제작했는데, 두키는 미국에서 두 번의 1위를 포함한 일련의 히트 싱글로 이어졌습니다.[220]그들은 곧이어 위저의 동명 데뷔로 미국에서 톱 10 싱글 3곡을 탄생시켰습니다.[242]이 성공은 메탈릭 펑크 밴드 The Offships with Smash (1994)의 멀티 플래티넘 판매의 문을 열었습니다.[220]이 팝 펑크의 첫 번째 물결은 그린 데이의 님로드(1997)와 오프스프링스의 아메리카나(1998)로 상업적인 정점에 이르렀습니다.[243]

팝 펑크의 두 번째 물결은 그들의 획기적인 앨범 Engena of the State (1999)와 함께 Blink-182에 의해 주도되었고, 그들의 비디오에 유머를 사용하고 더 라디오 친화적인 음색을 가진 Good Charlotte, Simple Plan 그리고 Sum 41과 같은 밴드들이 그들의 비디오에 속도, 약간의 태도 그리고 1970년대 펑크의 모습을 유지하면서 그들의 음악에 더 친근한 음색을 가지고 있었습니다.[240]All Time Low, All-American Rejects, Fall Out Boy를 포함한 이후의 팝 펑크 밴드들은 여전히 상업적인 성공을 거두면서 1980년대 하드코어에 가까운 사운드를 가지고 있었습니다.[240]

인디 록

주요 기사:인디 록
참고 항목:Riot grrrl, Lo-fi 음악, Post rock, Math rock, Space rock, Sadcore, 그리고 바로크 팝
A black and white photograph of five members of the group Pavement standing in front of a brick wall
로파이 인디 록 밴드 포장

1980년대에는 인디 록과 얼터너티브 록이라는 용어가 혼용되었습니다.[244]1990년대 중반까지 이 운동의 요소들이 주류의 관심을 끌기 시작하면서, 특히 그룬지와 브릿팝, 포스트 그룬지, 팝 펑크라는 용어는 그 의미를 잃기 시작했습니다.[244]덜 상업적인 윤곽을 따라가는 밴드들은 인디라는 레이블에 의해 점점 더 많이 언급되고 있습니다.[244]그들은 홍보를 위해 독립된 라디오 방송국이나 대학 라디오 방송국에서 투어, 입소문, 방송에 의존하는 반면, 그들 자신의 독립 레이블이나 소규모 독립 레이블에서 앨범을 발매함으로써 그들의 경력을 통제하려고 특징적으로 시도했습니다.[244]음악적 접근법 이상의 기풍으로 연결된 인디 록 운동은 크랜베리와 슈퍼청크와 같은 하드-엣지의 영향을 받은 밴드부터 포장과 같은 직접 하는 실험 밴드, 아니 디 프랑코와 같은 펑크-포크 가수에 이르기까지 다양한 스타일을 아우릅니다.[220][221]인디 록은 이전의 록 장르에 비해 여성 아티스트의 비율이 상대적으로 높다는 점이 주목되었으며, 이는 페미니즘에 정통한 Riot grrrl 음악의 발전으로 대표되는 경향입니다.[245]많은 나라들이 광범위한 현지 인디 씬을 개발하여 자국 내에서 생존할 만큼 충분한 인기를 누리고 있지만, 그 밖에서는 사실상 알려지지 않은 밴드들로 번창하고 있습니다.[246]

1990년대 말까지 대부분 1980년대 후반의 대안적인 운동에 기원을 둔 많은 인지할 수 있는 하위 장르들이 인디라는 우산 아래 포함되었습니다.로파이들은 D.I.Y.의 기풍을 위해 세련된 녹음 기술을 피했고 벡, 세바도, 그리고 포장이 주도했습니다.[220]Talk Talk와 Slint의 작품은 재즈와 일렉트로닉 음악의 영향을 받은 실험적 스타일인 포스트 록 모두에 영감을 주었는데, Bark Psychosis가 개척하고 Torto, Stereolab, 그리고 Laika와 같은 배우들에 의해 발전된 더 밀도 있고 복잡한 기타 기반의 수학 록으로 이끌었을 [247][248]뿐만 아니라 Polvo와 Chaves와 같은 배우들에 의해 발전되었습니다.[249]스페이스 록은 스페이스맨 3와 같이 드론의 무게와 미니멀리즘, 스펙트럼과 스피릿라이즈드, 그리고 플라잉 소스커 어택, 갓스피드 유! 블랙 황제와 퀵스페이스를 포함한 후의 그룹들과 같이 진보적인 뿌리를 돌아보았습니다.[250]대조적으로, Sadcore는 American Music Club과 Red House Paists와 같은 밴드의 음악에서 어쿠스틱과 전자 악기의 멜로디 사용을 통한 고통과 고통을 강조한 반면,[251] 바로크 팝의 부활은 아크와 같은 예술가들과 멜로디와 클래식 악기에 중점을 두면서 로파이와 실험적인 음악에 대항했습니다.에이드 파이어, 벨과 세바스찬 그리고 루퍼스 웨인라이트.[252]

대체 금속, 랩 록 및 뉴메탈

주요 기사:헤비메탈 음악
참고 항목:미국 헤비메탈, 얼터너티브 메탈, 랩록, 랩 메탈, 뉴 메탈의 새로운 물결

얼터너티브 메탈은 1980년대 후반 미국 얼터너티브 록의 하드코어 씬에서 등장했지만, 1990년대 초 그룬지가 주류로 진입한 후 더 많은 관객을 확보했습니다.[253]초창기 얼터너티브 메탈 밴드는 프로그레시브 록을 사용한 제인스 어딕션과 프리머스, 개러지 펑크를 사용한 사운드가든과 적합성의 부식, 소음 록을 혼합한 미니스트리와 나인 인치 네일 등 다양한 장르를 하드코어와 헤비 메탈 감성과 혼합했습니다.사이키델리아, 판테라, 세풀투라, 화이트 좀비로 움직이는 마그넷은 그루브 메탈을 만들고 바이오하자드, 림프 비즈킷, 페이스 노 모어는 힙합과 랩으로 변신했습니다.[253]

A color photograph of members of the group Linkin Park performing on and outdoor stage
핀란드 포리에서 열린 2009 소니스페어 페스티벌에서 공연하는 린킨 파크

힙합은 1980년대 초에 "매그니피센트 세븐"의 클래시와 "랩쳐"의 블론디를 포함한 록 밴드들로부터 주목을 받았습니다.[254][255]초창기 크로스오버에는 런 DMC와 비스티 보이즈가 포함되어 있었습니다.[256]디트로이트 래퍼 에샴(Esham)은 록과 헤비 메탈을 기반으로 하는 사운드에 랩을 융합한 "애시드 랩(acid rap)" 스타일로 유명해졌습니다.[257][258]록 곡을 샘플링한 래퍼들은 Ice-T, Fat Boys, LL Cool J, Public Enemy, Whodini 등이 있습니다.[259]스래시 메탈과 랩의 혼합은 1987년 코미디에 영향을 받은 싱글 "I'm the Man"에서 탄저랙스에 의해 개척되었습니다.[259]

1990년, Faith No More는 그들의 싱글 "Epic"으로 주류에 진입했고, 종종 랩과 헤비 메탈의 진정으로 성공적인 결합으로 보여집니다.[260]이것은 24-7 Spyz와 Living Color와 같은 기존의 밴드들과 Rage Against the Machine과 Red Hot Chili Peppers를 포함한 새로운 밴드들의 성공을 위한 길을 열었고, 그들은 모두 다른 영향들 중에서 록과 힙합을 융합했습니다.[259][261]랩 록으로서 주류의 성공을 얻은 첫 번째 연주자들 중에는 311,[262] 블러드하운드 갱, [263]그리고 키드 록이 있었습니다.[264]더 메탈적인 사운드인 뉴 메탈은 림프 비즈킷, 콘, 슬립노트 등의 밴드들이 추구했습니다.[259]10년 후, 그룬지, 펑크, 메탈, 랩 및 턴테이블 긁기가 혼합된 이 스타일은 린킨 파크, 피오디 및 스테인드와 같은 성공적인 밴드의 물결을 일으켰습니다. 이들은 종종 랩 메탈 또는 누 메탈로 분류되었으며, 이들 중 첫 번째는 이 장르에서 가장 많이 팔린 밴드입니다.[265]

2001년, 뉴메탈은 Staind's Break the Cycle, P.O.와 같은 앨범들로 절정에 이르렀습니다.D's Satellite, Slipknot's Iowa, Lincin Park의 Hybrid Theory.디스터브, 갓스맥, 파파 로치와 같은 새로운 밴드들도 등장했는데, 그들의 메이저 레이블 데뷔곡 인페스트는 플래티넘 히트곡이 되었습니다.[266]오랫동안 기다렸던 콘의 다섯 번째 앨범 언터쳐블과 파파 로치의 두 번째 앨범 러브헤이트 비극은 그들의 이전 앨범들만큼 잘 팔리지 않았고, 반면 누 메탈 밴드들은 록 라디오 방송국에서 더 드물게 연주되었고 MTV는 팝 펑크와 이모에 집중하기 시작했습니다.[267]그 이후로, 많은 밴드들이 좀 더 전통적인 하드 록, 헤비 메탈, 혹은 일렉트로닉 음악 사운드로 바뀌었습니다.[267]

포스트 브리튼 팝

주요 기사:포스트 브리튼 팝
2007년 트래비스

1997년경부터 쿨 브리타니아(Cool Britannia)라는 개념에 대한 불만이 커지고, 브릿팝(Britpop)이 해체되기 시작하면서 신흥 밴드들은 브릿팝 레이블을 피하면서도 여전히 브릿팝에서 파생된 음악을 제작하기 시작했습니다.[268][269]이러한 밴드들 중 많은 것들이 영국의 전통적인 록(또는 영국의 트레이드 록)의 요소들,[270] 특히 비틀즈, 롤링 스톤스 그리고 스몰 페이스들을 [271]포스트 그런지를 포함한 미국의 영향과 혼합하는 경향이 있었습니다.[272][273]영국 전역(잉글랜드, 스코틀랜드, 웨일즈 및 북아일랜드 북부에서 여러 중요한 밴드가 등장함)에서 온 그들의 음악 주제는 영국, 영국 및 런던 생활에 덜 편협적으로 집중되어 있으며 절정기의 브릿팝의 경우보다 더 내성적인 경향이 있었습니다.[274][275]이것은 미국 언론과 팬들과 함께 하고자 하는 더 큰 의지 외에도, 그들 중 일부가 국제적인 성공을 거두는데 도움을 주었을지도 모릅니다.[276]1990년대 중반에 약간의 성공을 누렸으나 1990년대 후반까지 큰 상업적 성공을 거두지 못한 몇몇 대체 밴드들은 버브와 라디오헤드를 포함합니다.브릿팝의 쇠퇴 이후, 그들은 더 비판적이고 대중적인 관심을 얻기 시작했습니다.Verve의 앨범 Urban Hymns (1997)는 세계적인 히트를 쳤고, 라디오헤드는 실험적인 세 번째 앨범 OK Computer (1997)와 후속 Kid A (2000)로 거의 전 세계적인 비평가들의 찬사를 받았습니다.

포스트 브릿 팝 밴드들은 평범한 사람으로서의 록 스타의 이미지를 보여주는 것으로 여겨져 왔고 그들의 점점 더 멜로디화되는 음악은 싱겁거나 파생적이라는 비판을 받았습니다.[277]The Man Who(1999)의 Travis, Performance and Cocktails(1999)의 스테레오포닉스, Echo Park(2001)의 Feeder, 그리고 특히 그들의 데뷔 앨범 Parachutes(2000)의 Coldplay와 같은 포스트 브릿팝 밴드들은 그들 이전에 있었던 대부분의 브릿팝 그룹들보다 훨씬 더 넓은 국제적인 성공을 이루었고, 가장 상업적으로 성공한 그룹들 중 일부였습니다.1990년대 후반과 2000년대 초반의 성공적인 활동들은 거의 틀림없이 그들의 내성적인 록 브랜드에 대한 반응으로 보여진 이어지는 개러지 록 부흥과 punk 이후의 부흥을 위한 발판을 제공했습니다.

포스트 하드 코어 및 이모

주요 기사:포스트 하드 코어 및 이모
참고 항목:스크리모

포스트 하드코어는 1980년대 초중반 미국, 특히 시카고와 워싱턴 DC 지역에서 하드코어 펑크의 두 잇 유어셀프 윤리와 기타 중심의 음악에서 영감을 받았지만 포스트 펑크의 영향을 받아 더 긴 곡 형식, 더 복잡한 음악 구조, 때로는 더 멜로디적인 보컬 스타일을 채택한 밴드와 함께 발전했습니다.[281]

이모는 1980년대 워싱턴 D.C.의 하드코어 씬에서도 등장했는데, 처음에는 "emocore"로 불렸으며, 더 일반적인 거친 짖는 스타일보다 표현적인 보컬을 선호하는 밴드를 설명하는 용어로 사용되었습니다.[282]초창기 이모티콘 장면은 언더그라운드로 운영되었는데, 짧은 기간 동안 활동한 밴드들이 작은 독립 레이블에 소규모 레코드판을 발매했습니다.[282]이모는 2000년대 초반 Jimmy Eat World의 Bleed American (2001)과 Dashboard Confessional의 The Places You Have Come to Fear the Most (2003)의 플래티넘 판매 성공으로 주류 문화에 뛰어들었습니다.[283]새로운 이모티콘은 1990년대보다 훨씬 더 주류적인 사운드를 가지고 있으며 이전의 화신들보다 청소년들 사이에서 훨씬 더 큰 매력을 가지고 있습니다.[283]동시에 이모(emo)라는 용어의 사용은 음악 장르를 넘어 패션, 헤어스타일 그리고 감정을 표현하는 모든 음악과 연관 지어졌습니다.[284]2003년까지 포스트 하드 코어 밴드는 주요 레이블들의 관심을 끌었고 앨범 차트에서 주류의 성공을 즐기기 시작했습니다.[citation needed]이 밴드들 중 다수는 더 공격적인 이모티콘 그룹으로 간주되었으며 종종 모호한 스크리모라는 라벨이 주어졌습니다.[285]

차고 바위와 펑크 후 부흥기류

주요 기사 : 개러지 록 부흥과 포스트 펑크 부흥기
a color photograph of members of the group the Strokes performing on stage
2006년 공연중인 The Strokes

2000년대 초반, 기타 록의 풀다운과 백투베이직 버전을 연주했던 새로운 밴드 그룹이 주류로 등장했습니다.그들은 차고 바위, 펑크 이후 또는 뉴 웨이브 부활의 일부로 다양하게 특징지어졌습니다.[286][287][288][289]이 밴드들은 전 세계에서 왔고, 전통적인 블루스에서 뉴 웨이브를 거쳐 그룬지에 이르기까지 다양한 영향을 받았으며, 다양한 스타일의 드레스를 채택했기 때문에, 장르로서의 그들의 통일성은 논란이 되어 왔습니다.[290]1980년대와 1990년대에 개러지 록과 펑크의 요소들을 되살리려는 시도들이 있었고 2000년에 이르러 여러 나라에서 장면들이 성장했습니다.[291]

이 장면들로부터의 상업적인 돌파구는 4개의 밴드에 의해 주도되었습니다: 데뷔 앨범 Is This It (2001)으로 뉴욕 클럽 무대에서 등장한 Strokes; 디트로이트 출신의 White Strips.그들의 세 번째 앨범 White Blood Cells (2001), 그들의 컴필레이션 앨범 Your New Favorite Band (2001), 그리고 Vines from Australia with Highly Evolved (2002).[292]그들은 미디어에 의해 "The" 밴드로 명명되었고, "Rock 'n'roll의 구세주들"이라는 별명으로 불리며 과대광고에 대한 비난으로 이어졌습니다.[293]이 운동으로 인해 국제적인 인지도를 얻은 두 번째 밴드는 미국의 블랙 리벨 모터사이클 클럽, 킬러스, 인터폴, 킹스 오브 레온,[294] 리버틴스, 북극 몽키스, 블록 파티, 카이저 치프스와 프란츠 퍼디낸드,[295] 호주의 제트,[296] 뉴질랜드의 다선스와 D4가 있습니다.[297]

디지털일렉트로닉락

주요 기사:일렉트로닉 록
참고 항목: Laptronica, Indietronica, Electroclash, Dance-punk, Newrave, Synth-pop

2000년대에 컴퓨터 기술이 더 접근성이 높아지고 음악 소프트웨어가 발전함에 따라, 하나의 노트북 컴퓨터 이상을 사용하여 고품질의 음악을 만드는 것이 가능해졌습니다.[298]이것은 확대되는 인터넷을 통해 일반 대중들이 이용할 수 있는 가정에서 제작한 전자 음악의 양을 크게 증가시키는 [299]결과를 가져왔고 랩트로니카와[298] 라이브 코딩과 같은 새로운 형태의 공연을 만들었습니다.[300]이러한 기술들은 기존의 밴드들에 의해서도 사용되기 시작했고 인디 일렉트로닉, 일렉트로 클래시, 댄스 펑크, 뉴 레이브 등 디지털 기술과 사운드에 록을 혼합한 장르들을 개발함으로써 사용되기 시작했습니다.[citation needed]

2010년대 ~ 2020년대

주류지배력 하락

2010년대에 록 음악은 주요 대중 음악 장르의 자리에서 떨어졌고, 현재 일렉트로닉 댄스와 힙합과 공유하고 있으며, 후자는 2017년까지 미국에서 가장 많이 소비된 음악 장르로 자리 잡았습니다.[301][302][303]스트리밍의 증가와 음악 창작에 대한 접근 방식을 바꾼 기술의 등장이 주요 요인으로 꼽혔습니다.[304]Genius의 Ken Partridge는 힙합이 더 변형적인 장르이고 과거의 소리에 의존할 필요가 없기 때문에 더 인기를 끌게 되었고, 2010년대 동안 록 음악의 쇠퇴와 사회적 태도 변화와 직접적인 연관이 있다고 제안했습니다.[302]빌 플래너건(Bill Flanagan)은 2016년 뉴욕 타임즈(New York Times)의 오피니언 기사에서 이 시기의 록 상태를 1980년대 초 재즈의 상태와 비교했습니다. "속도를 늦추고 돌아봅니다."[305]바이스는 이러한 인기의 하락이 "증명할 것이 있고 얻을 것이 없는" 외부인들을 끌어들임으로써 실제로 이 장르에 이익을 줄 수 있다고 암시합니다.[306]

2010년대에 차트 성공을 거둔 록 밴드들은 새로운 장면을 반영하기보다는 2000년대에 유행했던 트렌드와 대부분 연관되어 있었습니다.[307]차트 밖에서는 록 페스티벌의 상업화가 10년 동안의 주요 테마였으며, 코첼라, 글래스턴베리, 로스킬레와 같은 세계적인 메가페스티발과 소규모 지역 페스티벌이 모두 확장되었습니다.[308]

2020년대 초, 코로나19 범유행으로 인해 전 세계적으로 록계에 극심한 변화를 가져왔습니다.방역수칙 등의 제한으로 콘서트, 투어, 축제, 앨범 발매, 시상식, 대회 등이 광범위하게 취소되고 연기되었습니다.[309][310][311][312][313]어떤 예술가들은 그들의 활동을 활발하게 유지하기 위해 온라인 공연에 의존했습니다.[314]격리 제한을 피하기 위한 또 다른 계획은 덴마크 록 음악가 Mads Langer의 콘서트에서 사용되었습니다. 관객들은 자동차 극장에서와 같이 차 안에서 공연을 보았습니다.[315]음악적으로, 팬데믹은 더 느리고, 덜 활기차고, 더 음향적인 락 음악의 하위 장르로부터 새로운 발매의 급증으로 이어졌습니다.[316][317]업계는 라이브네이션(Livenation)이 주관하는 라이브 음악 크루들을 위한 구호 기금인 크루네이션(Crew Nation)과 같은 노력을 통해 기금을 모았습니다.[318]

팝 펑크 및 포스트 펑크 리바이벌

2020년대 초, 팝 음악과 랩 음악을 모두 녹음한 아티스트들이 인기 있는 팝 펑크 음반을 발매했는데, 이 음반들 중 다수는 블링크-182 드러머 트래비스 바커(Travis Barker)의 프로듀싱 또는 도움을 받았습니다.이 장르의 상업적 부활을 대표하는 이들 공연에는 머신건 켈리, 윌로우 스미스, 트리피 레드, 할시, 영블러드, 올리비아 로드리고 등이 포함됐습니다.소셜 미디어 플랫폼 틱톡의 인기는 팬데믹 기간 동안 젊은 청취자들 사이에서 불안이 주도하는 음악 스타일에 대한 향수를 불러일으키는 것을 도왔습니다.이러한 발매들 중 가장 성공적인 것은 빌보드 200에서 1위를 차지한 머신 건 켈리의 2020년 앨범 티켓 투 마이 다운과 로드리고의 1위 히트 싱글 "Good 4 U" (2021)입니다.[319]

2010년대 중후반과 2020년대 초, 영국과 아일랜드에서 온 포스트 펑크 밴드의 새로운 물결이 나타났습니다.이 장면의 그룹들은 2019년 NME와 The Quietus에 의해 "크랭크 웨이브"라는 용어로 묘사되었고, 2021년 NPR 작가 Matthew Perpetua에 의해 "탈 브렉시트 뉴 웨이브"로 묘사되었습니다.[320][321][322]스타일의 일부로 확인된 아티스트는 블랙 미디, 웨트 레그, 오징어, 블랙 컨트리, 뉴 로드, 드라이 클리닝, 수치심, 슬리포드 모드, 폰테인 D.C., 살인 자본, 아이들 및 야드 액트 등이 있습니다.[320][321][322][323]2010년대와 2020년대 초에 영국 외의 다른 나라에서 두각을 나타낸 포스트 펑크 아티스트로는 Parquet Courts, Protomartyr and Guis (미국), Prections (캐나다), Iceage (덴마크), Viagra Boys (스웨덴) 등이 있습니다.[324][325][326]

사회적 영향

주요 기사:록 음악의 사회적 효과

다양한 암석의 하위 장르들이 많은 하위 문화들의 정체성에 의해 채택되었고, 그 중심이 되었습니다.1950년대와 1960년대에 각각 영국의 젊은이들은 미국 로큰롤을 중심으로 한 테디보이와 로커 하위문화를 채택했습니다.[327]1960년대의 반문화는 사이키델릭 록과 밀접하게 연관되어 있었습니다.[327]1970년대 중반 펑크 서브컬처는 미국에서 시작되었지만, 영국 디자이너 비비안 웨스트우드(Vivienne Westwood)에 의해 독특한 모습을 보여주었으며, 이는 전 세계적으로 확산되었습니다.[328]펑크 장르에서 벗어나 고트 문화와 이모 문화가 성장했는데, 두 문화 모두 독특한 시각적 스타일을 보여주었습니다.[329]

A color photograph showing people from the 1969 Woodstock Festival sitting on grass, in the foreground a back and a white male look at each other
1969년 우드스톡 축제는 반문화적인 생활방식의 기념행사로 여겨졌습니다.

국제적인 락 문화가 발달했을 때, 그것은 패션 영향의 주요 원천으로 영화를 대체했습니다.[330]역설적이게도, 록 음악의 추종자들은 물질 위에 이미지를 높이는 것으로 여겨져 온 패션의 세계를 종종 불신해왔습니다.[330]록 패션은 다양한 문화와 시대의 요소들을 결합하는 것으로 간주되어 왔으며, 성적성과 성별에 대한 다양한 관점을 표현하고 있으며, 일반적으로 록 음악은 더 큰 성적 자유를 촉진시키는 것으로 주목받고 비판을 받아 왔습니다.[330][331]락은 또한 1960년대 초중반에 LSD, 메스칼린, 하시시 그리고 환각제를 통해 복용한 암페타민을 포함한 다양한 형태의 약물 사용과 관련이 있습니다. 그리고 때로는 대마초, 코카인, 헤로인,그 모든 것들은 노래로 찬사를 받았습니다.[332][333]

록은 흑인 문화를 백인 관객들에게 개방함으로써 인종에 대한 태도를 바꾼 것으로 인정받았지만, 동시에 록은 그 문화를 도용하고 착취했다는 비난을 받아왔습니다.[334][335]록 음악이 많은 영향을 흡수하고 서양의 청중들에게 다양한 음악적 전통을 소개하는 반면,[336] 록 음악의 세계적인 확산은 문화 제국주의의 한 형태로 해석되어 왔습니다.[337]록 음악은 전쟁, 종교, 가난, 민권, 정의, 환경과 같은 주제에 대해 정치적인 발언을 하면서 시위 노래의 민속 전통을 이어 받았습니다.[338]정치적 행동주의는 1985년 "Do They Know It's Christmas?" 싱글(1984)과 에티오피아 라이브 에이드 콘서트로 주류를 이루었는데, 이 콘서트는 세계 빈곤에 대한 인식을 높이는 동시에 (유사한 사건들과 함께) 비판을 받기도 했습니다.관련된 록 스타들에게 자기계발과 수익 증대를 위한 무대를 제공한 것에 대해.[339]

록 음악은 초기의 발전 이후 사회적, 정치적 규범에 대한 반란과 관련이 있으며, 대부분 초기 로큰롤의 성인 지배 문화에 대한 거부, 소비주의와 순응에 대한 반문화적 거부, 그리고 펑크의 모든 형태의 사회적 관습에 대한 거부와 관련이 있습니다.[340]그것은 또한 그러한 생각들의 상업적인 착취의 수단을 제공하고 정치적인 행동으로부터 청소년들을 멀어지게 하는 것으로 보여질 수 있습니다.[341][342]

여성의 역할

주요 기사:음악계의 여성 § 대중음악
참고 항목:헤비메탈의 성차별과 여성에 반대하는 록
수지 콰트로(Suzi Quatro)는 가수, 베이시스트, 밴드 리더입니다.그녀가 1973년 경력을 시작했을 때, 그녀는 몇 안 되는 유명한 여성 악기 연주자와 밴드 리더 중 한 명이었습니다.

전문적인 여성 악기 연주자들은 헤비 메탈과 같은 록 장르에서 흔하지 않지만, 위드 템테이션(With Temptation)과 같은 밴드는 여성을 리드 싱어로 등장시키고 남성은 악기를 연주합니다.Shaap and Berkers에 따르면, "밴드에서 연주하는 것은 남성 동성애적인 활동이며, 즉 밴드에서 연주하는 것을 배우는 것은 동료에 기반을 둔 것입니다.기존의 성 segreg 우정 네트워크에 의해 형성된 경험.그들은 록 음악이 "종종 남성 대 여성 침실 문화의 한 형태로 정의된다"[344]고 언급합니다. ("침실 문화"의 이론은 사회가 소녀들을 사실상 그들의 침실에 가둠으로써 범죄와 일탈에 관여하지 않도록 영향을 미친다고 주장합니다; Angela McRobbie라는 사회학자에 의해 확인되었습니다.)대중음악에서는 공적인 (남성) 참여와 사적인 (여성) 참여의 차이가 있어 왔습니다.[344]"여러 학자들은 남성들이 밴드나 밴드의 리허설, 녹음, 공연 및 기타 사회 활동에서 여성을 배제한다고 주장했습니다."[345]"여성들은 세련되고 조립식이며 열등한 대중음악의 수동적이고 개인적인 소비자로 간주되며, 높은 지위의 록 음악가로 참여하는 것을 배제합니다."[345]성별 밴드가 혼재되어 있는 이유 중 하나는 "밴드는 동성 간의 사회적 유대 관계인 동성 사회적 연대가 형성된 긴밀한 단위로 작동하기 때문입니다.– 중요한 역할을 합니다."[345]1960년대 록 음악계에서 "노래하는 것은 때때로 소녀에게 허용되는 취미였지만, 악기를 연주하는 것은 단지 이루어지지 않았습니다."[346]

"록 음악의 반란은 남성의 반란이었습니다; 종종 1950년대와 60년대의 십대 소녀들인 록의 여성들은 그들의 마초 남자친구에게 의존하는 인격적인 æ로서 노래를 불렀습니다." Philip Auslander는 "비록 1960년대 후반까지 록의 많은 여성들이 있었지만, 대부분은 대중 음악에서 여성적인 위치인 가수로서만 공연되었습니다."라고 말합니다.일부 여성들이 미국의 여성 차고 록 밴드에서 악기를 연주했지만, 이 밴드들 중 어느 것도 지역적인 성공 이상을 거두지 못했습니다.그래서 그들은 "여성들의 지속적인 록 참여를 위한 실행 가능한 템플릿을 제공하지 않았습니다."[347]헤비 메탈 밴드의 성별 구성과 관련하여, "걸스쿨과 같은 예외들"[349]을 제외하고 "적어도 1980년대 중반까지는 헤비 메탈 연주자들은 거의 전적으로 남성"[348]이라고 말해왔습니다.[348]그러나 "...2010년대에는 어쩌면 그 어느 때보다 강한 금속 여성들이 공작을 세우고 그것에 도달했을지도 모릅니다",[350] "그들 자신을 위해 상당한 장소를 개척했습니다."[351]1973년 수지 콰트로(Suzi Quatro)가 등장했을 때, "다른 유명한 여성 음악가는 가수, 악기 연주자, 작곡가, 밴드 리더로서 동시에 록에서 활동하지 않았습니다."[347]오스랜더에 따르면, 그녀는 "로큰롤에서 남성의 문을 박차고 여성 음악가가... 그리고 이것이 제가 극도로 걱정하는 점입니다... 남자들보다 낫진 않더라도 연주할 수 있을 것입니다."[347]

여성으로만 구성된 밴드는 록, 블루스와 같은 장르의 여성 음악가들로 구성된 음악 그룹입니다.이 용어는 일반적으로 사용되지는 않지만, 여성 멤버들이 보컬리스트인 걸그룹과는 다릅니다.[352]

참고 항목

메모들

  1. ^ "팝 록"과 "파워 팝"이라는 용어는 록 음악의 요소를 사용하는 상업적으로 더 성공적인 음악을 설명하기 위해 사용되었습니다.[61]팝 록은 "엘튼 존, 폴 매카트니, 에벌리 브라더스, 로드 스튜어트, 시카고, 피터 프램튼과 같은 아티스트들이 대표하는 록 음악의 최고의 다양성"으로 정의되어 왔습니다.[62]파워 팝이라는 용어는 1966년 Who의 Pete Townsend에 의해 만들어졌지만 1970년대에 배드핑거와 같은 밴드에 적용되기 전까지는 많이 사용되지 않았습니다.[63]
  2. ^ 1950년대 후반에 사그라진 두웁은 같은 시기에 마르셀, 카프리스, 모리스 윌리엄스와 조디악, 그리고 셉과 라임라이트와 같은 공연들로 히트를 치면서 부흥기를 즐겼습니다.[43]샹텔, 쉬렐, 크리스탈과 같은 걸그룹의 성장은 이전의 로큰롤과는 대조적인 하모니와 세련된 연출에 중점을 두었습니다.[67]가장 중요한 걸그룹 히트곡들 중 일부는 많은 작곡가들이 근거지를 두고 있는 뉴욕의 블록의 이름을 딴 브릴 빌딩 사운드의 제품들이었는데, 여기에는 1960년 시렐레스의 "Will You Love Me Tomorrow"의 1위 히트곡이 포함되어 있었고, 이는 게리 고핀과 캐롤 킹의 파트너십에 의해 쓰여졌습니다.[68]
  3. ^ 두웁과 걸그룹의 긴밀한 조화, 브릴 빌딩 사운드의 세심하게 만들어진 작곡 그리고 소울의 세련된 프로듀싱 가치를 포함한 이 모든 요소들은 머지비트 사운드, 특히 비틀즈의 초기 작업에 영향을 미쳤고, 그들을 통해 후기 록 음악의 형태에 영향을 미친 것으로 여겨져 왔습니다.[71]
  4. ^ 비치 보이즈만이 1960년대 중반까지 창조적인 경력을 유지할 수 있었고, 1966년에 높이 평가된 Pet Sounds를 포함하여 일련의 히트 싱글과 앨범을 제작했습니다. 이것은 거의 틀림없이 그들을 비틀즈에 맞설 수 있는 유일한 미국 록 또는 팝 공연으로 만들었습니다.[75]
  5. ^ 디트로이트에서 개러지 록의 유산은 1970년대 초까지 살아있었으며, MC5와 스투지스 같은 밴드들은 이 형태에 훨씬 더 공격적인 접근법을 사용했습니다.이 밴드들은 펑크 록이라는 꼬리표를 붙이기 시작했고, 지금은 주로 원형 펑크 또는 원형 하드 록으로 보여집니다.[103]

참고문헌

  1. ^ "Power Pop Guide: A Brief History of Power Pop". MasterClass. 4 March 2022. Retrieved 23 May 2022.
  2. ^ Azerrad, Michael (16 April 1992). "Grunge City: The Seattle Scene". Rolling Stone. Retrieved 2 November 2018.
  3. ^ a b W.E. 스터드웰과 D.F. Lonergan, The Classic Rock and Roll Reader: 록 음악의 시작부터 1970년대 중반까지(Abingdon: Routledge, 1999), ISBN 0-7890-0151-9 p.xi
  4. ^ Wyman, Bill (20 December 2016). "Chuck Berry Invented the Idea of Rock and Roll". Vulture.com. New York Media, LLC.
  5. ^ J.M. 커티스, 록 에라즈: 음악과 사회의 해석, 1954-1984 (Madison, WI: Popular Press, 1987), ISBN 0-87972-369-6, pp. 68-73
  6. ^ a b Campbell, Michael; Brody, James (2007). Rock and Roll: An Introduction (2nd ed.). Belmont, CA: Thomson Schirmer. pp. 80–81. ISBN 978-0-534-64295-2.
  7. ^ R.C. 브루어, "베이스 기타", 셰퍼드 2003, p 56.
  8. ^ R. 매팅리, "Drum Set" in Shepherd 2003, p 361.
  9. ^ P. 테베르제, 상상할 수 있는 모든 소리: Making Music/Demicing Technology (Middleown, CT, Wesleyan University Press, 1997), ISBN 0-8195-6309-9, pp. 69–70
  10. ^ D. Laing, "Quartet" in Shepherd 2003, p56.
  11. ^ a b c C. Ammer, The Facts on the file dictionary of music (뉴욕: Infobase, 4th edn., 2004), ISBN 0-8160-5266-2, pp. 251–52
  12. ^ Campbell & Brody 2007, p. 117
  13. ^ J. Covach, "공예에서 예술로: 비틀즈 음악의 형식적 구조", K.Womack과 Todd F.데이비스, 에드, 비틀즈 읽기: 문화연구, 문학비평, 그리고 Fab Four(뉴욕: SUNY Press, 2006), ISBN 0-7914-6715-5, 페이지 40
  14. ^ T. Gracyk, Rhythm and Noise: a Aesthemetics of Rock, (London: I.B. Tauris, 1996), ISBN 1-86064-090-7, p. xi.
  15. ^ P. 위크, 록 뮤직: 문화, 미학 그리고 사회학 (캠브리지:Cambridge University Press, 1990), ISBN 0-521-39914-9, p. x.
  16. ^ Christgau, Robert (1981). "Genesis: Selling England by the Pound". Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies. Ticknor & Fields. ISBN 0-89919-025-1. Retrieved 16 October 2021 – via robertchristgau.com.
  17. ^ a b c Christgau, Robert (1981). "The Decade". Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies. Ticknor & Fields. ISBN 0-89919-025-1. Retrieved 6 April 2019 – via robertchristgau.com.
  18. ^ Farber, Barry A. (2007). Rock 'n' roll Wisdom: What Psychologically Astute Lyrics Teach About Life and Love. Westport, CT: Praeger. pp. xxvi–xxviii. ISBN 978-0-275-99164-7.
  19. ^ Christgau, Robert; et al. (2000). McKeen, William (ed.). Rock & Roll Is Here to Stay: An Anthology. W.W. Norton & Company. pp. 564–65, 567. ISBN 0-393-04700-8.
  20. ^ McDonald, Chris (2009). Rush, Rock Music and the Middle Class: Dreaming in Middletown. Bloomington, IN: Indiana University Press. pp. 108–09. ISBN 978-0-253-35408-2.
  21. ^ S. Waksman, 욕망의 악기: 전기기타와 음악적 경험의 형성(Cambridge, MA: Harvard University Press, 2001), ISBN 0-674-00547-3, p. 176
  22. ^ Frith, Simon (2007). Taking Popular Music Seriously: Selected Essays. Aldershot, England: Ashgate Publishing. pp. 43–44. ISBN 978-0-7546-2679-4.
  23. ^ Christgau, Robert (11 June 1972). "Tuning Out, Tuning In, Turning On". Newsday. Retrieved 17 March 2017.
  24. ^ a b c d T. 워너, 팝 뮤직: 기술 및 창의성: 트레버 혼과 디지털 혁명 (올더샷:Ashgate, 2003), ISBN 0-7546-3132-X, 페이지 3-4.
  25. ^ R. 비베, 디.풀브룩과 B.Saunders, R의 "Introduction".비베, 디.풀브룩, B.Saunders, eds, Rock Over the Edge: 대중음악문화의 변천(Durham, NC: Duke University Press, 2002), ISBN 0-8223-2900-X, p. 7
  26. ^ Christgau, Robert (1990). "Introduction: Canons and Listening Lists". Christgau's Record Guide: The '80s. Pantheon Books. ISBN 0-679-73015-X. Retrieved 6 April 2019.
  27. ^ R. Unterberger, "Rock & Roll의 탄생", Bogdanov et al., 2002, pp. 1303–04.
  28. ^ T. E. Scheurer, American Popular Music: The Age of Rock (Madison, WI: Popular Press, 1989), ISBN 0-87972-468-4, p.
  29. ^ "The First Rock and Roll Song". LiveAbout. Retrieved 11 November 2022.
  30. ^ 현대음악의 창작자가 일어설까요?2004년 4월 16일 Alexis Petridis The Guardian
  31. ^ Robert Palmer, "소닉 기타의 교회", Anthony DeCurtis, Present Tense, Duke University Press, 1992, p. 19.ISBN 0-8223-1265-4
  32. ^ Bill Dahl, "Jimmy Preston", Allmusic, archived from the original on 20 May 2016, retrieved 27 April 2012
  33. ^ a b Campbell, Michael (2008). Popular Music in America: The Beat Goes On (3rd ed.). Boston, MA: Cengage Learning. pp. 157–58. ISBN 978-0-495-50530-3.
  34. ^ 길릴랜드 1969, 쇼 55, 트랙 2
  35. ^ P. Browne, The Guide to the United States Popular Culture (Madison, WI: Popular Press, 2001), ISBN 0-87972-821-3, p. 358
  36. ^ N. McCormick (24 June 2004), "The day Elvis changed the world", The Telegraph, archived from the original on 30 April 2011
  37. ^ R. S. Denisoff, W. L. Schurk, Torned Gold: 레코드 산업 재검토 (뉴브런즈윅, 뉴저지: Transaction, 3rd edn., 1986), ISBN 0-88738-618-0, 페이지 13.
  38. ^ "Rockabilly", Allmusic, archived from the original on 11 February 2011.
  39. ^ Lucero, Mario J. (3 January 2020). "The problem with how the music streaming industry handles data". Quartz. Retrieved 14 February 2020.
  40. ^ a b R. Shuker, Popular Music: Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X, p. 35
  41. ^ 길릴랜드 1969, 쇼 5, 트랙 3
  42. ^ 길릴랜드 1969, 13번 쇼.
  43. ^ a b R. Unterberger, "Doo Wop", Bogdanov et.al , 2002, pp. 1306-07
  44. ^ J. M. 커티스, 록 에라즈: 음악과 사회의 해석, 1954-1984 (Madison, WI: Popular Press, 1987), ISBN 0-87972-369-6, 페이지 73
  45. ^ Davis, Lance (8 March 2011). "Get It Low: The Dirty Guitar of Junior Barnard". The Adios Lounge. Retrieved 11 November 2022.
  46. ^ Collis, John (2002). Chuck Berry: The Biography. Aurum. p. 38. ISBN 978-1-85410-873-9.
  47. ^ Hicks, Michael (2000). Sixties Rock: Garage, Psychedelic, and Other Satisfactions. University of Illinois Press. p. 17. ISBN 0-252-06915-3.
  48. ^ 캠벨 2008, 페이지 99
  49. ^ Horn, Adrian (2009). Juke Box Britain: Americanisation and Youth Culture, 1945–60. Manchester: Manchester University Press. ISBN 978-0719083662.
  50. ^ D. 해치와 S.밀워드 (1987).블루스에서 록으로: 팝 음악의 분석사.맨체스터:맨체스터 대학 출판부. 78쪽.ISBN 0-7190-1489-1.
  51. ^ a b 미첼, G.A.M. (2011)"록앤롤에 대한 아주 '영국적인' 소개: 토미 스틸과 영국의 록앤롤 음악의 도래, 1956-1960"현대 영국사, 25(2), 205–225.
  52. ^ a b 마이어스, J. P. (2015)"부에노스 아이레스의 비틀즈, 멕시코 시티의 뮤즈:트리뷰트 밴드와 록 음악의 세계적 소비".민족음악학 포럼 (Vol. 24, No. 3, pp. 329-348)루틀리지.
  53. ^ Vuletic, D. (2008)."제1세대 넘버원: 1950년대 유고슬라비아의 정치와 대중음악"국적 논문, 36(5), 861–879.
  54. ^ 로트, R. (1982)"소련 시절 로큰롤"Popular Music & Society, 8(3–4), 3–12.
  55. ^ a b Schwartz, Roberta F. (2007). How Britain Got the Blues: The Transmission and Reception of American Blues Style in the United Kingdom. Aldershot, England: Ashgate Publishing. p. 22. ISBN 978-0-7546-5580-0.
  56. ^ 로버츠, J. (2001)비틀즈.미네아폴리스, MN: 러너 출판사 13페이지ISBN 0-8225-4998-0.
  57. ^ a b 에더, "브리티시 블루스", V. 보그다노프, C.Woodstra, S.T. Erlewine, eds, All Music Guide to the Blues: The Definitive Guide to the Blues (밀워키, WI: Backbeat Books, 제3판, 2003), p. 700. ISBN 0-87930-736-6.
  58. ^ a b S. 프리스, S의 "팝 뮤직"프리스, W. Stray, J. Street, eds, The Cambridge Companion to Pop and Rock (캠브리지:Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, pp. 93-108
  59. ^ a b "Early Pop/Rock", Allmusic, archived from the original on 17 February 2011.
  60. ^ R. Shuker, 대중음악의 이해 (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2001), ISBN 0-415-23509-X, pp. 8–10
  61. ^ R. Shuker, Popular Music: Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X, p. 207
  62. ^ L. 스타와 C.워터맨, 아메리칸 팝 뮤직 (옥스퍼드:옥스포드 대학 출판부, 2007년 2월 2일), ISBN 0-19-530053-X, 2011년 2월 17일 원본에서 보관.
  63. ^ Borack, John M. (2007). Shake Some Action: The Ultimate Power Pop Guide. Not Lame Recording Company. p. 18. ISBN 978-0-9797714-0-8.
  64. ^ 길릴랜드 1969는 20-21을 보여줍니다.
  65. ^ B. 브래드비, "Do-talk, don-talk: 걸그룹 음악에서 주제의 구분" S.프리스와 에이.굿윈, eds, On Record: Rock, Pop, and the Written Word (Abingdon: Routledge, 1990), ISBN 0-415-05306-4, p. 341
  66. ^ a b c K. Keightley, S의 "Reconing rock"프리스, W. Straw and J. Street, eds, The Cambridge Companion to Pop and Rock (캠브리지:Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, 페이지 116
  67. ^ R. 데일, 교육과 국가: 정치, 가부장제와 실천 (런던:Taylor & Francis, 1981), ISBN 0-905273-17-6, 페이지 106.
  68. ^ R. Unterberger, "Brill Building Sound", 보그다노프 et.al , 2002, pp. 1311-12
  69. ^ 길릴랜드 1969, 55번 트랙 3; 15-17번 트랙.
  70. ^ R. Unterberger, "Soul", Bogdanov et al., 2002, pp. 1323-25.
  71. ^ R. Unterberger, "Merseybeat", 보그다노프 et.al , 2002, pp. 1319–20.
  72. ^ a b J. Blair, The Illustrated Discography of Surf Music, 1961-1965 (Ypsilanti, MI: Pierian Press, 2nd edn., 1985), ISBN 0-87650-174-9, p. 2
  73. ^ J. Blair, The Illustrated Discography of Surf Music, 1961-1965 (Ypsilanti, MI: Pierian Press, 2nd edn., 1985), ISBN 0-87650-174-9, p. 75
  74. ^ "Throwback tune of the day: Nowhere to Go – The Four Freshmen". Buzz.ie. Archived from the original on 8 March 2021. Retrieved 25 February 2021.
  75. ^ a b W. 룰만 등, "비치 보이즈", 보그다노프 등, 2002, pp. 71-75.
  76. ^ "Surf Music". Nostalgia Central. 3 July 2014. Retrieved 29 July 2019.
  77. ^ R. 스테이크스, "그 소년들: 머지 비트의 상승", S.웨이드, 에드, 글래드 노래와 모임: 리버풀의 시와 그 사회적 맥락 1960년대 이후 (리버풀: 리버풀 대학 출판부, 2001), ISBN 0-85323-727-1, pp. 157-66
  78. ^ I. Chambers, Urban Rhythm: 대중음악과 대중문화(Basingstoke: Macmillan, 1985), ISBN 0-333-34011-6, p. 75
  79. ^ J.R. 코바치와 G.맥도널드 분, 락의 이해: 음악적 분석의 에세이 (옥스퍼드:옥스포드 대학 출판부, 1997), ISBN 0-19-510005-0, 페이지 60.
  80. ^ a b R. Unterberger, "British Invasion", Bogdanov et al., 2002, pp. 1316-17
  81. ^ R. Unterberger, "British R&B", Bogdanov et al., 2002, pp. 1315-16
  82. ^ 길릴랜드 1969년 28번 쇼
  83. ^ a b I.A. Robbins, "British Invasion", Encyclopædia Britannica, archived from the original on 21 December 2010
  84. ^ H. Bill, Book Of Beatle Lists (Pool, Dorset: Junving, 1985), ISBN 0-7137-1521-9, 페이지 66.
  85. ^ a b 길릴랜드 1969, 29번 쇼.
  86. ^ 길릴랜드 1969년, 30번을 보여주세요.
  87. ^ 길릴랜드 1969년 48번 쇼
  88. ^ T. Leopold (5 February 2004), "When the Beatles hit America CNN February 10, 2004", CNN, archived from the original on 11 April 2010
  89. ^ "British Invasion", Allmusic, archived from the original on 11 February 2011.
  90. ^ a b "Britpop", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  91. ^ K. Keightley, S. Frith, W. Straw 및 J. Street, eds, The Cambridge Companion to Pop and Rock (캠브리지:Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, p. 117.
  92. ^ F.W. 호프만, F.W. 호프만과 H.의 "영국 침공"Fustler, eds, Recorded Sound의 백과사전, 1권(뉴욕: CRC Press, 2nd edn., 2004), ISBN 0-415-93835-X, 페이지 132
  93. ^ Simonelli, David (2013). Working Class Heroes: Rock Music and British Society in the 1960s and 1970s. Lanham, MD: Lexington Books. pp. 96–97. ISBN 978-0-7391-7051-9.
  94. ^ a b R. Shuker, Popular Music: Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X, p. 140
  95. ^ E.J. Abbey, Garage Rock and the Roots: Musical Rebels and the Drive for Individuality (제퍼슨, NC: McFarland, 2006), ISBN 0-7864-2564-4, pp. 74–76
  96. ^ a b c d e f g R. Unterberger, "Garage Rock", Bogdanov et al., 2002, pp. 1320–21.
  97. ^ N. Campbell, 미국 청소년 문화 (에든버러: 에든버러 대학 출판부, 2차 edn., 2004), ISBN 0-7486-1933-X, p. 213
  98. ^ 오트피노스키, 스티븐"록 인스트루멘탈의 황금기".Billboard Books, (1997), p. 36, ISBN 0-8230-7639-3
  99. ^ W.E. 스터드웰과 D.F.Lonergan, The Classic Rock and Roll Reader: 그 시작부터 1970년대 중반까지의 록 음악(Abingdon: Routledge, 1999), ISBN 0-7890-0151-9, 페이지 213.
  100. ^ J. Austen, TV-a-Go-Go: American Bandstand에서 American Idol로의 Rock on TV (Chicago IL: Chicago Review Press, 2005), ISBN 1-55652-572-9, p. 19.
  101. ^ Waksman, Steve (2009). This Ain't the Summer of Love: Conflict and Crossover in Heavy Metal and Punk. Berkeley CA: University of California Press. p. 116. ISBN 978-0-520-25310-0.
  102. ^ F.W. 호프만, F.W. 호프만과 H.Ferstler, 녹음된 소리 백과사전, 제1권(뉴욕: CRC Press, 2차 edn., 2004), ISBN 0-415-93835-X, 페이지 873
  103. ^ a b Thompson, Graham (2007). American Culture in the 1980s. Edinburgh, UK: Edinburgh University Press. p. 134. ISBN 978-0-7486-1910-8.
  104. ^ H.S. 맥퍼슨, 영국 및 아메리카: 문화, 정치, 그리고 역사 (Oxford: ABC-CLIO, 2005), ISBN 1-85109-431-8, 페이지 626.
  105. ^ V. Coelho, The Cambridge Companion to the Guitar (캠브리지:Cambridge University Press, 2003), ISBN 0-521-00040-8, 페이지 104
  106. ^ a b c d e f g R. Uterberger, "Blues Rock", V. Bogdanov, C.Woodstra, S.T. Erlewine, eds, All Music Guide to the Blues: The Definitive Guide to the Blues (Milwaki, WI: Backbeat Books, 3rd edn., 2003), ISBN 0-87930-736-6, pp. 701–02
  107. ^ T. 롤링스, A.닐, C.찰스워스와 C.흰색, 그때 그때, 지금 그리고 희귀한 영국 비트 1960-1969 (런던:Omnibus Press, 2002), ISBN 0-7119-9094-8, 페이지 130
  108. ^ P. 프로운, H.P. 뉴퀴스트, J.F.Eiche, Legends of Rock Guitar: Rock의 가장 위대한 기타리스트들의 본질적인 참고문헌 (Milwalki, WI: Hal Leonard Corporation, 1997), ISBN 0-7935-4042-9, p. 25.
  109. ^ a b c d e R. Unterberger, "Southern Rock", Bogdanov et al., 2002, pp. 1332-33
  110. ^ a b c "Blues-rock", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  111. ^ P. 프로운, H.P. 뉴퀴스트, J.F.Eiche, Legends of Rock Guitar: Rock의 가장 위대한 기타리스트들의 본질적인 참고문헌 (Milwalki, WI: Hal Leonard Corporation, 1997), ISBN 0-7935-4042-9, p. 113
  112. ^ a b Mitchell, Gillian (2007). The North American Folk Music Revival: Nation and Identity in the United States and Canada, 1945–1980. Aldershot, England: Ashgate Publishing. p. 95. ISBN 978-0-7546-5756-9.
  113. ^ 미첼 2007, p. 72
  114. ^ J.E. 페론, 음악을 통한 반문화시대 미국사 음악(Westwood, CT: Greenwood, 2004), ISBN 0-313-32689-4, p. 37.
  115. ^ a b c d e f g R. Unterberger, "Folk Rock", Bogdanov et al., 2002, pp. 1308-09
  116. ^ Perone, James E. (2009). Mods, Rockers, and the Music of the British Invasion. Westport, CT: Praeger Publishers. p. 128. ISBN 978-0-275-99860-8.
  117. ^ R. Unterberger, "The Beatles: I'm a Loser", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  118. ^ Unterberger, Richie (31 December 2018). "2018". Folkrocks. Retrieved 3 June 2021.
  119. ^ M. Brocken, The British Folk Revival 1944-2002 (애쉬게이트, 올더샷, 2003), ISBN 0-7546-3282-2, 페이지 97
  120. ^ C. 라킨, 기네스 대중음악 백과사전 (런던:기네스, 1992), ISBN 1-882267-04-4, 페이지 869.
  121. ^ G.W. 하슬람, A.H. 러셀 그리고 R.Chon, Working' Man Blues: Country Music in California (Berkeley CA: Heady Books, 2005), ISBN 0-520-21800-0, p. 201
  122. ^ K. Keightley, S. Frith, W. Straw, J. Street, eds, The Cambridge Companion to Pop and Rock (캠브리지:Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, p. 121.
  123. ^ a b M. Hicks, Sixties Rock: Garage, Psychedelic, and Other Satisfactions (시카고, IL: University of Illinois Press, 2000), ISBN 0-252-06915-3, pp. 59–60
  124. ^ a b c d e f g R. Unterberger, "Psychedelic Rock", Bogdanov et al., 2002, pp. 1322-23.
  125. ^ 길릴랜드 1969년 41-42년 기록.
  126. ^ J.E. 페론, 음악을 통한 반문화시대 미국사 음악(Westwood, CT: Greenwood, 2004), ISBN 0-313-32689-4, p. 24.
  127. ^ DeRogatis, Jim; Kot, Greg (2010). The Beatles vs. The Rolling Stones: Sound Opinions on the Great Rock 'n' Roll Rivalry. Voyageur Press. pp. 70, 75. ISBN 978-1610605137.
  128. ^ Whitburn, Joel (2003). Joel Whitburn's Top Pop Singles 1955-2002. Record Research. p. xxiii. ISBN 9780898201550.
  129. ^ Pareles, Jon (5 January 1997). "All That Music, and Nothing to Listen To". The New York Times. Archived from the original on 27 December 2017. Retrieved 10 March 2020.
  130. ^ a b c d e f g R. Unterberger, Bogdanov et al., 2002, pp. 1330–31.
  131. ^ J.S. 해링턴, 소닉 쿨: 로큰롤의 삶과 죽음 (밀워키, WI: Hal Leonard Corporation, 2003), ISBN 0-634-02861-8, 페이지 191.
  132. ^ E. Macan, Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture (옥스퍼드:옥스포드 대학 출판부, 1997), ISBN 0-19-509887-0, 페이지 34-35.
  133. ^ E. Macan, Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture (옥스퍼드:옥스포드 대학 출판부, 1997), ISBN 0-19-509887-0, 페이지 64.
  134. ^ "Prog rock", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  135. ^ E. Macan, Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture (옥스퍼드:옥스포드 대학 출판부, 1997), ISBN 0-19-509887-0, 페이지 129.
  136. ^ R. 레이징, 스피크 투 미: 핑크 플로이드의 달의 어두운 면의 유산 (올더샷:Ashgate, 2005), ISBN 0-7546-4019-1.
  137. ^ M. Brocken, The British Folk Revival, 1944-2002 (올더샷:Ashgate, 2003), ISBN 0-7546-3282-2, 페이지 96
  138. ^ B. Eder, "Renaissance", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  139. ^ K. Holm-Hudson, 프로그레시브 록 재검토 (런던:Taylor & Francis, 2002), ISBN 0-8153-3715-9, 페이지 9.
  140. ^ N.E. Tawa, Supremly American: 20세기의 대중가요: 스타일과 가수 그리고 그들이 미국에 대해 말한 것들(Lanham, MA: Hursecrow Press, 2005), ISBN 0-8108-5295-0, pp. 249–50.
  141. ^ P. Bussy, Kraftwerk: 인간, 기계 그리고 음악 (런던: SAF, 3nd end., 2004), ISBN 0-946719-70-5, pp. 15-17
  142. ^ K. Holm-Hudson, 프로그레시브 록 재검토 (런던:Taylor & Francis, 2002), ISBN 0-8153-3715-9, 페이지 92.
  143. ^ Knight, Brian L., "Rock in the Name of Progress (Part VI -"Thelonius Punk")", The Vermont Review, archived from the original on 17 July 2011
  144. ^ T. 우도, "펑크가 프로그를 죽였는가?", 클래식 록 매거진, vol. 97, 2006년 9월.
  145. ^ a b c "Jazz-Rock Music Genre Overview", Allmusic, archived from the original on 16 February 2011
  146. ^ a b c R. Unterberger, Bogdanov et al., 2002, pp. 1328–30.
  147. ^ I. Carr, D.페어웨더와 B.Priestley, The Rough Guide to Jazz (London: Rough Guides, 3rd edn., 2004), ISBN 1-84353-256-5, p. iii.
  148. ^ Auslander, Philip (2008). Liveness: Performance in a Mediatized Culture (2nd ed.). Abingdon, England: Routledge. p. 83. ISBN 978-0-415-77353-9.
  149. ^ a b K. 울프와 O.듀안, 컨트리 음악: 러프 가이드 (London: Rough Guides, 2000), ISBN 1-85828-534-8, 페이지 392.
  150. ^ R. Unterberger, "The Band"와 S.T. Erlewine, "Creedence Clearwater Revival", Bogdanov et al., 2002, pp. 61-62, 265-66
  151. ^ Hoskyns, Barney (2007). Hotel California: The True-Life Adventures of Crosby, Stills, Nash, Young, Mitchell, Taylor, Browne, Ronstadt, Geffen, the Eagles, and Their Many Friends. Hoboken, NJ: John Wiley & Sons. pp. 87–90. ISBN 978-0-470-12777-3.
  152. ^ Christgau, Robert (18 June 1970). "Consumer Guide (11)". The Village Voice. Retrieved 18 February 2020 – via robertchristgau.com.
  153. ^ a b c d e f g R. Unterberger, Bogdanov et al., 2002, p. 1327.
  154. ^ B. 힌튼, "니티 그리티 흙 밴드", P.버클리, 에드, 록: 러프 가이드 (London: Rough Guides, 1stedn., 1996), ISBN 1-85828-201-2, pp. 612-13
  155. ^ N.E. Tawa, Supremly American: 20세기의 대중가요: 스타일과 가수 그리고 그들이 미국에 대해 말한 것들(Lanham, MA: Hursecrow Press, 2005), ISBN 0-8108-5295-0, 페이지 227–28.
  156. ^ a b R. Shuker, Popular Music: Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X, pp. 124-25
  157. ^ P. Auslander, Performing Glam Rock: Popular Music에서의 성별과 연극성(Ann Arbor, MI: University of Michigan Press, 2006), ISBN 0-7546-4057-4, pp. 57, 63, 87 및 141.
  158. ^ "Glam rock", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  159. ^ P. Auslander, Performing Glam Rock: Popular Music에서의 성별과 연극성(Ann Arbor, MI: University of Michigan Press, 2006), ISBN 0-472-06868-7, p. 34.
  160. ^ Mark Paytress, Bolan – 20세기 슈퍼스타의 흥망성쇠 (Omnibus Press 2002) ISBN 0-7119-9293-2, pp. 180–181.
  161. ^ a b c d P. Auslander, 1973년 7월 3일, 런던의 "저 남자 데이비드 보위를 보라: 해머스미스 오데온, 1973년 7월 3일" I.잉글리스, ed., 공연과 대중음악: 역사, 장소 및 시간(올더샷:Ashgate, 2006), ISBN 0-7546-4057-4, 페이지 72
  162. ^ a b P. Auslander, "Watch the man David Bowie: Hammersmith Odeon, London, 1973년 7월 3일", Ian Inglis, Ed., Performance and Popular Music: 역사, 장소 및 시간(올더샷:Ashgate, 2006), ISBN 0-7546-4057-4, 페이지 80
  163. ^ D. 톰슨, "글리터 밴드" 그리고 S.Huey, "Gary Glitter", Bogdanov et al., 2002, p. 466.
  164. ^ R. Huq, Beyond Subculture: 탈식민지 세계의 팝, 청춘 그리고 정체성 (Abingdon: Routledge, 2006), ISBN 0-415-27815-5, p. 161
  165. ^ P. Auslander, 공연 글램 록: 대중음악에서의 성별과 연극성(Ann Arbor, MI: University of Michigan Press, 2006), ISBN 0-7546-4057-4, 페이지 227.
  166. ^ "Billboard". 27 June 1970. Retrieved 24 August 2015.
  167. ^ 2013년 드러머이자 앨범 공동 프로듀서인 마이클 쉬리브의 인터뷰에서 상기된 바와 같이, 커리어 자살이라고 언급되었습니다.
  168. ^ Gleason, Ralph J. (8 December 1976). "Santana: Caravanserai : Music Reviews : Rolling Stone". Rolling Stone. Retrieved 14 April 2012.
  169. ^ La Herencia Del Norte (in Spanish). Gran Via. 1998. Retrieved 14 February 2020.
  170. ^ Koskoff, E. (2017). The Garland Encyclopedia of World Music: The United States and Canada. Garland Encyclopedia of World Music. Taylor & Francis. p. 1253. ISBN 978-1-351-54414-6. Retrieved 14 February 2020.
  171. ^ Hurricane, Al Jr. "Flor De Las Flores". Frontera Project. Retrieved 14 February 2020.
  172. ^ Christgau, Robert (1995). "The Move: Great Move! The Best of the Move". Details. Retrieved 10 September 2018.
  173. ^ a b J.M. 커티스, 록 에라즈: 음악과 사회의 해석, 1954-1984 (Madison, WI: Popular Press, 1987), ISBN 0-87972-369-6, 페이지 236
  174. ^ J. 케노, "플리트우드 맥", P.버클리, 에드, 록: 러프 가이드 (London: Rough Guides, 1stedn., 1996), ISBN 1-85828-201-2, pp. 323-24
  175. ^ a b c d "Hard Rock", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  176. ^ S.T. Erlewine, "Queen", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  177. ^ J. Dougan, "Thin Lizzy", Allmusic, archived from the original on 12 February 2011.
  178. ^ R. Walser, Running With the Devil: Power, Gender, and Madness in Heavy Metal Music (Middleown, CT: Wesleyan University Press, 1993), ISBN 0-8195-6260-2, p. 7
  179. ^ R. Walser, Running With the Devil: Power, Gender, and Madness in Heavy Metal Music (Middleown, CT: Wesleyan University Press, 1993), ISBN 0-8195-6260-2, p. 9
  180. ^ a b R. Walser, Running With the Devil: Power, Gender, and Madness in Heavy Metal Music (Middleown, CT: Wesleyan University Press, 1993), ISBN 0-8195-6260-2, p. 10
  181. ^ R. Walser, Running With the Devil: Power, Gender, and Madness in Heavy Metal Music (Middleown, CT: Wesleyan University Press, 1993), ISBN 0-8195-6260-2, p. 3
  182. ^ J.J. Thompson, Raise by Wolves: Story of Christian Rock & Roll (토론토: ECW Press, 2000), ISBN 1-55022-421-2, pp. 30-31
  183. ^ J.R. 하워드와 J.M. 스트렉, 바위의 사도: 현대 기독교 음악의 갈라진 세계 (렉싱턴, KY: University Press of Kentucky, 2004), ISBN 0-8131-9086-X, p. 30.
  184. ^ J.R. 하워드와 J.M. 스트렉, 바위의 사도: 현대 기독교 음악의 갈라진 세계(렉싱턴, KY: University Press of Kentucky, 2004), ISBN 0-8131-9086-X, 페이지 43-44.
  185. ^ J.J. 톰슨, 늑대가 키운: 크리스찬 로큰롤 이야기 (토론토: ECW Press, 2000), ISBN 1-55022-421-2, pp. 66-67 및 159-161
  186. ^ M.B. 와그너, 신의 학교: 미국사회의 선택과 타협(Rutgers University Press, 1990), ISBN 0-8135-1607-2, 페이지 134
  187. ^ J.J. 톰슨, 늑대가 키운: 크리스찬 로큰롤 이야기 (토론토: ECW Press, 2000), ISBN 1-55022-421-2, pp. 206–07
  188. ^ Kirkpatrick, Rob (2007). The Words and Music of Bruce Springsteen. Westport, CT: Praeger. p. 51. ISBN 978-0-275-98938-5.
  189. ^ 톰슨 2007, 페이지 138
  190. ^ a b c d "Heartland Rock", Allmusic, archived from the original on 13 February 2011.
  191. ^ J.A. Peraino (30 August 1987), "Heartland rock: Bruce's Children", The New York Times, archived from the original on 12 May 2011
  192. ^ A. DeCurtis (18 October 2007), "Kid Rock: Rock n' Roll Jesus", Rolling Stone, archived from the original on 14 May 2011
  193. ^ S.T. Erlewine, "The Killers: Sam's Town", Rolling Stone, archived from the original on 29 April 2011
  194. ^ S. Peake, "Heartland Rock", About.com, archived from the original on 12 May 2011
  195. ^ a b c J. Dougan, "Punk Music", Bogdanov et al., 2002, pp. 1335-36
  196. ^ A. 로델, "극단적인 소음 공포: 펑크 록과 나쁜 것의 미학" C.워시번과 M.데르노, 에드, 배드 뮤직: 우리가 싫어하는 음악 (뉴욕: Routledge), ISBN 0-415-94365-5, 235-56쪽
  197. ^ Savage (1992), pp. 260, 263–67, 277–79; Laing (1985), pp. 35, 37, 38.
  198. ^ Young, Charles M. (20 October 1977). "Rock Is Sick and Living in London". Rolling Stone. Archived from the original on 14 September 2006. Retrieved 10 October 2006.
  199. ^ R. Sabin, R. Sabin, ed., Punk Rock: So What?: 펑크의 문화적 유산(Abingdon: Routledge, 1999), ISBN 0-415-17029-X, p. 206
  200. ^ Skott-Myhre, Hans A. (2009). Youth and Subculture as Creative Force: Creating New Spaces for Radical Youth Work. Toronto, Canada: University of Toronto Press. p. xi. ISBN 978-1-4426-0992-1.
  201. ^ T. 고슬링, "'판매용 아님':A에 있는 아나코펑크의 지하 네트워크.베넷과 R.A. 피터슨, 에드, 뮤직 씬: 로컬, 트랜스로컬 및 가상(Nashville TN: Vanderbilt University Press, 2004), ISBN 0-8265-1451-0, 페이지 168-86.
  202. ^ Waksman 2009, p. 157
  203. ^ E. Koskoff, 미국의 음악문화: 서론(Abingdon: Routledge, 2005), ISBN 0-415-96589-6, p. 358
  204. ^ Campbell 2008, pp. 273-74
  205. ^ R. Shuker, Popular Music: Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X, pp. 185–86
  206. ^ M. Janosik, ed., Greenwood Encyclopedia of Rock History: 비디오 세대, 1981-1990 (런던: 그린우드, 2006), ISBN 0-313-32943-5, 페이지 75.
  207. ^ 엠케이 홀, 사거리: American Popular Culture and the Vietnam Generation (Rowman & Littlefield, 2005), ISBN 0-7425-4444-3, p. 174.
  208. ^ Borack 2007, 페이지 25
  209. ^ S.T. Erlewine, "New Wave", Bogdanov et al., 2002, pp. 1337–38
  210. ^ S. Borthwick and R. Moy (2004), Popular Music Genres: an Introduction, Edinburgh: Edinburgh University Press, pp. 121–23, ISBN 0-7486-1745-0
  211. ^ S. 레이놀즈, 찢고 다시 시작 1978-1984 연기 (런던:Penguin Books, 2006), ISBN 0-14-303672-6, pp. 340, 342-43
  212. ^ M. 헤이그, 브랜드 로열티: 세계 100대 브랜드가 어떻게 번창하고 살아남는가(런던: Kogan Page Publishers, 2006), ISBN 0-7494-4826-1, 페이지 54
  213. ^ Young, Jon (2007). "Roll over guitar heroes, synthesizers are here". In Cateforis, Theo (ed.). The Rock History Reader (1st ed.). London, UK: Routledge. pp. 21–38. ISBN 978-0-415-97501-8.
  214. ^ a b c d e f S.T. Erlewine, "Post Punk", Bogdanov et al., 2002, pp. 1337–8
  215. ^ Goodlad & Bibby 2007, 페이지 239
  216. ^ C. 기어, 디지털 문화(런던:Reaction Books, 2002), ISBN 1-86189-143-1, 페이지 172.
  217. ^ "Industrial rock", Allmusic, archived from the original on 1 January 2011
  218. ^ F.W. 호프만과 H.Ferstler, 녹음된 소리 백과사전, 1권(뉴욕: CRC Press, 2차 edn., 2004), ISBN 0-415-93835-X, 페이지 1135
  219. ^ D. 헤즈먼드하이, 문화학에서 "인디: 대중음악 장르의 제도적 정치성과 미학", 13(2002), p. 46.
  220. ^ a b c d e f g h S.T. 얼와인, "아메리칸 얼터너티브 록/포스트 펑크", V. 보그다노프, C.Woodstra와 S.T. Erlewine, All Music Guide to Rock: The Definitive Guide to Rock, Pop, and Soul (Wilwaki, WI: Backbeat Books, 3rd edn., 2002), ISBN 0-87930-653-X, pp. 1344–6
  221. ^ a b c d e f g S.T. 얼와인, "영국 얼터너티브 록", V. 보그다노프, C.Woodstra와 S.T. Erlewine, All Music Guide to Rock: The Definitive Guide to Rock, Pop, and Soul (Wilwaki, WI: Backbeat Books, 3rd edn., 2002), ISBN 0-87930-653-X, pp. 1346–47
  222. ^ T. 프랭크, C.L. 해링턴과 D.D.에서 "무엇에 대한 대안?"Bielby, eds, Popular Culture: 생산과 소비 (Oxford:Wiley-Blackwell, 2001), ISBN 0-631-21710-X, 페이지 94-105
  223. ^ S.T. Erlewine, "The Smiths", Allmusic, archived from the original on 16 July 2011
  224. ^ S.T. Erlewine, "R.E.M.", Allmusic, archived from the original on 28 June 2011
  225. ^ "College rock", Allmusic, archived from the original on 29 December 2010
  226. ^ N. Abebe (24 October 2005), "Twee as Fuck: The Story of Indie Pop", Pitchfork Media, archived from the original on 3 February 2011
  227. ^ "Shoegaze", Allmusic, archived from the original on 24 February 2011
  228. ^ R. Shuker, Popular Music: Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X, p. 7
  229. ^ a b c d "Grunge", Allmusic, archived from the original on 13 February 2011.
  230. ^ E. Olsen (4 September 2004), "10 years later, Cobain continues to live on through his music", MSNBC, archived from the original on 11 March 2011
  231. ^ J. 라이언스, 시애틀 판매: 컨템포러리 어반 아메리카를 대표하는 것 (런던: Wallflower, 2004), ISBN 1-903364-96-5, 페이지 136
  232. ^ M. Azerrad, Our Band Be Your Life: American Indie Underground의 장면들, 1981–1991 (보스턴, MA: 리틀 브라운 앤 컴퍼니, 2001), ISBN 0-316-78753-1, pp. 452–53
  233. ^ a b c d "Post-grunge", Allmusic, archived from the original on 13 February 2011.
  234. ^ H. Jenkins, T. McPherson and J. Shattuc, Hop on Pop: 정치와 대중문화의 즐거움(Durham NC: Duke University Press, 2002), ISBN 0-8223-2737-6, p. 541
  235. ^ E. 케슬러, "노엘록!", NME, 1996년 6월 8일.
  236. ^ W. Osgerby, 청소년 미디어 (Abingdon: Routledge, 2004), ISBN 0-415-23808-0, pp. 92–96
  237. ^ a b c d T. Grierson, "Post-Grunge: A History of Post-Grunge Rock", About.com, archived from the original on 14 May 2011
  238. ^ S.T. 얼와인, 보그다노프 외, 2002, p. 423.
  239. ^ S.T. Erlewine, "Alanis Morissette", Bogdanov et al., 2002, p. 761.
  240. ^ a b c d W. Lamb, "Punk Pop", About.com, archived from the original on 16 May 2011
  241. ^ "Punk Pop", Allmusic, archived from the original on 17 February 2011.
  242. ^ S.T. Erlewine, "Weezer", Allmusic, archived from the original on 13 February 2011.
  243. ^ S.T. Erlewine, "Green Day", 그리고 "Offspring", Bogdanov et al., 2002, pp. 484–85, 816.
  244. ^ a b c d "Indie rock", Allmusic, archived from the original on 5 January 2011
  245. ^ Leonard, Marion (2007). Gender in the Music Industry: Rock, Discourse and Girl Power. Aldershot, England: Ashgate Publishing. p. 2. ISBN 978-0-7546-3862-9.
  246. ^ J. 코넬과 C.Gibson, Sound Tracks: Popular Music, Identity, and Place (Abingdon: Routledge, 2003), ISBN 0-415-17028-1, pp. 101–03.
  247. ^ S. 테일러, 얼터너티브 뮤직 A to X (런던:Continuum, 2006), ISBN 0-8264-8217-1, pp. 154-55
  248. ^ "Post rock", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  249. ^ "Math rock", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  250. ^ "Space rock", Allmusic, archived from the original on 12 June 2022
  251. ^ "Sadcore", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  252. ^ "Chamber pop", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  253. ^ a b "Alternative Metal", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  254. ^ W. Ruhlmann, "Blondie", Allmusic, archived from the original on 15 January 2011
  255. ^ D.A. Guarisco, "The Clash: The Magnificent Seven", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  256. ^ K. Sanneh (3 December 2000), "Rappers Who Definitely Know How to Rock", The New York Times, archived from the original on 14 July 2012
  257. ^ C.L. Keys, 랩 음악과 거리 의식 (시카고, IL: University of Illinois Press, 2002), ISBN 0-252-07201-4, 페이지 108.
  258. ^ W.E. Ketchum III (15 October 2008), "Mayor Esham? What?", Metro Times, archived from the original on 4 May 2011
  259. ^ a b c d "Rap-Metal", Allmusic, 15 October 2008, archived from the original on 2 April 2012
  260. ^ S. T. Erlewine, et al., "Faith No More", Bogdanov et al., 2002, pp. 388-89.
  261. ^ T. 그리어슨, "What Is Rap-Rock: A Brief History of Rap-Rock" 2016년 12월 29일 웨이백 머신, About.com 에서 보관.2008년 12월 31일 회수.
  262. ^ C. Nixon (16 August 2007), "Anything goes", The San Diego Union-Tribune, archived from the original on 4 May 2011
  263. ^ T. Potterf (1 October 2003), "Turners blurs line between sports bar, dance club", The Seattle Times, archived from the original on 3 May 2011
  264. ^ "Long Live Rock n' Rap: Rock isn't dead, it's just moving to a hip-hop beat. So are its mostly white fans, who face questions about racial identity as old as Elvis", Newsweek, 19 July 1999
  265. ^ L. McIver, Nu-metal: 차세대 락앤펑크 (London, Omnibus Press, 2002), ISBN 0-7119-9209-6, 페이지 10
  266. ^ B. 리스먼, "성공 유지", 빌보드, 2001년 6월 23일, 113(25), 페이지 25.
  267. ^ a b J. D'Angelo, "Will Korn, Papa Roach and Limp Bizkit evolve or die: a look at the Nu Metal meltdown", MTV, archived from the original on 21 December 2010
  268. ^ J. 해리스, 브릿팝! 쿨 브리타니아와 영국 록의 장관(Cambridge MA: Da Capo, 2004), ISBN 0-306-81367-X, pp. 369-70.
  269. ^ S. 보스윅과 R.Moy, Popular Music Generals: 소개(Edinburgh: Edinburgh University Press, 2004), ISBN 0-7486-1745-0, 페이지 188
  270. ^ "British Trad Rock", Allmusic, archived from the original on 17 February 2011.
  271. ^ A. Petridis (14 February 2004), "Roll over Britpop ... it's the rebirth of art rock", The Guardian, archived from the original on 25 June 2010
  272. ^ M. Wilson, "Stereophonics: You Gotta Go There to Come Back", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  273. ^ a b H. Phares, "Travis", Allmusic, archived from the original on 14 February 2011.
  274. ^ Cloonan, Martin (2007). Popular Music and the State in the UK: Culture, Trade or Industry?. Aldershot, England: Ashgate Publishing. p. 21. ISBN 978-0-7546-5373-8.
  275. ^ A. Begrand (17 May 2007), "Travis: The boy with no name", Pop Matters, archived from the original on 19 February 2011
  276. ^ S. Dowling (19 August 2005), "Are we in Britpop's second wave?", BBC News, archived from the original on 17 March 2010
  277. ^ A. Petridis (26 February 2004), "And the bland played on", Guardian.co.uk, archived from the original on 21 April 2010
  278. ^ M. 로치, 이것이-: 최초의 뇌졸중 전기 (런던:Omnibus Press, 2003), ISBN 0-7119-9601-6, 페이지 42, 45.
  279. ^ A. Ogg, "Stereophonics", Allmusic, archived from the original on 21 January 2011
  280. ^ A. Leahey, "Coldplay", Allmusic, archived from the original on 14 January 2011
  281. ^ "Post-hardcore", Allmusic, archived from the original on 5 May 2011
  282. ^ a b "Emo", Allmusic, archived from the original on 15 February 2011.
  283. ^ a b J. DeRogatis (3 October 2003), "True Confessional?", Chicago Sun Times, archived from the original on 1 May 2011
  284. ^ H.A.S. Popkin (26 March 2006), "What exactly is 'emo,' anyway?", MSNBC
  285. ^ "Screamo", Allmusic
  286. ^ H. Phares, "Franz Ferdinand: Franz Ferdinand (Australia Bonus CD)", Allmusic, archived from the original on 16 February 2011.
  287. ^ J. DeRogatis, Turn on your mind: 40 Decade of Great Psychelic Rock (Wilwaki, WI: Hal Leonard Corporation, 2003), ISBN 0-634-05548-8, 페이지 373.
  288. ^ "New Wave/Post-Punk Revival", Allmusic, archived from the original on 16 February 2011.
  289. ^ M. 로치, 이것이-: 최초의 뇌졸중 전기 (런던:Omnibus Press, 2003), ISBN 0-7119-9601-6, 페이지 86.
  290. ^ E.J. Abbey, Garage Rock and the Roots: Musical Rebels and the Drive for Individuality (Jefferson, NC: McFarland, 2006), ISBN 0-7864-2564-4, 페이지 108–12.
  291. ^ P. Simpson, The Rough Guide to Cult Pop (런던: Rough Guides, 2003), ISBN 1-84353-229-8, 페이지 42
  292. ^ P. Buckley, The Rough Guide to Rock (런던: Rough Guides, 3rd edn., 2003), ISBN 1-84353-105-4, pp. 498–99, 1024–26, 1040–41, 1162–64
  293. ^ Smith, Chris (2009). 101 Albums That Changed Popular Music. Oxford, UK: Oxford University Press. p. 240. ISBN 978-0-19-537371-4.
  294. ^ S.J. Blackman, Chilling Out: 물질소비의 문화정치, 청소년과 약물정책(Maidenhead: McGraw-Hill International, 2004), ISBN 0-335-20072-9, p. 90
  295. ^ Else, David; et al. (2007). Lonely Planet Great Britain (7th ed.). London, UK: Lonely Planet. p. 75. ISBN 978-1-74104-565-9.
  296. ^ Smitz, Paul (2005). Lonely Planet Australia (14th ed.). Footscray, Victoria: Lonely Planet. p. 58. ISBN 978-1-74059-740-1.
  297. ^ Rawlings-Way, Charles; et al. (2008). Lonely Planet New Zealand (14th ed.). Footscray, Victoria: Lonely Planet. p. 52. ISBN 978-1-74104-816-2.
  298. ^ a b Emmerson, Simon (2007). Living Electronic Music. Aldershot, England: Ashgate Publishing. pp. 80–81. ISBN 978-0-7546-5548-0.
  299. ^ R. Shuker, Popular Music: Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X, pp. 145–48
  300. ^ 에머슨 2007, 페이지 115
  301. ^ McIntyre, Hugh. "Report: Hip-Hop/R&B Is The Dominant Genre In The U.S. For The First Time". Forbes. Archived from the original on 17 July 2017. Retrieved 27 November 2019.
  302. ^ a b "Why Rock Can't Compete With Hip-Hop in 2017". Genius. Retrieved 15 August 2020.
  303. ^ Whitecloud, Shane (15 May 2018). "Why Did Rock Music Decline and Can It Make a Comeback?". KDOT. Archived from the original on 11 July 2018. Retrieved 11 July 2018.
  304. ^ Ross, Danny. "Rock 'N' Roll Is Dead. No, Really This Time". Forbes. Retrieved 27 November 2019.
  305. ^ Flanagan, Bill (19 November 2016). "Opinion Is Rock 'n' Roll Dead, or Just Old?". The New York Times. ISSN 0362-4331. Retrieved 27 November 2019.
  306. ^ Ozzi, Dan (16 June 2018). "Rock Is Dead, Thank God". Vice. Retrieved 27 November 2019.
  307. ^ "Hot Rock Songs – Decade-End". Billboard.
  308. ^ Curtis-Horsfall, Thomas. "Festival Trends of The 2010s: Representation and Inclusivity". FestTicket. Retrieved 10 February 2023.
  309. ^ "Here Are All the Major Music Events Canceled Due to Coronavirus (Updating)". Billboard. 3 April 2020. Retrieved 4 April 2020.
  310. ^ Yang, Rachel; Huff, Lauren; Nolfi, Joey; Kinane, Ruth (26 March 2020). "BTS, Madonna, Khalid, Billie Eilish, and more artists canceling shows over coronavirus". Entertainment Weekly.
  311. ^ "Concerts Canceled Due To Coronavirus: Ongoing List". Billboard. 3 March 2020. Retrieved 2 April 2020.
  312. ^ "Coronavirus: Updated List of Tours and Festivals Canceled or Postponed Due to COVID-19". Pitchfork. 20 March 2020. Retrieved 3 April 2020.
  313. ^ Leight, Elias (30 March 2020). "They Were Going to Be Spring's Biggest Albums – Until COVID-19 Hit". Rolling Stone. Retrieved 1 April 2020.
  314. ^ Blistein, Jon; Legaspi, Althea (19 March 2020). "Common Performs Classics, Freestyles During 'Together at Home' Concert". Rolling Stone. Retrieved 5 April 2020.
  315. ^ Nikel, David (29 April 2020). "In Photos: Denmark's Drive-In Venue Gets Around Coronavirus Event Ban". Forbes.
  316. ^ Hissong, Samantha (7 April 2020). "'Hey Siri, Play Songs to Calm Me Down': What the World Is Listening to Amid COVID-19". Rolling Stone. Retrieved 7 May 2020.
  317. ^ Joven, Jason; Rosenborg, Rutger A.; Seekhao, Nuttiiya; Yuen, Michelle (23 April 2020). "COVID-19's Effect on the Global Music Business, Part 1: Genre". Chartmetric.
  318. ^ Millman, Ethan (12 August 2020). "Aerosmith, BTS, U2 Among Contributors to Live Nation Charity Fund". Rolling Stone. Retrieved 21 September 2020.
  319. ^ Jefferson, J'na (5 June 2021). "Olivia Rodrigo, MGK and Willow Smith among pop-punk revivalists". USA Today. Retrieved 9 June 2021.
  320. ^ a b Beaumont, Mark (10 September 2019). "Mark, My Words: I give you crank wave, the start of the subculture revival". NME. Retrieved 7 December 2021.
  321. ^ a b Doran, John. "The Quietus: Black Sky Thinking - Idle Threat: Who Are The True Champions Of DIY Rock In 2020?". The Quietus. Retrieved 7 December 2021.
  322. ^ a b Perpetua, Matthew (6 May 2021). "The Post-Brexit New Wave". NPR. Retrieved 7 December 2021.
  323. ^ DeVille, Chris (22 April 2022). "We Dug Through The Pile Of British And Irish Buzz Bands On Callin Me Maybe". Stereogum. Retrieved 23 April 2022.
  324. ^ Dolan, Jon (28 October 2021). "Geese Are Legit Indie-Rock Prodigies, Straight Out of High School". Rolling Stone. Retrieved 31 December 2021.
  325. ^ "Deeper, espoirs post-punk à Chicago". RTBF radio (in French). 5 December 2021. Retrieved 31 December 2021.
  326. ^ "Viagra Boys Set the Bar High with Brash Post-Punk Hijinks on 'Welfare Jazz' (ALBUM REVIEW)". Glide Magazine. 7 January 2021. Retrieved 31 December 2021.
  327. ^ a b M. Brake, 비교청소년문화: 미국, 영국, 캐나다의 청소년문화와 청소년 하위문화의 사회학(Abingdon: Routledge, 1990), ISBN 0-415-05108-8, pp. 73–79, 90–100
  328. ^ P.A. Cunningham and S.V. Lab, 드레스와 대중문화(Madison, WI: Popular Press, 1991), ISBN 0-87972-507-9, 페이지 83
  329. ^ Goodlad, Lauren M. E.; Bibby, Michael, eds. (2007). Goth: Undead Subculture. Durham, NC: Duke University Press. ISBN 978-0-8223-3921-2.
  330. ^ a b c S. Bruzzi and P.C. Gibson, 패션 문화: 이론, 탐색 및 분석(Abingdon: Routledge, 2000), ISBN 0-415-20685-5, 페이지 260
  331. ^ G. Lipsitz, 시간의 흐름: 집합적 기억과 미국 대중문화(Minneapolis MN: University of Minnesota Press, 2001), ISBN 0-8166-3881-0, p. 123
  332. ^ R. 컴버, 마약과 마약 사용자의 통제: 이유 혹은 반응?(암스테르담: CRC Press, 1998), ISBN 90-5702-188-9, 페이지 44.
  333. ^ P. Peet, 영향력 아래: 약물에 대한 허위 정보 안내서 (뉴욕:Disinformation Company, 2004), ISBN 1-932857-00-1, 페이지 252.
  334. ^ Fisher, Marc (2007). Something in the Air: Radio, Rock, and the Revolution that Shaped a Generation. New York, NY: Random House. p. 53. ISBN 978-0-375-50907-0.
  335. ^ M.T. Bertrand, Race, Rock, and Elvis (시카고 IL: University of Illinois Press, 2000), ISBN 0-252-02586-5, pp. 95–96
  336. ^ J. Fairley, "대중음악의 '지역'과 '세계'"프리스, W. Straw and J. Street, eds, The Cambridge Companion to Pop and Rock (캠브리지:Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, pp. 272-89
  337. ^ R. Shuker, 대중음악의 이해 (Abingdon: Routledge, 1994), ISBN 0-415-10723-7, 페이지 44
  338. ^ T.E. Scheurer, American Popular Music: Age of Rock (Madison, WI: Popular Press, 1989), ISBN 0-87972-468-4, pp. 119-20
  339. ^ D. 혼과 D.Bucley, "재난과 사고", J. Shepherd, 세계의 대중음악 연속체 백과사전: 미디어, 산업 그리고 사회 (런던:Continuum, 2003), ISBN 0-8264-6321-5, 페이지 209.
  340. ^ P. 위크, 록 뮤직: 문화, 미학 그리고 사회학 (캠브리지:Cambridge University Press, 제2판, 1995), ISBN 0-521-39914-9, pp. 91-114
  341. ^ E.T. 야지시오글루와 A.F.Firat, R.W. Belk, ed., 소비자문화이론(Bingley: Emerald Group Publishing, 2007), ISBN 0-7623-1446-X, pp. 109-14
  342. ^ Yazicioglu, E. T.; Firat, A. F. (7 June 2007). "Clocal Rock Festivals as Mirrors into the Futures of Cultures". In Belk, Russell W.; Sherry, John F. (eds.). Consumer Culture Theory: Volume 11. Bingley: Emerald Group Publishing. pp. 109–14. ISBN 978-0-7623-1446-1.
  343. ^ J. 샤프와 P.버커스, 혼자서 끙끙?온라인 성 불평등 in Extreme Metal Music", IASPM Journal, vol.4(1)(2014), pp. 101–02.
  344. ^ a b J. 샤프와 P.베르커즈."혼자 끙끙?온라인 금속 음악의 성 불평등", IASPM Journal, Vol.4 (1), (2014), p. 102,
  345. ^ a b c J. 샤프와 P.버커스, 혼자서 끙끙?온라인 성 불평등 인 익스트림 메탈 음악", IASPM Journal, Vol.4(1), (2014), 104페이지.
  346. ^ White, Erika (28 January 2015). "Music History Primer: 3 Pioneering Female Songwriters of the '60s REBEAT Magazine". Rebeatmag.com. Retrieved 20 January 2016.
  347. ^ a b c Auslander, Philip (28 January 2004). "I Wanna Be Your Man: Suzi Quatro's musical androgyny" (PDF). Popular Music. United Kingdom: Cambridge University Press. 23 (1): 1–16. doi:10.1017/S0261143004000030. S2CID 191508078. Archived from the original (PDF) on 24 May 2013. Retrieved 25 April 2012.
  348. ^ a b Brake, Mike (1990). "Heavy Metal Culture, Masculinity and Iconography". In Frith, Simon; Goodwin, Andrew (eds.). On Record: Rock, Pop and the Written Word. Routledge. pp. 87–91.
  349. ^ Walser, Robert (1993). Running with the Devil:Power, Gender and Madness in Heavy Metal Music. Wesleyan University Press. p. 76.
  350. ^ Eddy, Chuck (1 July 2011). "Women of Metal". Spin. SpinMedia Group.
  351. ^ Kelly, Kim (17 January 2013). "Queens of noise: heavy metal encourages heavy-hitting women". The Telegraph.
  352. ^ 예를 들어, 보컬리스트 Girls Aloud는 2012년 11월 1일 웨이백 머신과 가디언에서 OK 매거진 아카이브에서 "걸 밴드"로 언급되는 반면, Girlschool은 imdb와 벨파스트 텔레그래프에서 "걸 그룹"으로 언급됩니다.

더 읽기와 듣기

외부 링크

라이브러리 리소스정보
록 음악